Relics of a lost era

Mike Nelson
The asset stripper
18 March – 6 October 2019
Tate Britain, London, UK

The art berries visited Tate Britain recently and came across the installation there is currently at the Duveen Galleries by Mike Nelson. He’s turned this space, originally conceived as the the first purpose-built sculpture galleries in England, into an objects strippers’ warehouse using numerous recent industrial relics.

Nelson has chosen to gather objects from post-war Britain that he used to see in his childhood such as big knitting machines and doors from the NHS and display them along the large central corridor at the Tate known as Duveen galleries. Somehow it looks like a monument to a lost era and the vision of society they represent. The art installation has cultural as well as social allusions that go from a local to a national perspective.

The artist has been buying this metal objects at asset-stripping auctions for years. Some machines are the kind of equipment used in textile factories where Nelson’s parents and grandparents worked. However, they now seem to be mysterious objects taken from a distant culture. I thought  initially that they had been taken from a different country, like an old British colony. They make me think of the hard work that is needed to manufacture the clothes we wear; years ago from people who worked in those jobs in western countries and now mostly from people based overseas. Is this a sustainable production model? I do believe that we need to start doing much more up-cycling within the fashion industry. Below you can see a photo of the knitting machine below with me on it.

Then we come across swing doors with porthole windows through which we can enter from an old London hospital, like the living and the dead, which adds to the feeling of a surreal experience. Not only that, some of Nelson’s works speak directly to the museum’s collection. Like the one of those hay rakes that whirl like sunflowers in the early surrealism of Joan Miró. You can see The art blackberry interacting with this art piece. Is she surrendering to sleep and dreaming with those massive sunflower wheels?

Nelson’s sculpture alludes to the industrial functions of metal. He allows his objects to be relics first, sculptures second, and machines again with a mysterious appearance that makes you look at them in a  new light.

Mike Nelson is a contemporary British artist who creates large-scale architectural installations. He has been shortlisted twice for the Turner prize and has represented Britain at the 2011 Venice Biennale.


 

Reliquias de una era perdida

Mike Nelson
The asset stripper
18 de marzo – 6 de octubre de 2019
Tate Britain, Londres, Reino Unido

The art berries visitamos Tate Britain recientemente y nos encontramos con la instalación que hay actualmente de Mike Nelson en las Duveen galleries. El artista ha convertido este espacio, originalmente concebido como la primera galería de esculturas especialmente diseñada en Inglaterra, en un almacén de objetos que utiliza numerosas reliquias industriales recientes.

Nelson eligió recoger objetos del período de posguerra en Gran Bretaña que él solía ver en su infancia, como grandes máquinas de tejer y las puertas del NHS y exponerlas a lo largo del pasillo central de la galería conocido como Duveen galleries. De alguna manera, parece un monumento a una era perdida y la visión de la sociedad que representan. La instalación de arte tiene alusiones culturales y sociales que van desde una perspectiva local a una nacional.

El artista ha estado comprando estos objetos de metal en subastas de desmonte de activos durante años. Algunas máquinas son el tipo de equipo utilizado en las fábricas textiles donde trabajaban sus padres y abuelos. Sin embargo, ahora parecen ser objetos misteriosos tomados de una cultura lejana. Al principio pensé que habían sido tomadas de un país diferente, como una antigua colonia británica. Me hacen pensar en el trabajo duro que se necesita para fabricar la ropa que usamos; años atrás procedente de personas que trabajaban en países occidentales y ahora principalmente de personas que viven en otros países más pobres. ¿Es éste un modelo de producción sostenible? Creo que debemos comenzar a hacer mucho más reciclaje o up-cycling dentro de la industria de la moda. A continuación puedes ver una foto de la máquina de tejer conmigo dentro.

Luego nos encontramos con puertas batientes con ventanillas a través de las cuales podemos entrar en un antiguo hospital de Londres, como los vivos y los muertos, lo que se suma a la sensación de una experiencia surrealista. No sólo eso, algunas de las obras de Nelson hablan directamente de la colección del museo. Como el de esos rastrillos de heno que giran como girasoles en el surrealismo temprano de Joan Miró. Puedes ver The art blackberry interactuando con esta pieza de arte. ¿Está durmiendo y soñando con esas enormes ruedas de girasol?

La escultura de Nelson alude a las funciones industriales del metal. Él permite que sus objetos sean reliquias primero, esculturas en segundo lugar, y máquinas de nuevo con una apariencia misteriosa que te hace mirarlos desde una nueva perspectiva.

Mike Nelson es un artista británico contemporáneo que crea instalaciones arquitectónicas a gran escala. Ha sido pre-seleccionado dos veces para el premio Turner y ha representado a Gran Bretaña en la Bienal de Venecia 2011.

MN_Theartberries_yellow2MN_Theartberries_b&wMN_Theartberries_yellow1MN_Theartberries_yellow3MN_Theartberries_knittingmachine2MN_Theartberries_knittingmachine1

MN_Theartberries_sunflowers

The language of cities

Sarah Morris
17 April 2019 – 30 June 2019
White Cube Bermondsey, London, UK

This is one of the last exhibitions I’ve seen and I wanted to share a few comments and photos that we took there with you here.

White Cube Bermondsey is now displaying the work of Sarah Morris (1967), an artist born in the UK, who lives in New York City (US). The art show, formed mostly by abstract paintings, reflects on the artist’s interest in networks, typologies, architecture, language and the city. Morris plays with the viewer’s sense of visual recognition, often referencing elements of architecture, but also the graphic identity of multinational corporations, the iconography of maps, GPS technology, as well as the movement of people within urban environments.

For instance, her new series of ‘Sound Graph’ paintings use the language of American abstraction, minimalism and pop art, while the forms are derived from the artist’s sound files, using the speech from audio recordings as a starting point for the compositions. You can see me (the art blueberry) interacting with one of these paintings ‘Reality is its own ideology (Sound Graph)’ below. The inherent movement in these pictures responds to the theme of the painting that comes from an audio recording.

There’s also an artwork that occupies a separate room and includes Morris’s first sculpture, titled ‘What can be explained can also be predicted (2019)’. It’s made of modular, glass tubes of various heights and colours over a colourful plinth that reminded me of city skyscrapers, but they are also like a musical instrument. It’s a phallic and architectonic sculpture at the same time. 

Morris’ work is full references to the cities we inhabit these days. A constantly evolving network of visual, social and political connections that make cities full of vibrancy and energy, always opening space for change and innovation.


 

El lenguaje de las ciudades

Sarah Morris
17 de abril de 2019 – 30 de junio de 2019
White Cube Bermondsey, Londres, Reino Unido

Esta es una de las últimas exposiciones de arte que he visto y quería compartir algunos comentarios y fotos que hicimos allí con vosotros.

White Cube Bermondsey muestra ahora el trabajo de Sarah Morris (1967), una artista nacida en el Reino Unido que vive en Nueva York (USA). La muestra de arte, formada principalmente por pinturas abstractas, refleja el interés de la artista en las redes, las tipologías, la arquitectura, el idioma y la ciudad. Morris juega con el reconocimiento visual del espectador, haciendo referencia a menudo  a elementos de la arquitectura, pero también a la identidad gráfica de corporaciones multinacionales, a la iconografía de los mapas, a la tecnología GPS, así como al movimiento de personas en entornos urbanos.

Por ejemplo, su nueva serie de pinturas ‘Sound Graph’ utiliza el lenguaje de la abstracción estadounidense, el minimalismo y el arte pop, mientras que las formas se derivan de los archivos de sonido de la artista, utilizando grabaciones de audio como punto de partida para las composiciones. Puedes verme (The art blueberry) interactuar con una de estas pinturas “Realidad es su propia ideología (Sound Graph)” a continuación. El movimiento inherente en estas imágenes responde al tema de esta pintura que se deriva de una grabación de audio.

También hay una obra de arte que ocupa una habitación separada e incluye la primera escultura de Morris, titulada “Lo que se puede explicar también se puede predecir (2019)”. Está hecha de tubos de vidrio modulares de varias alturas y colores sobre un colorido zócalo que me recuerda a los rascacielos de muchas ciudades, pero también es como un instrumento musical. Es una escultura fálica y arquitectónica a la vez. 

La obra de Morris está llena de referencias a las ciudades que habitamos en estos días. Una red en constante evolución de conexiones visuales, sociales y políticas que hacen que las ciudades estén llenas de vitalidad y energía, siempre abriendo espacio para el cambio y la innovación.

Sarah Morris_WC_Theartblueberry2Sarah Morris_WC_Theartblueberry1

The rat king with monkeys

NS Harsha
11 April – 18 May
Victoria Miro Gallery I, London

The art berries visited this art exhibition at the Victoria Miro gallery and we’d like to share a few photos here despite the show is now finished. I’m sure you’ll be able to see more work from NS Harsha  in another big city sometime soon.

The artwork we focused on is “Tamasha” (2013), an installation of larger-than-life size monkeys that appear onto a scaffolding structure. The monkeys are pointing upwards to the heavens while their tails are intertwined and tied to each other. The word Tamasha can refer to political upheaval or even human folly. Moreover, Harsha refers to the phenomenon of the rat king and its appearance in northern folklore traditions since the sixteenth century, where rat kings are associated with various superstitions and were often seen as a bad omen for being associated with plagues.

See The art blackberry below interacting with this artwork pointing to the heavens and placing herself next to the scaffolding, where the monkeys are suspended and tether to each other. Since monkeys are our ancestors, it seems plausible to me to take part on this installation :-P.

NS Harsha (born 1969) is an Indian artist born and based in Mysore. He works in many media including painting, sculpture, site-specific installation, and public works. His works “depict daily experiences in Mysore, southern India, where he is based, but also reflect wider cultural, political and economic globalization issues” and explore the “absurdity of the real world, representation and abstraction, and repeating images”. His practice has been inspired by Indian popular and miniature painting. (Source: Wikipedia).


 

El rey de las ratas con monos

NS Harsha
11 de abril – 18 de mayo
Victoria Miro Gallery I, Londres

The art berries visitamos esta exposición de arte en la galería Victoria Miró y nos gustaría compartir algunas fotos aquí a pesar de que la muestra ya ha terminado. Estoy segura de que pronto podrás ver más trabajos de NS Harsha en otra gran ciudad dentro de poco.

La obra de arte en la que nos enfocamos es “Tamasha” (2013), una instalación de monos de tamaño más grande que en la realidad que aparecen en una estructura de andamios. Los monos apuntan hacia el cielo mientras que sus colas están entrelazadas y unidas entre sí. La palabra Tamasha puede referirse a agitación política o incluso locura humana. Además, Harsha se refiere al fenómeno del rey de las ratas y su aparición en las tradiciones populares del norte desde el siglo XVI, donde los reyes de las ratas se asocian con varias supersticiones y se consideran a menudo como un mal presagio por estar asociados con plagas.

Debajo puedes ver a The art blackberry interactuando con esta obra de arte y apuntando al cielo, mientras se pega a los andamios donde los monos están suspendidos y atados entre sí. Dado que los monos son nuestros antepasados, me parece plausible participar en esta instalación :-P.

NS Harsha (nacido en 1969) es un artista indio nacido y residente en Mysore. Trabaja en muchos medios, como pintura, escultura, instalación específica del sitio y obras públicas. Sus trabajos “representan experiencias cotidianas en Mysore, en el sur de la India, donde se basa, pero también reflejan temas más amplios de globalización cultural, política y económica” y exploran el “absurdo del mundo real, la representación y la abstracción, y la repetición de imágenes”. Su práctica se ha inspirado en la pintura popular y en miniatura de la India. (Fuente: Wikipedia).

NS Harsha_Theartblacberryfurther

A master of serious play

Franz West
20 February – 2 June 2019
Tate Modern, London, UK

Tate Modern is currently hosting an art exhibition of Franz West that The art berries visited recently and I would like to share with you, our pictures and my views on the show.

I have previously covered on this blog an exhibition about Franz West that was at the Gagosian art gallery in Davies street last summer. And as I mentioned previously, West’s unconventional sculptures often look for an involvement from the audience. Hence, his artworks are the best example of art we like to interact with, and artists we admire with regards to his approach to art. Read more about West on “The struggle in all artistic pursuits” post.

As you enter the art exhibition, you come across the “Passstücke” or “Adaptives”, plaster sculptures with embedded found objects that could be picked and interact with, just as he did with his friends as you can see nearby on videos. I took my chance to play with them and enjoyed the go. Take a look at the photos below in which I dress in black and interact with white sculptures in imaginary fitting rooms where you can even close the curtains and gain more privacy. I didn’t feel the need to hide though 😉

Further down the show, we came across his “Legitimate Sculptures”, papier-mâché clumps made with everyday objects like a hat or a broom, and painted in some areas but raw in others. They were evocative of bodies, but more abstract than figurative in my view. He even played with furniture, as we can appreciate with the carpet-covered settees. Art to be sat on and have a space for conversation.

In his final years apparently he created large, brightly coloured sculptures both for galleries and public spaces, some of which can be seen outside the Tate gallery.

I like Franz West’ irreverent and playful approach to art. His sculptures were a turning point in the relationship between art and its audience, and I wish there were more artist like him.


 

Un maestro del juego serio

Franz West
20 de febrero – 2 de junio de 2019.
Tate Modern, Londres, Reino Unido

Tate Modern está mostrando ahora una exposición de arte de Franz West que The art berries visitamos recientemente y me gustaría compartir aquí; nuestras fotos y mis opiniones sobre la muestra.

Ya cubrí en este blog una exposición sobre Franz West que estuvo en la galería de arte de Gagosian en Davies Street el verano pasado. Y como mencioné anteriormente, las esculturas no convencionales de West a menudo buscan una participación de la audiencia. Por lo tanto, sus obras de arte son el mejor ejemplo de arte con el que nos gusta interactuar y de artistas que admiramos con respecto al enfoque de su trabajo. Lee más sobre West en la publicación “La lucha en todas las actividades artísticas“.

Al entrar en la exposición de arte, te encuentras con los “Passstücke” o “Adaptives”, esculturas de yeso con objetos encontrados incrustados con los que puedes interactuar, tal como hizo el artista con sus amigos como puedes ver en videos cercanos. Aproveché la oportunidad para jugar con ellos y disfruté haciéndolo. Echa un vistazo a las fotos a continuación en las que voy vestida de negro e interactúo con esculturas blancas en espacios separados por cortinas, donde incluso puede cerrarlas y obtener más privacidad. Aunque yo no sentí la necesidad de esconderme 😉

Más abajo en la exposición, encontramos sus “Esculturas legítimas”, grupos de papel-maché hechos con objetos cotidianos como un sombrero o una escoba, y pintados en algunas áreas, pero crudos en otras. Eran evocadores de cuerpos, pero más abstractos que figurativos desde mi punto de vista. West jugaba incluso con los muebles, como podemos apreciar con los divanes cubiertos de alfombras. El arte para sentarse y tener un espacio para conversar.

Al parecer, en sus últimos años creó grandes esculturas de colores brillantes tanto para galerías como para espacios públicos, algunas de las cuales se pueden ver fuera de la galería Tate.

Me gusta el enfoque irreverente y juguetón de Franz West en el arte. Sus esculturas fueron un punto de inflexión en la relación entre el arte y su público, y desearía que hubiera más artistas como él.

Franz West-TAB-two roomsFranz West-TAB-TheartblueberrydownFranz West-TAB-TheartblueberryupFranz West-TAB-TheartblackberrysittingFranz West-TAB-Theartblackberryhair

 

 

Exploring space with sculpture

Phyllida Barlow
cul-de-sac
23 February – 23 June 2019
Royal Academy of Arts, London, UK

After nearly two months without posting anything here, I’m finally back! I have a good excuse for being so quiet since January. My son Samuel was born on the 9th February and I have been really busy and enjoying his company since then.

Nevertheless, there’s a good art show now in London that I wanted to share with you. British sculptor Phyllida Barlow has currently an art exhibition at the contemporary galleries of the Royal Academy of Arts, which will be on until the end of the spring. The art berries went to visit it and I’m sharing it with you here, so you don’t miss one of the best art shows in London this season.

The photos you can see from The art berries below have been taken as usual with an iPhone. We’ve interacted with the artworks and bring you an intimate and personal approach of the art pieces we found more interesting.

As we entered the gallery space, we came across two huge sculptures. One of them is a vertical structure formed by various colourful canvases. A playful and intriguing art piece that traps your attention from the very beginning of the exhibition. From the photos below, you can see The art blackberry next to this piece. She appears to be in conversation with a colourful group of individuals.

As we moved along the art show, a new interesting sculpture is revealed. It reminds me of an amphitheatre with a semicircular seating gallery space sustained by multiple beams that go in different directions. You can see how we blend with the sculpture and contribute to this perception.

Finally, a series of pictures are presented below with The art blackberry amid a forest of inclined beams. In this pictures, her fragility is accentuated by the the menacing beams above her.

In February, Barlow created this exhibition that brings her own interpretation of a residential cul-de-sac. By closing the exit door in the final room, Barlow forced the viewer to turn around and revisit each sculpture anew from the other side. She created forests of seemingly precarious structures and uses them to explore the full height of the gallery space with looming beams, blocks and canvases.

Thresholds, the artist has said, are fascinating places, where you pass through from one space to another. Always seeking the surprise, Barlow expects the work to take her into a  journey, rather than her deciding upon that journey.

Her source of inspiration is in the everyday from a farm to an industrial state. Because of that, Barlow uses everyday materials such as plywood, expanding foam, polystyrene, plaster, cement, plastic piping, Polyfilla, tape, etc. and remind us to look at them in a new context with a new light. They are so common in our world that we’ve stopped even seeing them.

Barlow studied at Chelsea College of Art (1960 – 1963) and the Slade School of Art (1963 – 1966). She later taught at both schools and was Professor of Fine Art and Director of Undergraduate Studies at the latter until 2009.


Explorando el espacio con escultura

Phyllida Barlow
Callejón sin salida
23 de febrero – 23 de junio de 2019
Royal Academy of Arts, London, UK

Después de casi dos meses sin publicar nada aquí, ¡por fin estoy de vuelta! Tengo una buena excusa para estar tan callada desde enero. Mi hijo Samuel nació el 9 de febrero y he estado muy liada y disfrutando de su compañía desde entonces.

De cualquier manera, hay una buena exposición de arte ahora en Londres que quería compartir contigo. La escultora británica Phyllida Barlow tiene desde febrero una exposición en las galerías contemporáneas de la Royal Academy of Arts, que estará abierta hasta el final de la primavera. The art berries fuimos a visitarla y la comparto aquí contigo para que no te pierdas una de las mejores muestras de arte en Londres esta temporada.

Las fotos que puedes ver a continuación en The art berries  se han tomado como siempre con un iPhone. Hemos interactuado con las obras de arte y te brindamos un enfoque intimo y personal de las piezas que encontramos más interesantes.

Cuando entramos en el espacio de la galería, nos encontramos con dos esculturas enormes. Una de ellas es una estructura vertical formada por varios lienzos de colores. Una escultura divertida e intrigante que capta tu atención desde el principio de la exposición. En las fotos que capturamos debajo, puedes ver a The art blackberry junto a esta pieza. Parece estar en conversación con un grupo colorido de individuos.

 

A medida que avanzamos en la muestra de arte, aparece una nueva e interesante escultura. Me recuerda a un anfiteatro con un espacio semicircular en la galería de asientos sostenido por múltiples vigas que van en distintas direcciones. Puedes ver como nos mezclamos con la escultura y contribuimos a esta percepción.

Finalmente, a continuación se puede ver una serie de imágenes con The art blackberry en medio de un bosque de vigas inclinadas. En estas imágenes, su fragilidad se ve acentuada por las vigas que hay sobre ella.

En febrero, Barlow creó esta exposición que trae su propia interpretación de un callejón sin salida residencial. Al cerrar la puerta de salida en la sala final, Barlow obligó al espectador a darse la vuelta y volver a visitar cada escultura desde el otro lado. Creó bosques de estructuras aparentemente precarias y las utiliza para explorar la altura completa del espacio de la galería con vigas, bloques y lienzos que parece que se van a caer de un moment a otro.

Los umbrales, ha dicho la artista, son lugares fascinantes, donde se pasa de un espacio a otro. Siempre buscando la sorpresa, Barlow espera que el trabajo la lleve a un viaje, en lugar de que ella decida sobre ese viaje.

Su fuente de inspiración está en lo cotidiano, desde una granja hasta un estado industrial. Debido a eso, Barlow utiliza materiales cotidianos como madera contrachapada, espuma expandida, poliestireno, yeso, cemento, tuberías de plástico, Polyfilla, cinta, etc. y nos recuerdan mirarlos en un nuevo contexto, con una nueva luz. Son tan comunes en nuestro mundo que hemos dejado de verlos.

Barlow estudió en el Chelsea College of Art (1960 – 1963) y en la Slade School of Art (1963 – 1966). Más tarde enseñó en ambas escuelas y fue profesora de Bellas Artes y Directora de Estudios de Pre-grado en esta última hasta el 2009.

PB_The art berries_colour blocks2PB_The art berries_colour blocks1PB-The art berries_amphitheatrePB_The art berries_small sculpturePB_The art berries_black1PB_The art berries_black3PB_The art berries_black4PB_The art berries_black2

Intricate pretty art pieces

Anni Albers
11 October 2018 – 27 January 2019
Tate Modern, London, UK

We were at Tate Modern last week visiting the art exhibition of Anni Albers (1899-1994), an artist who combined the art of hand-weaving with the language of modern art and what I believe is one the best art shows in London at the moment. Do not miss it, because it’s finishing soon.

Featuring over 350 objects from small-scale pieces and studies to large wall-hangings, jewellery and textiles designed for mass production, the show explores the intersection between art and craft, hand-weaving and machine production, ancient and modern art. It opened ahead of the centenary of the Bauhaus in 2019 and recognises Albers contribution to modern art and design.

I believe that the hand-weaving pieces presented at the art show are really diverse in shape, colour and size. It seems to me that she kept experimenting with design, techniques and materials all her life, yet keeping a very personal style.

Each artwork is like a little treasure made with great care and deep thinking. For instance, she turned everyday objects into precious jewellery pieces, and explored the use of many textures and materials for different and interesting results.

I liked the large wall-hangings with abstract patterns as well as the small-scale pieces that show a great attention to detail. In addition, there’s a central big room in the exhibition that displays various wall-hangings similar to blinds of Japanese inspiration that we decided to use for our photos, as they are good to reflect about the contemporary art space and the interaction of the body within that space.

Born in Berlin at the turn of the century, Annelise Else Frieda Fleischmann became a student at the Bauhaus in 1922, where she met her husband Josef Albers and other key modernist figures like Paul Klee.

The Bauhaus was a German art school that was opened from 1919 to 1933 and had a profound influence upon subsequent developments in art, architecture, graphic design, interior design, industrial design and typography. Although, the Bauhaus aspired to gender equality, women were still discouraged from learning certain disciplines including painting. Anni Albers began weaving by default, but it was in textiles that she found her means of expression, dedicating herself to the medium for the majority of her career. 

With the rise of Nazism and the closure of the Bauhaus, Albers left Germany in 1933 for the USA where she taught at the experimental Black Mountain College for over 15 years. She made frequent visits to Mexico, Chile and Peru, where she bought an extensive collection of ancient Pre-Columbian textiles.  In both her work and her writing, she presents a vastly expanded geography of modern art, drawing on sources from Africa, Asia and the Americas.

Visiting the show was a very stimulating experience and I feeI that it would be so for those of you who like modern art, crafts and design as much as I do.


Piezas de arte intrincadas y bonitas

Anni Albers
11 de octubre de 2018 – 27 de enero de 2019
Tate Modern, Londres, Reino Unido

Estuvimos en Tate Modern la semana pasada visitando la exposición de arte de Anni Albers (1899-1994), una artista que combinó el arte del tejido a mano con el lenguaje del arte moderno y la que en mi opinión es una de los mejores muestras de arte que hay ahora en Londres. No te lo pierdas, porque termina pronto.

Con más de 350 objetos, desde piezas a pequeña escala y estudios hasta grandes tapices, joyas y textiles diseñados para la producción en masa, la muestra explora la intersección entre arte y artesanía, tejido a mano y producción de maquinaria, arte antiguo y moderno. Se inauguró antes del centenario de la Bauhaus en 2019 y reconoce la contribución de Anni Albers al arte y diseño modernos.

Creo que las piezas de tejido a mano presentadas en la muestra de arte son muy diversas en forma, color y tamaño. Me parece que Albers siguió experimentando con el diseño, las técnicas y los materiales durante toda su vida, pero manteniendo un estilo muy personal.

Cada obra de arte es como un pequeño tesoro hecho con gran cuidado y pensamiento profundo. Por ejemplo, convirtió objetos cotidianos en preciosas piezas de joyería, y exploró el uso de muchas texturas y materiales para obtener resultados diferentes e interesantes.

 

Me gustaron los obras mas grandes con diseños abstractos, así como las piezas a pequeña escala que muestran una gran atención al detalle. Además, hay una gran sala central en la exposición que muestra varias obras similares a estores o cortinas de inspiración japonesa que decidimos usar para algunas de nuestras fotos, ya que nos parecieron buenas para reflexionar sobre el espacio contemporáneo y la interacción del cuerpo dentro de ese espacio.

Nacida en Berlín a principios de siglo, Annelise Else Frieda Fleischmann se convirtió en estudiante de la Bauhaus en 1922, donde conoció a su esposo Josef Albers y otras figuras modernistas clave como Paul Klee.

La Bauhaus fue una escuela de arte alemana que se abrió de 1919 a 1933 y tuvo una profunda influencia en los desarrollos posteriores en arte, arquitectura, diseño gráfico, diseño de interiores, diseño industrial y tipografía. Aunque, la Bauhaus aspiraba a la igualdad de genero, las mujeres fueron desanimadas a aprender ciertas disciplinas, incluida la pintura. Anni Albers comenzó a tejer por defecto, pero fue en los textiles donde encontró su medio de expresión, dedicándose a ello durante la mayor parte de su carrera.

Con el auge del nazismo y el cierre de la Bauhaus, Albers abandonó Alemania en 1933 para ir a los Estados Unidos, donde enseñó en el experimental Black Mountain College durante más de 15 años. Hizo visitas frecuentes a México, Chile y Perú, donde compró una extensa colección de textiles antiguos precolombinos. Tanto en su trabajo como en su escritura, presenta una geografía muy amplia del arte moderno, basándose en fuentes de África, Asia y América.

Visitar la exposición fue una experiencia muy estimulante y creo que lo sería para aquellos de vosotros a los que os guste el arte moderno, la artesanía y el diseño tanto como a mi.

anni albers-the art blueberry backanni albers-the art blackberry standinganni albers-the art blueberry pregnant

anni albers-the art blackberrry lying

 

A net of human connections

Chiharu Shiota
Me Somewhere Else
28 November 2018 – 19 January 2019
Blain Southern London gallery, London, UK

The art berries visited the art exhibition of Chiharu Shiota at the Blain|Southern London gallery and really enjoyed it. The gallery is nearby Regent’s Street and Oxford Street, so you may want to fit the visit in with your seasonal shopping or just go for it. I hope you like it too.

As you come into the gallery space, you’ll be surrounded by a mesmerising billowing net of red yarn that seems to rise from a pair of feet up to the ceiling from where the installation is suspended. The solid material of the feet, casted from the artist’s own feet, contrasts with the lightness and ephemerality of the net above. The big size of the installation and boldness of the red colour of the net makes you want to immerse yourself in the installation and be a part of it.

Red yarn is a strong symbol in Asia; is the red of blood and also a symbol for relationships between people. For Shiota, the red yarn alludes to the connectedness to each other, the interior of the body and the complex relationship between the body and the mind; a network of neural connections in the brain making the body to react.

With “Me Somewhere Else” the artist examines the idea that human consciousness could exist independently of the body, somewhere else beyond. She said: ‘I feel that my body is connected to the universe but is my consciousness as well? When my feet touch the earth, I feel connected to the world, to the universe that is spread like a net of human connections, but if I don’t feel my body anymore where do I go? Where do I go when my body is gone? When my feet do not touch the ground anymore.’

Finally, in the last room I liked another art piece consisting of a big white empty dress enfold by black threat. For Shiota, an empty dress is a lack of presence, yet it has its own imprint. The memory cannot be washed away. This work seemed to have like a haunting presence and was somewhat unsettling. In addition to this, we can see a few other geometrical sculptures and a couple of two dimensional canvas made also with threat, a medium widely used by Shiota on her work.

Based in Berlin, Shiota (b. 1972, Osaka, Japan) is best known for her immersive installations, such as “The Key in the Hand”, with which she represented Japan at the Venice Biennale in 2015. Using thread to ‘draw’ in three dimensions, she weaves intricate networks of yarn into and across spaces. Personal experiences are the starting points for her works, which explore the relationships between the body, memory, life and death.

Shiota studied painting early in her education but felt restricted by the use of canvas and paint, so she began using her own body in performance pieces, and later began to use thread as a mode for formal and conceptual expression. It allowed her to remove her physical presence yet still address the ideas that are central to her practice.


Una red de conexiones humanas

Chiharu Shiota
Me Somewhere Else (Yo en otro lugar)
28 de noviembre de 2018 – 19 de enero de 2019
Galería Blain Southern, Londres, Reino Unido

The art berries estuvimos en la exposición de arte de Chiharu Shiota que se encuentra ahora en la galería Blain | Southern en Londres y realmente la disfrutamos. La galería está muy cerca de Regent´s Street y Oxford Street, por lo que puede que quieras aprovechar para visitar la galería cuando hagas las compras de temporada o ir exclusivamente a verla. Espero que también te guste.

Al entrar en el espacio de la galería, te verás rodeado/a por una fascinante red de hilos rojos que parece elevarse desde un par de pies hasta el techo, donde se suspende la instalación. La solidez de los pies, replica de los pies de la artista, contrasta con la ligereza y transitoriedad de la red de arriba. El gran tamaño de la instalación y la audacia del color rojo de la red hacen que quieras sumergirte en la instalación y formar parte de ella.

El hilo rojo es un fuerte símbolo en Asia; es el rojo de la sangre y también un símbolo de las relaciones entre las personas. Para Shiota, el hilo rojo alude a la conexión entre nosotros, el interior del cuerpo y la compleja relación entre el cuerpo y la mente; una red de conexiones neuronales en el cerebro que hace que el cuerpo reaccione.

Con “Me Somewhere Else”, la artista examina la idea de que la conciencia humana podría existir independientemente del cuerpo, en otro lugar más allá. ‘Siento que mi cuerpo está conectado con el universo pero, ¿es mi conciencia también? Cuando mis pies tocan la tierra, me siento conectado al mundo, al universo que se extiende como una red de conexiones humanas, pero si ya no siento mi cuerpo, ¿a dónde voy? ¿A dónde voy cuando mi cuerpo se ha ido? Cuando mis pies ya no toquen el suelo’.

Finalmente, en la última habitación me gustó otra obra de arte que consiste en un gran vestido blanco vacío envuelto en hilo negro. Para Shiota, un vestido vacío es una falta de presencia, pero que tiene su propia huella. El recuerdo no puede ser borrado. Esta obra me pareció de aspecto inquietante. Además de esto, podemos ver algunas otras esculturas geométricas y un par de lienzos bidimensionales hechos también con hilo, un medio ampliamente utilizado por Shiota en su trabajo.

Con sede en Berlín, Shiota (n. 1972, Osaka, Japón) es mejor conocida por sus instalaciones inmersivas, como “The Key in the Hand”, con la que representó a Japón en la Bienal de Venecia en 2015. Utilizando el hilo para “dibujar” en tres Dimensiones, ella teje intrincadas redes de hilo en el espacio y a través de espacios. Las experiencias personales son los puntos de partida de sus trabajos, que exploran las relaciones entre el cuerpo, la memoria, la vida y la muerte.

Shiota estudió pintura al principio de su educación, pero se sintió restringida por el uso del lienzo y la pintura, por lo que comenzó a usar su propio cuerpo en piezas de performance, y más tarde comenzó a usar el hilo como modo de expresión formal y conceptual. Le permitió eliminar su presencia física y aún así abordar las ideas que son fundamentales para su práctica.

Chiharu Shiota exh viewChiharu Shiota - The art blackberry 2Chiharu Shiota - View 2Chiharu Shiota-The art blackberry 1Chiharu Shiota - The art blueberryChiharu Shiota - feet detailChiharu Shiota - feet and netChiharu Shiota- The art blackberry 3

Chiharu Shiota - State of being dress