Breaking with classical sculpture

Auguste Rodin
The making of Rodin
18 May – 21 November 2021
Tate Modern, London, UK

I was excited to see what Tate Modern had prepared for the Rodin exhibition, as he’s one of my favourite sculptors. Having visited the Musée Rodin in Paris more than ten years ago, I was impressed by seeing his works exhibited in such an exquisite venue. The small palace surronded by gardens was apparently his residence for some time, and displays his work all over the place immersing the visitor in a mesmerising experience.

The show at the Tate wasn’t as delightful as the visit to the Parisian museum described above, but nonetheless interesting when trying to understand the artist and his trajectory. This art exhibition at Tate Modern focused on the importance of plaster in his work. Although, he’s best known for his bronze and marble sculptures, he worked as a modeller in pliable and less appreciated materials, such as clay and plaster, capturing movement, light and volume.

Rodin (12 November – 17 November 1917) was a French sculptor generally considered the founder of modern sculpture. He was schooled traditionally and took a craftsman-like approach to his work. Rodin possessed a unique ability to model a complex and turbulent surface in clay.

Part of the exhibition evoked the atmosphere of the artist’s studio with plaster casts in all sizes to show how he experimented with fragmentation, repetition and joining parts in unconventional ways. Indeed, Tate curators seem interested in representing Rodin as an artist that belongs to Tate Modern with his obsession with fragmentation, appropiation and repetition. Just like Duchamp or Warhol did.

The exhibition aimed to explore how these experiments went on to influence some of the artist’s best-known sculptures. However, if anything resonates with me about Rodin, it is the expressiveness of his artworks, more than the experimentation he did with fragments of his sculptures, which was appartently fairly common in that period of history.

The first room at the gallery was actually good to help me understand the evolution of his art. His male nude The Age of Bronze was pretty controversial. He modelled the figure in clay, working by close observation and examining his subject – a young Belgian soldier called Auguste Neyt – from all angles. But then, the result was so real that he was accused of casting it from his model instead of using artistic talent.

Rodin was offended by allegations of cheating and even commissioned photographs of Neyt to demonstrate the subtle anatomical differences between the sitter and the sculpture. And, the accusation had a major impact on him, who soon broke with the conventions of classical sculpture and idealised beauty, defining his following art trajectory from that point.

He would create new images of the human body that reflected the complexities of the new times. His objective seemed more to capture the essence and individuality of the sitter, with emphasis in the physicality of the subject then in following the tradition, and for that reason he can be considered one of the fathers of modern sculpture. See some images below of artworks such as The Burghers of Calais, Monument to Balzac, The Thinker, the Japanese actress Ohta Hisa, and the German aristocrat Helene Von Nostitz.


Rompiendo con la escultura clásica
Auguste Rodin
The making of Rodin
18 de mayo – 21 de noviembre de 2021
Tate Modern, Londres, Reino Unido

Estaba emocionada de ver lo que Tate Modern había preparado para la exposición de Rodin porque es uno de mis escultores favoritos. Habiendo visitado el Museo Rodin en París hace más de diez años, me impresionó ver sus obras expuestas en un lugar tan exquisito. El pequeño palacio rodeado de jardines aparentemente fue su residencia durante algún tiempo, y muestra su trabajo por todas partes sumergiendo al visitante en una experiencia fascinante.

La muestra en la Tate no fue tan cautivadora como la visita al museo parisino descrita anteriormente, pero de cualquier manera interesante a la hora de entender su trayectoria artística. Esta exposición de arte en la Tate Modern se centró en la importancia del yeso en su trabajo. Aunque es más conocido por sus esculturas de bronce y mármol, trabajó como modelador en materiales maleables y menos apreciados, como arcilla y yeso, capturando movimiento, luz y volumen.

Rodin (12 de noviembre – 17 de noviembre de 1917) fue un escultor francés generalmente considerado el fundador de la escultura moderna. Fue educado tradicionalmente y adoptó un enfoque artesano en su trabajo. Rodin poseía una habilidad única para modelar una superficie compleja y turbulenta en arcilla.

Parte de la exposición evocaba la atmósfera del estudio del artista con moldes de yeso de todos los tamaños para mostrar cómo experimentó con la fragmentación, la repetición y la unión de piezas de formas poco convencionales. De hecho, los comisarios de la Tate parecían interesados ​​en representar a Rodin como un artista que pertenece a la Tate Modern con su obsesión por la fragmentación, la apropiación y la repetición. Tal y como hicieron Duchamp o Warhol.

La exposición tenía como objetivo explorar cómo estos experimentos influyeron en algunas de las esculturas más conocidas del artista. Sin embargo, si algo resuena conmigo sobre Rodin es la expresividad de sus obras de arte, más que la experimentación que hizo con fragmentos de sus esculturas, que aparentemente era bastante común en aquella época.

La primera sala de la galería fue una buena introducción para comprender la evolución de su arte. Su desnudo masculino “The Age of Bronze” fue bastante controvertido. Modeló la figura en arcilla, trabajando con una estrecha observación y examinando a su sujeto, un joven soldado belga llamado Auguste Neyt, desde todos los ángulos. Pero entonces, el resultado fue tan real que le acusaron de fundirlo a partir de su modelo en lugar de usar talento artístico modelándolo previamente.

Rodin se sintió ofendido por las acusaciones de trampa e incluso encargó fotografías de Neyt para demostrar las sutiles diferencias anatómicas entre el modelo y la escultura. Pero, la acusación tuvo un gran impacto en él y pronto rompió con las convenciones de la escultura clásica y la belleza idealizada, definiendo su siguiente trayectoria artística desde ese punto.

Crearía nuevas imágenes del cuerpo humano que reflejaran las complejidades de los nuevos tiempos. Su objetivo parecía captar más la esencia y la individualidad del modelo, con énfasis en la fisicalidad del sujeto que en seguir la tradición, y por esa razón puede ser considerado uno de los padres de la escultura moderna. Véanse las fotos de su obra debajo incluyendo Los burgueses de Calais, Monumento a Balzac, el pensador, Balzac, la actriz japonesa Ohta Hisa y la aristócrata alemana Helene Von Nostitz.

Helene Von Nostitz
Monument to Balzac
The Burghers of Calais

Rebelling against the system

Eugenio Dittborn
Airmail Paintings
17 Sep–12 Dec 2021
Goldsmiths Centre for Contemporary Art (CCA), London, UK

The last art exhibition I saw at Goldsmiths CCA (London) was one of Eugenio Dittborn. I’m grateful to the guy who was at reception the day I went to the gallery for recommending it, because I hadn’t planned to see this one on that day. But, after seeing the art show and reflecting on it, I realised how relevant it is to the present day and the restrictions we’re living as a consequence of the pandemia. So, visit it if you have the time before the 12th December.

This is the fist exhibition of Dittborn in the UK since 1993, which includes historical and new works, sent to the gallery using couriers and his typical use of airmail. Since the 1980s the Chilean artist has been creating large-scale artworks that he’s folded and dispatched in airmail envelopes to galleries all over the world, overcoming restrictions of movement created by national borders, oppresive governments, geographical distance and a global pandemia that represents a new context. In fact, due to Covid the artist was not able to travel to the UK for the installation of his exhibition.

Dittborn spent years of his life under Pinochet’s dictatorship, when life was not lacking of restrictions to say the least. So, using huge sheets of paper and fabric that could be folded into envelopes, he created artworks that explore ideas of movement, oppression and freedom, and most importantly could be sent by airmail.

Originally the artist used brown Kraft paper and later moved to fabric. He reproduces found images, texts and drawings extracted from newspapers, magazines, drawing manuals and books. Each is selected, as Dittborn states, because they “amazed, disturbed, frightened, and sometimes tickled me.” Unfolded now across the decades, each acts as a document of different moments in both Dittborn’s personal history, and Chilean history.

Each work in this exhibition has a grid because of the folds and are displayed next to the envelopes in which they were sent in. One is covered with photos of indigenous Chileans who disappeared under Pinochet. Historia del rostro (History of the Human Face) is the name of this ongoing series. The direct gaze of these men and women confronted me as I entered the first room and made a strong impression on me. You can see a picture below.

Another artwork included news photos of a crashed postal plane in the snows of the Andes. And another shows an indigenous Chilean who was bought for the price of a few buttons and taken to London aboard the beagle alongside Chalres Darwin. See picture below.

It is not a coincidence that I chose to wear a red beret on these photos. It reminds me of a Phrygian cap, even though it doesn’t have the same shape. But, as previously covered on one of my posts dedicated to Martin Puryear, people of Anatolia wore those caps and in the modern world they’ve come to signify the pursuit of liberty.

For different geopolitical reason, the restrictions have been a crude reality for many people worldwide. Dictatorships can control life at many different levels. But, by folding his paintings and sending them around the world, Dittborn gives his ideas some sort of freedom that his subjects were never afforded. As he says on one envelope, he uses airmail to ‘conquer isolation and international confinement’.

And with pandemic-enforced travel restrictions in place, and the lack of liberty we can still see in many places worldwide, Dittborn’s airmail art is still here, rebelling against the system, and more relevant than ever.


Rebelándose contra el sistema
Eugenio Dittborn
Pinturas de correo aéreo
17 de septiembre – 12 de diciembre de 2021
Centro Goldsmiths de Arte Contemporáneo (CCA), Londres, Reino Unido.

La última exposición de arte que vi en Goldsmiths CCA (Londres) fue una de Eugenio Dittborn. Le agradezco al chico que estaba en la recepción el día que fui a la galería por recomendarla, porque no había planeado ver esta ese día. Pero, después de ver la muestra de arte y reflexionar sobre ella, me di cuenta de lo relevante que es a día de hoy por las restricciones que estamos viviendo como consecuencia de la pandemia. Así que visítala si tienes tiempo antes del 12 de diciembre.

Se trata de la primera exposición de Dittborn en el Reino Unido desde 1993, que incluye obras históricas y nuevas, enviadas a la galería mediante mensajería y su uso típico del correo aéreo. Desde la década de 1980, el artista chileno ha estado creando obras de arte a gran escala que ha doblado y enviado en sobres de correo aéreo a galerías de todo el mundo, sobrepasando las restricciones de movimiento creadas por las fronteras nacionales, gobiernos opresores, la distancia geográfica y una pandemia global que representa un nuevo contexto. De hecho, debido al Covid, el artista no pudo viajar al Reino Unido para la instalación de su exposición.

Dittborn pasó años de su vida bajo la dictadura de Pinochet, cuando la vida no carecía de restricciones, por decir lo mínimo. Entonces, utilizando enormes hojas de papel y tela que podían doblarse en sobres, creó obras de arte que exploran ideas de movimiento, opresión y libertad, y lo más importante, pueden enviarse por correo aéreo.

Originalmente el artista usaba papel Kraft marrón y luego pasó a la tela. Reproduce imágenes encontradas, textos y dibujos extraídos de periódicos, revistas, manuales de dibujo y libros. Cada uno es seleccionado, como dice Dittborn, porque “me asombraban, perturbaban, asustaban y, a veces, me hacían cosquillas”. Desplegados ahora a lo largo de las décadas, cada uno actúa como un documento de diferentes momentos tanto en la historia personal de Dittborn como en la historia de Chile.

Cada obra de esta exposición tiene una cuadrícula debido a los pliegues y se exhiben junto a los sobres en los que fueron enviadas. Una está cubierta con fotos de indígenas chilenos que desaparecieron bajo Pinochet. Historia del rostro es el nombre de esta serie en curso. La mirada directa de estos hombres y mujeres se presentó frente a mí cuando entré en la primera habitación y me causó una fuerte impresión. Puedes ver una imagen a continuación.

Otra obra de arte incluía fotos de noticias de un avión postal estrellado en las nieves de los Andes. Y otra muestra a un indígena chileno que fue comprado por el precio de unos botones y llevado a Londres a bordo del beagle junto a Chalres Darwin. Vea la imagen a continuación.

No es una coincidencia que haya elegido usar una boina roja en estas fotos. Me recuerda a un gorro frigio, aunque no tiene la misma forma exactamente. Pero, como mencioné anteriormente en una de mis publicaciones dedicadas a Martin Puryear, la gente de Anatolia usaba esas gorras y en el mundo moderno han llegado a significar la búsqueda de la libertad.

Por diferentes razones geopolíticas, las restricciones han sido una cruda realidad para muchas personas en todo el mundo. Las dictaduras pueden controlar la vida en muchos niveles diferentes. Pero, al doblar sus pinturas y enviarlas por todo el mundo, Dittborn le da a sus ideas una especie de libertad que sus sujetos nunca tuvieron. Como dice en un sobre, utiliza el correo aéreo para “conquistar el aislamiento y el confinamiento internacional”.

Y con las restricciones de viaje impuestas por la pandemia y la falta de libertad que todavía podemos ver en muchos lugares del mundo, el arte del correo aéreo de Dittborn está aquí, aún rebelándose contra el sistema y más relevante que nunca.

Nature always survives

Rachel Whiteread
Internal Objects
April 12 – June 6, 2021
Gagosian gallery, Grosvenor Hill, London, UK

This is an art exhibition I saw months ago, but nonetheless I’d like to talk about it briefly here, since it’s from one of my favourite British artists, Rachel Whiteread. I’ve covered an art show she had at Tate Britain a few years ago. See here.

For the past forty years, Whiteread has made artworks using the method of casting with different materials and at different scales to explore traces of corporeal presence and reveal the negative spaces of common objects. However, for her major artworks in this exhibition (see Photo 1 below), Whiteread has replaced casting in favour of building original objects out of found wood and metal, which she over paints in white. The result was interesting to see, but to me it was as if these works had lost the essence of what she used to make with the recreation of negative spaces, the inner world of objects.

Having said that, I appreciate when artists explore new avenues to express themselves and communicate with their audiences. That’s what I understood about her artistic trajectory after watching the video available on the Gagosian gallery website, in which she talks about her work for this art exhibition with Iwona Blazwick, director of the Whitechapel Gallery in London. Both ladies reflect on the different qualities of Whiteread’s work. Her previous works were solid and impermeable, whereas her new ones are permeable and seem to be taken out of a catastrophic event. For the latest artworks, Whiteread has been using rubbish, different found objects, pieces of wood, etc. and has repurposed them. Her new structures have resilience.

We could also see other artworks in the exhibition more in consonance with her previous working process, like the pink and blue flags made out of papier-mâché, cast from corrugated iron (see Photo 2 below). The papier-mâché obtained from her children’s school books. Again re-purposing things from detritus and giving them a new life. I really liked the aesthetic qualities of these works as well as the other impressions on cardboard (see Photo 4 below), where she used first cardboard, then wax and finally bronze; the former pieces showed what’s left behind after a flood.

It seems that the contrast between her old and new works is well represented by the foundational works discussed on the video. “The baptism of Christ” by Piero della Francesca, and “The raft of the Medussa” by Théodore Géricault. The first one offers a view of serenity and calmness like the feeling I get from Whiteread’s previous works casting objects, while the second one offers a view of the sublime and catastrophe, more in relation to her latest works that appear to be overtaken by a sense of violence. Despite all our attempts to destroy nature as human beings, it always survive. It is humble and yet it survives, which gives me a feeling of hope.

Finally, just to mention that on the video we can also listen to Mark Waldron reciting his poem “In a wayward place,” and Max Richter performing “Origins (Solo)”, and original composition for solo piano from his 2021 album. Both performances worth to be listened to.


La naturaleza siempre sobrevive
Rachel Whiteread
Internal Objects
12 de abril – 6 de junio de 2021
Galería Gagosian, Grosvenor Hill, Londres, Reino Unido.

Esta es una exposición de arte que ví hace meses, pero no obstante, me gustaría hablar de ella brevemente aquí por ser una de mis artistas británicas favoritas, Rachel Whiteread. Cubrí una exposición de arte que tuvo en la Tate Britain hace unos años. Mira aquí.

Durante los últimos cuarenta años, Whiteread ha realizado obras de arte utilizando el método de fundición con diferentes materiales y a diferentes escalas para explorar rastros de presencia corporal y revelar los espacios negativos de objetos comunes. Sin embargo, para sus principales obras de arte en esta exposición (mira Photo 1 debajo), Whiteread ha reemplazado la fundición a favor de construir objetos originales de madera y metal encontrados que pinta en blanco. El resultado fue interesante de ver, pero para mí fue como si estas obras hubieran perdido la esencia de lo que ella solía hacer con la recreación de espacios negativos, el mundo interior de los objetos.

Habiendo dicho eso, aprecio cuando los artistas exploran nuevas vías de expresión y comunicación con su público. Eso es lo que entendí de su trayectoria artística tras ver el vídeo disponible en la web de la galería Gagosian, en la que habla de su trabajo para esta exposición de arte con Iwona Blazwick, directora de la Whitechapel Gallery de Londres. Ambas mujeres reflexionan sobre las diferentes cualidades del trabajo de Whiteread. Sus trabajos anteriores eran sólidos e impermeables, mientras que los nuevos son permeables y parecen sacados de un evento catastrófico. Para las últimas obras de arte, Whiteread ha estado usando basura, diferentes objetos encontrados, trozos de madera, etc. y los ha reutilizado. Sus nuevas estructuras tienen resiliencia.

También pudimos ver otras obras de arte en la exposición más en consonancia con el proceso de trabajo anterior, como las banderas rosa y azul hechas de papel maché (mira Photo 2 debajo), fundido en hierro corrugado. El papel maché obtenido de los libros escolares de sus hijos. Nuevamente reutilizando las cosas de los detritos y dándoles una nueva vida. Me gustaron mucho las cualidades estéticas de estas obras así como las demás impresiones sobre cartón (mira Photo 4 debajo), donde utilizó primero cartón, luego cera y finalmente bronce; las primeras piezas mostraban lo que quedaba tras una inundación.

Parece que el contraste entre sus obras antiguas y nuevas está bien representado por las obras fundamentales discutidas en el video. “El bautismo de Cristo” de Piero della Francesca, y “La balsa de la Medussa” de Théodore Géricault. La primera ofrece una mirada de serenidad y tranquilidad como la mostrada en sus anteriores trabajos de fundición de objetos, y la segunda ofrece una visión de lo sublime y de catástrofe, más en relación con sus últimos trabajos que parecen estar poseídos por un sentimiento de violencia. A pesar de todos nuestros intentos de destruir la naturaleza como seres humanos, ella siempre sobrevive. Es humilde y, sin embargo, sobrevive, lo cual me aporta un sentimiento de esperanza.

Finalmente, solo mencionar que en el video también podemos escuchar a Mark Waldron recitando su poema “In a wayward place” y Max Richter interpretando “Origins (Solo)”, y composición original para piano solo de su álbum de 2021. Ambas actuaciones merecen ser escuchadas.

Photo 1
Photo 3
Photo 4
Photo 5

Contained horizons

Ugo Rondinone
a sky . a sea . distant mountains . horses . spring .
12 April – 22 May 2021
Sadie Coles, London, UK

The last art exhibition I saw that resonated with me was Ugo Rondinone’s at Sadie Coles this spring. I know it’s been been more than two months since I saw this show, but I hope you find his artworks as visually and conceptually exciting as I did.

Ugo Rondinone (born 1964) is a Swiss-born mixed-media artist based in New York. He studied at Hochschule für Angewandte Kunst, Vienna (1986-90), and has exhibited widely internationally. He’s particularly known for his temporary, large-scale land art sculptures such as Seven Magic Mountains (2016–2021), with its seven fluorescently-painted totems of large, car-size stones stacked 32 feet (9.8 m) high.

For this art exhibition I’m covering here, he showed a new version of Seven Magic Mountains at Davies Street (one of the venues at Sadie Coles), but in two dimensions. Each shaped canvas representing a painted rock stacked on top of each other and arranged vertically as you can see below.

I liked the reinvention of the totem with these paintings, but the artworks that I mostly enjoyed were the ones displayed at Kingly Street (Sadie Coles HQ venue), where Rondinone presented fifteen horses cast from blue glass. You could appreciate how they had been bisected horizontally to suggest a seascape or landscape into the boundaries of a body in order to imply a microcosmic world, while reversing the traditional formula of a body in a landscape. By multiplying the concept across fifteen foal-sized sculptures, he also created a landscape of repeated forms, to somehow close the circle.

The artist embodies ideas of space, time and nature with the horse sculptures that have recurred throughout his work over the time. Each object suggests a compound of the four elements – water, air, earth (connoted by the body of the horse), and fire, crystallised in the substance of the fired glass.

And finally, at the back of the gallery in a smaller room we could see the conjunction of see and sky in a big canvas, in which the sun is depicted beyond a horizontal line. As an echo of previous works he combined horizontal lines and suns of concentric circles. Rondinone’s framed it as a mental space that I dared to enter for the sake of the pictures below. I do hope that you enjoy the artworks and my interaction with them!


Horizontes contenidos
Ugo Rondinone
un cielo. un mar . montañas distantes. caballos . primavera .
12 de abril – 22 de mayo de 2021
Sadie Coles, Londres, Reino Unido

La última exposición de arte que vi que conectó conmigo fue la de Ugo Rondinone en Sadie Coles esta primavera. Sé que han pasado más de dos meses desde que la vi, pero espero que encuentres sus obras de arte tan visual y conceptualmente interesantes como yo.

Ugo Rondinone (nacido en 1964) es un artista de técnica mixta nacido en Suiza que vive en Nueva York. Estudió en la Hochschule für Angewandte Kunst de Viena (1986-90), y ha expuesto ampliamente a escala internacional. Es particularmente conocido por sus esculturas de ‘land art’ temporales y a gran escala como ‘Seven Magic Mountains’ (2016-2021), formada con siete tótems de piedras grandes del tamaño de un automóvil pintadas con colores fluor y apiladas a 32 pies (9,8 m) de altura.

Para la exposición de arte que cubro aquí, mostró una nueva versión de ‘Seven Magic Mountains’ en Davies Street (una de las galerías de Sadie Coles), pero en dos dimensiones. Cada lienzo de puntas redondas representa una roca pintada y apilada encima de la otra; todas dispuestas verticalmente como puedes ver a continuación.

Me gustó la reinvención del tótem con estas pinturas, pero las obras de arte que más me gustaron en esta muestra fueron las que se exhibieron en Kingly Street (galería principal de Sadie Coles HQ), donde Rondinone presentó quince caballos moldeados en vidrio azul. Cada escultura era un poco más pequeña que el tamaño real de un caballo y estaba formada por dos tonos distintos de azul transparente. Se podía apreciar cómo se habían dividido horizontalmente para sugerir un paisaje marino en los límites de un cuerpo con el fin de implicar un mundo microcósmico, mientras se invierte la fórmula tradicional de un cuerpo en un paisaje. Al multiplicar el concepto en quince esculturas del tamaño de un potrillo, también crea un paisaje de formas repetidas, para cerrar de alguna manera el círculo.

El artista encarna las ideas del espacio, el tiempo y la naturaleza con las esculturas de caballos que se han repetido a lo largo de su obra durante décadas. Cada objeto sugiere un compuesto de los cuatro elementos: agua, aire, tierra (connotada por el cuerpo del caballo) y fuego, cristalizados en la sustancia del vidrio cocido.

Y finalmente, al fondo de la galería en una sala más pequeña pudimos ver la conjunción de mar y cielo en un gran lienzo, en el que se representa al sol más allá de una línea horizontal. Como eco de trabajos anteriores combinó líneas horizontales y soles de círculos concéntricos. Rondinone lo enmarcó como un espacio mental en el que me atreví a entrar para tomar las imágenes que te muestro a continuación. ¡Espero que disfrutes de las obras de arte y de mi interacción con las mismas!

Photos taken at Davies Street (Sadie Coles) below.

Photos taken at Kingly Street (Sadie Coles) below.

Handwritten juxtaposition

Grayson Perry
The MOST Specialest Relationship
15 September – 18 December 2020
Victoria Miro, London, UK

The art exhibiton I’ve chosen to review this time is “The MOST Specialest Relationship” by Grayson Perry. A nod to the famous term describing relations between Britain and the United States. Perry -for those who don’t know him yet – is an English contemporary artist, writer and broadcaster. However, what’s made him a pop culture icon is his transvestite alter ego, Claire.

As I found out when I read about the exhibition, the art show was inspired by the artist’s three-part documentary “Grayson Perry’s Big American Roadtrip” broadcasted in Channel 4 in the UK in September 2020, after doing the trip in 2019. I haven’t seen the documentary, although it’s on my to-do list. The artist travelled across the US on a custom-built motorbike designed by himself and explored some of the biggest cultural and political issues dividing the country. Scroll down to see the pictures I took at the art show; I interact with one of the artworks in real life.

“If I think of American cultural power, the image that pops into my head is a huge Abstract Expressionist painting, a Cold War symbol of a self-confident land of the free.” said Grayson Perry.

And in fact, the background of the exhibition was a big tapestry displayed along the longest wall and used by Perry to reflect on the multiple layers that constitute the cultural and social archaelogy of Manhattan. The deepest layer made of historic textiles from the many cultures that make up the modern city: rugs, blankets, flags, sacks… On top of this is splurged a Jackson Pollock style abstract painting -a symbol of macho cultural dominance – the outline map of Manhattan and pasted collage labels part of a liberal economic system that prevail in this city. I’d consider these labels very much within the style employed by the artist on his ceramics.

The juxtaposition of elements is the main characteristic of Perry’s ceramics. Covered in hand written text, drawings, stenciled lettering, photographs and satirical messages. Perry challenges the idea implicit in the craft tradition that pottery is merely decorative or utilitarian and cannot express ideas.

In addition to the pottery and tapestry, easily recognizable as Perry’s works of art, the exhibit also housed the large map of the United States with Facebook CEO Mark Zuckerburg as a divine figure at the top. I found this work of art particularly interesting and I would not have immediately associated it to him. However, upon careful inspection his ingenuity and understanding of social and economic issues surface.

“I chose him because he is the best known face of social media power. Social media is mainly financed by advertising so those in charge want users to stay online as long as possible. The algorithms make this happen by encouraging conflict and outrage. The red arrows represent this feeding of negative emotion that keeps people scrolling. All the ships, planes and other combatants are labelled with the issues that swirl around this artificially polarised struggle. In the centre of the map is the presidential plane Airforce One colliding with a Russian bomber labelled “Climate Change”.” said the artist. I’d say that at least now the US Administration is not in the hands of a person who has called Climate Change a hoax in numerous occassions.

To finish with, I wouldn’t place Perry on the list of my favourite artists, but I like his originality and will to dissect social and economic topics like race, inequality, child abuse and sexuality through his art.


Grayson Perry
La relación MAS especial
15 de septiembre – 18 de diciembre de 2020
Victoria Miro, Londres, Reino Unido

La exposición de arte que he elegido reseñar esta vez es “The MOST Specialest Relationship” de Grayson Perry. Un guiño al famoso término que describe las relaciones entre Gran Bretaña y Estados Unidos. Grayson Perry – para aquellos que no le conozcáis – es un artista, escritor y comunicador contemporáneo inglés. Sin embargo, lo que le convirtió en un icono de la cultura pop británica es su alter ego travesti, Claire.

Como descubrí al leer sobre la exposición, para esta muestra se inspiró en el documental de tres partes del artista “Grayson Perry’s Big American Roadtrip” transmitido en Channel 4 en el Reino Unido en septiembre de 2020, después de hacer el viaje en 2019. No he visto el documental todavía, aunque está en mi lista de tareas pendientes. El artista viajó por los Estados Unidos en una motocicleta hecha a medida y diseñada por él mismo, donde exploró algunos de los problemas culturales y políticos más importantes que dividen al país. Desplácese hacia abajo para ver las fotos que tomé en la exposición de arte; interactúo con una de las obras de arte en tiempo real.

“Si pienso en el poder cultural estadounidense, la imagen que me viene a la cabeza es una enorme pintura expresionista abstracta, un símbolo de la Guerra Fría de una tierra que se siente libre y segura de sí misma”. Grayson Perry.

Y de hecho, el fondo de la exposición era un gran tapiz que se extendía a lo largo de la pared más larga y le servía al artista para reflexionar sobre las múltiples capas que constituyen la arqueología cultural y social de Manhattan. La capa más profunda hecha de tejidos históricos de las muchas culturas que componen la ciudad moderna: alfombras, mantas, banderas, sacos … Encima de esto salpicó una pintura abstracta estilo Jackson Pollock -un símbolo del dominio cultural machista-, a lo que adjuntó el mapa de Manhattan y etiquetas de collage pegadas que reflejan el sistema económico liberal que impera en esta ciudad. Estas etiquetas me parecen en consonancia con el estilo utilizado por el artista en sus cerámicas.

La yuxtaposición de elementos es la principal característica de las ceramicas de Perry. Cubiertas de texto, dibujos escritos a mano, letras estarcidas, fotografías y mensajes satíricos. Perry desafía la idea implícita en la tradición artesanal de que la cerámica es meramente decorativa o utilitaria y no puede expresar ideas.

En adiccion a las obras de cerámica y el tapiz, fácilmente reconocibles como obras de arte del artista, la exposición albergaba también el gran mapa de los Estados Unidos con Mark Zuckerburg, director ejecutivo de Facebook, como una figura divina en la parte superior. Me pareció particularmente interesante esta obra de arte que no habría asociado inmediatamente con él. Sin embargo, tras una inspeccion cuidada su ingenio y comprensión de los asuntos sociales y económicos salen a la superficie.

“Lo elegí porque es la cara más conocida del poder de las redes sociales. Las redes sociales se financian principalmente con publicidad, por lo que los responsables quieren que los usuarios permanezcan conectados el mayor tiempo posible. Los algoritmos hacen que esto suceda fomentando el conflicto y la indignación. Las flechas representan esta alimentación de emoción negativa que mantiene a la gente desplazándose. Todos los barcos, aviones y otros combatientes están etiquetados con los problemas que giran en torno a esta lucha polarizada artificialmente. En el centro del mapa está el avión presidencial Airforce One chocando con un bombardero ruso denominada ‘Cambio climático’.” dice el artista. Yo diría que al menos ahora la Administración de los Estados Unidos no está en manos de una persona que ha calificado al cambio climático como un engaño en numerosas ocasiones.

Para terminar, no colocaría a Perry en la lista de mis artistas favoritos, pero me gusta su originalidad y su voluntad de diseccionar temas sociales y económicos como raza, desigualdad, abuso infantil y sexualidad a través de su arte.

An expert in the art of repetition

Andy Warhol
12 March – 15 November (Extended)
Tate Modern, London, UK

This post is long overdue. But, Covid-19 has transformed our lives in unimaginable ways. Galleries have been closed for a few months and finally they can be visited only by appointment here in London. So, I’m back to tell you about the last exhibition I’ve seen in months: Andy Warhol at Tate Modern. The show has been extended until the 15th November, so you’re still in time to see it.

I’m not the biggest fan of pop art, but Warhol is an American icon that cannot be missed. The art show features some of his iconic paintings, the work that made him famous as a pop artist (a term he hated apparently) including Coca-Cola bottles, 50 Marilyn Monroe portraits (1962), 168 pairs of Marilyn’s lips (see a picture of The art berries featuring this artwork below), Elvis I and II 1963/1964, Pink Race Riot 1964, a woman falling from a building 35 times, 10 Brillo boxes in a corner, 100 Campbell soup cans, 112 bottles of Coke and Marlon Brando twice, etc. Warhol was an expert in the art of repetition. “I want to be a machine” he said. Hence, his obsession with repetition, which in my opinion enhances the artwork instead of making it dull.

Warhol’s sexuality seems to be an important theme in this exhibition. Beginning with a selection of his early line drawings of men from the 1950s, counting on the film Sleep 1963, which documents Warhol’s lover, the poet John Giorno – and featuring large-scale paintings like his 1975 Ladies and Gentlemen series, not shown in the UK before. They depict anonymous Black and Latinx drag queens and trans women from New York, including iconic performer and activist, Marsha P. Johnson, a prominent figure in the Stonewall uprising of 1969 – a series of spontaneous, violent demonstrations by members of the LGBT community in response to a police raid. The exhibition looks at how Warhol’s attempt to bring the stars of the underground into the mainstream.

However, one of my favourite works in this exhibition was right at the end of the art show: Leonardo da Vinci’s Last Supper. Silkscreened from a reproduction, it’s repeated 60 times across a panoramic canvas in black and white (see image below). It turns Leonardo’s masterpiece in a static film-strip by the use of repetition. And it’s some kind of homage to Luis Buñuel’s film, Viridiana.

The art show tell us about his experiences as a child of working-class immigrants, a gay man, a devout Catholic and the target of a bizarre shooting by one of his groupies, to help us understand the evolution of his art. His innovative and unique approach to art in an age of immense political, social and technological change has been recognised by the art world ever since.


Experto en el arte de la repetición
Andy Warhol
12 de marzo – 15 de noviembre (ampliada)
Tate Modern, Londres, Reino Unido

Hace tiempo que quería poner un post. Pero, Covid-19 ha transformado nuestras vidas de formas inimaginables. Las galerías han estado cerradas durante unos meses y ya se pueden visitar con cita previa aquí en Londres. Así que, estoy de vuelta para contaros sobre la última exposición que he visto en meses: Andy Warhol en Tate Modern. La exposición ha sido extendida hasta el 15 de noviembre, por lo que aún estás a tiempo de verla.

No soy la mayor fan del pop art, pero Warhol es un ícono estadounidense que no te puedes perder. La muestra de arte presenta algunas de sus pinturas más icónicas, el trabajo que le hizo famoso como artista pop (un término que aparentemente odiaba) incluyendo botellas de Coca-Cola, 50 retratos de Marilyn Monroe (1962), 168 pares de labios de Marilyn (ver una imagen de The art berries con esta obra de arte a continuación), Elvis I y II 1963/1964, Pink Race Riot 1964, una mujer que se cae de un edificio 35 veces, 10 cajas de Brillo en una esquina, 100 latas de sopa Campbell, 112 botellas de Coca-Cola y Marlon Brando dos veces, etc. Warhol era un experto en el arte de la repetición. “Quiero ser una máquina”, dijo. De ahí su obsesión por la repetición, realzando la obra de arte en lugar de volverla aburrida.

La sexualidad de Warhol parece ser un tema importante en esta exposición. Comenzando con una selección de sus primeros dibujos lineales de hombres de la década de 1950, contando con la película Sleep 1963 – que documenta al amante de Warhol, el poeta John Giorno – y presentando pinturas de gran formato como su serie Ladies and Gentlemen de 1975, no mostrada en el Reino Unido antes. Representan drag queens y mujeres trans negras y latinas anónimas de Nueva York, incluida la artista y activista icónica, Marsha P. Johnson, una figura prominente en el levantamiento de Stonewall de 1969 – una serie de manifestaciones espontáneas y violentas de miembros de la LGBT comunidad en respuesta a una redada policial. La exposición analiza el interés de Warhol por llevar a las estrellas del underground a la corriente principal.

Sin embargo, una de mis obras favoritas de esta exposición estaba justo al final de la muestra de arte: La Última Cena de Leonardo da Vinci. Serigrafiada a partir de una reproducción, se repite 60 veces en un lienzo panorámico en blanco y negro. Convierte la obra maestra de Leonardo en una tira de película estática mediante el uso de la repetición. Es una especie de homenaje a la película de Luis Buñuel, Viridiana.

La exposición nos cuenta sus experiencias como hijo de inmigrantes de clase trabajadora, hombre gay, católico devoto y blanco de un extraño tiroteo por parte de una de sus groupies, para ayudarnos a comprender la evolución de su arte. Su enfoque innovador y único del arte en una época de inmenso cambio político, social y tecnológico ha sido reconocido por el mundo del arte desde entonces.

Changing perceptions

Olafur Eliasson
In real life
11 July 2019 – 5 January 2020
Tate Modern, London, UK

This was a very popular art exhibition at the Tate Modern in London last summer and autumn and, although I couldn’t find the time to write about it while it was on, I believe that Olafur Eliasson is one of the best artists working nowadays, so I wouldn’t like to miss it here.

As we went into the exhibition space, the first room we entered was a model room. In dim light, he presented around 450 models, prototypes and geometric studies behind a glass. All of them are a record of his work with a studio team and with Icelandic artist, mathematician and architect Einar Thorsteinn (1942-2015). Some of these shapes can be recognised on Eliasson’s sculptures and pavilions. I was mesmerised by the different shapes, textures and materials employed by the artist here. Among the materias on display were paper, wood, rubber balls, Lego and wire. I would’ve liked to shrink and immerse myself in this magical landscape! See a small view of the models below.

The following room displayed his earliest works. Here, it can be appreciated the interest of the artist in nature and the weather. My favourite piece in this room was “Moss wall” (1994), a huge abstract work made of Scandinavian reindeer lichen that served to bring an unexpected material from nature into the space of the gallery. The texture and colour of this work captivated me and kept me staring at it for some time; there was so much detail to appreciate from it! It was like going back to nature, but within a sheltered space.

Then, we could see the use the artist does of kaleidoscopes, which he’s been making since the mid-1990s. For Eliasson this is not just a playful toy, but also as a way to reconfigure what you see. He merges inside and outside space and dissolves the boundary between the gallery and the outside world. The art blackberry can be seen in a worship position underneath one of them.

As we continued watching the art exhibition, we came across his glacial works. Visiting Iceland in his childhood made the artist very close to the global warming plight after seeing its glaciers melt in first hand. He documented this with a series of photographs he started taking in 1999 and finished in 2019, twenty years later. The changes in the landscape can be clearly appreciated.

In addition, there were other references to the changing environment like in “Glacial currents” (2018), where pieces of glacial ice were placed on top of washes of colour pigment (see image below) or in a bronze cast from 2019 called “The presence of absence pavilion”, which makes visible the empty space left by a glacial ice chunk after melting away. An Australian friend collaborate with us as a Guest berry in these photos and her hand can be seen through this artwork below.

Finally, another one of Eliasson’s projects around this subject was “Ice Watch”, staged in front of Tate Modern in 2018 and consisting of ice blocks brought from Greenland to offer a direct experience of seeing the ice from the Artic melt. The ice was fished out of a fjord in Greenland after becoming detached from the ice sheet. As a result of global warming more icebergs are produced causing the sea levels to rise.

Olafur Eliasson is a Danish-Icelendic artist, whose body of work includes sculptures, large-scale installations, photography and paintings. He uses all sort of materials ranging from moss, glacial melt-water, light, fog and even air temperature to enhance the viewer’s experience. His main interests revolve around nature, geometry and his ongoing investigations into how we perceive, feel and shape the world around us. Hence, the audiences experience at his art shows are so much at the centre of attention of his art.

Ultimately, he believes that art can have a strong impact on the world outside the museum, and I personally agree with this view. In fact, Eliasson runs a studio in Berlin with technicians, architects, archivists, art historians, designers, filmmakers, cooks, and administrators, and he collaborates with all sort of professionals to work in matters such as sustainable energy or climate change. As an artist he’s got a strong will to change perceptions towards the environment and to achieve a more sustainable planet, and if more people had the same concerns, the world would be a better place to live in.


 

Cambiando percepciones

Olafur Eliasson
En la vida real
11 de julio de 2019 – 5 de enero de 2020
Tate Modern, Londres, Reino Unido.

Esta fue una exposición de arte muy popular en la Tate Modern de Londres el verano y otoño pasados y, aunque no encontré tiempo para escribir sobre ella mientras estaba abierta, creo que Olafur Eliasson es uno de los mejores artistas trabajando hoy día, así que no quiero dejar de cubrirla aquí.

Cuando entramos en la exposición, la primera sala con la que nos topamos fue una sala de maquetas. Con poca luz, se presentaban alrededor de 450 maquetas, prototipos y estudios geométricos detrás de un vidrio. Todas ellas son un registro de su trabajo con un equipo de su estudio y con el artista, matemático y arquitecto islandés Einar Thorsteinn (1942-2015). Algunas de estas formas se pueden reconocer en las esculturas e instalaciones de Eliasson. Me quedé fascinada con las diferentes formas, texturas y materiales empleados por el artista. Entre los materiales había papel, madera, bolas de goma, Lego y alambre. Me hubiera gustado encogerme para sumergirme en este paisaje mágico! Puedes ver una pequeña imagen de las maquetas debajo.

La siguiente sala exhibió sus primeros trabajos. Aquí, se reflejaba el interés del artista en la naturaleza y el clima. Mi pieza favorita en esta sala fue “Moss wall” (1994), una gran obra abstracta hecha de liquen de reno escandinavo que sirvió para llevar un material inesperado de la naturaleza al espacio de la galería. La textura y el color de este trabajo me cautivaron y me mantuvieron mirándolo por algún tiempo; ¡había tantos detalles que apreciar! Era como volver a la naturaleza, pero dentro de un espacio protegido.

Más adelante pudimos ver el uso que el artista hace de los caleidoscopios, que ha estado haciendo desde mediados de la década de 1990. Para Eliasson, este no es solo un juguete lúdico, sino también una forma de reconfigurar lo que ves. Fusiona el espacio interior y exterior y disuelve el límite entre la galería y el mundo exterior. The art blackberry se puede ver en una posición de adoración debajo de uno de ellos a continuación.

A medida que avanzamos por la exposición de arte, nos encontramos con sus obras glaciales. Visitar Islandia en su infancia hizo que el artista se acercara mucho a la difícil situación del calentamiento global después de ver cómo se derritieron sus glaciares de primera mano. Lo documentó con una serie de fotografías que comenzó a tomar en 1999 y terminó en 2019, veinte años después. Los cambios en el paisaje se pueden apreciar claramente.

Además, hubo otras referencias al entorno cambiante como en “Corrientes glaciales” (2018), donde se colocaron trozos de hielo glacial sobre lavados de pigmento de color (ver imagen a continuación) o en un molde de bronce de 2019 llamado “The presencia del pabellón de ausencia ”, que hace visible el espacio vacío dejado por un trozo de hielo glacial después de derretirse. Una amiga australiana visitando Londres colabora con nosotras como Guest berry y puede verse su mano  a través de esta obra abajo.

Finalmente, otro de los proyectos de Eliasson en torno a este tema fue “Ice Watch”, organizado frente a Tate Modern en 2018 y consistente en bloques de hielo traídos de Groenlandia para ofrecer una experiencia directa de ver el deshielo del Artico. El hielo fue sacado de un fiordo en Groenlandia después de separarse de la capa de hielo. Como resultado del calentamiento global, se producen más icebergs que provocan el aumento del nivel del mar.

Olafur Eliasson es un artista danés-islandés, cuyo trabajo incluye esculturas, instalaciones a gran escala, fotografía y pinturas. Utiliza todo tipo de materiales, desde musgo, agua de deshielo glacial, luz, niebla e incluso temperatura del aire para mejorar la experiencia del espectador. Sus principales intereses giran en torno a la naturaleza, la geometría y sus continuas investigaciones sobre cómo percibimos, sentimos y damos forma al mundo que nos rodea. Por lo tanto, la experiencia del público en sus exposiciones de arte está en el centro de atención de su arte.

Finalmente, él cree que el arte puede tener un fuerte impacto en el mundo fuera del museo, y personalmente estoy de acuerdo con esta opinión. De hecho, Eliasson dirige un estudio en Berlín con técnicos, arquitectos, archiveros, historiadores del arte, diseñadores, cineastas, cocineros y administradores, y colabora con todo tipo de profesionales para trabajar en asuntos como la energía sostenible o el cambio climático. Como artista, tiene una gran voluntad de cambiar las percepciones sobre el medio ambiente y lograr un planeta más sostenible, y si más personas tuvieran las mismas preocupaciones, el mundo sería un lugar mejor para vivir.

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Marvellous evocative sculptures

Cy Twombly
Sculpture
30 September – 21 December, 2019
Gagosian, Grosvenor Hill, London

This is a past art exhibition there was at the Gagosian art gallery in London at the end of last year. I’d like to talk about it here because I didn’t have the time to do it while it was on and I really like this artist.

As we came into the gallery, we were surrounded by multiple sculpture pieces spread all over the two main gallery spaces. Many of Twombly’s sculptures are coated in white paint and are evocative of classical sculptures, where white is his “marble”. Some of them allude to architecture, geometry, and Egyptian and Mesopotamian statuary, as in the rectangular pedestals and circular structures.

Twombly made these sculptures on show out of found materials such as plaster, wood and iron. They are mostly modest in scale and can be easily associated to his paintings. The white paint over these materials gives them a very interesting texture that even tempted me to touch them.

As well as his paintings, the sculptures evoke narratives from antiquity and fragments of literature and poetry. However, as the artist said in an interview with David Sylvester for his exhibition at Kunstmuseum Basel in 2000, the demands of making sculpture were very different from those of painting. “[Sculpture is] a whole other state. And it’s a building thing. Whereas the painting is more fusing—fusing of ideas, fusing of feelings, fusing projected on atmosphere.” It seems to me that he envisioned sculpture more like a LEGO figure, whereas painting was more like a recipe in which you mix different ingredients to create a new dish.

Apart from the white sculptures, we came across others colours. A few of the sculptures were pink and we found that it was the perfect tone of pink for my colleague, The art blackberry, to interact with the artworks because she was wearing a coat with the same pink. The aesthetical qualities of these pictures can be appreciated below.

I hope we get to see a new art show on Cy Twombly’s painting or sculpture soon. I enjoyed looking at his sculptures, but I always enjoy his paintings more because they have more readings to me. But, of course, this is a personal preference you may not agree with. The last Twombly’s art show I really enjoyed was back in 2011 at the Dulwich Picture Gallery, where he was exhibited alongside Poussin, an artist deeply admired by him.


 

Maravillosas esculturas evocadoras

Cy Twombly
Escultura
30 de septiembre – 21 de diciembre de 2019
Gagosian, Grosvenor Hill, Londres

Esta es una exposición de arte pasada que hubo en la galería Gagosian en Londres a finales del año pasado. Me gustaría hablar sobre ella aquí, porque no tuve tiempo de hacerlo mientras estaba abierta, y me gusta este artista.

Según entramos en la galería, nos sentimos rodeadas de múltiples piezas de escultura repartidas por los dos espacios principales de la galería. Muchas de las esculturas de Twombly están recubiertas de pintura blanca, y evocan esculturas clásicas donde el blanco es su “mármol”. Algunas de ellas aluden a la arquitectura, la geometría y las estatuas egipcias y mesopotámicas, como en los pedestales rectangulares y las estructuras circulares.

Twombly hizo estas esculturas en exposición con materiales encontrados como yeso, madera y hierro. En su mayoría son de escala modesta y se pueden asociar fácilmente a sus pinturas. La pintura blanca sobre estos materiales les da una textura muy interesante que parece invitarnos a tocarlas. 

Además de sus pinturas, las esculturas evocan narrativas de la antigüedad y fragmentos de literatura y poesía. Sin embargo, como dijo el artista en una entrevista con David Sylvester para su exposición en el Kunstmuseum Basel en 2000, las demandas de hacer esculturas eran muy diferentes de las de la pintura. “[La escultura es] un estado completamente diferente. Tiene que ver con construcción. Mientras que la pintura se fusiona más: fusión de ideas, fusión de sentimientos, fusión proyectada en la atmósfera “. Parece que imaginó la escultura más como una figura de LEGO, mientras que la pintura era más como una receta donde se mezclan diferentes ingredientes para crear un nuevo plato.

Además de las esculturas blancas, encontramos otros colores. Algunas de las esculturas eran de color rosa y descubrimos que era el tono rosado perfecto para mi colega, The art blackberry, para interactuar con las obras de arte porque llevaba un abrigo del mismo color rosa. Las cualidades estéticas de estas imágenes se pueden apreciar a continuación.

Espero que podamos ver una nueva muestra de arte de pintura o escultura de Cy Twombly pronto. Disfruté viendo sus esculturas, pero siempre disfruto más de sus pinturas porque tienen más lecturas para mí. Por supuesto, esto es una preferencia personal con la que puedes no estar de acuerdo. La última muestra de arte de Twombly que realmente disfruté fue en 2011 en la Dulwich Picture Gallery, donde fue expuesto junto a Poussin, un artista profundamente admirado por Twombly.

Looking for the real self

Doug Aitken
Return to the Real
2 October – 20 December 2019
Victoria Miro I, London, UK

Back to the art world and back on form. Not to say that I haven’t seen art exhibitions since my last post, but I’ve been busy with other things and I couldn’t find the time to post. Apologies to my readers. Here I am again and hopefully back on track every other week.

One of the last exhibitions seen by The art berries was “Return to the Real” by Doug Aitken, which I found interesting from both an aesthetic and an spiritual perspective.

As you enter the art show, the space downstairs is a dark room where you can see a translucent young woman resting on a table with her mobile phone out of reach and other elements with the same shiny appearance. Her groceries still on the plastic bag next to her. She hasn’t had a chance to put them in place. She’s surrounded by light boxes, illuminated dreamscapes, swimming pools, aeroplanes images, unmade white lovely beds and all sort of references to the life we lead in the contemporary world. A world dominated by technology that keep us distracted with images of how to scape from our daily routine and travel far away. Perhaps for just a week, maximum a month, but enough to keep us working towards that goal. Will our heroine find herself amid all these?

The response could lie upstairs. When you climb up the stairs you can see a female form in the middle of a scene dominated by moving sonic sculptures. The scene is like a contemplative scene. The moving sculptures are circular steel wind chimes that rotate in front of a flickering screen. Our heroine is carved in marble, Aitken, says, with ‘deep geological time’ and is bisected in two parts to reveal a mirrored interior. I wonder whether this is the same girl from downstairs who’s managed to find her real self. I do hope so!

Dough Aitken is an an American artist and filmmaker whose work has been featured in multiple places around the world.


 

Buscando el verdadero yo

Doug Aitken
Return to the Real
2 de octubre – 20 de diciembre de 2019
Victoria Miro I, Londres, Reino Unido

De vuelta al mundo del arte y de vuelta en forma. No quiere decir que no haya visto exposiciones de arte desde mi último post, pero he estado ocupada con otras cosas y no he podido encontrar tiempo para publicar. Disculpas a mis lectores. Aquí estoy de nuevo y espero estar de vuelta cada dos semanas.

Una de las últimas exhibiciones vistas por The art berries fue “Return to the Real” de Doug Aitken, la cual me pareció interesante tanto desde una perspectiva estética como espiritual. Al entrar en la exposición de arte, el espacio de abajo es una habitación oscura donde puedes ver a una joven translúcida descansando sobre una mesa con su teléfono móvil fuera del alcance y otros elementos con la misma apariencia brillante. Su compra todavía en una bolsa de plástico a su lado. No ha tenido la oportunidad de ponerla en su sitio. Está rodeada de cajas de luz, paisajes oníricos iluminados, piscinas, imágenes de aviones, camas blancas sin hacer y todo tipo de referencias a la vida que llevamos en el mundo contemporáneo. Un mundo dominado por la tecnología que nos mantiene distraídos con imágenes de cómo escapar de nuestra rutina diaria y viajar lejos. Tal vez solo por una semana, un máximo de un mes, pero lo suficiente como para mantenernos trabajando hacia ese objetivo. Conseguirá nuestra heroína encontrarse a si misma en medio de todo esto?

La respuesta podría estar arriba. Cuando subes las escaleras puedes ver una forma femenina en medio de una escena dominada por esculturas sonoras en movimiento. La escena es como una escena contemplativa. Las esculturas en movimiento son campanillas de viento circulares de acero que giran frente a una pantalla parpadeante. Nuestra heroína está tallada en mármol, dice Aitken, con “tiempo geológico profundo” y está dividida en dos partes para revelar un interior de espejo. Me pregunto si esta es la misma chica de abajo que ha logrado encontrar su verdadero yo. ¡Espero que sí!

Dough Aitken es un artista y cineasta estadounidense cuyo trabajo se ha presentado en múltiples lugares del mundo.

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Relics of a lost era

Mike Nelson
The asset stripper
18 March – 6 October 2019
Tate Britain, London, UK

The art berries visited Tate Britain recently and came across the installation there is currently at the Duveen Galleries by Mike Nelson. He’s turned this space, originally conceived as the first purpose-built sculpture galleries in England, into an objects strippers’ warehouse using numerous recent industrial relics.

Nelson has chosen to gather objects from post-war Britain that he used to see in his childhood such as big knitting machines and doors from the NHS and display them along the large central corridor at the Tate known as Duveen galleries. Somehow it looks like a monument to a lost era and the vision of society they represent. The art installation has cultural as well as social allusions that go from a local to a national perspective.

The artist has been buying this metal objects at asset-stripping auctions for years. Some machines are the kind of equipment used in textile factories where Nelson’s parents and grandparents worked. However, they now seem to be mysterious objects taken from a distant culture. I thought  initially that they had been taken from a different country, like an old British colony. They make me think of the hard work that is needed to manufacture the clothes we wear; years ago from people who worked in those jobs in western countries and now mostly from people based overseas. Is this a sustainable production model? I do believe that we need to start doing much more up-cycling within the fashion industry. Below you can see a photo of the knitting machine below with me on it.

Then we come across swing doors with porthole windows through which we can enter from an old London hospital, like the living and the dead, which adds to the feeling of a surreal experience. Not only that, some of Nelson’s works speak directly to the museum’s collection. Like the one of those hay rakes that whirl like sunflowers in the early surrealism of Joan Miró. You can see The art blackberry interacting with this art piece. Is she surrendering to sleep and dreaming with those massive sunflower wheels?

Nelson’s sculpture alludes to the industrial functions of metal. He allows his objects to be relics first, sculptures second, and machines again with a mysterious appearance that makes you look at them in a  new light.

Mike Nelson is a contemporary British artist who creates large-scale architectural installations. He has been shortlisted twice for the Turner prize and has represented Britain at the 2011 Venice Biennale.


 

Reliquias de una era perdida

Mike Nelson
The asset stripper
18 de marzo – 6 de octubre de 2019
Tate Britain, Londres, Reino Unido

The art berries visitamos Tate Britain recientemente y nos encontramos con la instalación que hay de Mike Nelson en las Duveen galleries. El artista ha convertido este espacio, originalmente concebido como la primera galería de esculturas especialmente diseñada en Inglaterra, en un almacén de objetos que utiliza numerosas reliquias industriales recientes.

Nelson eligió recoger objetos del período de posguerra en Gran Bretaña que él solía ver en su infancia, como grandes máquinas de tejer y las puertas del NHS y exponerlas a lo largo del pasillo central de la galería conocido como Duveen galleries. De alguna manera, parece un monumento a una era perdida y la visión de la sociedad que representan. La instalación de arte tiene alusiones culturales y sociales que van desde una perspectiva local a otra nacional.

El artista ha estado comprando estos objetos de metal en subastas de desmonte de activos durante años. Algunas máquinas son el tipo de equipo utilizado en las fábricas textiles donde trabajaban sus padres y abuelos. Sin embargo, ahora parecen ser objetos misteriosos tomados de una cultura lejana. Al principio pensé que habían sido tomadas de un país diferente, como una antigua colonia británica. Me hacen pensar en el trabajo duro que se necesita para fabricar la ropa que usamos; años atrás procedente de personas que trabajaban en países occidentales y ahora principalmente de personas que viven en otros países más pobres. ¿Es éste un modelo de producción sostenible? Creo que debemos comenzar a hacer mucho más reciclaje o up-cycling dentro de la industria de la moda. A continuación puedes ver una foto de la máquina de tejer conmigo dentro.

Luego nos encontramos con puertas batientes con ventanillas a través de las cuales podemos entrar en un antiguo hospital de Londres, como los vivos y los muertos, lo que se suma a la sensación de una experiencia surrealista. No sólo eso, algunas de las obras de Nelson hablan directamente de la colección del museo. Como el de esos rastrillos de heno que giran como girasoles en el surrealismo temprano de Joan Miró. Puedes ver a The art blackberry interactuando con esta pieza de arte. ¿Está durmiendo y soñando con esas enormes ruedas de girasol?

La escultura de Nelson alude a las funciones industriales del metal. Él permite que sus objetos sean reliquias primero, esculturas en segundo lugar, y máquinas de nuevo con una apariencia misteriosa que te hace mirarlos desde una nueva perspectiva.

Mike Nelson es un artista británico contemporáneo que crea instalaciones arquitectónicas a gran escala. Ha sido pre-seleccionado dos veces para el premio Turner y ha representado a Gran Bretaña en la Bienal de Venecia 2011.

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