Rothko in Florence
Palazzo Strozzi
Museo di San Marco y Biblioteca Medicea Laurenziana, Florencia, Italia
14 de marzo – 23 de agosto de 2026
Las pinturas de Mark Rothko tienden un puente entre el artista y el espectador. A través del color y la forma, establecen una comunicación que trasciende cualquier tema. Esto se hace inmediatamente evidente en su retrospectiva en Palazzo Strozzi, en Florencia, comisariada por su hijo Christopher Rothko y Elena Geuna, que reúne más de setenta obras, muchas de ellas nunca antes expuestas en Italia, procedentes de instituciones como MoMA, el Metropolitan Museum of Art y Tate Modern.
Florencia desempeñó un papel decisivo en el desarrollo artístico de Rothko, especialmente tras su primera visita a Italia en 1950. Le conmovió profundamente la atmósfera de las celdas del Convento de San Marco, decoradas con los frescos de Fra Angelico entre 1438 y 1445. De forma más amplia, el equilibrio, la contención y la intensidad espiritual del arte del Renacimiento italiano dejaron una huella duradera en su práctica madura y en su evolución de la exploración del color.
Este diálogo se extiende más allá de los muros de Palazzo Strozzi y continúa en dos espacios emblemáticos de la ciudad, el Museo di San Marco y la Biblioteca Medicea Laurenziana, donde Rothko entró en contacto con la visión arquitectónica de Miguel Ángel.
En la sede principal, la exposición recorre las etapas clave de su trayectoria. Las primeras salas ofrecen una visión reveladora de un aspecto de la práctica de Rothko que a menudo queda eclipsado por sus campos de color maduros. Aquí, una serie de obras figurativas íntimas, profundamente influidas por las corrientes expresionistas y surrealistas de la década de 1930, muestra el camino gradual que finalmente le conduciría hacia la abstracción. A medida que avanza el recorrido, las formas se simplifican progresivamente y los bloques de color contrastados comienzan a dominar las composiciones, aunque todavía conservan una vitalidad lúdica que más tarde daría paso a la solemnidad de su obra madura. Una pintura como No. 3/No. 13 (1949) introduce el lenguaje visual que se convertiría en la seña de identidad de Rothko: bandas rectangulares luminosas de color suspendidas en el espacio.
Las siguientes salas sumergen al espectador en el propio color. Lienzos cálidos y radiantes como Untitled (1952-53) envuelven la mirada en un mar amarillo infinito, sostenido por una base roja que genera una sensación de arraigo. Lejos de resultar abrumadora, la sensación predominante es la de una serena alegría, una energía vital nutritiva pero concentrada.
Gradualmente, la paleta se desplaza hacia tonalidades más frías y contemplativas, como en Untitled (1957), donde los matices azules y verdes invitan a la calma y la reflexión. Es un momento de pausa antes de obras como Four Darks in Red (1958), en la que el artista se inspira explícitamente en los rojos oscuros y terrosos de Pompeya, ciudad que visitó en un viaje posterior a Italia. Son pinturas viscerales que golpean en lo más profundo, dejando la sensación de adentrarse en los túneles subterráneos de una mina.
Esta intensidad psicológica alcanza su máxima expresión en los estudios para los Harvard Murals y los Seagram Murals, estos últimos encargados originalmente para el restaurante Four Seasons de Nueva York.
La imponente arquitectura del vestíbulo de la Biblioteca Medicea Laurenziana, con sus ventanas selladas y su opresiva sensación de encierro, ejerció una influencia particular. El propio Rothko describió este espacio como evocador de una sensación de prisión sin posibilidad de escape, una experiencia que influyó en estas obras. La pintura se convierte entonces en una presencia arquitectónica capaz de transformar el espacio que la rodea. Sin embargo, los Seagram Murals nunca llegaron a instalarse en el restaurante Four Seasons. Rothko se retiró del encargo al considerar que sus obras no eran adecuadas para la atmósfera de un elegante restaurante de élite.
En las salas finales, junto a las austeras pinturas Black and Gray, se pueden contemplar las obras sobre papel, que continúan su búsqueda de una atmósfera de silencio, quietud e introspección.
Las obras de Rothko deben experimentarse físicamente, ante todo, ya que poseen un poder magnético para acallar el ruido de la mente. La exposición permite que las obras hablen por sí mismas, sin una interpretación excesiva.
Como el propio artista creía, la pintura debe hablar directamente a las emociones sin la mediación de las palabras. Ante sus lienzos, el silencio se convierte en el diálogo más auténtico entre artista y espectador. Todo lo que se requiere es la disposición a mirar y permanecer abierto a la experiencia.
En una época cada vez más definida por la velocidad, la distracción y la sobrecarga visual, la exposición crea las condiciones para un encuentro más pausado y atento con la pintura. Es una experiencia que permanece mucho después de abandonar el museo, dejando consigo una sensación de quietud que se percibe a la vez atemporal y profundamente contemporánea.
Fotografía: Mariano Della Corte.
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