painting – The art berries

A lost era

Soheila Sokhanvari
Rebel Rebel
Fri 7 Oct 2022—Sun 26 Feb 2023
The Curve, Barbican Centre, London, UK

We recently visited the Soheila Sokhanvari art exhibition at The Curve, one of the art galleries you can find at the Barbican Art Centre in London. I hadn’t been there for a while, so it was good rediscovering this space that counts on a wide cultural offer and is really warm to hang around in the winter months.

As you enter the exhibition and walk along the 90-metre gallery (light is dim and walls are hand-painted with Islamic geometric shapes), you start coming across the 27 small portraits of feminist icons from pre-revolutionary Iran, painted in the tradition of Persian miniature painting -in egg tempera onto calf vellum with a squirrel-hair brush.

The art show offers an intimate and disturbing experience, as it invites you to discover the lives of these women by getting close to the paintings and their colourful details, while you know that this is part of a lost era. They are made in a small size and are displayed without names or biographical info, just painted numbers, in dark frames against the green murals of geometric crystals.

The fashion style and the wall paper displayed on these paintings, as well as the fragmented mirror that stands at the beginning of the corridor made me think of the 1970s. Indeed, the exhibition title “Rebel Rebel” borrows from David Bowie’s 1974 cult pop song and pays tribute to the significant courage of these 27 female icons, who pursued their careers in a culture enamoured with Western style but not its freedoms.

These women include Roohangiz Saminejad, the first unveiled actress to appear in a Persian language film, who had to change her name and lived in anonymity and seclusion following the revolution; the controversial modernist poet Forough Farrokhzad; and the leading intellectual and writer Simin Dāneshvar, among many others. The title also serves as a lament to the fate of these women, after the Iranian Revolution of 1979 and the subsequent establishment of a conservative Islamic theocracy, left them with a stark choice: to renounce any role in public life, or be forced into exile. Hard decision faced not only by these women, but by many other individuals throughout the years since the revolution started.

The soundtrack that accompanies your exploration along the show was composed by Marios Aristopoulos, which weaves together songs by celebrated Iranian singers from the mid-20th century, including Ramesh and Googoosh – a poignant gesture given that it remains illegal for a woman’s voice to be broadcast in Iran. And at the end of it, a big and extravagant sculptural form made of mirror hanging from the ceiling and featuring internal projections drawn from classic Iranian cinema.

The feminist icons shown in this exhibition look so western that is almost hard to believe that we’re looking at Iranian women on these portraits. Nonetheless, it’s worth looking at these paintings, before you find out more about their lives -they can be appreciated in their glory before finding out their fates after the Islamic Revolution. A lot of artists from their generation chose to “repent” and continued to work with the regime and in line with its agendas. But, the majority of women portrait in this exhibition made a choice to stand by what they believed in, even if it meant they had to go behind closed doors and no longer be publicly active. For example, Simin Dāneshvar continued to write after the revolution and refused to cooperate with the regime each time they tried to use her in their propagandists agendas.

This exhibition comes timely as Iran’s current unrest make the headlines in the news all over the world. Forty-three years after the revolution, the situation for women in this country has only got worse. Several Iranians have been sentenced to death by execution during the nationwide protests, which were sparked by the death of 22-year-old Mahsa Amini after she was apprehended by the state’s morality police for allegedly not wearing her hijab properly. While it’s hard to believe the current regime will actually crumble following the current protests, a change is more than due, so fingers crossed for that.

Admission: Free.

Una época perdida

Soheila Sokhanvari
Rebelde rebelde
7 Oct 2022—26 Feb 2023
The Curve, Barbican Centre, Londres, Reino Unido.

Hace poco que visitamos esta exposición de arte de Soheila Sokhanvari en The Curve, una de las galerías de arte que puedes encontrar en el Barbican Art Centre de Londres. Hacía tiempo que no iba, así que fue bueno redescubrir este espacio, que cuenta con una amplia oferta cultural y es muy acogedor para los meses de invierno.

Al entrar en la exposición y caminar por la galería de 90 metros (la luz es tenue y las paredes están pintadas a mano con formas geométricas islámicas), empiezas a encontrarte con los 27 pequeños retratos de iconos feministas del Irán prerrevolucionario, pintados en la tradición de la pintura en miniatura persa -en temple al huevo sobre vitela de becerro con un pincel de pelo de ardilla.

La muestra de arte ofrece una experiencia íntima e inquietante, ya que invita a descubrir la vida de estas mujeres acercándose a las pinturas y sus coloridos detalles, sabiendo que todo es parte de una época perdida. Están hechos en un tamaño pequeño y se muestran sin nombres ni datos biográficos, solo números pintados, en marcos oscuros contra los murales verdes de cristales geométricos.

El estilo de moda y el papel de pared que se muestran en estas pinturas, así como el espejo fragmentado que se encuentra al comienzo del pasillo me hizo pensar en la década de 1970. De hecho, el título de la exposición “Rebel Rebel” toma prestado de la canción pop de culto de David Bowie de 1974 y rinde homenaje al valor significativo de estos 27 iconos femeninos, que siguieron sus carreras en una cultura enamorada del estilo occidental, pero no de sus libertades.

Estas mujeres incluyen a Roohangiz Saminejad, la primera actriz sin velo que apareció en una película en idioma persa, quien tuvo que cambiar su nombre y vivió en el anonimato y reclusión después de la revolución; la controvertida poeta modernista Forough Farrokhzad; y la destacada intelectual y escritora Simin Dāneshvar, entre muchos otras. El título también sirve como un lamento por el destino de estas mujeres, después de que la revolución iraní de 1979 y el posterior establecimiento de una teocracia islámica conservadora las dejaran con una dura elección: renunciar a cualquier papel en la vida pública o verse obligadas a exiliarse. Difícil decisión a la que se enfrentaron no sólo estas mujeres, sino muchos otros individuos a lo largo de los años desde que comenzó la revolución.

La banda sonora que acompaña tu exploración a lo largo de la muestra fue compuesta por Marios Aristopoulos, que entreteje canciones de célebres cantantes iraníes de mediados del siglo XX, incluidos Ramesh y Googoosh, un gesto conmovedor dado que sigue siendo ilegal que se transmita la voz de una mujer en Irán. Y al final, una gran y extravagante forma escultórica hecha de espejos colgados del techo y con proyecciones internas extraídas del cine iraní clásico.

Los íconos feministas que se muestran en esta exposición se ven tan occidentales que es casi difícil creer que estamos viendo mujeres iraníes en estos retratos. Sin embargo, vale la pena mirar estas pinturas antes de saber más sobre sus vidas, se pueden apreciar en su gloria antes de conocer su destino después de la Revolución Islámica. Muchas artistas de su generación optaron por “arrepentirse” y continuaron trabajando con el régimen y de acuerdo con sus agendas. Pero, la mayoría de las mujeres retratadas en esta exposición tomaron la decisión de defender lo que creían, incluso si eso significaba tener que ir a puertas cerradas y dejar de ser activas públicamente. Por ejemplo, Simin Dāneshvar continuó escribiendo después de la revolución y se negó a cooperar con el régimen cada vez que intentaron usarla en sus agendas propagandísticas.

Esta exposición es particularmente oportuna ahora que los disturbios en Irán ocupan los titulares de las noticias de todo el mundo. Cuarenta y tres años después de la revolución , la situación de las mujeres en este país no ha hecho más que empeorar. Varios iraníes han sido condenados a muerte por ejecución durante las protestas en todo el país, provocadas por la muerte de Mahsa Amini, de 22 años, después de que fuera detenida por la policía de moralidad del estado por presuntamente no llevar puesto el hiyab correctamente. Si bien es difícil creer que el régimen actual se derrumbe después de las protestas actuales, es más que necesario un cambio, así que crucemos los dedos para que ocurra.

Entrada: Libre.

Rethinking the world

Lubaina Himid
25 November 2021 – 2 October 2022
Tate Modern, London, UK

The art exhibition I’ve selected in this occasion is one by Lubaina Himid, currently on show at Tate Modern, London. She is a British artist and curator known for being one of the first artists involved in the UK’s Black Art movement in the 1980s, and for becoming the first black woman to win the Tuner Prize in 2017. Born in Zanzibar to a white English mother and a black African father, she was brought to London soon after her dad’s premature death.

Himid was trained in theather design and received her master’s degree in Cultural History from the Royal College of Art in London, both training very relevant to understand her art practice. Over the last decade, she has earned international recognition for her figurative paintings, which explore overlooked and invisible aspects of history and of contemporary everyday life.

As I entered the art show, I was surrounded by bright colours with painted questions across the walls, such as: ‘what does love sound like?’, ‘what are monuments for?’, and most importantly ‘we live in clothes, we live in buildings – do they fit us?’ It may be a bit early on the show to be confronted with those questions. But, it forces you to rethink about the world we live in from the very beginning, which is in my opinion one of the strongest points of this art show.

Along the exhibition, she presents what life would be like if she could build it herself as opposed to accepting what’s already created for us. A wagon painted with fish (see below), a jelly moulds covered in African patterns, paintings representing buildings that twist, etc. Like a proposal for a new world architecture.

What least convinced me about this art show was her attempt to make you feel like an actor within a theatre stage with various sound installations across the show. It wasn’t something I felt related to. I prefer her bright, flat-perspective paintings. They are conceptually and aesthetically interesting . However, I didn’t see that this exhibition represents very well who was once one of the first artists involved in the UK’s Black Art movemen. It was a bit light from that perspective.

Having said that, it was interesting for me to see what one of the most relevant British artist have been working on most recently, and I appreciate her interest to make you rethink about the world in a new way; particularly relevant to design students, but to all of us as well. Let’s not accept everything that’s given to us. Let’s try to apply changes and build a better world; more caring, more imaginative and ultimately more exciting.

Repensar el mundo

Lubaina Himid
25 noviembre 2021 – 2 octubre 2022
Tate Modern, Londres, Reino Unido

La exposición de arte que he seleccionado en esta ocasión es una de Lubaina Himid, actualmente expuesta en la Tate Modern de Londres. Es una artista y comisaria de arte británica conocida por ser una de las primeras artistas involucradas en el movimiento Black Art del Reino Unido en la década de 1980 y por ser la primera mujer negra en ganar el Premio Tuner en 2017. Nacida en Zanzíbar de madre blanca inglesa y de padre negro africano, la trajeron a Londres poco después de la muerte prematura de su padre.

Himid se formó en diseño teatral y recibió su master en Historia Cultural del Royal College of Art de Londres, ambas titulaciones muy relevantes para comprender su práctica artística. Durante la última década, se ha ganado el reconocimiento internacional por sus pinturas figurativas, que exploran aspectos invisibles de la historia y de la vida cotidiana contemporánea.

Cuando entré en la exposición de arte, me ví rodeada de colores brillantes con preguntas pintadas en las paredes, como: “¿cómo suena el amor?”, “¿para qué son los monumentos?” y, lo que es más importante, “vivimos vestidos, vivimos en edificios, ¿se adaptan a nosotros?” Puede ser un poco temprano en la muestra para enfrentar al visitante a esas preguntas. Pero, te fuerza a repensar el mundo en el que vivimos desde el principio, que es en mi opinión uno de los puntos fuertes de esta muestra de arte.

A lo largo de la exposición, presenta cómo sería la vida si pudiera construirla ella misma en lugar de aceptar lo que ya está creado para nosotros. Una carreta pintada con peces (ver más abajo), unos moldes de gelatina cubiertos de motivos africanos, cuadros que representan edificios que se retuercen, etc. Como propuesta de una nueva arquitectura mundial.

Lo que menos me convenció de esta muestra de arte fue su intento de hacerte sentir como un actor dentro del escenario de un teatro con varias instalaciones de sonido a lo largo de la muestra. No fue algo con lo que me sintiera relacionada. Prefiero sus pinturas brillantes y de perspectiva plana. Son conceptual y estéticamente interesantes. Aunque, no me pareció que esta exhibición represente muy bien a quien alguna vez fue una de los primeras artistas involucrados en el movimiento Black Art del Reino Unido. Era un poco suave desde esa perspectiva.

Habiendo dicho eso, fue interesante para mí ver en qué ha estado trabajando recientemente una de las artistas británicas más relevantes, y aprecio su interés por hacerte repensar el mundo de una manera nueva; particularmente relevante para estudiantes de diseño, pero también para cualquiera de nosotros. No aceptemos todo lo que nos viene dado. Tratemos de aplicar cambios y construir un mundo mejor; más solidario, más imaginativo y en definitiva más emocionante.

Rebelling against the system

Eugenio Dittborn
Airmail Paintings
17 Sep–12 Dec 2021
Goldsmiths Centre for Contemporary Art (CCA), London, UK

The last art exhibition I saw at Goldsmiths CCA (London) was one of Eugenio Dittborn. I’m grateful to the guy who was at reception the day I went to the gallery for recommending it, because I hadn’t planned to see this one on that day. But, after seeing the art show and reflecting on it, I realised how relevant it is to the present day and the restrictions we’re living as a consequence of the pandemia. So, visit it if you have the time before the 12th December.

This is the fist exhibition of Dittborn in the UK since 1993, which includes historical and new works, sent to the gallery using couriers and his typical use of airmail. Since the 1980s the Chilean artist has been creating large-scale artworks that he’s folded and dispatched in airmail envelopes to galleries all over the world, overcoming restrictions of movement created by national borders, oppresive governments, geographical distance and a global pandemia that represents a new context. In fact, due to Covid the artist was not able to travel to the UK for the installation of his exhibition.

Dittborn spent years of his life under Pinochet’s dictatorship, when life was not lacking of restrictions to say the least. So, using huge sheets of paper and fabric that could be folded into envelopes, he created artworks that explore ideas of movement, oppression and freedom, and most importantly could be sent by airmail.

Originally the artist used brown Kraft paper and later moved to fabric. He reproduces found images, texts and drawings extracted from newspapers, magazines, drawing manuals and books. Each is selected, as Dittborn states, because they “amazed, disturbed, frightened, and sometimes tickled me.” Unfolded now across the decades, each acts as a document of different moments in both Dittborn’s personal history, and Chilean history.

Each work in this exhibition has a grid because of the folds and are displayed next to the envelopes in which they were sent in. One is covered with photos of indigenous Chileans who disappeared under Pinochet. Historia del rostro (History of the Human Face) is the name of this ongoing series. The direct gaze of these men and women confronted me as I entered the first room and made a strong impression on me. You can see a picture below.

Another artwork included news photos of a crashed postal plane in the snows of the Andes. And another shows an indigenous Chilean who was bought for the price of a few buttons and taken to London aboard the beagle alongside Chalres Darwin. See picture below.

It is not a coincidence that I chose to wear a red beret on these photos. It reminds me of a Phrygian cap, even though it doesn’t have the same shape. But, as previously covered on one of my posts dedicated to Martin Puryear, people of Anatolia wore those caps and in the modern world they’ve come to signify the pursuit of liberty.

For different geopolitical reason, the restrictions have been a crude reality for many people worldwide. Dictatorships can control life at many different levels. But, by folding his paintings and sending them around the world, Dittborn gives his ideas some sort of freedom that his subjects were never afforded. As he says on one envelope, he uses airmail to ‘conquer isolation and international confinement’.

And with pandemic-enforced travel restrictions in place, and the lack of liberty we can still see in many places worldwide, Dittborn’s airmail art is still here, rebelling against the system, and more relevant than ever.

Rebelándose contra el sistema
Eugenio Dittborn
Pinturas de correo aéreo
17 de septiembre – 12 de diciembre de 2021
Centro Goldsmiths de Arte Contemporáneo (CCA), Londres, Reino Unido.

La última exposición de arte que vi en Goldsmiths CCA (Londres) fue una de Eugenio Dittborn. Le agradezco al chico que estaba en la recepción el día que fui a la galería por recomendarla, porque no había planeado ver esta ese día. Pero, después de ver la muestra de arte y reflexionar sobre ella, me di cuenta de lo relevante que es a día de hoy por las restricciones que estamos viviendo como consecuencia de la pandemia. Así que visítala si tienes tiempo antes del 12 de diciembre.

Se trata de la primera exposición de Dittborn en el Reino Unido desde 1993, que incluye obras históricas y nuevas, enviadas a la galería mediante mensajería y su uso típico del correo aéreo. Desde la década de 1980, el artista chileno ha estado creando obras de arte a gran escala que ha doblado y enviado en sobres de correo aéreo a galerías de todo el mundo, sobrepasando las restricciones de movimiento creadas por las fronteras nacionales, gobiernos opresores, la distancia geográfica y una pandemia global que representa un nuevo contexto. De hecho, debido al Covid, el artista no pudo viajar al Reino Unido para la instalación de su exposición.

Dittborn pasó años de su vida bajo la dictadura de Pinochet, cuando la vida no carecía de restricciones, por decir lo mínimo. Entonces, utilizando enormes hojas de papel y tela que podían doblarse en sobres, creó obras de arte que exploran ideas de movimiento, opresión y libertad, y lo más importante, pueden enviarse por correo aéreo.

Originalmente el artista usaba papel Kraft marrón y luego pasó a la tela. Reproduce imágenes encontradas, textos y dibujos extraídos de periódicos, revistas, manuales de dibujo y libros. Cada uno es seleccionado, como dice Dittborn, porque “me asombraban, perturbaban, asustaban y, a veces, me hacían cosquillas”. Desplegados ahora a lo largo de las décadas, cada uno actúa como un documento de diferentes momentos tanto en la historia personal de Dittborn como en la historia de Chile.

Cada obra de esta exposición tiene una cuadrícula debido a los pliegues y se exhiben junto a los sobres en los que fueron enviadas. Una está cubierta con fotos de indígenas chilenos que desaparecieron bajo Pinochet. Historia del rostro es el nombre de esta serie en curso. La mirada directa de estos hombres y mujeres se presentó frente a mí cuando entré en la primera habitación y me causó una fuerte impresión. Puedes ver una imagen a continuación.

Otra obra de arte incluía fotos de noticias de un avión postal estrellado en las nieves de los Andes. Y otra muestra a un indígena chileno que fue comprado por el precio de unos botones y llevado a Londres a bordo del beagle junto a Chalres Darwin. Vea la imagen a continuación.

No es una coincidencia que haya elegido usar una boina roja en estas fotos. Me recuerda a un gorro frigio, aunque no tiene la misma forma exactamente. Pero, como mencioné anteriormente en una de mis publicaciones dedicadas a Martin Puryear, la gente de Anatolia usaba esas gorras y en el mundo moderno han llegado a significar la búsqueda de la libertad.

Por diferentes razones geopolíticas, las restricciones han sido una cruda realidad para muchas personas en todo el mundo. Las dictaduras pueden controlar la vida en muchos niveles diferentes. Pero, al doblar sus pinturas y enviarlas por todo el mundo, Dittborn le da a sus ideas una especie de libertad que sus sujetos nunca tuvieron. Como dice en un sobre, utiliza el correo aéreo para “conquistar el aislamiento y el confinamiento internacional”.

Y con las restricciones de viaje impuestas por la pandemia y la falta de libertad que todavía podemos ver en muchos lugares del mundo, el arte del correo aéreo de Dittborn está aquí, aún rebelándose contra el sistema y más relevante que nunca.

Contained horizons

Ugo Rondinone
a sky . a sea . distant mountains . horses . spring .
12 April – 22 May 2021
Sadie Coles, London, UK

The last art exhibition I saw that resonated with me was Ugo Rondinone’s at Sadie Coles this spring. I know it’s been been more than two months since I saw this show, but I hope you find his artworks as visually and conceptually exciting as I did.

Ugo Rondinone (born 1964) is a Swiss-born mixed-media artist based in New York. He studied at Hochschule für Angewandte Kunst, Vienna (1986-90), and has exhibited widely internationally. He’s particularly known for his temporary, large-scale land art sculptures such as Seven Magic Mountains (2016–2021), with its seven fluorescently-painted totems of large, car-size stones stacked 32 feet (9.8 m) high.

For this art exhibition I’m covering here, he showed a new version of Seven Magic Mountains at Davies Street (one of the venues at Sadie Coles), but in two dimensions. Each shaped canvas representing a painted rock stacked on top of each other and arranged vertically as you can see below.

I liked the reinvention of the totem with these paintings, but the artworks that I mostly enjoyed were the ones displayed at Kingly Street (Sadie Coles HQ venue), where Rondinone presented fifteen horses cast from blue glass. You could appreciate how they had been bisected horizontally to suggest a seascape or landscape into the boundaries of a body in order to imply a microcosmic world, while reversing the traditional formula of a body in a landscape. By multiplying the concept across fifteen foal-sized sculptures, he also created a landscape of repeated forms, to somehow close the circle.

The artist embodies ideas of space, time and nature with the horse sculptures that have recurred throughout his work over the time. Each object suggests a compound of the four elements – water, air, earth (connoted by the body of the horse), and fire, crystallised in the substance of the fired glass.

And finally, at the back of the gallery in a smaller room we could see the conjunction of see and sky in a big canvas, in which the sun is depicted beyond a horizontal line. As an echo of previous works he combined horizontal lines and suns of concentric circles. Rondinone’s framed it as a mental space that I dared to enter for the sake of the pictures below. I do hope that you enjoy the artworks and my interaction with them!

Horizontes contenidos
Ugo Rondinone
un cielo. un mar . montañas distantes. caballos . primavera .
12 de abril – 22 de mayo de 2021
Sadie Coles, Londres, Reino Unido

La última exposición de arte que vi que conectó conmigo fue la de Ugo Rondinone en Sadie Coles esta primavera. Sé que han pasado más de dos meses desde que la vi, pero espero que encuentres sus obras de arte tan visual y conceptualmente interesantes como yo.

Ugo Rondinone (nacido en 1964) es un artista de técnica mixta nacido en Suiza que vive en Nueva York. Estudió en la Hochschule für Angewandte Kunst de Viena (1986-90), y ha expuesto ampliamente a escala internacional. Es particularmente conocido por sus esculturas de ‘land art’ temporales y a gran escala como ‘Seven Magic Mountains’ (2016-2021), formada con siete tótems de piedras grandes del tamaño de un automóvil pintadas con colores fluor y apiladas a 32 pies (9,8 m) de altura.

Para la exposición de arte que cubro aquí, mostró una nueva versión de ‘Seven Magic Mountains’ en Davies Street (una de las galerías de Sadie Coles), pero en dos dimensiones. Cada lienzo de puntas redondas representa una roca pintada y apilada encima de la otra; todas dispuestas verticalmente como puedes ver a continuación.

Me gustó la reinvención del tótem con estas pinturas, pero las obras de arte que más me gustaron en esta muestra fueron las que se exhibieron en Kingly Street (galería principal de Sadie Coles HQ), donde Rondinone presentó quince caballos moldeados en vidrio azul. Cada escultura era un poco más pequeña que el tamaño real de un caballo y estaba formada por dos tonos distintos de azul transparente. Se podía apreciar cómo se habían dividido horizontalmente para sugerir un paisaje marino en los límites de un cuerpo con el fin de implicar un mundo microcósmico, mientras se invierte la fórmula tradicional de un cuerpo en un paisaje. Al multiplicar el concepto en quince esculturas del tamaño de un potrillo, también crea un paisaje de formas repetidas, para cerrar de alguna manera el círculo.

El artista encarna las ideas del espacio, el tiempo y la naturaleza con las esculturas de caballos que se han repetido a lo largo de su obra durante décadas. Cada objeto sugiere un compuesto de los cuatro elementos: agua, aire, tierra (connotada por el cuerpo del caballo) y fuego, cristalizados en la sustancia del vidrio cocido.

Y finalmente, al fondo de la galería en una sala más pequeña pudimos ver la conjunción de mar y cielo en un gran lienzo, en el que se representa al sol más allá de una línea horizontal. Como eco de trabajos anteriores combinó líneas horizontales y soles de círculos concéntricos. Rondinone lo enmarcó como un espacio mental en el que me atreví a entrar para tomar las imágenes que te muestro a continuación. ¡Espero que disfrutes de las obras de arte y de mi interacción con las mismas!

Photos taken at Davies Street (Sadie Coles) below.

Photos taken at Kingly Street (Sadie Coles) below.

An expert in the art of repetition

Andy Warhol
12 March – 15 November (Extended)
Tate Modern, London, UK

This post is long overdue. But, Covid-19 has transformed our lives in unimaginable ways. Galleries have been closed for a few months and finally they can be visited only by appointment here in London. So, I’m back to tell you about the last exhibition I’ve seen in months: Andy Warhol at Tate Modern. The show has been extended until the 15th November, so you’re still in time to see it.

I’m not the biggest fan of pop art, but Warhol is an American icon that cannot be missed. The art show features some of his iconic paintings, the work that made him famous as a pop artist (a term he hated apparently) including Coca-Cola bottles, 50 Marilyn Monroe portraits (1962), 168 pairs of Marilyn’s lips (see a picture of The art berries featuring this artwork below), Elvis I and II 1963/1964, Pink Race Riot 1964, a woman falling from a building 35 times, 10 Brillo boxes in a corner, 100 Campbell soup cans, 112 bottles of Coke and Marlon Brando twice, etc. Warhol was an expert in the art of repetition. “I want to be a machine” he said. Hence, his obsession with repetition, which in my opinion enhances the artwork instead of making it dull.

Warhol’s sexuality seems to be an important theme in this exhibition. Beginning with a selection of his early line drawings of men from the 1950s, counting on the film Sleep 1963, which documents Warhol’s lover, the poet John Giorno – and featuring large-scale paintings like his 1975 Ladies and Gentlemen series, not shown in the UK before. They depict anonymous Black and Latinx drag queens and trans women from New York, including iconic performer and activist, Marsha P. Johnson, a prominent figure in the Stonewall uprising of 1969 – a series of spontaneous, violent demonstrations by members of the LGBT community in response to a police raid. The exhibition looks at how Warhol’s attempt to bring the stars of the underground into the mainstream.

However, one of my favourite works in this exhibition was right at the end of the art show: Leonardo da Vinci’s Last Supper. Silkscreened from a reproduction, it’s repeated 60 times across a panoramic canvas in black and white (see image below). It turns Leonardo’s masterpiece in a static film-strip by the use of repetition. And it’s some kind of homage to Luis Buñuel’s film, Viridiana.

The art show tell us about his experiences as a child of working-class immigrants, a gay man, a devout Catholic and the target of a bizarre shooting by one of his groupies, to help us understand the evolution of his art. His innovative and unique approach to art in an age of immense political, social and technological change has been recognised by the art world ever since.

Experto en el arte de la repetición
Andy Warhol
12 de marzo – 15 de noviembre (ampliada)
Tate Modern, Londres, Reino Unido

Hace tiempo que quería poner un post. Pero, Covid-19 ha transformado nuestras vidas de formas inimaginables. Las galerías han estado cerradas durante unos meses y ya se pueden visitar con cita previa aquí en Londres. Así que, estoy de vuelta para contaros sobre la última exposición que he visto en meses: Andy Warhol en Tate Modern. La exposición ha sido extendida hasta el 15 de noviembre, por lo que aún estás a tiempo de verla.

No soy la mayor fan del pop art, pero Warhol es un ícono estadounidense que no te puedes perder. La muestra de arte presenta algunas de sus pinturas más icónicas, el trabajo que le hizo famoso como artista pop (un término que aparentemente odiaba) incluyendo botellas de Coca-Cola, 50 retratos de Marilyn Monroe (1962), 168 pares de labios de Marilyn (ver una imagen de The art berries con esta obra de arte a continuación), Elvis I y II 1963/1964, Pink Race Riot 1964, una mujer que se cae de un edificio 35 veces, 10 cajas de Brillo en una esquina, 100 latas de sopa Campbell, 112 botellas de Coca-Cola y Marlon Brando dos veces, etc. Warhol era un experto en el arte de la repetición. “Quiero ser una máquina”, dijo. De ahí su obsesión por la repetición, realzando la obra de arte en lugar de volverla aburrida.

La sexualidad de Warhol parece ser un tema importante en esta exposición. Comenzando con una selección de sus primeros dibujos lineales de hombres de la década de 1950, contando con la película Sleep 1963 – que documenta al amante de Warhol, el poeta John Giorno – y presentando pinturas de gran formato como su serie Ladies and Gentlemen de 1975, no mostrada en el Reino Unido antes. Representan drag queens y mujeres trans negras y latinas anónimas de Nueva York, incluida la artista y activista icónica, Marsha P. Johnson, una figura prominente en el levantamiento de Stonewall de 1969 – una serie de manifestaciones espontáneas y violentas de miembros de la LGBT comunidad en respuesta a una redada policial. La exposición analiza el interés de Warhol por llevar a las estrellas del underground a la corriente principal.

Sin embargo, una de mis obras favoritas de esta exposición estaba justo al final de la muestra de arte: La Última Cena de Leonardo da Vinci. Serigrafiada a partir de una reproducción, se repite 60 veces en un lienzo panorámico en blanco y negro. Convierte la obra maestra de Leonardo en una tira de película estática mediante el uso de la repetición. Es una especie de homenaje a la película de Luis Buñuel, Viridiana.

La exposición nos cuenta sus experiencias como hijo de inmigrantes de clase trabajadora, hombre gay, católico devoto y blanco de un extraño tiroteo por parte de una de sus groupies, para ayudarnos a comprender la evolución de su arte. Su enfoque innovador y único del arte en una época de inmenso cambio político, social y tecnológico ha sido reconocido por el mundo del arte desde entonces.

Changing perceptions

Olafur Eliasson
In real life
11 July 2019 – 5 January 2020
Tate Modern, London, UK

This was a very popular art exhibition at the Tate Modern in London last summer and autumn and, although I couldn’t find the time to write about it while it was on, I believe that Olafur Eliasson is one of the best artists working nowadays, so I wouldn’t like to miss it here.

As we went into the exhibition space, the first room we entered was a model room. In dim light, he presented around 450 models, prototypes and geometric studies behind a glass. All of them are a record of his work with a studio team and with Icelandic artist, mathematician and architect Einar Thorsteinn (1942-2015). Some of these shapes can be recognised on Eliasson’s sculptures and pavilions. I was mesmerised by the different shapes, textures and materials employed by the artist here. Among the materias on display were paper, wood, rubber balls, Lego and wire. I would’ve liked to shrink and immerse myself in this magical landscape! See a small view of the models below.

The following room displayed his earliest works. Here, it can be appreciated the interest of the artist in nature and the weather. My favourite piece in this room was “Moss wall” (1994), a huge abstract work made of Scandinavian reindeer lichen that served to bring an unexpected material from nature into the space of the gallery. The texture and colour of this work captivated me and kept me staring at it for some time; there was so much detail to appreciate from it! It was like going back to nature, but within a sheltered space.

Then, we could see the use the artist does of kaleidoscopes, which he’s been making since the mid-1990s. For Eliasson this is not just a playful toy, but also as a way to reconfigure what you see. He merges inside and outside space and dissolves the boundary between the gallery and the outside world. The art blackberry can be seen in a worship position underneath one of them.

As we continued watching the art exhibition, we came across his glacial works. Visiting Iceland in his childhood made the artist very close to the global warming plight after seeing its glaciers melt in first hand. He documented this with a series of photographs he started taking in 1999 and finished in 2019, twenty years later. The changes in the landscape can be clearly appreciated.

In addition, there were other references to the changing environment like in “Glacial currents” (2018), where pieces of glacial ice were placed on top of washes of colour pigment (see image below) or in a bronze cast from 2019 called “The presence of absence pavilion”, which makes visible the empty space left by a glacial ice chunk after melting away. An Australian friend collaborate with us as a Guest berry in these photos and her hand can be seen through this artwork below.

Finally, another one of Eliasson’s projects around this subject was “Ice Watch”, staged in front of Tate Modern in 2018 and consisting of ice blocks brought from Greenland to offer a direct experience of seeing the ice from the Artic melt. The ice was fished out of a fjord in Greenland after becoming detached from the ice sheet. As a result of global warming more icebergs are produced causing the sea levels to rise.

Olafur Eliasson is a Danish-Icelendic artist, whose body of work includes sculptures, large-scale installations, photography and paintings. He uses all sort of materials ranging from moss, glacial melt-water, light, fog and even air temperature to enhance the viewer’s experience. His main interests revolve around nature, geometry and his ongoing investigations into how we perceive, feel and shape the world around us. Hence, the audiences experience at his art shows are so much at the centre of attention of his art.

Ultimately, he believes that art can have a strong impact on the world outside the museum, and I personally agree with this view. In fact, Eliasson runs a studio in Berlin with technicians, architects, archivists, art historians, designers, filmmakers, cooks, and administrators, and he collaborates with all sort of professionals to work in matters such as sustainable energy or climate change. As an artist he’s got a strong will to change perceptions towards the environment and to achieve a more sustainable planet, and if more people had the same concerns, the world would be a better place to live in.

Cambiando percepciones

Olafur Eliasson
En la vida real
11 de julio de 2019 – 5 de enero de 2020
Tate Modern, Londres, Reino Unido.

Esta fue una exposición de arte muy popular en la Tate Modern de Londres el verano y otoño pasados y, aunque no encontré tiempo para escribir sobre ella mientras estaba abierta, creo que Olafur Eliasson es uno de los mejores artistas trabajando hoy día, así que no quiero dejar de cubrirla aquí.

Cuando entramos en la exposición, la primera sala con la que nos topamos fue una sala de maquetas. Con poca luz, se presentaban alrededor de 450 maquetas, prototipos y estudios geométricos detrás de un vidrio. Todas ellas son un registro de su trabajo con un equipo de su estudio y con el artista, matemático y arquitecto islandés Einar Thorsteinn (1942-2015). Algunas de estas formas se pueden reconocer en las esculturas e instalaciones de Eliasson. Me quedé fascinada con las diferentes formas, texturas y materiales empleados por el artista. Entre los materiales había papel, madera, bolas de goma, Lego y alambre. Me hubiera gustado encogerme para sumergirme en este paisaje mágico! Puedes ver una pequeña imagen de las maquetas debajo.

La siguiente sala exhibió sus primeros trabajos. Aquí, se reflejaba el interés del artista en la naturaleza y el clima. Mi pieza favorita en esta sala fue “Moss wall” (1994), una gran obra abstracta hecha de liquen de reno escandinavo que sirvió para llevar un material inesperado de la naturaleza al espacio de la galería. La textura y el color de este trabajo me cautivaron y me mantuvieron mirándolo por algún tiempo; ¡había tantos detalles que apreciar! Era como volver a la naturaleza, pero dentro de un espacio protegido.

Más adelante pudimos ver el uso que el artista hace de los caleidoscopios, que ha estado haciendo desde mediados de la década de 1990. Para Eliasson, este no es solo un juguete lúdico, sino también una forma de reconfigurar lo que ves. Fusiona el espacio interior y exterior y disuelve el límite entre la galería y el mundo exterior. The art blackberry se puede ver en una posición de adoración debajo de uno de ellos a continuación.

A medida que avanzamos por la exposición de arte, nos encontramos con sus obras glaciales. Visitar Islandia en su infancia hizo que el artista se acercara mucho a la difícil situación del calentamiento global después de ver cómo se derritieron sus glaciares de primera mano. Lo documentó con una serie de fotografías que comenzó a tomar en 1999 y terminó en 2019, veinte años después. Los cambios en el paisaje se pueden apreciar claramente.

Además, hubo otras referencias al entorno cambiante como en “Corrientes glaciales” (2018), donde se colocaron trozos de hielo glacial sobre lavados de pigmento de color (ver imagen a continuación) o en un molde de bronce de 2019 llamado “The presencia del pabellón de ausencia ”, que hace visible el espacio vacío dejado por un trozo de hielo glacial después de derretirse. Una amiga australiana visitando Londres colabora con nosotras como Guest berry y puede verse su mano a través de esta obra abajo.

Finalmente, otro de los proyectos de Eliasson en torno a este tema fue “Ice Watch”, organizado frente a Tate Modern en 2018 y consistente en bloques de hielo traídos de Groenlandia para ofrecer una experiencia directa de ver el deshielo del Artico. El hielo fue sacado de un fiordo en Groenlandia después de separarse de la capa de hielo. Como resultado del calentamiento global, se producen más icebergs que provocan el aumento del nivel del mar.

Olafur Eliasson es un artista danés-islandés, cuyo trabajo incluye esculturas, instalaciones a gran escala, fotografía y pinturas. Utiliza todo tipo de materiales, desde musgo, agua de deshielo glacial, luz, niebla e incluso temperatura del aire para mejorar la experiencia del espectador. Sus principales intereses giran en torno a la naturaleza, la geometría y sus continuas investigaciones sobre cómo percibimos, sentimos y damos forma al mundo que nos rodea. Por lo tanto, la experiencia del público en sus exposiciones de arte está en el centro de atención de su arte.

Finalmente, él cree que el arte puede tener un fuerte impacto en el mundo fuera del museo, y personalmente estoy de acuerdo con esta opinión. De hecho, Eliasson dirige un estudio en Berlín con técnicos, arquitectos, archiveros, historiadores del arte, diseñadores, cineastas, cocineros y administradores, y colabora con todo tipo de profesionales para trabajar en asuntos como la energía sostenible o el cambio climático. Como artista, tiene una gran voluntad de cambiar las percepciones sobre el medio ambiente y lograr un planeta más sostenible, y si más personas tuvieran las mismas preocupaciones, el mundo sería un lugar mejor para vivir.

The coldness of fairy tales

Edward Burne-Jones
24 October 2018 – 24 February 2019
Tate Britain, London, UK

The art berries visited recently the current art exhibition of Edward Burne-Jones, now at Tate Britain gallery in London.

Ned Jones, later Sir Edward Coley Burne-Jones, 1st Baronet (1833-98), was one of the last Pre-Raphaelites, who were always looking back to the past as their name indicates. He rejected the industrial world of the Victorians and made spectacular works depicting classical heroes, Arthurian knights, fairy tale heroines and angels in different mediums. He studied theology at Oxford, where he met his lifelong collaborator William Morris, with whom he was a pioneer of the arts and crafts movement, which aimed to bring beautiful design to everyone through the Aesthetic movement. After embracing the style of Dante Gabriel Rosetti when he was in his 20s, he carried on producing the same sort of works until his death in 1898.

I enjoyed seeing a series of his drawings at the beginning of the exhibition, which showcase his draughtsmanship skills, and his big scale paintings are well-composed and rather evocative. However, with his paintings I kept on encountering very similar faces of classical, cold and expressionless beauty. Even when he depicted real people such as his daughter or the daughter of prime minister William Gladstone on one of his most famous paintings “The Golden Stairs” on show here, all faces seem to have the same features. Almost as if he had recycled a likeness and he couldn’t bother distinguishing much between one woman or another.

This is the perfect art show to visit if you are interested in medieval art, religion, greek mythology and legends and want to travel back in time for inspiration. You can see across the exhibition the various forms in which he developed his art, from drawing to painting, passing by tapestry, embroidery, jewellery and stained glass windows.

I must say, I didn’t find much of an evolution in his work along this solo show, presented as a retrospective. He was very famous and very prolific with his art, but he didn’t seem to have developed his technique nor his style very much throughout his life. It may be the price you pay when you become so famous and have so many commissions coming in.

This is his first solo show at Tate since 1933 comprising over 150 artworks from across his career including his most famous paintings, such as the “The Golden Stairs”, “The Beguiling of Merlin” and the Sleeping Beauty series, some of them on show below. The curators of Tate Britain wanted to do a good homage to Burne-Jones as one the most influential artist of the 19th century, during the Victorian period. I wouldn’t go as far as to say that he was a Pre-Raphaelite visionary. And for sensuous beauty, I’d rather look at the work of other Pre-Raphaelite painters, such as Dante Gabriel Rosetti.

Having said that, I won’t deny his value as a decorative artists, his attention to detail and his input with regards to Art Nouveau in Britain. Therefore, if you have an appeal for classical heroes and fairy tales, and you like a Gothic style, you will almost certainly like this art show.

Below you can see The art blackberry performing next to Burne-Jones’ “Perseus and the Graiae”, a painting representing Perseus encountering the Graiae, three sisters of the Gorgons, who have between them only one tooth and one eye. As the eye is passed between them, Perseus steals it forcing them to tell him the way to find the nymphs he’s looking for.

La frialdad de los cuentos de hadas

Edward Burne-Jones
24 de octubre de 2018 – 24 de febrero de 2019
Tate Britain, Londres, Reino Unido

The art berries visitaron recientemente la exposición de arte de Edward Burne-Jones que hay ahora en la galería Tate Britain en Londres.

Ned Jones, después Sir Edward Coley Burne-Jones, 1er Baronet (1833-98), fue uno de los últimos prerrafaelistas, a los que les gustaba tomar como inspiración el arte del pasado, como su propio nombre indica. Rechazó el mundo industrial de los victorianos e hizo obras espectaculares que representan a héroes clásicos, caballeros de la época del rey Arturo, heroínas de cuento de hadas y ángeles en diferentes medios. Estudió teología en Oxford, donde conoció a William Morris, su colaborador de toda la vida, con quien fue pionero en el “arts and crafts movement,” cuyo objetivo era brindar un diseño hermoso a todo el mundo a través del movimiento Estético. Después de abrazar el estilo de Dante Gabriel Rosetti cuando tenía 20 años, continuó produciendo el mismo tipo de obras hasta su muerte en 1898.

Me gustaron la serie de dibujos expuestos al comienzo de la exposición, que muestran sus habilidades con el dibujo y sus pinturas a gran escala están bien compuestas y son bastante evocadoras. Sin embargo, con sus pinturas seguí encontrando caras muy similares de belleza clásica, fría e inexpresiva. Incluso cuando representaba a personas reales como su hija o la hija del primer ministro William Gladstone en uno de sus cuadros más famosos, “The Golden Stairs” que se muestra aquí debajo, todas las caras parecen tener las mismas características. Casi como si hubiera reciclado una fisonomía y no pudiera molestarse en distinguir mucho entre una mujer u otra.

Esta es la muestra de arte perfecta para visitar si estás interesado en el arte medieval, la religión, la mitología griega y las leyendas, y quieres viajar al pasado en busca de inspiración. Puedes ver a través de la exposición las diversas formas en las que desarrolló su arte, desde el dibujo hasta la pintura, pasando por el tapiz, el bordado, la joyería y las vidrieras.

Debo decir, que no encontré mucha evolución en su trabajo a lo largo de esta exposición que se presenta como una retrospectiva. Fue muy famoso y muy prolífico con su arte, pero no parece haber desarrollado mucho su técnica ni su estilo durante toda su vida. Puede ser el precio que pagas cuando te vuelves tan famoso y recibes tantas comisiones.

Esta es su primera exposición individual en Tate desde 1933, con más de 150 obras de arte de toda su carrera, incluidas sus pinturas más famosas, como “The Golden Stairs”, “The Beguiling of Merlin” y la serie Sleeping Beauty, algunas de las cuales se muestran debajo. abajo. Los curadores de Tate Britain querían hacer un buen homenaje a Burne-Jones como uno de los artistas más influyentes del siglo XIX durante el período victoriano. Sin embargo, no me atrevería a decir que Burne-Jones fué un visionario pre-rrafaelista. Y en cuanto a belleza sensual, prefiero el trabajo de otros pintores pre-rrafaelitas, como Dante Gabriel Rosetti.

Dicho esto, no negaré su valor como artistas decorativo, su atención a los detalles y su aporte con respecto al Art Nouveau en Gran Bretaña. Por lo tanto, si te atraen los héroes clásicos y los cuentos de hadas, y le gusta el estilo gótico, es casi seguro que le gustará esta muestra de arte.

Debajo puedes ver a The art blackberry junto a “Perseus and the Graiae” de Burne-Jones, una pintura que representa a Perseus encontrándose con Graiae, tres hermanas de las Gorgonas, que tienen entre ellas solo un diente y un ojo. Cuando el ojo pasa entre ellas, Perseo lo roba y los obliga a decirle cómo encontrar a las ninfas que está buscando.

The art blueberry next to “The wheel of fortune” by Edward Burne-Jones.
The art blueberry junto a “The wheel of fortune” por Edward Burne-Jones.

“The Golden Stairs” by Edward Burne-Jones.

“The Garden Court” (1874-84) by Edward Burne-Jones.

Various paintings above from the series part of “The sleeping beauty” by Edward Burne-Jones.
Varias pinturas arriba parte de la serie de “La bella durmiente” de Edward Burne-Jones.

Breaking moulds in art and in life

Russian Dada 1914–1924
Museo Reina Sofia, Madrid, Spain
6 June – 22 October 2018

I was pleased to visit this art show a month ago in Madrid, Spain, at the Reina Sofia Museum; the first one I cover out of the UK.

Although the art exhibition felt a bit long because of the number of works on show, about 250, it was really comprehensive and I found it interesting to gain a good perspective of the art created by Russian avant-garde artists during this period, from 1914 to 1924. The show includes paintings, collages, illustrations, sculptures, film projections and publications, and it’s divided in three parts.

Dada or Dadaism was an art movement of the European avant-garde that developed in the early 20th century in reaction to World War I and had an early centre in Zurich. The Dada movement rejected the logic, reason and aestheticism of modern capitalist society, expressing irrationality and nonsense protest in their works.

When it comes to Russian Dada, the artworks on show here were produced at the height of Dada’s flourishing, between World War I and the death of Vladimir Lenin, who happened to be a frequent visitor to Cabaret Voltaire in Zurich, where this art movement originated. The Russian avant-gardists on show, as well as the rest of Dadaists, supported internationalism and engaged in eccentric practices and pacifist demonstrations.

The first part of the show, and also my favourite, focuses on ‘alogical’ abstraction. As I came into the show I saw photos of some of the Russian Dadaists, in a rather irreverent and playful pose. They were followed by some film projections in black and white, of which I took a snapshot and it’s on show below. One of the sculptures created in this period includes Vladimir Tatlin’s “Complex Corner-Relief” (1915), next to which you can see myself performing for the photo.

The Art Blueberry performing next to Vladimir Tatlin’s, “Complex Corner-Relief”/”Relieve de esquina complejo” (1915).

One of the hits of this exhibition for me was to see the designs for a stage curtain of the futurist opera “Victory over the Sun” produced by Malevich in 1913 which led him to create his well know “Black Square” in 1915. We cannot see the “Black Square” here, but we can see a design for the curtain for the opera Victory over the Sun and some other variants of it including white squares that are brilliant too.

Kasimir Malevich, “Design for the curtain of the opera Victory over the Sun”/ “Diseño para el telón de la ópera Victoria sobre el Sol” – left/izq.
The Art Blueberry performing next to Malevich’s work.

Aleksei Morgunov was quoted within the show saying: “In 1914-15 Malevich and I decided that practically all forms of development of the painterly principles that had gone along the trajectory of negation of the created forms, logically brought us to a blank canvas. Our task then to create new forms that have a character of elementary geometric forms. One of such forms was a square.”

Olga Rozanova, “In the Street”/ “En la calle” (1915) – left/izquierda
Aleksei Morgunov, “Composition no. 1″/ “Composición n. 1” – right/derecha.

In collaboration with the musician Mikhail Matyushin and the poet Aleksei Kruchenykh, Malevich did a manifesto calling for the rejection of rational thought. They wanted to change the established systems of Western society. In the opera Victory over the Sun, the characters aimed to abolish reason by capturing the sun and destroying time. Malevich called this Suprematism, and this new movement is all about the supremacy of colour and shape in painting.

The second section spans the period from 1917 to 1924, from the victory of the Russian Revolution to the death of Vladímir Lenin, touching notions like Internationalism. Malevich’s Suprematism had a strong influence in his contemporaries.

As such, Sofia Dymshits-Tolstaia said on a testimony: “I came to Vitebsk after the October celebrations, but the city still glowed from Malevich’s decorations- of circles, squares, dots, lines of different colours…I felt like I was in a bewitched city, at the time everything was powerful and wonderful.”

We can see Malevich’s influence on Morgunov’s design for the cover of the journal ‘The International of Art’, and on “The New Man” from Litsitzki on show below.

Aleksei Morgunov, Unpublished cover of the journal The International of Art, 1919 / Portada inedita de la revista Internacional de arte – left/izq.
El Lisitzski, “The New Man”/ “El hombre nuevo” (1920-1923) – right/dcha.

The final section explores the connections between Russia and two of the main Dada centres, Paris and Berlin, with works from Russian artists in those two cities and the presence of artists like Lissitsky in Berlin, and Sergei Sharshun and Ilia Zdanevich in Paris.

The nihilistic zeitgeist that followed the Great War originated Dada, and the Marxism of the Russian Revolution agreed in principle with their ideals. The artists often pushed the Dadaesque into Russian mass culture, in the form of absurdist and chance-based designs. Their goal was to cause the death of art. But, failing to do that, they mostly became artists who managed to break moulds and created great works of art.

Rompiendo moldes en la vida y el arte
Dada ruso 1914-1924
Museo Reina Sofia, Madrid, España
6 de junio – 22 de octubre de 2018

Me gustó visitar esta exposición de arte hace un mes en Madrid, España, en el Museo Reina Sofía; el primero que cubro fuera del Reino Unido.

Aunque la exposición me pareció un poco larga debido a la cantidad de obras expuestas, alrededor de 250, fue bastante exhaustiva y me pareció interesante lograr una buena perspectiva del arte creado por los artistas vanguardistas rusos durante este período, de 1914 a 1924. La muestra incluye pinturas, collages, ilustraciones, esculturas, proyecciones de películas y publicaciones, y está dividido en tres partes.

Dada o Dadaism fue un movimiento de arte de la vanguardia europea que se desarrolló a principios del siglo XX en reacción a la Primera Guerra Mundial y tuvo un centro temprano en Zurich. El movimiento Dada rechazó la lógica, la razón y el esteticismo de la sociedad capitalista moderna, expresando irracionalidad y protestas absurdas en sus obras.

En lo que respecta al Dada ruso, las obras expuestas aquí se produjeron en el apogeo del florecimiento de Dada, entre la Primera Guerra Mundial y la muerte de Vladimir Lenin, que solía frecuentar el Cabaret Voltaire en Zurich, donde se originó este movimiento artístico. Los dadaístas rusos en exposición, así como el resto de los dadaístas, apoyaron el internacionalismo y se involucraron en prácticas excéntricas y manifestaciones pacifistas.

La primera parte de la exposición, y también mi favorita, se centra en la abstracción ‘alógica’. Al entrar en la muestra, se pueden ver fotos de algunos de los dadaístas rusos, en una actitud bastante irreverente. En la siguiente sala hay algunas proyecciones de películas en blanco y negro, de las cuales también tomé una instantánea que se muestra a continuación. Una de las esculturas creadas en este período incluye “Relieve de esquina complejo“ de Vladimir Tatlin (1915), junto a la cual puedes verme posando para la foto.

The Art Blueberry performing next to Vladimir Tatlin’s, “Complex Corner-Relief”/”Relieve de esquina complejo” (1915).

Uno de los éxitos de esta exposición para mí fue ver los diseños del telón de escenario de la ópera futurista “Victoria sobre el sol”, producida por Malevich en 1913, que le llevó a crear su bien conocido “Black Square“ en 1915. No podemos ver la obra “Black Square” aquí, pero podemos ver un diseño para el telón de la ópera Victoria sobre el Sol y algunas otras variantes, incluyendo cuadros blancos y negros que me parecen estupendos. Se me puede ver posando junto a uno de ellos a continuación.

Aleksei Morgunov fue citado dentro de la exposición diciendo: “En 1914-15, Malevich y yo decidimos que prácticamente todas los principios pictóricos que habían evolucionado a través de la negación de las formas anteriores nos conducían necesariamente al lienzo vacío. Nuestra tarea entonces consistía en crear formas nuevas que conservaran el carácter de las formas geométricas elementales. Una de esas formas era el cuadrado “.

Olga Rozanova, “In the Street”/ “En la calle” (1915) – left/izquierda
Aleksei Morgunov, “Composition no. 1″/ “Composición n. 1” – right/derecha.

En colaboración con el músico Mikhail Matyushin y el poeta Aleksei Kruchenykh, Malevich hizo un manifiesto llamando al rechazo del pensamiento racional. Querían cambiar los sistemas establecidos de la sociedad occidental. En la ópera “Victoria sobre el Sol”, los personajes intentaron abolir la razón capturando el sol y destruyendo el tiempo. Malevich llamó a esto Suprematismo, y este nuevo movimiento tiene que ver con la supremacía del color y la forma en la pintura.

La segunda sección abarca el período comprendido entre 1917 y 1924, desde la victoria de la Revolución Rusa hasta la muerte de Vladímir Lenin, que frecuentó Cabaret Voltaire en Zurich, tocando nociones como el internacionalismo. El suprematismo de Malevich tuvo una fuerte influencia en sus contemporáneos.

Como tal, Sofia Dymshits-Tolstaia dijo en un testimonio: “Llegué a Vitebsk después de las celebraciones de Octubre, pero la ciudad aún brillaba por las decoraciones de Malevich: círculos, cuadrados, puntos y líneas de diferentes colores … Sentí que me encontraba en una ciudad embrujada, en ese momento todo era posible y maravilloso.”

Podemos ver esta influencia de Malevich en el diseño de Morgunov para la portada de la revista ‘The International of Art’, y en ‘The New Man’ de Litsitzki que se muestra a continuación.

La sección final explora las conexiones entre Rusia y dos de los principales centros Dada, París y Berlín, con obras de artistas rusos en esas dos ciudades y la presencia de artistas como Lissitsky en Berlín y Sergei Sharshun e Ilia Zdanevich en París.

El espíritu de la época nihilista que siguió a la Gran Guerra originó a Dadá y el marxismo de la Revolución rusa comulgaba en principio con sus ideales. Los artistas a menudo empujaban al dadaismo hacia la cultura de masas rusa, con forma de diseños absurdos y basados en el azar. Su objetivo era causar la muerte del arte. Pero, al no hacer eso, en su mayoría se convirtieron en artistas que consiguieron romper moldes y crear grandes obras de arte.

Shared memories in colour

Howard Hodgkin
Last Paintings
Gagosian, Grovenor Hill, London
June 1 – July 28, 2018

The Gagosian gallery at Grosvenor Hill is now showing a show of Howard Hodgkin, a widely known British contemporary painter I first discovered with an exhibition there was at Tate Britain, London, in 2006. That show spanned his entire career from the 1950s, despite he wasn’t celebrated as a major figure in British art until the 1970s, but it revealed the early development of his visual language. The memory I keep of it is that it was a fest for the senses due to the vibrancy of the colours and expressiveness of the artworks.

The current exhibition at the Gagosian gallery showcases the final six paintings he completed in India before he died in March 2017, including more than twenty other paintings never displayed before in Europe. I was pleased to see his work again, and the final evolution of it as a gold brooch to the show I saw at Tate more than ten years ago.

Despite his work seems abstract at first sight, Hodgkin stated clearly that he wasn’t an abstract painter. The artist did a a continuos exploration of the representation of emotions, personal encounters and above all, memories of specific experiences that the viewer can relate with going back to his/her own experiences.

In an interview with Kenneth Baker in the Summer of 2016 Hodgkin said: “I can’t control the viewer. But I tell them what the picture’s about, always. I’ve never painted an abstract picture in my life. I can’t.”

He showed a passionate commitment to subject and said also in this interview that it’s when the physical reality is established that the subject can begin to show itself. But, he lamented that people didn’t usually see that his pictures where made of shape, drawing and composition.

Shared memories are a key part in his work. And it was very insightful to read the title of the works to know what he had in mind when he made a new painting. That reading was very evocative to me with some works. Like the painting titled “Portrait of the artist listening to music” displayed below, or the one titled “Darkness at noon” where The art raspberry performs as if she were a sculpture in the shadow.

Although we both liked most paintings, my favourite paintings didn’t necessarily coincide with the ones loved by The art raspberry. And, therefore, each of us performed with the ones we liked the most. In some cases, adding a new interpretation. Like with the work titled “Don’t tell a soul”, where mi position in front of the green brushstrokes over yellow seem to suggest “The birth of an idea” or “A moment of inspiration”. Finally, with the painting “Love song” I felt like a butterfly over some flowers and I truly felt connected to it.

Hodgkin represented Britain at the Venice Biennale in 1984 and received the Turner Prize in 1985. In addition, he was included by the newspaper The Independent in a list of the 100 most influential gay people in Britain.

Recuerdos compartidos en color
Howard Hodgkin
Últimas pinturas
Gagosian, Grovenor Hill, Londres
1 de junio – 28 de julio de 2018

La galería Gagosian en Grosvenor Hill, Londres, muestra ahora una exposición de Howard Hodgkin, un pintor británico ampliamente conocido que discubrí por primera vez con una exposición en Tate Britain, Londres, en 2006. Esa muestra abarcaba toda su carrera desde la década de 1950, a pesar de que no fue celebrado como una figura importante en el arte británico hasta la década de 1970, pero revelaba el desarrollo temprano de su lenguaje visual. El recuerdo que guardo de esta muestra es que fue un festival para los sentidos gracias a la vitalidad de los colores y la expresividad de las obras de arte.

La muestra que hay ahora en la galería Gagosian expone las últimas seis pinturas que completó en la India antes de morir en marzo de 2017, incluyendo más de veinte pinturas que nunca antes se habían expuesto en Europa. Me gustó ver su trabajo de nuevo, y la evolución final de este como un broche de oro para la exposición que vi en Tate hace más de diez años.

A pesar de que su trabajo parece abstracto a primera vista, Hodgkin afirmó claramente que no era un pintor abstracto. El artista realizó una exploración continua de la representación de emociones, encuentros personales y, sobre todo, recuerdos de experiencias con las que el espectador puede identificarse fijándose en sus propias experiencias.

En una entrevista con Kenneth Baker en el verano de 2016, Hodgkin dijo: “No puedo controlar al espectador. Pero les digo de qué se trata la imagen, siempre. Nunca he pintado una imagen abstracta en mi vida. No puedo “.

Mostró un compromiso apasionado con el sujeto pictórico y dijo también en esta entrevista que cuando se establece la realidad física es cuando dicho sujeto puede comenzar a mostrarse. Pero, se lamentó de que la gente no suele ver que sus imágenes están hechas de forma, dibujo y composición.

Los recuerdos compartidos son una parte clave de su trabajo. Y fue muy interesante leer el título de las obras para saber lo que él tenía en mente cuando hizo una nueva pintura. Esa lectura fue muy evocadora para mí con algunas obras. Como la pintura titulada “Retrato del artista que escucha música” que se muestra abajo, o la que se titula “Oscuridad al mediodía” donde The art raspberry actúa como si fuera una escultura en la sombra.

Aunque a los dos nos gustaron la mayoría de las pinturas, mis pinturas preferidas no coincidieron necesariamente con las que le gustaron a ella. Cada una hizo su ‘peformance’ con la obras con las que mas conectó en aquel momento. En algunos casos, añadiendo una nueva interpretación. Al igual que con el trabajo titulado “No le digas a un alma”, donde mi posición delante de las pinceladas verdes sobre amarillo parecen sugerir “El nacimiento de una idea” o “Un momento de inspiración”. Finalmente, con la pintura “Canción de amor” me sentí como una mariposa sobre algunas flores y me sentí conectada con la pintura.

Hodgkin representó a Gran Bretaña en la Bienal de Venecia en 1984 y recibió el Premio Turner en 1985. Además, fue incluido por el periódico The Independent en una lista de los 100 gays más influyentes en Gran Bretaña.

The art raspberry performing next to “Darkness at noon” (2015-2016).

The art blueberry performing next to “Love song” (2015).

Painting above: “Red sky at night” (2001-2011).

Painting above: “Red sky in the morning” (2016).

Painting above: “Darkness at noon” (2015-2016).

Painting above: “Indian veg” (2013 – 2014).

Art creation as an ongoing process

Past art shows: Giorgio Griffa. A continuos becoming.
Camden Arts Centre, London, UK.
26 January – 8 April 2018

We visited this art exhibition in March this year and got really inspired by the paintings presented by Giorgio Griffa (1936) at the Camden Art Centre. Griffa is an Italian abstract painter who lives and works in Turin and has been closely related to Arte Povera, which stands for ‘poor art’. This is a movement that appeared in Italy in the 1960s and with which artists sought to radically redefine painting by incorporating throwaway or ‘poor’ materials into their work.

Griffa believes in the ‘intelligence of painting’ and allows for every element of the process to influence and form his work, from the type of brush he uses to the nature of the canvas or the dilution of the pain.

Griffa’s approach is performative and time-base, as he assures that painting is “constant and never finished”.

His sources of inspiration are quantum energy, time-space mathematics, the golden ratio and the memory of visual experience since time immemorial. The body of work he presented at the Camden Arts Centre spans his career as an artist from the 1960s through to today and it was curated by artist and curator Stephen Nelson.

I found this exhibition visually striking and very much of my taste. The use of bold and primary colours over unstretched raw canvas was reinforced by the white background of the walls. As soon as I went through the door I felt I was entering the artist’s individual universe. The simple shapes and materials he uses on his paintings resonate with me; as if the artist had found a series of universal symbols and shared them with the rest of the world.

Performing as The art berries, we added another layer to these art exhibition and I dare to say that Griffa would approve of this addition to his work, not only for what it brought of improvisation and time-base performance, but also for the “constant and never finished” approach he likes to use on his paintings.