Experimenting with art under communism

Maria Bartuszová
20 September 2022 – 16 April 2023
Tate Modern, London, UK

The Slovak sculptor (1936–1996) was born in Prague and worked over three decades in Košice, the second largest city in Slovakia. She made strongly experimental art under communism, with no links to the western art world and even getting state support for some of her distinctive evocative creations.

Bartuszová developed her own techniques that included filling balloons with plaster and modelling objects by submerging them in water or blowing air into them. The stretchy shapes of balloons released new kinds of artistic form – some of these works suggest raindrops, seeds or eggs; others, the human body in interesting erotic ways.  See some pictures we took at the art exhibition below.

The artworks presented at the Tate were made mostly from plaster, so they could be sculpted cheaply and easily when she was a young mother working from home in the 1960s. Resourcefulness was key in gathering props in a time of material scarcity: she cast her models in small rubber balloons, condoms or even car tyres.

These spatial compositions were built to be touched, picked apart and reassembled. She used them in workshops with blind and partially sighted children in eastern Slovakia. This was documented by local curator Gabriel Kladek. See some photos taken at these workshops below.

She admired early 20th-century artists such as Brâncuşi, Miró and Henry Moore who transformed natural shapes into abstract art. But this modern tradition of “biomorphic abstraction” undergoes a disturbed rebirth when it’s passed through her balloons. Her organic shapes are sometimes fleshly, other times sort of disconcerting. They touch on themes such as belonging, growth and infinity.

In the 1970s, Bartuszová as well as other Czechoslovak artists, living under a totalitarian regime, was drawn towards spirituality. Nature gave the artist a setting for therapeutic and meditative contemplation. This inspired her to create works in which the plaster is merged with living and inanimate natural objects, such as stones or tree branches, which for her symbolised the strong bonds and constraints of human relationships.

Maria Bartuszova’s art exhibition comes at a time when the art world seems to be trying to redeem itself by bringing attention to female artists, who were previously ignored in comparison to their male counterparts working in the same period.

Her work was barely recognised for its worth in socialist Czechoslovakia. But, over the past 15 years the appreciation for her art has broadly grown. Currently, her work is included in the Centre Pompidou in Paris, the Slovak National Gallery in Bratislava and the Tate in London. And it is part of a curated selection at the Venice Biennale titled “Milk of Dreams”, Arsenale Area (April-November 2022).

As a mother of two young children working from home, I felt identified with the artist from the perspective of looking for new ways to entertain my kids at home making art. Her work was exploratory and very involving with audiences, something that we, The art berries, really admire.

Price: £16 / Free for Members.

Experimentando con arte bajo el comunismo

María Bartuszová
20 de septiembre de 2022 – 16 de abril de 2023
Tate Modern, Londres, Reino Unido

La escultora eslovaca (1936–1996) nació en Praga y trabajó durante tres décadas en Košice, la segunda ciudad más grande de Eslovaquia. Su arte de tipo experimental fue creado bajo el comunismo, sin vínculos con el mundo del arte occidental, e incluso consiguiendo apoyo estatal para algunas de sus distintivas evocadoras creaciones.

Bartuszová desarrolló sus propias técnicas que incluían llenar globos con escayola y modelar objetos sumergiéndolos en agua o soplando aire dentro. Las formas elásticas de los globos lanzaron nuevos tipos de formas artísticas: algunas de estas obras sugieren gotas de lluvia, semillas o huevos; otras, el cuerpo humano con interesantes formas eróticas. Se pueden ver algunas fotos que tomamos en la exhibición más abajo.

Las obras de arte presentadas en la Tate estaban hechas principalmente en escayola, por lo que pudo esculpirlas de forma económica y sencilla cuando era una madre joven trabajabando desde casa en la década de 1960. El ingenio fue clave en la recopilación de accesorios en una época de escasez de material: moldeó sus prototipos en pequeños globos de goma, condones o incluso neumáticos de automóviles.

Estas composiciones espaciales fueron construidas para ser tocadas, separadas y reensambladas. La artista las usó en talleres con niños ciegos y deficientes visuales en el este de Eslovaquia. Lo que fue documentado por el comisario de arte local Gabriel Kladek. Puedes ver algunas fotos tomadas en estos talleres a continuación.

Bartuszová admiró a artistas de principios del siglo XX como Brâncuşi, Miró y Henry Moore, quienes transformaron las formas naturales en arte abstracto. Pero esta tradición moderna de “abstracción biomórfica” experimenta un renacimiento perturbado cuando pasa a través de sus globos. Sus formas orgánicas son a veces carnales, otras veces algo desconcertantes. Tocan temas como la pertenencia, el crecimiento y el infinito.

Bartuszová, al igual que otros artistas checoslovacos de la década de 1970, que vivían bajo un régimen totalitario, se sintió atraída por la espiritualidad. La naturaleza le dio a la artista un escenario para la contemplación terapéutica y meditativa. Esto la inspiró a crear obras en las que el yeso se fusiona con objetos naturales vivos e inanimados, como piedras o ramas de árboles, que para ella simbolizan los fuertes lazos y las limitaciones de las relaciones humanas.

La exhibición de arte de Maria Bartuszová llega en un momento en que el mundo del arte parece estar tratando de redimirse centrando su atención en artistas femeninas que antes eran ignoradas, en comparación con sus homólogos masculinos que trabajaban en el mismo período.

Su trabajo apenas fue reconocido por su valor en la Checoslovaquia socialista. Pero, en los últimos 15 años, el aprecio por su arte no ha hecho más que crecer. Actualmente, su trabajo se incluye en el Centro Pompidou en París, la Galería Nacional Eslovaca en Bratislava y la Tate en Londres. Y forma parte de una selección de obras actualmente en la Bienal de Venecia titulada “Milk of Dreams”, Arsenale Area (abril-noviembre de 2022).

Como madre de dos niños pequeños que trabaja desde casa, me sentí identificada con la artista desde la perspectiva de buscar nuevas formas de entretener a mis hijos en casa haciendo arte. Su trabajo es exploratorio y muy participativo con el público, algo que nosotras, The art berries, realmente admiramos.

Precio de la entrada: £16 / Gratis para miembros.

Silver memories

Cornelia Parker
19 May 2022 – 16 October 2022
Tate Britain, London, UK

You cannot miss the art show of the season in London: Cornelia Parker at Tate Britain. The British conceptual artist is 65 and one of the most recognisable and acclaimed contemporary artists working today. Perhaps this exhibition was long time overdue.

From all her body of work my favourite pieces are her art installations. Poetic and mesmerising, they catch your imagination and invite you to reflection. The artist likes playing with concepts, using visual metaphors to investigate the nature of violence, ecology, national identity and human rights.

The art show opens with the enthralling “Thirty Pieces of Silver” (1988-89). Thirty groups of silverware hovering inches above the ground in darkness. Parker steamrollered them to take away their volume leaving them as flat as the Disney cartoons deaths of Roadrunner we used to watch when we were kids.

The artist talks about the anxiety she suffered when she made this artwork knowing her East London home was going to be demolished to make away for the M11 link road. Would have that contributed to the urge of destruction she suffered before creating this work? The name was taken from the Bible, as thirty was the number of coins Judas received for betraying Jesus. I really liked looking at these silverware pieces from a different perspective, completely flat hanging from the ceiling. They are like part of an old empire; a reminiscence of good old times we reverence now with nostalgia.

The next other big art installation present in this exhibition is “Cold Dark Matter: An Exploded View” (1991). A shed she exploded with the help of the British Army. Parker reconstructed it mid-boom as a frozen moment of vandalism. The shadows projected on the walls are as important as the work itself, as they contribute to the sensation of us being part of a bigger cosmos.

And again, flattened silver in another dim lit room full of suspended flattened trombones and trumpets with her work “Perpetual Cannon” (2004), all arranged in a circle like a ghost band in a different dimension.

Another art installation I found interesting for its originality was “War Room” (2015). A room covered with rolls of red paper with perforations where poppies had been punched out. The absence of the poppies is very meaningful because a lot of people went to the war and didn’t return home. This piece was made by Parker in response to an invitation to make a work about the I World War. The shape of the tent is inspired by the tent that Henri VIII did for a peace summit with the French king in 1520. The peace lasted only for one year. Not very succesful!

Then, the art show includes multiple works used by the artist to tell stories about things that matter to her, not exempt of irony. Among them the marks left by workmen pointing the perimeter walls of Pentonville prison, photographed by Parker, look like an abstract painting. They were all painted white soon after, and a few hours later, a murdered escaped from the prison after scaling the walls. Or the black and white pictures taken with a camera that once belonged to Auschwitz commander Rudolf Höss.

Parker’s work is also an art of collaborations, such as with the embroidery of the Wikipedia entry on the Magna Carta, whose lettering has been sewn by prisoners and professional embroiderers, including Edward Snowden and Julian Assange.

Despite the certain artificiality or excessive logic applied to her work, I like the way in which she constructs and deconstructs, destroys and remakes the objects and the environment that surround us, making us think about further meanings and associations that connect us all in the universe.

Recuerdos de plata

Cornelia Parker
19 mayo 2022 – 16 octubre 2022
Tate Britain, Londres, Reino Unido

No te puedes perder la muestra de arte de la temporada en Londres: Cornelia Parker en Tate Britain. La artista conceptual británica tiene 65 años y es una de los artistas contemporáneas más reconocibles y aclamadas de la actualidad. Tal vez esta exposición se retrasó mucho tiempo.

De todo su trabajo mis obras favoritas son sus instalaciones de arte; poéticas e hipnotizantes, atrapan tu imaginación y te invitan a la reflexión. A la artista le gusta jugar con conceptos, utilizando metáforas visuales para investigar la naturaleza de la violencia, la ecología, la identidad nacional y los derechos humanos.

La exposición comienza con la fascinante obra “Treinta piezas de plata” (1988-89). Treinta grupos de vajilla plateada flotando a centímetros del suelo en la oscuridad. Parker los aplastó para quitarles el volumen dejándolos tan planos como las muertes del Correcaminos de los dibujos animados de Disney que solíamos ver cuando éramos niños.

La artista habla de la ansiedad que sufrió cuando hizo esta instalación de arte sabiendo que su casa del este de Londres iba a ser demolida para dar paso a la carretera de enlace M11. ¿Contribuiría eso a la urgencia de destrucción que sufrió antes de crear este trabajo? El nombre de la obra fue tomado de la Biblia, ya que treinta era el número de monedas que recibió Judas por traicionar a Jesús. Me gustó mucho mirar estas piezas de platería desde una perspectiva diferente, completamente planas colgando del techo. Son como parte de un antiguo imperio; una reminiscencia de los buenos tiempos que ahora recordamos con nostalgia.

La siguiente gran instalación de arte presente en esta exposición es “Cold Dark Matter: An Exploded View” (1991). Un cobertizo que explotó con la ayuda del ejército británico. Parker lo reconstruyó a mitad de la explosión como un momento congelado de vandalismo. Las sombras proyectadas en las paredes son tan importantes como la obra misma, ya que contribuyen a la sensación de que somos parte de un cosmos mayor.

Y de nuevo, plata aplastada en otra habitación tenuemente iluminada llena de trombones y trompetas aplastados suspendidos con su obra “Perpetual Cannon” (2004), todos dispuestos en círculo como una banda fantasma en una dimensión diferente.

Otra instalación de arte que encontré interesante por su originalidad fue “War Room” (2015). Una habitación cubierta con rollos de papel rojo con perforaciones donde se habían troquelado amapolas. La ausencia de las amapolas es muy significativa por toda la gente que fue a la guerra y no volvió a casa. Esta pieza fue realizada por Parker en respuesta a una invitación para realizar un trabajo sobre la I Guerra Mundial. La forma de la carpa está inspirada en la carpa que hizo Enrique VIII para una cumbre de paz con el rey francés en 1520. La paz duró solo un año. ¡No muy exitosa!

Luego, la muestra de arte incluye múltiples obras utilizadas por la artista para contar historias sobre cosas que le importan, no exentas de ironía. Entre ellas, las marcas dejadas por los obreros señalando los muros perimetrales de la prisión de Pentonville, fotografiadas por Parker, parecen una pintura abstracta. Todas fueron pintadas de blanco después, y unas horas más tarde, un asesinado escapó de la prisión tras escalar los muros. O las fotografías en blanco y negro tomadas con una cámara que una vez perteneció al comandante de Auschwitz Rudolf Höss.

El trabajo de Parker también es un arte de colaboraciones, como con el bordado de la entrada de Wikipedia en la Carta Magna, cuyas letras han sido cosidas por prisioneros y bordadores profesionales, incluyendo Edward Snowden y Julian Assange.

A pesar de cierta artificialidad o excesiva lógica aplicada a su trabajo, me gusta la forma en que construye y deconstruye, destruye y rehace los objetos y el entorno que nos rodea, haciéndonos pensar en significados y asociaciones adicionales que nos conectan a todos nosotros en el universo.

The art blueberry with Cornelia Parker’s Thirty Pieces of Silver

Rethinking the world

Lubaina Himid
25 November 2021 – 2 October 2022
Tate Modern, London, UK

The art exhibition I’ve selected in this occasion is one by Lubaina Himid, currently on show at Tate Modern, London. She is a British artist and curator known for being one of the first artists involved in the UK’s Black Art movement in the 1980s, and for becoming the first black woman to win the Tuner Prize in 2017. Born in Zanzibar to a white English mother and a black African father, she was brought to London soon after her dad’s premature death.

Himid was trained in theather design and received her master’s degree in Cultural History from the Royal College of Art in London, both training very relevant to understand her art practice. Over the last decade, she has earned international recognition for her figurative paintings, which explore overlooked and invisible aspects of history and of contemporary everyday life.

As I entered the art show, I was surrounded by bright colours with painted questions across the walls, such as: ‘what does love sound like?’, ‘what are monuments for?’, and most importantly ‘we live in clothes, we live in buildings – do they fit us?’ It may be a bit early on the show to be confronted with those questions. But, it forces you to rethink about the world we live in from the very beginning, which is in my opinion one of the strongest points of this art show.

Along the exhibition, she presents what life would be like if she could build it herself as opposed to accepting what’s already created for us. A wagon painted with fish (see below), a jelly moulds covered in African patterns, paintings representing buildings that twist, etc. Like a proposal for a new world architecture.

What least convinced me about this art show was her attempt to make you feel like an actor within a theatre stage with various sound installations across the show. It wasn’t something I felt related to. I prefer her bright, flat-perspective paintings. They are conceptually and aesthetically interesting . However, I didn’t see that this exhibition represents very well who was once one of the first artists involved in the UK’s Black Art movemen. It was a bit light from that perspective.

Having said that, it was interesting for me to see what one of the most relevant British artist have been working on most recently, and I appreciate her interest to make you rethink about the world in a new way; particularly relevant to design students, but to all of us as well. Let’s not accept everything that’s given to us. Let’s try to apply changes and build a better world; more caring, more imaginative and ultimately more exciting.

Repensar el mundo

Lubaina Himid
25 noviembre 2021 – 2 octubre 2022
Tate Modern, Londres, Reino Unido

La exposición de arte que he seleccionado en esta ocasión es una de Lubaina Himid, actualmente expuesta en la Tate Modern de Londres. Es una artista y comisaria de arte británica conocida por ser una de las primeras artistas involucradas en el movimiento Black Art del Reino Unido en la década de 1980 y por ser la primera mujer negra en ganar el Premio Tuner en 2017. Nacida en Zanzíbar de madre blanca inglesa y de padre negro africano, la trajeron a Londres poco después de la muerte prematura de su padre.

Himid se formó en diseño teatral y recibió su master en Historia Cultural del Royal College of Art de Londres, ambas titulaciones muy relevantes para comprender su práctica artística. Durante la última década, se ha ganado el reconocimiento internacional por sus pinturas figurativas, que exploran aspectos invisibles de la historia y de la vida cotidiana contemporánea.

Cuando entré en la exposición de arte, me ví rodeada de colores brillantes con preguntas pintadas en las paredes, como: “¿cómo suena el amor?”, “¿para qué son los monumentos?” y, lo que es más importante, “vivimos vestidos, vivimos en edificios, ¿se adaptan a nosotros?” Puede ser un poco temprano en la muestra para enfrentar al visitante a esas preguntas. Pero, te fuerza a repensar el mundo en el que vivimos desde el principio, que es en mi opinión uno de los puntos fuertes de esta muestra de arte.

A lo largo de la exposición, presenta cómo sería la vida si pudiera construirla ella misma en lugar de aceptar lo que ya está creado para nosotros. Una carreta pintada con peces (ver más abajo), unos moldes de gelatina cubiertos de motivos africanos, cuadros que representan edificios que se retuercen, etc. Como propuesta de una nueva arquitectura mundial.

Lo que menos me convenció de esta muestra de arte fue su intento de hacerte sentir como un actor dentro del escenario de un teatro con varias instalaciones de sonido a lo largo de la muestra. No fue algo con lo que me sintiera relacionada. Prefiero sus pinturas brillantes y de perspectiva plana. Son conceptual y estéticamente interesantes. Aunque, no me pareció que esta exhibición represente muy bien a quien alguna vez fue una de los primeras artistas involucrados en el movimiento Black Art del Reino Unido. Era un poco suave desde esa perspectiva.

Habiendo dicho eso, fue interesante para mí ver en qué ha estado trabajando recientemente una de las artistas británicas más relevantes, y aprecio su interés por hacerte repensar el mundo de una manera nueva; particularmente relevante para estudiantes de diseño, pero también para cualquiera de nosotros. No aceptemos todo lo que nos viene dado. Tratemos de aplicar cambios y construir un mundo mejor; más solidario, más imaginativo y en definitiva más emocionante.

Sewing dark memories

Louise Bourgeois
The Woven Child
9 February 2022 – 15 May 2022
Hayward Gallery, Southbank Centre, London, UK

If you’re looking for things to do during the Easter break, and you happen to be in London, I recommend you to go to see the Louise Bougeois art exhibition there is currently at the Hayward gallery. It’s a good opportunity to immerse yourself in Bougeois’ personal universe with good doses of eerie darkness, intimacy and creativity.

I normally enjoy entering the individual universe of an artist, looking at different sources of inspiration and forms of expression. And when it comes to this show, I’d say that the characteristics of this gallery and the set up of the show both contribute to immerse visitors into the personal universe of the artist quite effectively, so I found it was an interesting experience.

The exhibition called “The Woven Child” is the first retrospective focused on the works she made with fabrics and textiles during the last 20 years of her career, between the mid-1990s and her death in 2010. Bourgeois decided to break with traditional sculptural materials and return to her roots. Most of the works included are figurative sculptures, made from household textiles, including clothing, linens, and tapestry fragments that she obtained from her own family and personal history.

Her connection to the fabric began very early and was part of her identity. The artist helped in her family’s tapestry restoration workshop in France, and we know that growing up was traumatic with an oppressive father. The actions of creating these works -cutting, tearing, sewing, joining- relate them to notions of reparation and to the trauma of separation and abandonment in metaphorical terms. The exhibition explores what the artist, in her own words, called “the magical power of the needle… to repair the damage” and to offer “a claim for forgiveness.”

Part of the selection of figurative sculptures was a selection of the artist’s fabric heads displayed with their different misterious and unsettling portraits, and a comprehensive range of missing limbs and bodies intertwined and presented in vitrines or hanging from the ceiling. Most of them were downstairs, where you can experience her work in a more dramatic and intimate way, perhaps because of the dim lighting that is predominant there.

The art show includes also some of Bourgeois’s monumental Cells, such as “The imposing installation Spider” (1997) and displayed on the top floor, and the related Cell piece “Lady in Waiting” (2003). In these installations, she hanged old dresses, slips and nightwear, and included fragments of antique tapestry, as well as a huge spider sculpture made of steel.

The spider was for Bourgeois both a protector and a predator, and she associated it with her mother, who was a weaver and a tapestry restorer. The spider’s ability to weave a web from its own body was a metaphor Bourgeois also used to describe her own artistic process. While you’re peeping through the cells you find yourself getting closer to the artist intimacy and part of the storytelling she skillfully had sewn around you.

In addition to these art installations, we could see a selection of fabric drawings, books, prints and collages upstairs, as well as several of the artist’s non-figurative sculptures called “progressions”, columns of stacked textile blocks of lozenges, organised in ascending and descending order – a return to the vertical works she did in the 1940s and 1950s. These non-figurative works were very evocative of her childhood and had less of a dark overtone as the figurative ones.

Going through this exhibition was like penetrating the artist’s mind and exploring her concerns, such as identity, sexuality, family, reparation, the subconscious and memory. All these themes expressed by the artist very effectively thanks to the use of fabrics mostly, a material that was so close to her personal history. I hope you enjoy the photos of the interactions we made with the artworks.

Cosiendo recuerdos oscuros

Louise Bourgeois
The Woven Child
9 Febrero 2022 – 15 Mayo 2022
Hayward Gallery, Southbank Centre, Londres, Reino Unido

Si estás buscando cosas que hacer durante las vacaciones de Semana Santa y te encuentras en Londres, te recomiendo que vayas a ver la exposición de arte de Louise Bougeois que hay actualmente en la galería Hayward. Es una buena oportunidad para sumergirse en el universo personal de Bougeois con buenas dosis de misteriosa oscuridad, intimidad y creatividad.

Normalmente disfruto adentrándome en el universo individual de un artista, mirando diferentes fuentes de inspiración y formas de expresión. Y en lo que respecta a esta muestra, diría que las características de esta galería y la configuración de la exposición contribuyen a sumergir a los visitantes en el universo personal de la artista bastante eficazmente, por lo que me pareció interesante la experiencia.

La muestra denominada “The Woven Child” es la primera retrospectiva centrada en las obras que realizó con telas y textiles durante los últimos 20 años de su carrera, entre mediados de la década de 1990 y su muerte en 2010. Bourgeois decidió romper con los materiales escultóricos tradicionales y volver a sus raíces. La mayoría de las obras incluidas son esculturas figurativas, elaboradas con textiles domésticos, incluidas prendas de vestir, ropa de cama y fragmentos de tapices que obtuvo de su propia historia familiar y personal.

Su conexión con la tela comenzó muy temprano y era parte de su identidad. La artista ayudaba en el taller de restauración de tapices de su familia en Francia, y sabemos que su crecimiento fue traumático con un padre opresivo. Las acciones de crear estas obras -cortar, rasgar, coser, unir- las relaciona con las nociones de reparación y con el trauma de la separación y el abandono en términos metafóricos. La muestra explora lo que la artista, en sus propias palabras, llamó “el poder mágico de la aguja… para reparar el daño” y para ofrecer “un reclamo de perdón”.

Parte de la selección de esculturas figurativas fue una selección de cabezas de tela de la artista expuestas con sus diferentes retratos misteriosos e inquietantes, y una amplia gama de miembros perdidos y cuerpos entrelazados y presentados en vitrinas o colgados del techo. La mayoría estaban en la planta baja, donde se puede vivir su obra de una forma más dramática e íntima, quizás por la tenue iluminación que allí predomina.

La muestra de arte incluye también algunas de las Celdas monumentales de Bourgeois, como “La imponente instalación Araña” (1997) y expuesta en la planta de arriba, y la pieza de Celda relacionada “La dama de espera” (2003). En estas instalaciones, colgó viejos vestidos, combinaciones y ropa de dormir, e incluyó fragmentos de tapices antiguos, así como una enorme escultura de araña hecha de acero.

La araña era para Bourgeois tanto protectora como depredadora, y la asociaba con su madre, que era tejedora y restauradora de tapices. La habilidad de la araña para tejer una telaraña con su propio cuerpo fue una metáfora que Bourgeois también usó para describir su propio proceso artístico. Mientras miras a través de las celdas, te encuentras acercándote a la intimidad de la artista y parte de la narración que hábilmente ha tejido a tu alrededor.

Además de estas instalaciones artísticas, en el piso de arriba pudimos ver una selección de dibujos en tela, libros, grabados y collages, así como varias de las esculturas no figurativas de la artista llamadas “progresiones”, columnas de bloques textiles apilados de rombos, organizadas de forma ascendente y orden descendente – un regreso a las obras verticales que hizo en los años 40 y 50. Estas obras no figurativas evocaban mucho su infancia y tenían un matiz menos oscuro que las figurativas.

Recorrer esta exposición fue como penetrar en la mente de la artista y explorar sus inquietudes, tales como la identidad, la sexualidad, la familia, la reparación, el subsconsciente y la memoria. Todas estos temas expresados por la artista de forma muy efectiva gracias al uso de las telas mayoritariamente, un material que para ella era tan cercano a su historia personal. Espero que os gusten las fotos de las interacciones que hicimos con las obras de arte.

Shaping a better world

Theaster Gates
A Clay Sermon
29 September 2021 – 9 January 2022
Whitechapel Gallery, London, UK

It’s always good to discover new artists and new lines of creative expression. So, it was interesting to visit the Theaster Gates ceramic art show at Whitechapel Gallery early this year. The name of the exhibition, “A Clay Sermon”, conveys effectively the significance of clay, as well as its material and spiritual legacies.

Clay and religion are foundational to the artistic practice of the Chicago based artist, who has received international acclaim for his community and cultural interventions in Black Space. The relationship between God and humanity is similar to the potter working with clay. According to Theaster Gates, ‘As a potter you learn how to shape the world’. Art as activism. Activism as art. That’s what he proposes.

Gates studied urban planning and ceramics. The latter with traditional artisans more than 20 years ago in Tokoname, Japan. But he was also urged to develop his own style. Gradually he homed in on the concept of Afro-Mingei, fusing Japanese philosophy and folk traditions with African American culture. In fact, many of his early projects addressed the shared significance of pottery in Japanese and African American cultures.

The art exhibition we refer to here was split on two floors. The ground floor provided all the contextual material with loans from various museums like the Victoria and Albert Museum in London. It showcased works from China, Iran and more specifically historic works from some of his ceramic heroes. It was mainly informative for me seeing all those works from different artists next to each other.

One of his inspirations was David Drake, AKA Dave the Potter, a enslaved man who gained his freedom at the end of the civil war. He worked in potteries in South Carolina and was able to make vast, bold vessels often inscribed with lines of poetry, when it was illegal for enslaved people to write. Drake was an exploited black man, who saved his dignity through his work and creative gifts.

Another big reference for Gates’s own work is the Greek-American ceramicist Peter Voulkos (1924-2002), known as a radical ceramic artist. His works in fired clay are related to abstract expressionism, Zen and, later, to pop art. Gates pairs one of his own works with a large wood-fired stoneware ceramic by Voulkos, his 1994 Pinatubo, borrowed from the V&A. The two stand together, sharing a plinth. Gates has made several works in homage to Voulkos, as an act of what is called in Japanese Utsushi, or “replication as a spiritual practice”.

The top exhibition floor purely included Theaster Gates’ works with his big sculptures displayed on and framed by wood and stone, evoking Brancusi, and fusing all the references that inspire his work. I really liked the combination of all these works, including some big organic pieces like a spiky tall vessel, a big Asian-inspired glazed stoneware vessel, very Afro-Mingei; a chair inspired in African tradition and and a couple of Afro-Mingei faces framed in wood. See our art interaction with the artworks below. We are like clay.

The use of clay in building communities of knowledge, its role in colonialism and global trade and the ceremonial and ritual use of ceramics was very well explored throughout the whole exhibition, as well as other themes like craft and racial identity. Gates is not only talented creating his body of work but also very committed with community at large.

I can’t wait to see the design called ‘Black Chapel’ that he’ll create for the 2022 Serpentine Pavilion this summer . This year will be the first that a non-architect curates the pavilion. It “will pay homage to British craft and manufacturing traditions” and will open to the public on Friday 10 June 2022, next to the Serpentine Gallery.

Dando forma a un mundo mejor
Theaster Gates
A Clay Sermon
29 septiembre 2021 – 9 enero 2022
Galería Whitechapel, Londres, Reino Unido

Siempre es bueno descubrir nuevos artistas y nuevas líneas de expresión creativa. Por lo que fue interesante visitar la exposición de cerámica de Theaster Gates en la galería Whitechapel a principios de este año. El nombre de la exposición, “A Clay Sermon” o “Un sermón de barro”, transmite con eficacia el significado y la importancia de la arcilla, así como sus legados materiales y espirituales.

La arcilla y la religión son fundamentales para la práctica artística del artista con sede en Chicago, que ha recibido reconocimiento internacional por sus intervenciones comunitarias y culturales en ‘Black Space’. La relación entre Dios y la humanidad es similar a la del alfarero trabajando con arcilla. Según Theaster Gates, “Como alfarero, aprendes a dar forma al mundo”. El arte como activismo. El activismo como arte. Esa es su propuesta.

Gates estudió urbanismo y cerámica. Este último con artesanos tradicionales hace más de 20 años en Tokoname, Japón. Pero también se le instó a desarrollar su propio estilo. Gradualmente se centró en el concepto de Afro-Mingei, fusionando la filosofía japonesa y las tradiciones populares con la cultura afroamericana. De hecho, muchos de sus primeros proyectos abordaron el significado compartido de la cerámica en las culturas japonesa y afroamericana.

La exposición a la que nos referimos aquí se dividía en dos plantas. La planta baja proporcionaba todo el material contextual con préstamos de varios museos como el Victoria and Albert Museum de Londres, mostrando obras de China, Irán y, más específicamente, obras históricas de algunos de sus héroes de cerámica. Fue principalmente informativo para mí ver todos esos trabajos de diferentes artistas uno al lado del otro.

Una de sus fuentes de inspiración fue David Drake, también conocido como Dave the Potter, el hombre esclavizado que obtuvo su libertad al final de la guerra civil american. Trabajó en alfarerías en Carolina del Sur y pudo hacer vasijas grandes y audaces, a menudo inscritas con líneas de poesía, cuando era ilegal que las personas esclavizadas escribieran. Drake fue un hombre negro explotado, que salvó su dignidad a través de su trabajo y talentos creativos.

Otra gran referencia para el propio trabajo de Gates es el ceramista greco-estadounidense Peter Voulkos (1924-2002), conocido como un ceramista radical. Sus obras en barro cocido se relacionan con el expresionismo abstracto, el zen y, posteriormente, con el arte pop. Gates combina una de sus propias obras con una gran cerámica de gres cocida al horno de leña de Voulkos, su Pinatubo de 1994, que tomó prestada del V&A. Los dos estaban juntos, compartiendo un pedestal. Gates ha realizado varias obras en homenaje a Voulkos, como un acto de lo que se denomina en japonés Utsushi, o “emulación como práctica espiritual”.

La planta superior de la exposición incluía exclusivamente las obras de Theaster Gates, con sus grandes esculturas expuestas y enmarcadas en madera y piedra, evocando a Brancusi y fusionando todas las referencias que inspiran su obra. Me gustó mucho la combinación de todos estos trabajos, incluyendo algunas grandes piezas orgánicas como una vasija de pinchos; una gran vasija de gres vidriado de inspiración asiática, muy afro-mingei; una silla inspirada en la tradición africana y un par de rostros Afro-Mingei enmarcados en madera. Vea nuestra interacción artística con estas obras a continuación. Parece que somos como la arcilla.

El uso de la arcilla en la construcción de comunidades de conocimiento, su papel en el colonialismo y el comercio global y el uso ceremonial y ritual de la cerámica fue muy bien explorado a lo largo de toda la exposición, así como otros temas como la artesanía y la identidad racial. Gates no solo tiene talento para crear su cuerpo de trabajo, sino que también está muy comprometido con la comunidad en general.

No puedo esperar a ver el diseño que creará para el Serpentine Pavilion 2022 este verano llamado ‘Black Chapel’. Este año será el primero que un no-arquitecto comisariará el pabellón. “Rendirá homenaje a las tradiciones artesanales y manufactureras británicas” y se abrirá al público el viernes 10 de junio de 2022, junto a la Serpentine Gallery.

Theaster Gates, top floor of “A Clay Sermon”, Whitechapel Gallery.

Breaking with classical sculpture

Auguste Rodin
The making of Rodin
18 May – 21 November 2021
Tate Modern, London, UK

I was excited to see what Tate Modern had prepared for the Rodin exhibition, as he’s one of my favourite sculptors. Having visited the Musée Rodin in Paris more than ten years ago, I was impressed by seeing his works exhibited in such an exquisite venue. The small palace surronded by gardens was apparently his residence for some time, and displays his work all over the place immersing the visitor in a mesmerising experience.

The show at the Tate wasn’t as delightful as the visit to the Parisian museum described above, but nonetheless interesting when trying to understand the artist and his trajectory. This art exhibition at Tate Modern focused on the importance of plaster in his work. Although, he’s best known for his bronze and marble sculptures, he worked as a modeller in pliable and less appreciated materials, such as clay and plaster, capturing movement, light and volume.

Rodin (12 November – 17 November 1917) was a French sculptor generally considered the founder of modern sculpture. He was schooled traditionally and took a craftsman-like approach to his work. Rodin possessed a unique ability to model a complex and turbulent surface in clay.

Part of the exhibition evoked the atmosphere of the artist’s studio with plaster casts in all sizes to show how he experimented with fragmentation, repetition and joining parts in unconventional ways. Indeed, Tate curators seem interested in representing Rodin as an artist that belongs to Tate Modern with his obsession with fragmentation, appropiation and repetition. Just like Duchamp or Warhol did.

The exhibition aimed to explore how these experiments went on to influence some of the artist’s best-known sculptures. However, if anything resonates with me about Rodin, it is the expressiveness of his artworks, more than the experimentation he did with fragments of his sculptures, which was appartently fairly common in that period of history.

The first room at the gallery was actually good to help me understand the evolution of his art. His male nude The Age of Bronze was pretty controversial. He modelled the figure in clay, working by close observation and examining his subject – a young Belgian soldier called Auguste Neyt – from all angles. But then, the result was so real that he was accused of casting it from his model instead of using artistic talent.

Rodin was offended by allegations of cheating and even commissioned photographs of Neyt to demonstrate the subtle anatomical differences between the sitter and the sculpture. And, the accusation had a major impact on him, who soon broke with the conventions of classical sculpture and idealised beauty, defining his following art trajectory from that point.

He would create new images of the human body that reflected the complexities of the new times. His objective seemed more to capture the essence and individuality of the sitter, with emphasis in the physicality of the subject then in following the tradition, and for that reason he can be considered one of the fathers of modern sculpture. See some images below of artworks such as The Burghers of Calais, Monument to Balzac, The Thinker, the Japanese actress Ohta Hisa, and the German aristocrat Helene Von Nostitz.

Rompiendo con la escultura clásica
Auguste Rodin
The making of Rodin
18 de mayo – 21 de noviembre de 2021
Tate Modern, Londres, Reino Unido

Estaba emocionada de ver lo que Tate Modern había preparado para la exposición de Rodin porque es uno de mis escultores favoritos. Habiendo visitado el Museo Rodin en París hace más de diez años, me impresionó ver sus obras expuestas en un lugar tan exquisito. El pequeño palacio rodeado de jardines aparentemente fue su residencia durante algún tiempo, y muestra su trabajo por todas partes sumergiendo al visitante en una experiencia fascinante.

La muestra en la Tate no fue tan cautivadora como la visita al museo parisino descrita anteriormente, pero de cualquier manera interesante a la hora de entender su trayectoria artística. Esta exposición de arte en la Tate Modern se centró en la importancia del yeso en su trabajo. Aunque es más conocido por sus esculturas de bronce y mármol, trabajó como modelador en materiales maleables y menos apreciados, como arcilla y yeso, capturando movimiento, luz y volumen.

Rodin (12 de noviembre – 17 de noviembre de 1917) fue un escultor francés generalmente considerado el fundador de la escultura moderna. Fue educado tradicionalmente y adoptó un enfoque artesano en su trabajo. Rodin poseía una habilidad única para modelar una superficie compleja y turbulenta en arcilla.

Parte de la exposición evocaba la atmósfera del estudio del artista con moldes de yeso de todos los tamaños para mostrar cómo experimentó con la fragmentación, la repetición y la unión de piezas de formas poco convencionales. De hecho, los comisarios de la Tate parecían interesados ​​en representar a Rodin como un artista que pertenece a la Tate Modern con su obsesión por la fragmentación, la apropiación y la repetición. Tal y como hicieron Duchamp o Warhol.

La exposición tenía como objetivo explorar cómo estos experimentos influyeron en algunas de las esculturas más conocidas del artista. Sin embargo, si algo resuena conmigo sobre Rodin es la expresividad de sus obras de arte, más que la experimentación que hizo con fragmentos de sus esculturas, que aparentemente era bastante común en aquella época.

La primera sala de la galería fue una buena introducción para comprender la evolución de su arte. Su desnudo masculino “The Age of Bronze” fue bastante controvertido. Modeló la figura en arcilla, trabajando con una estrecha observación y examinando a su sujeto, un joven soldado belga llamado Auguste Neyt, desde todos los ángulos. Pero entonces, el resultado fue tan real que le acusaron de fundirlo a partir de su modelo en lugar de usar talento artístico modelándolo previamente.

Rodin se sintió ofendido por las acusaciones de trampa e incluso encargó fotografías de Neyt para demostrar las sutiles diferencias anatómicas entre el modelo y la escultura. Pero, la acusación tuvo un gran impacto en él y pronto rompió con las convenciones de la escultura clásica y la belleza idealizada, definiendo su siguiente trayectoria artística desde ese punto.

Crearía nuevas imágenes del cuerpo humano que reflejaran las complejidades de los nuevos tiempos. Su objetivo parecía captar más la esencia y la individualidad del modelo, con énfasis en la fisicalidad del sujeto que en seguir la tradición, y por esa razón puede ser considerado uno de los padres de la escultura moderna. Véanse las fotos de su obra debajo incluyendo Los burgueses de Calais, Monumento a Balzac, el pensador, Balzac, la actriz japonesa Ohta Hisa y la aristócrata alemana Helene Von Nostitz.

Helene Von Nostitz
Monument to Balzac
The Burghers of Calais

Rebelling against the system

Eugenio Dittborn
Airmail Paintings
17 Sep–12 Dec 2021
Goldsmiths Centre for Contemporary Art (CCA), London, UK

The last art exhibition I saw at Goldsmiths CCA (London) was one of Eugenio Dittborn. I’m grateful to the guy who was at reception the day I went to the gallery for recommending it, because I hadn’t planned to see this one on that day. But, after seeing the art show and reflecting on it, I realised how relevant it is to the present day and the restrictions we’re living as a consequence of the pandemia. So, visit it if you have the time before the 12th December.

This is the fist exhibition of Dittborn in the UK since 1993, which includes historical and new works, sent to the gallery using couriers and his typical use of airmail. Since the 1980s the Chilean artist has been creating large-scale artworks that he’s folded and dispatched in airmail envelopes to galleries all over the world, overcoming restrictions of movement created by national borders, oppresive governments, geographical distance and a global pandemia that represents a new context. In fact, due to Covid the artist was not able to travel to the UK for the installation of his exhibition.

Dittborn spent years of his life under Pinochet’s dictatorship, when life was not lacking of restrictions to say the least. So, using huge sheets of paper and fabric that could be folded into envelopes, he created artworks that explore ideas of movement, oppression and freedom, and most importantly could be sent by airmail.

Originally the artist used brown Kraft paper and later moved to fabric. He reproduces found images, texts and drawings extracted from newspapers, magazines, drawing manuals and books. Each is selected, as Dittborn states, because they “amazed, disturbed, frightened, and sometimes tickled me.” Unfolded now across the decades, each acts as a document of different moments in both Dittborn’s personal history, and Chilean history.

Each work in this exhibition has a grid because of the folds and are displayed next to the envelopes in which they were sent in. One is covered with photos of indigenous Chileans who disappeared under Pinochet. Historia del rostro (History of the Human Face) is the name of this ongoing series. The direct gaze of these men and women confronted me as I entered the first room and made a strong impression on me. You can see a picture below.

Another artwork included news photos of a crashed postal plane in the snows of the Andes. And another shows an indigenous Chilean who was bought for the price of a few buttons and taken to London aboard the beagle alongside Chalres Darwin. See picture below.

It is not a coincidence that I chose to wear a red beret on these photos. It reminds me of a Phrygian cap, even though it doesn’t have the same shape. But, as previously covered on one of my posts dedicated to Martin Puryear, people of Anatolia wore those caps and in the modern world they’ve come to signify the pursuit of liberty.

For different geopolitical reason, the restrictions have been a crude reality for many people worldwide. Dictatorships can control life at many different levels. But, by folding his paintings and sending them around the world, Dittborn gives his ideas some sort of freedom that his subjects were never afforded. As he says on one envelope, he uses airmail to ‘conquer isolation and international confinement’.

And with pandemic-enforced travel restrictions in place, and the lack of liberty we can still see in many places worldwide, Dittborn’s airmail art is still here, rebelling against the system, and more relevant than ever.

Rebelándose contra el sistema
Eugenio Dittborn
Pinturas de correo aéreo
17 de septiembre – 12 de diciembre de 2021
Centro Goldsmiths de Arte Contemporáneo (CCA), Londres, Reino Unido.

La última exposición de arte que vi en Goldsmiths CCA (Londres) fue una de Eugenio Dittborn. Le agradezco al chico que estaba en la recepción el día que fui a la galería por recomendarla, porque no había planeado ver esta ese día. Pero, después de ver la muestra de arte y reflexionar sobre ella, me di cuenta de lo relevante que es a día de hoy por las restricciones que estamos viviendo como consecuencia de la pandemia. Así que visítala si tienes tiempo antes del 12 de diciembre.

Se trata de la primera exposición de Dittborn en el Reino Unido desde 1993, que incluye obras históricas y nuevas, enviadas a la galería mediante mensajería y su uso típico del correo aéreo. Desde la década de 1980, el artista chileno ha estado creando obras de arte a gran escala que ha doblado y enviado en sobres de correo aéreo a galerías de todo el mundo, sobrepasando las restricciones de movimiento creadas por las fronteras nacionales, gobiernos opresores, la distancia geográfica y una pandemia global que representa un nuevo contexto. De hecho, debido al Covid, el artista no pudo viajar al Reino Unido para la instalación de su exposición.

Dittborn pasó años de su vida bajo la dictadura de Pinochet, cuando la vida no carecía de restricciones, por decir lo mínimo. Entonces, utilizando enormes hojas de papel y tela que podían doblarse en sobres, creó obras de arte que exploran ideas de movimiento, opresión y libertad, y lo más importante, pueden enviarse por correo aéreo.

Originalmente el artista usaba papel Kraft marrón y luego pasó a la tela. Reproduce imágenes encontradas, textos y dibujos extraídos de periódicos, revistas, manuales de dibujo y libros. Cada uno es seleccionado, como dice Dittborn, porque “me asombraban, perturbaban, asustaban y, a veces, me hacían cosquillas”. Desplegados ahora a lo largo de las décadas, cada uno actúa como un documento de diferentes momentos tanto en la historia personal de Dittborn como en la historia de Chile.

Cada obra de esta exposición tiene una cuadrícula debido a los pliegues y se exhiben junto a los sobres en los que fueron enviadas. Una está cubierta con fotos de indígenas chilenos que desaparecieron bajo Pinochet. Historia del rostro es el nombre de esta serie en curso. La mirada directa de estos hombres y mujeres se presentó frente a mí cuando entré en la primera habitación y me causó una fuerte impresión. Puedes ver una imagen a continuación.

Otra obra de arte incluía fotos de noticias de un avión postal estrellado en las nieves de los Andes. Y otra muestra a un indígena chileno que fue comprado por el precio de unos botones y llevado a Londres a bordo del beagle junto a Chalres Darwin. Vea la imagen a continuación.

No es una coincidencia que haya elegido usar una boina roja en estas fotos. Me recuerda a un gorro frigio, aunque no tiene la misma forma exactamente. Pero, como mencioné anteriormente en una de mis publicaciones dedicadas a Martin Puryear, la gente de Anatolia usaba esas gorras y en el mundo moderno han llegado a significar la búsqueda de la libertad.

Por diferentes razones geopolíticas, las restricciones han sido una cruda realidad para muchas personas en todo el mundo. Las dictaduras pueden controlar la vida en muchos niveles diferentes. Pero, al doblar sus pinturas y enviarlas por todo el mundo, Dittborn le da a sus ideas una especie de libertad que sus sujetos nunca tuvieron. Como dice en un sobre, utiliza el correo aéreo para “conquistar el aislamiento y el confinamiento internacional”.

Y con las restricciones de viaje impuestas por la pandemia y la falta de libertad que todavía podemos ver en muchos lugares del mundo, el arte del correo aéreo de Dittborn está aquí, aún rebelándose contra el sistema y más relevante que nunca.

Nature always survives

Rachel Whiteread
Internal Objects
April 12 – June 6, 2021
Gagosian gallery, Grosvenor Hill, London, UK

This is an art exhibition I saw months ago, but nonetheless I’d like to talk about it briefly here, since it’s from one of my favourite British artists, Rachel Whiteread. I’ve covered an art show she had at Tate Britain a few years ago. See here.

For the past forty years, Whiteread has made artworks using the method of casting with different materials and at different scales to explore traces of corporeal presence and reveal the negative spaces of common objects. However, for her major artworks in this exhibition (see Photo 1 below), Whiteread has replaced casting in favour of building original objects out of found wood and metal, which she over paints in white. The result was interesting to see, but to me it was as if these works had lost the essence of what she used to make with the recreation of negative spaces, the inner world of objects.

Having said that, I appreciate when artists explore new avenues to express themselves and communicate with their audiences. That’s what I understood about her artistic trajectory after watching the video available on the Gagosian gallery website, in which she talks about her work for this art exhibition with Iwona Blazwick, director of the Whitechapel Gallery in London. Both ladies reflect on the different qualities of Whiteread’s work. Her previous works were solid and impermeable, whereas her new ones are permeable and seem to be taken out of a catastrophic event. For the latest artworks, Whiteread has been using rubbish, different found objects, pieces of wood, etc. and has repurposed them. Her new structures have resilience.

We could also see other artworks in the exhibition more in consonance with her previous working process, like the pink and blue flags made out of papier-mâché, cast from corrugated iron (see Photo 2 below). The papier-mâché obtained from her children’s school books. Again re-purposing things from detritus and giving them a new life. I really liked the aesthetic qualities of these works as well as the other impressions on cardboard (see Photo 4 below), where she used first cardboard, then wax and finally bronze; the former pieces showed what’s left behind after a flood.

It seems that the contrast between her old and new works is well represented by the foundational works discussed on the video. “The baptism of Christ” by Piero della Francesca, and “The raft of the Medussa” by Théodore Géricault. The first one offers a view of serenity and calmness like the feeling I get from Whiteread’s previous works casting objects, while the second one offers a view of the sublime and catastrophe, more in relation to her latest works that appear to be overtaken by a sense of violence. Despite all our attempts to destroy nature as human beings, it always survive. It is humble and yet it survives, which gives me a feeling of hope.

Finally, just to mention that on the video we can also listen to Mark Waldron reciting his poem “In a wayward place,” and Max Richter performing “Origins (Solo)”, and original composition for solo piano from his 2021 album. Both performances worth to be listened to.

La naturaleza siempre sobrevive
Rachel Whiteread
Internal Objects
12 de abril – 6 de junio de 2021
Galería Gagosian, Grosvenor Hill, Londres, Reino Unido.

Esta es una exposición de arte que ví hace meses, pero no obstante, me gustaría hablar de ella brevemente aquí por ser una de mis artistas británicas favoritas, Rachel Whiteread. Cubrí una exposición de arte que tuvo en la Tate Britain hace unos años. Mira aquí.

Durante los últimos cuarenta años, Whiteread ha realizado obras de arte utilizando el método de fundición con diferentes materiales y a diferentes escalas para explorar rastros de presencia corporal y revelar los espacios negativos de objetos comunes. Sin embargo, para sus principales obras de arte en esta exposición (mira Photo 1 debajo), Whiteread ha reemplazado la fundición a favor de construir objetos originales de madera y metal encontrados que pinta en blanco. El resultado fue interesante de ver, pero para mí fue como si estas obras hubieran perdido la esencia de lo que ella solía hacer con la recreación de espacios negativos, el mundo interior de los objetos.

Habiendo dicho eso, aprecio cuando los artistas exploran nuevas vías de expresión y comunicación con su público. Eso es lo que entendí de su trayectoria artística tras ver el vídeo disponible en la web de la galería Gagosian, en la que habla de su trabajo para esta exposición de arte con Iwona Blazwick, directora de la Whitechapel Gallery de Londres. Ambas mujeres reflexionan sobre las diferentes cualidades del trabajo de Whiteread. Sus trabajos anteriores eran sólidos e impermeables, mientras que los nuevos son permeables y parecen sacados de un evento catastrófico. Para las últimas obras de arte, Whiteread ha estado usando basura, diferentes objetos encontrados, trozos de madera, etc. y los ha reutilizado. Sus nuevas estructuras tienen resiliencia.

También pudimos ver otras obras de arte en la exposición más en consonancia con el proceso de trabajo anterior, como las banderas rosa y azul hechas de papel maché (mira Photo 2 debajo), fundido en hierro corrugado. El papel maché obtenido de los libros escolares de sus hijos. Nuevamente reutilizando las cosas de los detritos y dándoles una nueva vida. Me gustaron mucho las cualidades estéticas de estas obras así como las demás impresiones sobre cartón (mira Photo 4 debajo), donde utilizó primero cartón, luego cera y finalmente bronce; las primeras piezas mostraban lo que quedaba tras una inundación.

Parece que el contraste entre sus obras antiguas y nuevas está bien representado por las obras fundamentales discutidas en el video. “El bautismo de Cristo” de Piero della Francesca, y “La balsa de la Medussa” de Théodore Géricault. La primera ofrece una mirada de serenidad y tranquilidad como la mostrada en sus anteriores trabajos de fundición de objetos, y la segunda ofrece una visión de lo sublime y de catástrofe, más en relación con sus últimos trabajos que parecen estar poseídos por un sentimiento de violencia. A pesar de todos nuestros intentos de destruir la naturaleza como seres humanos, ella siempre sobrevive. Es humilde y, sin embargo, sobrevive, lo cual me aporta un sentimiento de esperanza.

Finalmente, solo mencionar que en el video también podemos escuchar a Mark Waldron recitando su poema “In a wayward place” y Max Richter interpretando “Origins (Solo)”, y composición original para piano solo de su álbum de 2021. Ambas actuaciones merecen ser escuchadas.

Photo 1
Photo 3
Photo 4
Photo 5

Contained horizons

Ugo Rondinone
a sky . a sea . distant mountains . horses . spring .
12 April – 22 May 2021
Sadie Coles, London, UK

The last art exhibition I saw that resonated with me was Ugo Rondinone’s at Sadie Coles this spring. I know it’s been been more than two months since I saw this show, but I hope you find his artworks as visually and conceptually exciting as I did.

Ugo Rondinone (born 1964) is a Swiss-born mixed-media artist based in New York. He studied at Hochschule für Angewandte Kunst, Vienna (1986-90), and has exhibited widely internationally. He’s particularly known for his temporary, large-scale land art sculptures such as Seven Magic Mountains (2016–2021), with its seven fluorescently-painted totems of large, car-size stones stacked 32 feet (9.8 m) high.

For this art exhibition I’m covering here, he showed a new version of Seven Magic Mountains at Davies Street (one of the venues at Sadie Coles), but in two dimensions. Each shaped canvas representing a painted rock stacked on top of each other and arranged vertically as you can see below.

I liked the reinvention of the totem with these paintings, but the artworks that I mostly enjoyed were the ones displayed at Kingly Street (Sadie Coles HQ venue), where Rondinone presented fifteen horses cast from blue glass. You could appreciate how they had been bisected horizontally to suggest a seascape or landscape into the boundaries of a body in order to imply a microcosmic world, while reversing the traditional formula of a body in a landscape. By multiplying the concept across fifteen foal-sized sculptures, he also created a landscape of repeated forms, to somehow close the circle.

The artist embodies ideas of space, time and nature with the horse sculptures that have recurred throughout his work over the time. Each object suggests a compound of the four elements – water, air, earth (connoted by the body of the horse), and fire, crystallised in the substance of the fired glass.

And finally, at the back of the gallery in a smaller room we could see the conjunction of see and sky in a big canvas, in which the sun is depicted beyond a horizontal line. As an echo of previous works he combined horizontal lines and suns of concentric circles. Rondinone’s framed it as a mental space that I dared to enter for the sake of the pictures below. I do hope that you enjoy the artworks and my interaction with them!

Horizontes contenidos
Ugo Rondinone
un cielo. un mar . montañas distantes. caballos . primavera .
12 de abril – 22 de mayo de 2021
Sadie Coles, Londres, Reino Unido

La última exposición de arte que vi que conectó conmigo fue la de Ugo Rondinone en Sadie Coles esta primavera. Sé que han pasado más de dos meses desde que la vi, pero espero que encuentres sus obras de arte tan visual y conceptualmente interesantes como yo.

Ugo Rondinone (nacido en 1964) es un artista de técnica mixta nacido en Suiza que vive en Nueva York. Estudió en la Hochschule für Angewandte Kunst de Viena (1986-90), y ha expuesto ampliamente a escala internacional. Es particularmente conocido por sus esculturas de ‘land art’ temporales y a gran escala como ‘Seven Magic Mountains’ (2016-2021), formada con siete tótems de piedras grandes del tamaño de un automóvil pintadas con colores fluor y apiladas a 32 pies (9,8 m) de altura.

Para la exposición de arte que cubro aquí, mostró una nueva versión de ‘Seven Magic Mountains’ en Davies Street (una de las galerías de Sadie Coles), pero en dos dimensiones. Cada lienzo de puntas redondas representa una roca pintada y apilada encima de la otra; todas dispuestas verticalmente como puedes ver a continuación.

Me gustó la reinvención del tótem con estas pinturas, pero las obras de arte que más me gustaron en esta muestra fueron las que se exhibieron en Kingly Street (galería principal de Sadie Coles HQ), donde Rondinone presentó quince caballos moldeados en vidrio azul. Cada escultura era un poco más pequeña que el tamaño real de un caballo y estaba formada por dos tonos distintos de azul transparente. Se podía apreciar cómo se habían dividido horizontalmente para sugerir un paisaje marino en los límites de un cuerpo con el fin de implicar un mundo microcósmico, mientras se invierte la fórmula tradicional de un cuerpo en un paisaje. Al multiplicar el concepto en quince esculturas del tamaño de un potrillo, también crea un paisaje de formas repetidas, para cerrar de alguna manera el círculo.

El artista encarna las ideas del espacio, el tiempo y la naturaleza con las esculturas de caballos que se han repetido a lo largo de su obra durante décadas. Cada objeto sugiere un compuesto de los cuatro elementos: agua, aire, tierra (connotada por el cuerpo del caballo) y fuego, cristalizados en la sustancia del vidrio cocido.

Y finalmente, al fondo de la galería en una sala más pequeña pudimos ver la conjunción de mar y cielo en un gran lienzo, en el que se representa al sol más allá de una línea horizontal. Como eco de trabajos anteriores combinó líneas horizontales y soles de círculos concéntricos. Rondinone lo enmarcó como un espacio mental en el que me atreví a entrar para tomar las imágenes que te muestro a continuación. ¡Espero que disfrutes de las obras de arte y de mi interacción con las mismas!

Photos taken at Davies Street (Sadie Coles) below.

Photos taken at Kingly Street (Sadie Coles) below.

Handwritten juxtaposition

Grayson Perry
The MOST Specialest Relationship
15 September – 18 December 2020
Victoria Miro, London, UK

The art exhibiton I’ve chosen to review this time is “The MOST Specialest Relationship” by Grayson Perry. A nod to the famous term describing relations between Britain and the United States. Perry -for those who don’t know him yet – is an English contemporary artist, writer and broadcaster. However, what’s made him a pop culture icon is his transvestite alter ego, Claire.

As I found out when I read about the exhibition, the art show was inspired by the artist’s three-part documentary “Grayson Perry’s Big American Roadtrip” broadcasted in Channel 4 in the UK in September 2020, after doing the trip in 2019. I haven’t seen the documentary, although it’s on my to-do list. The artist travelled across the US on a custom-built motorbike designed by himself and explored some of the biggest cultural and political issues dividing the country. Scroll down to see the pictures I took at the art show; I interact with one of the artworks in real life.

“If I think of American cultural power, the image that pops into my head is a huge Abstract Expressionist painting, a Cold War symbol of a self-confident land of the free.” said Grayson Perry.

And in fact, the background of the exhibition was a big tapestry displayed along the longest wall and used by Perry to reflect on the multiple layers that constitute the cultural and social archaelogy of Manhattan. The deepest layer made of historic textiles from the many cultures that make up the modern city: rugs, blankets, flags, sacks… On top of this is splurged a Jackson Pollock style abstract painting -a symbol of macho cultural dominance – the outline map of Manhattan and pasted collage labels part of a liberal economic system that prevail in this city. I’d consider these labels very much within the style employed by the artist on his ceramics.

The juxtaposition of elements is the main characteristic of Perry’s ceramics. Covered in hand written text, drawings, stenciled lettering, photographs and satirical messages. Perry challenges the idea implicit in the craft tradition that pottery is merely decorative or utilitarian and cannot express ideas.

In addition to the pottery and tapestry, easily recognizable as Perry’s works of art, the exhibit also housed the large map of the United States with Facebook CEO Mark Zuckerburg as a divine figure at the top. I found this work of art particularly interesting and I would not have immediately associated it to him. However, upon careful inspection his ingenuity and understanding of social and economic issues surface.

“I chose him because he is the best known face of social media power. Social media is mainly financed by advertising so those in charge want users to stay online as long as possible. The algorithms make this happen by encouraging conflict and outrage. The red arrows represent this feeding of negative emotion that keeps people scrolling. All the ships, planes and other combatants are labelled with the issues that swirl around this artificially polarised struggle. In the centre of the map is the presidential plane Airforce One colliding with a Russian bomber labelled “Climate Change”.” said the artist. I’d say that at least now the US Administration is not in the hands of a person who has called Climate Change a hoax in numerous occassions.

To finish with, I wouldn’t place Perry on the list of my favourite artists, but I like his originality and will to dissect social and economic topics like race, inequality, child abuse and sexuality through his art.

Grayson Perry
La relación MAS especial
15 de septiembre – 18 de diciembre de 2020
Victoria Miro, Londres, Reino Unido

La exposición de arte que he elegido reseñar esta vez es “The MOST Specialest Relationship” de Grayson Perry. Un guiño al famoso término que describe las relaciones entre Gran Bretaña y Estados Unidos. Grayson Perry – para aquellos que no le conozcáis – es un artista, escritor y comunicador contemporáneo inglés. Sin embargo, lo que le convirtió en un icono de la cultura pop británica es su alter ego travesti, Claire.

Como descubrí al leer sobre la exposición, para esta muestra se inspiró en el documental de tres partes del artista “Grayson Perry’s Big American Roadtrip” transmitido en Channel 4 en el Reino Unido en septiembre de 2020, después de hacer el viaje en 2019. No he visto el documental todavía, aunque está en mi lista de tareas pendientes. El artista viajó por los Estados Unidos en una motocicleta hecha a medida y diseñada por él mismo, donde exploró algunos de los problemas culturales y políticos más importantes que dividen al país. Desplácese hacia abajo para ver las fotos que tomé en la exposición de arte; interactúo con una de las obras de arte en tiempo real.

“Si pienso en el poder cultural estadounidense, la imagen que me viene a la cabeza es una enorme pintura expresionista abstracta, un símbolo de la Guerra Fría de una tierra que se siente libre y segura de sí misma”. Grayson Perry.

Y de hecho, el fondo de la exposición era un gran tapiz que se extendía a lo largo de la pared más larga y le servía al artista para reflexionar sobre las múltiples capas que constituyen la arqueología cultural y social de Manhattan. La capa más profunda hecha de tejidos históricos de las muchas culturas que componen la ciudad moderna: alfombras, mantas, banderas, sacos … Encima de esto salpicó una pintura abstracta estilo Jackson Pollock -un símbolo del dominio cultural machista-, a lo que adjuntó el mapa de Manhattan y etiquetas de collage pegadas que reflejan el sistema económico liberal que impera en esta ciudad. Estas etiquetas me parecen en consonancia con el estilo utilizado por el artista en sus cerámicas.

La yuxtaposición de elementos es la principal característica de las ceramicas de Perry. Cubiertas de texto, dibujos escritos a mano, letras estarcidas, fotografías y mensajes satíricos. Perry desafía la idea implícita en la tradición artesanal de que la cerámica es meramente decorativa o utilitaria y no puede expresar ideas.

En adiccion a las obras de cerámica y el tapiz, fácilmente reconocibles como obras de arte del artista, la exposición albergaba también el gran mapa de los Estados Unidos con Mark Zuckerburg, director ejecutivo de Facebook, como una figura divina en la parte superior. Me pareció particularmente interesante esta obra de arte que no habría asociado inmediatamente con él. Sin embargo, tras una inspeccion cuidada su ingenio y comprensión de los asuntos sociales y económicos salen a la superficie.

“Lo elegí porque es la cara más conocida del poder de las redes sociales. Las redes sociales se financian principalmente con publicidad, por lo que los responsables quieren que los usuarios permanezcan conectados el mayor tiempo posible. Los algoritmos hacen que esto suceda fomentando el conflicto y la indignación. Las flechas representan esta alimentación de emoción negativa que mantiene a la gente desplazándose. Todos los barcos, aviones y otros combatientes están etiquetados con los problemas que giran en torno a esta lucha polarizada artificialmente. En el centro del mapa está el avión presidencial Airforce One chocando con un bombardero ruso denominada ‘Cambio climático’.” dice el artista. Yo diría que al menos ahora la Administración de los Estados Unidos no está en manos de una persona que ha calificado al cambio climático como un engaño en numerosas ocasiones.

Para terminar, no colocaría a Perry en la lista de mis artistas favoritos, pero me gusta su originalidad y su voluntad de diseccionar temas sociales y económicos como raza, desigualdad, abuso infantil y sexualidad a través de su arte.