photography – Page 2 – The art berries

Handwritten juxtaposition

Grayson Perry
The MOST Specialest Relationship
15 September – 18 December 2020
Victoria Miro, London, UK

The art exhibiton I’ve chosen to review this time is “The MOST Specialest Relationship” by Grayson Perry. A nod to the famous term describing relations between Britain and the United States. Perry -for those who don’t know him yet – is an English contemporary artist, writer and broadcaster. However, what’s made him a pop culture icon is his transvestite alter ego, Claire.

As I found out when I read about the exhibition, the art show was inspired by the artist’s three-part documentary “Grayson Perry’s Big American Roadtrip” broadcasted in Channel 4 in the UK in September 2020, after doing the trip in 2019. I haven’t seen the documentary, although it’s on my to-do list. The artist travelled across the US on a custom-built motorbike designed by himself and explored some of the biggest cultural and political issues dividing the country. Scroll down to see the pictures I took at the art show; I interact with one of the artworks in real life.

“If I think of American cultural power, the image that pops into my head is a huge Abstract Expressionist painting, a Cold War symbol of a self-confident land of the free.” said Grayson Perry.

And in fact, the background of the exhibition was a big tapestry displayed along the longest wall and used by Perry to reflect on the multiple layers that constitute the cultural and social archaelogy of Manhattan. The deepest layer made of historic textiles from the many cultures that make up the modern city: rugs, blankets, flags, sacks… On top of this is splurged a Jackson Pollock style abstract painting -a symbol of macho cultural dominance – the outline map of Manhattan and pasted collage labels part of a liberal economic system that prevail in this city. I’d consider these labels very much within the style employed by the artist on his ceramics.

The juxtaposition of elements is the main characteristic of Perry’s ceramics. Covered in hand written text, drawings, stenciled lettering, photographs and satirical messages. Perry challenges the idea implicit in the craft tradition that pottery is merely decorative or utilitarian and cannot express ideas.

In addition to the pottery and tapestry, easily recognizable as Perry’s works of art, the exhibit also housed the large map of the United States with Facebook CEO Mark Zuckerburg as a divine figure at the top. I found this work of art particularly interesting and I would not have immediately associated it to him. However, upon careful inspection his ingenuity and understanding of social and economic issues surface.

“I chose him because he is the best known face of social media power. Social media is mainly financed by advertising so those in charge want users to stay online as long as possible. The algorithms make this happen by encouraging conflict and outrage. The red arrows represent this feeding of negative emotion that keeps people scrolling. All the ships, planes and other combatants are labelled with the issues that swirl around this artificially polarised struggle. In the centre of the map is the presidential plane Airforce One colliding with a Russian bomber labelled “Climate Change”.” said the artist. I’d say that at least now the US Administration is not in the hands of a person who has called Climate Change a hoax in numerous occassions.

To finish with, I wouldn’t place Perry on the list of my favourite artists, but I like his originality and will to dissect social and economic topics like race, inequality, child abuse and sexuality through his art.

Grayson Perry
La relación MAS especial
15 de septiembre – 18 de diciembre de 2020
Victoria Miro, Londres, Reino Unido

La exposición de arte que he elegido reseñar esta vez es “The MOST Specialest Relationship” de Grayson Perry. Un guiño al famoso término que describe las relaciones entre Gran Bretaña y Estados Unidos. Grayson Perry – para aquellos que no le conozcáis – es un artista, escritor y comunicador contemporáneo inglés. Sin embargo, lo que le convirtió en un icono de la cultura pop británica es su alter ego travesti, Claire.

Como descubrí al leer sobre la exposición, para esta muestra se inspiró en el documental de tres partes del artista “Grayson Perry’s Big American Roadtrip” transmitido en Channel 4 en el Reino Unido en septiembre de 2020, después de hacer el viaje en 2019. No he visto el documental todavía, aunque está en mi lista de tareas pendientes. El artista viajó por los Estados Unidos en una motocicleta hecha a medida y diseñada por él mismo, donde exploró algunos de los problemas culturales y políticos más importantes que dividen al país. Desplácese hacia abajo para ver las fotos que tomé en la exposición de arte; interactúo con una de las obras de arte en tiempo real.

“Si pienso en el poder cultural estadounidense, la imagen que me viene a la cabeza es una enorme pintura expresionista abstracta, un símbolo de la Guerra Fría de una tierra que se siente libre y segura de sí misma”. Grayson Perry.

Y de hecho, el fondo de la exposición era un gran tapiz que se extendía a lo largo de la pared más larga y le servía al artista para reflexionar sobre las múltiples capas que constituyen la arqueología cultural y social de Manhattan. La capa más profunda hecha de tejidos históricos de las muchas culturas que componen la ciudad moderna: alfombras, mantas, banderas, sacos … Encima de esto salpicó una pintura abstracta estilo Jackson Pollock -un símbolo del dominio cultural machista-, a lo que adjuntó el mapa de Manhattan y etiquetas de collage pegadas que reflejan el sistema económico liberal que impera en esta ciudad. Estas etiquetas me parecen en consonancia con el estilo utilizado por el artista en sus cerámicas.

La yuxtaposición de elementos es la principal característica de las ceramicas de Perry. Cubiertas de texto, dibujos escritos a mano, letras estarcidas, fotografías y mensajes satíricos. Perry desafía la idea implícita en la tradición artesanal de que la cerámica es meramente decorativa o utilitaria y no puede expresar ideas.

En adiccion a las obras de cerámica y el tapiz, fácilmente reconocibles como obras de arte del artista, la exposición albergaba también el gran mapa de los Estados Unidos con Mark Zuckerburg, director ejecutivo de Facebook, como una figura divina en la parte superior. Me pareció particularmente interesante esta obra de arte que no habría asociado inmediatamente con él. Sin embargo, tras una inspeccion cuidada su ingenio y comprensión de los asuntos sociales y económicos salen a la superficie.

“Lo elegí porque es la cara más conocida del poder de las redes sociales. Las redes sociales se financian principalmente con publicidad, por lo que los responsables quieren que los usuarios permanezcan conectados el mayor tiempo posible. Los algoritmos hacen que esto suceda fomentando el conflicto y la indignación. Las flechas representan esta alimentación de emoción negativa que mantiene a la gente desplazándose. Todos los barcos, aviones y otros combatientes están etiquetados con los problemas que giran en torno a esta lucha polarizada artificialmente. En el centro del mapa está el avión presidencial Airforce One chocando con un bombardero ruso denominada ‘Cambio climático’.” dice el artista. Yo diría que al menos ahora la Administración de los Estados Unidos no está en manos de una persona que ha calificado al cambio climático como un engaño en numerosas ocasiones.

Para terminar, no colocaría a Perry en la lista de mis artistas favoritos, pero me gusta su originalidad y su voluntad de diseccionar temas sociales y económicos como raza, desigualdad, abuso infantil y sexualidad a través de su arte.

An expert in the art of repetition

Andy Warhol
12 March – 15 November (Extended)
Tate Modern, London, UK

This post is long overdue. But, Covid-19 has transformed our lives in unimaginable ways. Galleries have been closed for a few months and finally they can be visited only by appointment here in London. So, I’m back to tell you about the last exhibition I’ve seen in months: Andy Warhol at Tate Modern. The show has been extended until the 15th November, so you’re still in time to see it.

I’m not the biggest fan of pop art, but Warhol is an American icon that cannot be missed. The art show features some of his iconic paintings, the work that made him famous as a pop artist (a term he hated apparently) including Coca-Cola bottles, 50 Marilyn Monroe portraits (1962), 168 pairs of Marilyn’s lips (see a picture of The art berries featuring this artwork below), Elvis I and II 1963/1964, Pink Race Riot 1964, a woman falling from a building 35 times, 10 Brillo boxes in a corner, 100 Campbell soup cans, 112 bottles of Coke and Marlon Brando twice, etc. Warhol was an expert in the art of repetition. “I want to be a machine” he said. Hence, his obsession with repetition, which in my opinion enhances the artwork instead of making it dull.

Warhol’s sexuality seems to be an important theme in this exhibition. Beginning with a selection of his early line drawings of men from the 1950s, counting on the film Sleep 1963, which documents Warhol’s lover, the poet John Giorno – and featuring large-scale paintings like his 1975 Ladies and Gentlemen series, not shown in the UK before. They depict anonymous Black and Latinx drag queens and trans women from New York, including iconic performer and activist, Marsha P. Johnson, a prominent figure in the Stonewall uprising of 1969 – a series of spontaneous, violent demonstrations by members of the LGBT community in response to a police raid. The exhibition looks at how Warhol’s attempt to bring the stars of the underground into the mainstream.

However, one of my favourite works in this exhibition was right at the end of the art show: Leonardo da Vinci’s Last Supper. Silkscreened from a reproduction, it’s repeated 60 times across a panoramic canvas in black and white (see image below). It turns Leonardo’s masterpiece in a static film-strip by the use of repetition. And it’s some kind of homage to Luis Buñuel’s film, Viridiana.

The art show tell us about his experiences as a child of working-class immigrants, a gay man, a devout Catholic and the target of a bizarre shooting by one of his groupies, to help us understand the evolution of his art. His innovative and unique approach to art in an age of immense political, social and technological change has been recognised by the art world ever since.

Experto en el arte de la repetición
Andy Warhol
12 de marzo – 15 de noviembre (ampliada)
Tate Modern, Londres, Reino Unido

Hace tiempo que quería poner un post. Pero, Covid-19 ha transformado nuestras vidas de formas inimaginables. Las galerías han estado cerradas durante unos meses y ya se pueden visitar con cita previa aquí en Londres. Así que, estoy de vuelta para contaros sobre la última exposición que he visto en meses: Andy Warhol en Tate Modern. La exposición ha sido extendida hasta el 15 de noviembre, por lo que aún estás a tiempo de verla.

No soy la mayor fan del pop art, pero Warhol es un ícono estadounidense que no te puedes perder. La muestra de arte presenta algunas de sus pinturas más icónicas, el trabajo que le hizo famoso como artista pop (un término que aparentemente odiaba) incluyendo botellas de Coca-Cola, 50 retratos de Marilyn Monroe (1962), 168 pares de labios de Marilyn (ver una imagen de The art berries con esta obra de arte a continuación), Elvis I y II 1963/1964, Pink Race Riot 1964, una mujer que se cae de un edificio 35 veces, 10 cajas de Brillo en una esquina, 100 latas de sopa Campbell, 112 botellas de Coca-Cola y Marlon Brando dos veces, etc. Warhol era un experto en el arte de la repetición. “Quiero ser una máquina”, dijo. De ahí su obsesión por la repetición, realzando la obra de arte en lugar de volverla aburrida.

La sexualidad de Warhol parece ser un tema importante en esta exposición. Comenzando con una selección de sus primeros dibujos lineales de hombres de la década de 1950, contando con la película Sleep 1963 – que documenta al amante de Warhol, el poeta John Giorno – y presentando pinturas de gran formato como su serie Ladies and Gentlemen de 1975, no mostrada en el Reino Unido antes. Representan drag queens y mujeres trans negras y latinas anónimas de Nueva York, incluida la artista y activista icónica, Marsha P. Johnson, una figura prominente en el levantamiento de Stonewall de 1969 – una serie de manifestaciones espontáneas y violentas de miembros de la LGBT comunidad en respuesta a una redada policial. La exposición analiza el interés de Warhol por llevar a las estrellas del underground a la corriente principal.

Sin embargo, una de mis obras favoritas de esta exposición estaba justo al final de la muestra de arte: La Última Cena de Leonardo da Vinci. Serigrafiada a partir de una reproducción, se repite 60 veces en un lienzo panorámico en blanco y negro. Convierte la obra maestra de Leonardo en una tira de película estática mediante el uso de la repetición. Es una especie de homenaje a la película de Luis Buñuel, Viridiana.

La exposición nos cuenta sus experiencias como hijo de inmigrantes de clase trabajadora, hombre gay, católico devoto y blanco de un extraño tiroteo por parte de una de sus groupies, para ayudarnos a comprender la evolución de su arte. Su enfoque innovador y único del arte en una época de inmenso cambio político, social y tecnológico ha sido reconocido por el mundo del arte desde entonces.

Changing perceptions

Olafur Eliasson
In real life
11 July 2019 – 5 January 2020
Tate Modern, London, UK

This was a very popular art exhibition at the Tate Modern in London last summer and autumn and, although I couldn’t find the time to write about it while it was on, I believe that Olafur Eliasson is one of the best artists working nowadays, so I wouldn’t like to miss it here.

As we went into the exhibition space, the first room we entered was a model room. In dim light, he presented around 450 models, prototypes and geometric studies behind a glass. All of them are a record of his work with a studio team and with Icelandic artist, mathematician and architect Einar Thorsteinn (1942-2015). Some of these shapes can be recognised on Eliasson’s sculptures and pavilions. I was mesmerised by the different shapes, textures and materials employed by the artist here. Among the materias on display were paper, wood, rubber balls, Lego and wire. I would’ve liked to shrink and immerse myself in this magical landscape! See a small view of the models below.

The following room displayed his earliest works. Here, it can be appreciated the interest of the artist in nature and the weather. My favourite piece in this room was “Moss wall” (1994), a huge abstract work made of Scandinavian reindeer lichen that served to bring an unexpected material from nature into the space of the gallery. The texture and colour of this work captivated me and kept me staring at it for some time; there was so much detail to appreciate from it! It was like going back to nature, but within a sheltered space.

Then, we could see the use the artist does of kaleidoscopes, which he’s been making since the mid-1990s. For Eliasson this is not just a playful toy, but also as a way to reconfigure what you see. He merges inside and outside space and dissolves the boundary between the gallery and the outside world. The art blackberry can be seen in a worship position underneath one of them.

As we continued watching the art exhibition, we came across his glacial works. Visiting Iceland in his childhood made the artist very close to the global warming plight after seeing its glaciers melt in first hand. He documented this with a series of photographs he started taking in 1999 and finished in 2019, twenty years later. The changes in the landscape can be clearly appreciated.

In addition, there were other references to the changing environment like in “Glacial currents” (2018), where pieces of glacial ice were placed on top of washes of colour pigment (see image below) or in a bronze cast from 2019 called “The presence of absence pavilion”, which makes visible the empty space left by a glacial ice chunk after melting away. An Australian friend collaborate with us as a Guest berry in these photos and her hand can be seen through this artwork below.

Finally, another one of Eliasson’s projects around this subject was “Ice Watch”, staged in front of Tate Modern in 2018 and consisting of ice blocks brought from Greenland to offer a direct experience of seeing the ice from the Artic melt. The ice was fished out of a fjord in Greenland after becoming detached from the ice sheet. As a result of global warming more icebergs are produced causing the sea levels to rise.

Olafur Eliasson is a Danish-Icelendic artist, whose body of work includes sculptures, large-scale installations, photography and paintings. He uses all sort of materials ranging from moss, glacial melt-water, light, fog and even air temperature to enhance the viewer’s experience. His main interests revolve around nature, geometry and his ongoing investigations into how we perceive, feel and shape the world around us. Hence, the audiences experience at his art shows are so much at the centre of attention of his art.

Ultimately, he believes that art can have a strong impact on the world outside the museum, and I personally agree with this view. In fact, Eliasson runs a studio in Berlin with technicians, architects, archivists, art historians, designers, filmmakers, cooks, and administrators, and he collaborates with all sort of professionals to work in matters such as sustainable energy or climate change. As an artist he’s got a strong will to change perceptions towards the environment and to achieve a more sustainable planet, and if more people had the same concerns, the world would be a better place to live in.

Cambiando percepciones

Olafur Eliasson
En la vida real
11 de julio de 2019 – 5 de enero de 2020
Tate Modern, Londres, Reino Unido.

Esta fue una exposición de arte muy popular en la Tate Modern de Londres el verano y otoño pasados y, aunque no encontré tiempo para escribir sobre ella mientras estaba abierta, creo que Olafur Eliasson es uno de los mejores artistas trabajando hoy día, así que no quiero dejar de cubrirla aquí.

Cuando entramos en la exposición, la primera sala con la que nos topamos fue una sala de maquetas. Con poca luz, se presentaban alrededor de 450 maquetas, prototipos y estudios geométricos detrás de un vidrio. Todas ellas son un registro de su trabajo con un equipo de su estudio y con el artista, matemático y arquitecto islandés Einar Thorsteinn (1942-2015). Algunas de estas formas se pueden reconocer en las esculturas e instalaciones de Eliasson. Me quedé fascinada con las diferentes formas, texturas y materiales empleados por el artista. Entre los materiales había papel, madera, bolas de goma, Lego y alambre. Me hubiera gustado encogerme para sumergirme en este paisaje mágico! Puedes ver una pequeña imagen de las maquetas debajo.

La siguiente sala exhibió sus primeros trabajos. Aquí, se reflejaba el interés del artista en la naturaleza y el clima. Mi pieza favorita en esta sala fue “Moss wall” (1994), una gran obra abstracta hecha de liquen de reno escandinavo que sirvió para llevar un material inesperado de la naturaleza al espacio de la galería. La textura y el color de este trabajo me cautivaron y me mantuvieron mirándolo por algún tiempo; ¡había tantos detalles que apreciar! Era como volver a la naturaleza, pero dentro de un espacio protegido.

Más adelante pudimos ver el uso que el artista hace de los caleidoscopios, que ha estado haciendo desde mediados de la década de 1990. Para Eliasson, este no es solo un juguete lúdico, sino también una forma de reconfigurar lo que ves. Fusiona el espacio interior y exterior y disuelve el límite entre la galería y el mundo exterior. The art blackberry se puede ver en una posición de adoración debajo de uno de ellos a continuación.

A medida que avanzamos por la exposición de arte, nos encontramos con sus obras glaciales. Visitar Islandia en su infancia hizo que el artista se acercara mucho a la difícil situación del calentamiento global después de ver cómo se derritieron sus glaciares de primera mano. Lo documentó con una serie de fotografías que comenzó a tomar en 1999 y terminó en 2019, veinte años después. Los cambios en el paisaje se pueden apreciar claramente.

Además, hubo otras referencias al entorno cambiante como en “Corrientes glaciales” (2018), donde se colocaron trozos de hielo glacial sobre lavados de pigmento de color (ver imagen a continuación) o en un molde de bronce de 2019 llamado “The presencia del pabellón de ausencia ”, que hace visible el espacio vacío dejado por un trozo de hielo glacial después de derretirse. Una amiga australiana visitando Londres colabora con nosotras como Guest berry y puede verse su mano a través de esta obra abajo.

Finalmente, otro de los proyectos de Eliasson en torno a este tema fue “Ice Watch”, organizado frente a Tate Modern en 2018 y consistente en bloques de hielo traídos de Groenlandia para ofrecer una experiencia directa de ver el deshielo del Artico. El hielo fue sacado de un fiordo en Groenlandia después de separarse de la capa de hielo. Como resultado del calentamiento global, se producen más icebergs que provocan el aumento del nivel del mar.

Olafur Eliasson es un artista danés-islandés, cuyo trabajo incluye esculturas, instalaciones a gran escala, fotografía y pinturas. Utiliza todo tipo de materiales, desde musgo, agua de deshielo glacial, luz, niebla e incluso temperatura del aire para mejorar la experiencia del espectador. Sus principales intereses giran en torno a la naturaleza, la geometría y sus continuas investigaciones sobre cómo percibimos, sentimos y damos forma al mundo que nos rodea. Por lo tanto, la experiencia del público en sus exposiciones de arte está en el centro de atención de su arte.

Finalmente, él cree que el arte puede tener un fuerte impacto en el mundo fuera del museo, y personalmente estoy de acuerdo con esta opinión. De hecho, Eliasson dirige un estudio en Berlín con técnicos, arquitectos, archiveros, historiadores del arte, diseñadores, cineastas, cocineros y administradores, y colabora con todo tipo de profesionales para trabajar en asuntos como la energía sostenible o el cambio climático. Como artista, tiene una gran voluntad de cambiar las percepciones sobre el medio ambiente y lograr un planeta más sostenible, y si más personas tuvieran las mismas preocupaciones, el mundo sería un lugar mejor para vivir.

Marvellous evocative sculptures

Cy Twombly
Sculpture
30 September – 21 December, 2019
Gagosian, Grosvenor Hill, London

This is a past art exhibition there was at the Gagosian art gallery in London at the end of last year. I’d like to talk about it here because I didn’t have the time to do it while it was on and I really like this artist.

As we came into the gallery, we were surrounded by multiple sculpture pieces spread all over the two main gallery spaces. Many of Twombly’s sculptures are coated in white paint and are evocative of classical sculptures, where white is his “marble”. Some of them allude to architecture, geometry, and Egyptian and Mesopotamian statuary, as in the rectangular pedestals and circular structures.

Twombly made these sculptures on show out of found materials such as plaster, wood and iron. They are mostly modest in scale and can be easily associated to his paintings. The white paint over these materials gives them a very interesting texture that even tempted me to touch them.

As well as his paintings, the sculptures evoke narratives from antiquity and fragments of literature and poetry. However, as the artist said in an interview with David Sylvester for his exhibition at Kunstmuseum Basel in 2000, the demands of making sculpture were very different from those of painting. “[Sculpture is] a whole other state. And it’s a building thing. Whereas the painting is more fusing—fusing of ideas, fusing of feelings, fusing projected on atmosphere.” It seems to me that he envisioned sculpture more like a LEGO figure, whereas painting was more like a recipe in which you mix different ingredients to create a new dish.

Apart from the white sculptures, we came across others colours. A few of the sculptures were pink and we found that it was the perfect tone of pink for my colleague, The art blackberry, to interact with the artworks because she was wearing a coat with the same pink. The aesthetical qualities of these pictures can be appreciated below.

I hope we get to see a new art show on Cy Twombly’s painting or sculpture soon. I enjoyed looking at his sculptures, but I always enjoy his paintings more because they have more readings to me. But, of course, this is a personal preference you may not agree with. The last Twombly’s art show I really enjoyed was back in 2011 at the Dulwich Picture Gallery, where he was exhibited alongside Poussin, an artist deeply admired by him.

Maravillosas esculturas evocadoras

Cy Twombly
Escultura
30 de septiembre – 21 de diciembre de 2019
Gagosian, Grosvenor Hill, Londres

Esta es una exposición de arte pasada que hubo en la galería Gagosian en Londres a finales del año pasado. Me gustaría hablar sobre ella aquí, porque no tuve tiempo de hacerlo mientras estaba abierta, y me gusta este artista.

Según entramos en la galería, nos sentimos rodeadas de múltiples piezas de escultura repartidas por los dos espacios principales de la galería. Muchas de las esculturas de Twombly están recubiertas de pintura blanca, y evocan esculturas clásicas donde el blanco es su “mármol”. Algunas de ellas aluden a la arquitectura, la geometría y las estatuas egipcias y mesopotámicas, como en los pedestales rectangulares y las estructuras circulares.

Twombly hizo estas esculturas en exposición con materiales encontrados como yeso, madera y hierro. En su mayoría son de escala modesta y se pueden asociar fácilmente a sus pinturas. La pintura blanca sobre estos materiales les da una textura muy interesante que parece invitarnos a tocarlas.

Además de sus pinturas, las esculturas evocan narrativas de la antigüedad y fragmentos de literatura y poesía. Sin embargo, como dijo el artista en una entrevista con David Sylvester para su exposición en el Kunstmuseum Basel en 2000, las demandas de hacer esculturas eran muy diferentes de las de la pintura. “[La escultura es] un estado completamente diferente. Tiene que ver con construcción. Mientras que la pintura se fusiona más: fusión de ideas, fusión de sentimientos, fusión proyectada en la atmósfera “. Parece que imaginó la escultura más como una figura de LEGO, mientras que la pintura era más como una receta donde se mezclan diferentes ingredientes para crear un nuevo plato.

Además de las esculturas blancas, encontramos otros colores. Algunas de las esculturas eran de color rosa y descubrimos que era el tono rosado perfecto para mi colega, The art blackberry, para interactuar con las obras de arte porque llevaba un abrigo del mismo color rosa. Las cualidades estéticas de estas imágenes se pueden apreciar a continuación.

Espero que podamos ver una nueva muestra de arte de pintura o escultura de Cy Twombly pronto. Disfruté viendo sus esculturas, pero siempre disfruto más de sus pinturas porque tienen más lecturas para mí. Por supuesto, esto es una preferencia personal con la que puedes no estar de acuerdo. La última muestra de arte de Twombly que realmente disfruté fue en 2011 en la Dulwich Picture Gallery, donde fue expuesto junto a Poussin, un artista profundamente admirado por Twombly.

Looking for the real self

Doug Aitken
Return to the Real
2 October – 20 December 2019
Victoria Miro I, London, UK

Back to the art world and back on form. Not to say that I haven’t seen art exhibitions since my last post, but I’ve been busy with other things and I couldn’t find the time to post. Apologies to my readers. Here I am again and hopefully back on track every other week.

One of the last exhibitions seen by The art berries was “Return to the Real” by Doug Aitken, which I found interesting from both an aesthetic and an spiritual perspective.

As you enter the art show, the space downstairs is a dark room where you can see a translucent young woman resting on a table with her mobile phone out of reach and other elements with the same shiny appearance. Her groceries still on the plastic bag next to her. She hasn’t had a chance to put them in place. She’s surrounded by light boxes, illuminated dreamscapes, swimming pools, aeroplanes images, unmade white lovely beds and all sort of references to the life we lead in the contemporary world. A world dominated by technology that keep us distracted with images of how to scape from our daily routine and travel far away. Perhaps for just a week, maximum a month, but enough to keep us working towards that goal. Will our heroine find herself amid all these?

The response could lie upstairs. When you climb up the stairs you can see a female form in the middle of a scene dominated by moving sonic sculptures. The scene is like a contemplative scene. The moving sculptures are circular steel wind chimes that rotate in front of a flickering screen. Our heroine is carved in marble, Aitken, says, with ‘deep geological time’ and is bisected in two parts to reveal a mirrored interior. I wonder whether this is the same girl from downstairs who’s managed to find her real self. I do hope so!

Dough Aitken is an an American artist and filmmaker whose work has been featured in multiple places around the world.

Buscando el verdadero yo

Doug Aitken
Return to the Real
2 de octubre – 20 de diciembre de 2019
Victoria Miro I, Londres, Reino Unido

De vuelta al mundo del arte y de vuelta en forma. No quiere decir que no haya visto exposiciones de arte desde mi último post, pero he estado ocupada con otras cosas y no he podido encontrar tiempo para publicar. Disculpas a mis lectores. Aquí estoy de nuevo y espero estar de vuelta cada dos semanas.

Una de las últimas exhibiciones vistas por The art berries fue “Return to the Real” de Doug Aitken, la cual me pareció interesante tanto desde una perspectiva estética como espiritual. Al entrar en la exposición de arte, el espacio de abajo es una habitación oscura donde puedes ver a una joven translúcida descansando sobre una mesa con su teléfono móvil fuera del alcance y otros elementos con la misma apariencia brillante. Su compra todavía en una bolsa de plástico a su lado. No ha tenido la oportunidad de ponerla en su sitio. Está rodeada de cajas de luz, paisajes oníricos iluminados, piscinas, imágenes de aviones, camas blancas sin hacer y todo tipo de referencias a la vida que llevamos en el mundo contemporáneo. Un mundo dominado por la tecnología que nos mantiene distraídos con imágenes de cómo escapar de nuestra rutina diaria y viajar lejos. Tal vez solo por una semana, un máximo de un mes, pero lo suficiente como para mantenernos trabajando hacia ese objetivo. Conseguirá nuestra heroína encontrarse a si misma en medio de todo esto?

La respuesta podría estar arriba. Cuando subes las escaleras puedes ver una forma femenina en medio de una escena dominada por esculturas sonoras en movimiento. La escena es como una escena contemplativa. Las esculturas en movimiento son campanillas de viento circulares de acero que giran frente a una pantalla parpadeante. Nuestra heroína está tallada en mármol, dice Aitken, con “tiempo geológico profundo” y está dividida en dos partes para revelar un interior de espejo. Me pregunto si esta es la misma chica de abajo que ha logrado encontrar su verdadero yo. ¡Espero que sí!

Dough Aitken es un artista y cineasta estadounidense cuyo trabajo se ha presentado en múltiples lugares del mundo.

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Relics of a lost era

Mike Nelson
The asset stripper
18 March – 6 October 2019
Tate Britain, London, UK

The art berries visited Tate Britain recently and came across the installation there is currently at the Duveen Galleries by Mike Nelson. He’s turned this space, originally conceived as the first purpose-built sculpture galleries in England, into an objects strippers’ warehouse using numerous recent industrial relics.

Nelson has chosen to gather objects from post-war Britain that he used to see in his childhood such as big knitting machines and doors from the NHS and display them along the large central corridor at the Tate known as Duveen galleries. Somehow it looks like a monument to a lost era and the vision of society they represent. The art installation has cultural as well as social allusions that go from a local to a national perspective.

The artist has been buying this metal objects at asset-stripping auctions for years. Some machines are the kind of equipment used in textile factories where Nelson’s parents and grandparents worked. However, they now seem to be mysterious objects taken from a distant culture. I thought initially that they had been taken from a different country, like an old British colony. They make me think of the hard work that is needed to manufacture the clothes we wear; years ago from people who worked in those jobs in western countries and now mostly from people based overseas. Is this a sustainable production model? I do believe that we need to start doing much more up-cycling within the fashion industry. Below you can see a photo of the knitting machine below with me on it.

Then we come across swing doors with porthole windows through which we can enter from an old London hospital, like the living and the dead, which adds to the feeling of a surreal experience. Not only that, some of Nelson’s works speak directly to the museum’s collection. Like the one of those hay rakes that whirl like sunflowers in the early surrealism of Joan Miró. You can see The art blackberry interacting with this art piece. Is she surrendering to sleep and dreaming with those massive sunflower wheels?

Nelson’s sculpture alludes to the industrial functions of metal. He allows his objects to be relics first, sculptures second, and machines again with a mysterious appearance that makes you look at them in a new light.

Mike Nelson is a contemporary British artist who creates large-scale architectural installations. He has been shortlisted twice for the Turner prize and has represented Britain at the 2011 Venice Biennale.

Reliquias de una era perdida

Mike Nelson
The asset stripper
18 de marzo – 6 de octubre de 2019
Tate Britain, Londres, Reino Unido

The art berries visitamos Tate Britain recientemente y nos encontramos con la instalación que hay de Mike Nelson en las Duveen galleries. El artista ha convertido este espacio, originalmente concebido como la primera galería de esculturas especialmente diseñada en Inglaterra, en un almacén de objetos que utiliza numerosas reliquias industriales recientes.

Nelson eligió recoger objetos del período de posguerra en Gran Bretaña que él solía ver en su infancia, como grandes máquinas de tejer y las puertas del NHS y exponerlas a lo largo del pasillo central de la galería conocido como Duveen galleries. De alguna manera, parece un monumento a una era perdida y la visión de la sociedad que representan. La instalación de arte tiene alusiones culturales y sociales que van desde una perspectiva local a otra nacional.

El artista ha estado comprando estos objetos de metal en subastas de desmonte de activos durante años. Algunas máquinas son el tipo de equipo utilizado en las fábricas textiles donde trabajaban sus padres y abuelos. Sin embargo, ahora parecen ser objetos misteriosos tomados de una cultura lejana. Al principio pensé que habían sido tomadas de un país diferente, como una antigua colonia británica. Me hacen pensar en el trabajo duro que se necesita para fabricar la ropa que usamos; años atrás procedente de personas que trabajaban en países occidentales y ahora principalmente de personas que viven en otros países más pobres. ¿Es éste un modelo de producción sostenible? Creo que debemos comenzar a hacer mucho más reciclaje o up-cycling dentro de la industria de la moda. A continuación puedes ver una foto de la máquina de tejer conmigo dentro.

Luego nos encontramos con puertas batientes con ventanillas a través de las cuales podemos entrar en un antiguo hospital de Londres, como los vivos y los muertos, lo que se suma a la sensación de una experiencia surrealista. No sólo eso, algunas de las obras de Nelson hablan directamente de la colección del museo. Como el de esos rastrillos de heno que giran como girasoles en el surrealismo temprano de Joan Miró. Puedes ver a The art blackberry interactuando con esta pieza de arte. ¿Está durmiendo y soñando con esas enormes ruedas de girasol?

La escultura de Nelson alude a las funciones industriales del metal. Él permite que sus objetos sean reliquias primero, esculturas en segundo lugar, y máquinas de nuevo con una apariencia misteriosa que te hace mirarlos desde una nueva perspectiva.

Mike Nelson es un artista británico contemporáneo que crea instalaciones arquitectónicas a gran escala. Ha sido pre-seleccionado dos veces para el premio Turner y ha representado a Gran Bretaña en la Bienal de Venecia 2011.

The language of cities

Sarah Morris
17 April 2019 – 30 June 2019
White Cube Bermondsey, London, UK

This is one of the last exhibitions I’ve seen and I wanted to share a few comments and photos that we took there with you here.

White Cube Bermondsey is now displaying the work of Sarah Morris (1967), an artist born in the UK, who lives in New York City (US). The art show, formed mostly by abstract paintings, reflects on the artist’s interest in networks, typologies, architecture, language and the city. Morris plays with the viewer’s sense of visual recognition, often referencing elements of architecture, but also the graphic identity of multinational corporations, the iconography of maps, GPS technology, as well as the movement of people within urban environments.

For instance, her new series of ‘Sound Graph’ paintings use the language of American abstraction, minimalism and pop art, while the forms are derived from the artist’s sound files, using the speech from audio recordings as a starting point for the compositions. You can see me (the art blueberry) interacting with one of these paintings ‘Reality is its own ideology (Sound Graph)’ below. The inherent movement in these pictures responds to the theme of the painting that comes from an audio recording.

There’s also an artwork that occupies a separate room and includes Morris’s first sculpture, titled ‘What can be explained can also be predicted (2019)’. It’s made of modular, glass tubes of various heights and colours over a colourful plinth that reminded me of city skyscrapers, but they are also like a musical instrument. It’s a phallic and architectonic sculpture at the same time.

Morris’ work is full references to the cities we inhabit these days. A constantly evolving network of visual, social and political connections that make cities full of vibrancy and energy, always opening space for change and innovation.

El lenguaje de las ciudades

Sarah Morris
17 de abril de 2019 – 30 de junio de 2019
White Cube Bermondsey, Londres, Reino Unido

Esta es una de las últimas exposiciones de arte que he visto y quería compartir algunos comentarios y fotos que hicimos allí con vosotros.

White Cube Bermondsey muestra ahora el trabajo de Sarah Morris (1967), una artista nacida en el Reino Unido que vive en Nueva York (USA). La muestra de arte, formada principalmente por pinturas abstractas, refleja el interés de la artista en las redes, las tipologías, la arquitectura, el idioma y la ciudad. Morris juega con el reconocimiento visual del espectador, haciendo referencia a menudo a elementos de la arquitectura, pero también a la identidad gráfica de corporaciones multinacionales, a la iconografía de los mapas, a la tecnología GPS, así como al movimiento de personas en entornos urbanos.

Por ejemplo, su nueva serie de pinturas ‘Sound Graph’ utiliza el lenguaje de la abstracción estadounidense, el minimalismo y el arte pop, mientras que las formas se derivan de los archivos de sonido de la artista, utilizando grabaciones de audio como punto de partida para las composiciones. Puedes verme (The art blueberry) interactuar con una de estas pinturas “Realidad es su propia ideología (Sound Graph)” a continuación. El movimiento inherente en estas imágenes responde al tema de esta pintura que se deriva de una grabación de audio.

También hay una obra de arte que ocupa una habitación separada e incluye la primera escultura de Morris, titulada “Lo que se puede explicar también se puede predecir (2019)”. Está hecha de tubos de vidrio modulares de varias alturas y colores sobre un colorido zócalo que me recuerda a los rascacielos de muchas ciudades, pero también es como un instrumento musical. Es una escultura fálica y arquitectónica a la vez.

La obra de Morris está llena de referencias a las ciudades que habitamos en estos días. Una red en constante evolución de conexiones visuales, sociales y políticas que hacen que las ciudades estén llenas de vitalidad y energía, siempre abriendo espacio para el cambio y la innovación.

The rat king with monkeys

NS Harsha
11 April – 18 May
Victoria Miro Gallery I, London

The art berries visited this art exhibition at the Victoria Miro gallery and we’d like to share a few photos here despite the show is now finished. I’m sure you’ll be able to see more work from NS Harsha in another big city sometime soon.

The artwork we focused on is “Tamasha” (2013), an installation of larger-than-life size monkeys that appear onto a scaffolding structure. The monkeys are pointing upwards to the heavens while their tails are intertwined and tied to each other. The word Tamasha can refer to political upheaval or even human folly. Moreover, Harsha refers to the phenomenon of the rat king and its appearance in northern folklore traditions since the sixteenth century, where rat kings are associated with various superstitions and were often seen as a bad omen for being associated with plagues.

See The art blackberry below interacting with this artwork pointing to the heavens and placing herself next to the scaffolding, where the monkeys are suspended and tether to each other. Since monkeys are our ancestors, it seems plausible to me to take part on this installation :-P.

NS Harsha (born 1969) is an Indian artist born and based in Mysore. He works in many media including painting, sculpture, site-specific installation, and public works. His works “depict daily experiences in Mysore, southern India, where he is based, but also reflect wider cultural, political and economic globalization issues” and explore the “absurdity of the real world, representation and abstraction, and repeating images”. His practice has been inspired by Indian popular and miniature painting. (Source: Wikipedia).

El rey de las ratas con monos

NS Harsha
11 de abril – 18 de mayo
Victoria Miro Gallery I, Londres

The art berries visitamos esta exposición de arte en la galería Victoria Miró y nos gustaría compartir algunas fotos aquí a pesar de que la muestra ya ha terminado. Estoy segura de que pronto podrás ver más trabajos de NS Harsha en otra gran ciudad dentro de poco.

La obra de arte en la que nos enfocamos es “Tamasha” (2013), una instalación de monos de tamaño más grande que en la realidad que aparecen en una estructura de andamios. Los monos apuntan hacia el cielo mientras que sus colas están entrelazadas y unidas entre sí. La palabra Tamasha puede referirse a agitación política o incluso locura humana. Además, Harsha se refiere al fenómeno del rey de las ratas y su aparición en las tradiciones populares del norte desde el siglo XVI, donde los reyes de las ratas se asocian con varias supersticiones y se consideran a menudo como un mal presagio por estar asociados con plagas.

Debajo puedes ver a The art blackberry interactuando con esta obra de arte y apuntando al cielo, mientras se pega a los andamios donde los monos están suspendidos y atados entre sí. Dado que los monos son nuestros antepasados, me parece plausible participar en esta instalación :-P.

NS Harsha (nacido en 1969) es un artista indio nacido y residente en Mysore. Trabaja en muchos medios, como pintura, escultura, instalación específica del sitio y obras públicas. Sus trabajos “representan experiencias cotidianas en Mysore, en el sur de la India, donde se basa, pero también reflejan temas más amplios de globalización cultural, política y económica” y exploran el “absurdo del mundo real, la representación y la abstracción, y la repetición de imágenes”. Su práctica se ha inspirado en la pintura popular y en miniatura de la India. (Fuente: Wikipedia).

A master of serious play

Franz West
20 February – 2 June 2019
Tate Modern, London, UK

Tate Modern is currently hosting an art exhibition of Franz West that The art berries visited recently and I would like to share with you, our pictures and my views on the show.

I have previously covered on this blog an exhibition about Franz West that was at the Gagosian art gallery in Davies street last summer. And as I mentioned previously, West’s unconventional sculptures often look for an involvement from the audience. Hence, his artworks are the best example of art we like to interact with, and artists we admire with regards to his approach to art. Read more about West on “The struggle in all artistic pursuits” post.

As you enter the art exhibition, you come across the “Passstücke” or “Adaptives”, plaster sculptures with embedded found objects that could be picked and interact with, just as he did with his friends as you can see nearby on videos. I took my chance to play with them and enjoyed the go. Take a look at the photos below in which I dress in black and interact with white sculptures in imaginary fitting rooms where you can even close the curtains and gain more privacy. I didn’t feel the need to hide though 😉

Further down the show, we came across his “Legitimate Sculptures”, papier-mâché clumps made with everyday objects like a hat or a broom, and painted in some areas but raw in others. They were evocative of bodies, but more abstract than figurative in my view. He even played with furniture, as we can appreciate with the carpet-covered settees. Art to be sat on and have a space for conversation.

In his final years apparently he created large, brightly coloured sculptures both for galleries and public spaces, some of which can be seen outside the Tate gallery.

I like Franz West’ irreverent and playful approach to art. His sculptures were a turning point in the relationship between art and its audience, and I wish there were more artist like him.

Un maestro del juego serio

Franz West
20 de febrero – 2 de junio de 2019.
Tate Modern, Londres, Reino Unido

Tate Modern está mostrando ahora una exposición de arte de Franz West que The art berries visitamos recientemente y me gustaría compartir aquí; nuestras fotos y mis opiniones sobre la muestra.

Ya cubrí en este blog una exposición sobre Franz West que estuvo en la galería de arte de Gagosian en Davies Street el verano pasado. Y como mencioné anteriormente, las esculturas no convencionales de West a menudo buscan una participación de la audiencia. Por lo tanto, sus obras de arte son el mejor ejemplo de arte con el que nos gusta interactuar y de artistas que admiramos con respecto al enfoque de su trabajo. Lee más sobre West en la publicación “La lucha en todas las actividades artísticas“.

Al entrar en la exposición de arte, te encuentras con los “Passstücke” o “Adaptives”, esculturas de yeso con objetos encontrados incrustados con los que puedes interactuar, tal como hizo el artista con sus amigos como puedes ver en videos cercanos. Aproveché la oportunidad para jugar con ellos y disfruté haciéndolo. Echa un vistazo a las fotos a continuación en las que voy vestida de negro e interactúo con esculturas blancas en espacios separados por cortinas, donde incluso puede cerrarlas y obtener más privacidad. Aunque yo no sentí la necesidad de esconderme 😉

Más abajo en la exposición, encontramos sus “Esculturas legítimas”, grupos de papel-maché hechos con objetos cotidianos como un sombrero o una escoba, y pintados en algunas áreas, pero crudos en otras. Eran evocadores de cuerpos, pero más abstractos que figurativos desde mi punto de vista. West jugaba incluso con los muebles, como podemos apreciar con los divanes cubiertos de alfombras. El arte para sentarse y tener un espacio para conversar.

Al parecer, en sus últimos años creó grandes esculturas de colores brillantes tanto para galerías como para espacios públicos, algunas de las cuales se pueden ver fuera de la galería Tate.

Me gusta el enfoque irreverente y juguetón de Franz West en el arte. Sus esculturas fueron un punto de inflexión en la relación entre el arte y su público, y desearía que hubiera más artistas como él.

Exploring space with sculpture

Phyllida Barlow
cul-de-sac
23 February – 23 June 2019
Royal Academy of Arts, London, UK

After nearly two months without posting anything here, I’m finally back! I have a good excuse for being so quiet since January. My son Samuel was born on the 9th February and I have been really busy and enjoying his company since then.

Nevertheless, there’s a good art show now in London that I wanted to share with you. British sculptor Phyllida Barlow has currently an art exhibition at the contemporary galleries of the Royal Academy of Arts, which will be on until the end of the spring. The art berries went to visit it and I’m sharing it with you here, so you don’t miss one of the best art shows in London this season.

The photos you can see from The art berries below have been taken as usual with an iPhone. We’ve interacted with the artworks and bring you an intimate and personal approach of the art pieces we found more interesting.

As we entered the gallery space, we came across two huge sculptures. One of them is a vertical structure formed by various colourful canvases. A playful and intriguing art piece that traps your attention from the very beginning of the exhibition. From the photos below, you can see The art blackberry next to this piece. She appears to be in conversation with a colourful group of individuals.

As we moved along the art show, a new interesting sculpture is revealed. It reminds me of an amphitheatre with a semicircular seating gallery space sustained by multiple beams that go in different directions. You can see how we blend with the sculpture and contribute to this perception.

Finally, a series of pictures are presented below with The art blackberry amid a forest of inclined beams. In this pictures, her fragility is accentuated by the the menacing beams above her.

In February, Barlow created this exhibition that brings her own interpretation of a residential cul-de-sac. By closing the exit door in the final room, Barlow forced the viewer to turn around and revisit each sculpture anew from the other side. She created forests of seemingly precarious structures and uses them to explore the full height of the gallery space with looming beams, blocks and canvases.

Thresholds, the artist has said, are fascinating places, where you pass through from one space to another. Always seeking the surprise, Barlow expects the work to take her into a journey, rather than her deciding upon that journey.

Her source of inspiration is in the everyday from a farm to an industrial state. Because of that, Barlow uses everyday materials such as plywood, expanding foam, polystyrene, plaster, cement, plastic piping, Polyfilla, tape, etc. and remind us to look at them in a new context with a new light. They are so common in our world that we’ve stopped even seeing them.

Barlow studied at Chelsea College of Art (1960 – 1963) and the Slade School of Art (1963 – 1966). She later taught at both schools and was Professor of Fine Art and Director of Undergraduate Studies at the latter until 2009.

Explorando el espacio con escultura

Phyllida Barlow
Callejón sin salida
23 de febrero – 23 de junio de 2019
Royal Academy of Arts, London, UK

Después de casi dos meses sin publicar nada aquí, ¡por fin estoy de vuelta! Tengo una buena excusa para estar tan callada desde enero. Mi hijo Samuel nació el 9 de febrero y he estado muy liada y disfrutando de su compañía desde entonces.

De cualquier manera, hay una buena exposición de arte ahora en Londres que quería compartir contigo. La escultora británica Phyllida Barlow tiene desde febrero una exposición en las galerías contemporáneas de la Royal Academy of Arts, que estará abierta hasta el final de la primavera. The art berries fuimos a visitarla y la comparto aquí contigo para que no te pierdas una de las mejores muestras de arte en Londres esta temporada.

Las fotos que puedes ver a continuación en The art berries se han tomado como siempre con un iPhone. Hemos interactuado con las obras de arte y te brindamos un enfoque intimo y personal de las piezas que encontramos más interesantes.

Cuando entramos en el espacio de la galería, nos encontramos con dos esculturas enormes. Una de ellas es una estructura vertical formada por varios lienzos de colores. Una escultura divertida e intrigante que capta tu atención desde el principio de la exposición. En las fotos que capturamos debajo, puedes ver a The art blackberry junto a esta pieza. Parece estar en conversación con un grupo colorido de individuos.

A medida que avanzamos en la muestra de arte, aparece una nueva e interesante escultura. Me recuerda a un anfiteatro con un espacio semicircular en la galería de asientos sostenido por múltiples vigas que van en distintas direcciones. Puedes ver como nos mezclamos con la escultura y contribuimos a esta percepción.

Finalmente, a continuación se puede ver una serie de imágenes con The art blackberry en medio de un bosque de vigas inclinadas. En estas imágenes, su fragilidad se ve acentuada por las vigas que hay sobre ella.

En febrero, Barlow creó esta exposición que trae su propia interpretación de un callejón sin salida residencial. Al cerrar la puerta de salida en la sala final, Barlow obligó al espectador a darse la vuelta y volver a visitar cada escultura desde el otro lado. Creó bosques de estructuras aparentemente precarias y las utiliza para explorar la altura completa del espacio de la galería con vigas, bloques y lienzos que parece que se van a caer de un moment a otro.

Los umbrales, ha dicho la artista, son lugares fascinantes, donde se pasa de un espacio a otro. Siempre buscando la sorpresa, Barlow espera que el trabajo la lleve a un viaje, en lugar de que ella decida sobre ese viaje.

Su fuente de inspiración está en lo cotidiano, desde una granja hasta un estado industrial. Debido a eso, Barlow utiliza materiales cotidianos como madera contrachapada, espuma expandida, poliestireno, yeso, cemento, tuberías de plástico, Polyfilla, cinta, etc. y nos recuerdan mirarlos en un nuevo contexto, con una nueva luz. Son tan comunes en nuestro mundo que hemos dejado de verlos.

Barlow estudió en el Chelsea College of Art (1960 – 1963) y en la Slade School of Art (1963 – 1966). Más tarde enseñó en ambas escuelas y fue profesora de Bellas Artes y Directora de Estudios de Pre-grado en esta última hasta el 2009.