collages – The art berries

Sewing dark memories

Louise Bourgeois
The Woven Child
9 February 2022 – 15 May 2022
Hayward Gallery, Southbank Centre, London, UK

If you’re looking for things to do during the Easter break, and you happen to be in London, I recommend you to go to see the Louise Bougeois art exhibition there is currently at the Hayward gallery. It’s a good opportunity to immerse yourself in Bougeois’ personal universe with good doses of eerie darkness, intimacy and creativity.

I normally enjoy entering the individual universe of an artist, looking at different sources of inspiration and forms of expression. And when it comes to this show, I’d say that the characteristics of this gallery and the set up of the show both contribute to immerse visitors into the personal universe of the artist quite effectively, so I found it was an interesting experience.

The exhibition called “The Woven Child” is the first retrospective focused on the works she made with fabrics and textiles during the last 20 years of her career, between the mid-1990s and her death in 2010. Bourgeois decided to break with traditional sculptural materials and return to her roots. Most of the works included are figurative sculptures, made from household textiles, including clothing, linens, and tapestry fragments that she obtained from her own family and personal history.

Her connection to the fabric began very early and was part of her identity. The artist helped in her family’s tapestry restoration workshop in France, and we know that growing up was traumatic with an oppressive father. The actions of creating these works -cutting, tearing, sewing, joining- relate them to notions of reparation and to the trauma of separation and abandonment in metaphorical terms. The exhibition explores what the artist, in her own words, called “the magical power of the needle… to repair the damage” and to offer “a claim for forgiveness.”

Part of the selection of figurative sculptures was a selection of the artist’s fabric heads displayed with their different misterious and unsettling portraits, and a comprehensive range of missing limbs and bodies intertwined and presented in vitrines or hanging from the ceiling. Most of them were downstairs, where you can experience her work in a more dramatic and intimate way, perhaps because of the dim lighting that is predominant there.

The art show includes also some of Bourgeois’s monumental Cells, such as “The imposing installation Spider” (1997) and displayed on the top floor, and the related Cell piece “Lady in Waiting” (2003). In these installations, she hanged old dresses, slips and nightwear, and included fragments of antique tapestry, as well as a huge spider sculpture made of steel.

The spider was for Bourgeois both a protector and a predator, and she associated it with her mother, who was a weaver and a tapestry restorer. The spider’s ability to weave a web from its own body was a metaphor Bourgeois also used to describe her own artistic process. While you’re peeping through the cells you find yourself getting closer to the artist intimacy and part of the storytelling she skillfully had sewn around you.

In addition to these art installations, we could see a selection of fabric drawings, books, prints and collages upstairs, as well as several of the artist’s non-figurative sculptures called “progressions”, columns of stacked textile blocks of lozenges, organised in ascending and descending order – a return to the vertical works she did in the 1940s and 1950s. These non-figurative works were very evocative of her childhood and had less of a dark overtone as the figurative ones.

Going through this exhibition was like penetrating the artist’s mind and exploring her concerns, such as identity, sexuality, family, reparation, the subconscious and memory. All these themes expressed by the artist very effectively thanks to the use of fabrics mostly, a material that was so close to her personal history. I hope you enjoy the photos of the interactions we made with the artworks.

Cosiendo recuerdos oscuros

Louise Bourgeois
The Woven Child
9 Febrero 2022 – 15 Mayo 2022
Hayward Gallery, Southbank Centre, Londres, Reino Unido

Si estás buscando cosas que hacer durante las vacaciones de Semana Santa y te encuentras en Londres, te recomiendo que vayas a ver la exposición de arte de Louise Bougeois que hay actualmente en la galería Hayward. Es una buena oportunidad para sumergirse en el universo personal de Bougeois con buenas dosis de misteriosa oscuridad, intimidad y creatividad.

Normalmente disfruto adentrándome en el universo individual de un artista, mirando diferentes fuentes de inspiración y formas de expresión. Y en lo que respecta a esta muestra, diría que las características de esta galería y la configuración de la exposición contribuyen a sumergir a los visitantes en el universo personal de la artista bastante eficazmente, por lo que me pareció interesante la experiencia.

La muestra denominada “The Woven Child” es la primera retrospectiva centrada en las obras que realizó con telas y textiles durante los últimos 20 años de su carrera, entre mediados de la década de 1990 y su muerte en 2010. Bourgeois decidió romper con los materiales escultóricos tradicionales y volver a sus raíces. La mayoría de las obras incluidas son esculturas figurativas, elaboradas con textiles domésticos, incluidas prendas de vestir, ropa de cama y fragmentos de tapices que obtuvo de su propia historia familiar y personal.

Su conexión con la tela comenzó muy temprano y era parte de su identidad. La artista ayudaba en el taller de restauración de tapices de su familia en Francia, y sabemos que su crecimiento fue traumático con un padre opresivo. Las acciones de crear estas obras -cortar, rasgar, coser, unir- las relaciona con las nociones de reparación y con el trauma de la separación y el abandono en términos metafóricos. La muestra explora lo que la artista, en sus propias palabras, llamó “el poder mágico de la aguja… para reparar el daño” y para ofrecer “un reclamo de perdón”.

Parte de la selección de esculturas figurativas fue una selección de cabezas de tela de la artista expuestas con sus diferentes retratos misteriosos e inquietantes, y una amplia gama de miembros perdidos y cuerpos entrelazados y presentados en vitrinas o colgados del techo. La mayoría estaban en la planta baja, donde se puede vivir su obra de una forma más dramática e íntima, quizás por la tenue iluminación que allí predomina.

La muestra de arte incluye también algunas de las Celdas monumentales de Bourgeois, como “La imponente instalación Araña” (1997) y expuesta en la planta de arriba, y la pieza de Celda relacionada “La dama de espera” (2003). En estas instalaciones, colgó viejos vestidos, combinaciones y ropa de dormir, e incluyó fragmentos de tapices antiguos, así como una enorme escultura de araña hecha de acero.

La araña era para Bourgeois tanto protectora como depredadora, y la asociaba con su madre, que era tejedora y restauradora de tapices. La habilidad de la araña para tejer una telaraña con su propio cuerpo fue una metáfora que Bourgeois también usó para describir su propio proceso artístico. Mientras miras a través de las celdas, te encuentras acercándote a la intimidad de la artista y parte de la narración que hábilmente ha tejido a tu alrededor.

Además de estas instalaciones artísticas, en el piso de arriba pudimos ver una selección de dibujos en tela, libros, grabados y collages, así como varias de las esculturas no figurativas de la artista llamadas “progresiones”, columnas de bloques textiles apilados de rombos, organizadas de forma ascendente y orden descendente – un regreso a las obras verticales que hizo en los años 40 y 50. Estas obras no figurativas evocaban mucho su infancia y tenían un matiz menos oscuro que las figurativas.

Recorrer esta exposición fue como penetrar en la mente de la artista y explorar sus inquietudes, tales como la identidad, la sexualidad, la familia, la reparación, el subsconsciente y la memoria. Todas estos temas expresados por la artista de forma muy efectiva gracias al uso de las telas mayoritariamente, un material que para ella era tan cercano a su historia personal. Espero que os gusten las fotos de las interacciones que hicimos con las obras de arte.

Breaking moulds in art and in life

Russian Dada 1914–1924
Museo Reina Sofia, Madrid, Spain
6 June – 22 October 2018

I was pleased to visit this art show a month ago in Madrid, Spain, at the Reina Sofia Museum; the first one I cover out of the UK.

Although the art exhibition felt a bit long because of the number of works on show, about 250, it was really comprehensive and I found it interesting to gain a good perspective of the art created by Russian avant-garde artists during this period, from 1914 to 1924. The show includes paintings, collages, illustrations, sculptures, film projections and publications, and it’s divided in three parts.

Dada or Dadaism was an art movement of the European avant-garde that developed in the early 20th century in reaction to World War I and had an early centre in Zurich. The Dada movement rejected the logic, reason and aestheticism of modern capitalist society, expressing irrationality and nonsense protest in their works.

When it comes to Russian Dada, the artworks on show here were produced at the height of Dada’s flourishing, between World War I and the death of Vladimir Lenin, who happened to be a frequent visitor to Cabaret Voltaire in Zurich, where this art movement originated. The Russian avant-gardists on show, as well as the rest of Dadaists, supported internationalism and engaged in eccentric practices and pacifist demonstrations.

The first part of the show, and also my favourite, focuses on ‘alogical’ abstraction. As I came into the show I saw photos of some of the Russian Dadaists, in a rather irreverent and playful pose. They were followed by some film projections in black and white, of which I took a snapshot and it’s on show below. One of the sculptures created in this period includes Vladimir Tatlin’s “Complex Corner-Relief” (1915), next to which you can see myself performing for the photo.

The Art Blueberry performing next to Vladimir Tatlin’s, “Complex Corner-Relief”/”Relieve de esquina complejo” (1915).

One of the hits of this exhibition for me was to see the designs for a stage curtain of the futurist opera “Victory over the Sun” produced by Malevich in 1913 which led him to create his well know “Black Square” in 1915. We cannot see the “Black Square” here, but we can see a design for the curtain for the opera Victory over the Sun and some other variants of it including white squares that are brilliant too.

Kasimir Malevich, “Design for the curtain of the opera Victory over the Sun”/ “Diseño para el telón de la ópera Victoria sobre el Sol” – left/izq.
The Art Blueberry performing next to Malevich’s work.

Aleksei Morgunov was quoted within the show saying: “In 1914-15 Malevich and I decided that practically all forms of development of the painterly principles that had gone along the trajectory of negation of the created forms, logically brought us to a blank canvas. Our task then to create new forms that have a character of elementary geometric forms. One of such forms was a square.”

Olga Rozanova, “In the Street”/ “En la calle” (1915) – left/izquierda
Aleksei Morgunov, “Composition no. 1″/ “Composición n. 1” – right/derecha.

In collaboration with the musician Mikhail Matyushin and the poet Aleksei Kruchenykh, Malevich did a manifesto calling for the rejection of rational thought. They wanted to change the established systems of Western society. In the opera Victory over the Sun, the characters aimed to abolish reason by capturing the sun and destroying time. Malevich called this Suprematism, and this new movement is all about the supremacy of colour and shape in painting.

The second section spans the period from 1917 to 1924, from the victory of the Russian Revolution to the death of Vladímir Lenin, touching notions like Internationalism. Malevich’s Suprematism had a strong influence in his contemporaries.

As such, Sofia Dymshits-Tolstaia said on a testimony: “I came to Vitebsk after the October celebrations, but the city still glowed from Malevich’s decorations- of circles, squares, dots, lines of different colours…I felt like I was in a bewitched city, at the time everything was powerful and wonderful.”

We can see Malevich’s influence on Morgunov’s design for the cover of the journal ‘The International of Art’, and on “The New Man” from Litsitzki on show below.

Aleksei Morgunov, Unpublished cover of the journal The International of Art, 1919 / Portada inedita de la revista Internacional de arte – left/izq.
El Lisitzski, “The New Man”/ “El hombre nuevo” (1920-1923) – right/dcha.

The final section explores the connections between Russia and two of the main Dada centres, Paris and Berlin, with works from Russian artists in those two cities and the presence of artists like Lissitsky in Berlin, and Sergei Sharshun and Ilia Zdanevich in Paris.

The nihilistic zeitgeist that followed the Great War originated Dada, and the Marxism of the Russian Revolution agreed in principle with their ideals. The artists often pushed the Dadaesque into Russian mass culture, in the form of absurdist and chance-based designs. Their goal was to cause the death of art. But, failing to do that, they mostly became artists who managed to break moulds and created great works of art.

Rompiendo moldes en la vida y el arte
Dada ruso 1914-1924
Museo Reina Sofia, Madrid, España
6 de junio – 22 de octubre de 2018

Me gustó visitar esta exposición de arte hace un mes en Madrid, España, en el Museo Reina Sofía; el primero que cubro fuera del Reino Unido.

Aunque la exposición me pareció un poco larga debido a la cantidad de obras expuestas, alrededor de 250, fue bastante exhaustiva y me pareció interesante lograr una buena perspectiva del arte creado por los artistas vanguardistas rusos durante este período, de 1914 a 1924. La muestra incluye pinturas, collages, ilustraciones, esculturas, proyecciones de películas y publicaciones, y está dividido en tres partes.

Dada o Dadaism fue un movimiento de arte de la vanguardia europea que se desarrolló a principios del siglo XX en reacción a la Primera Guerra Mundial y tuvo un centro temprano en Zurich. El movimiento Dada rechazó la lógica, la razón y el esteticismo de la sociedad capitalista moderna, expresando irracionalidad y protestas absurdas en sus obras.

En lo que respecta al Dada ruso, las obras expuestas aquí se produjeron en el apogeo del florecimiento de Dada, entre la Primera Guerra Mundial y la muerte de Vladimir Lenin, que solía frecuentar el Cabaret Voltaire en Zurich, donde se originó este movimiento artístico. Los dadaístas rusos en exposición, así como el resto de los dadaístas, apoyaron el internacionalismo y se involucraron en prácticas excéntricas y manifestaciones pacifistas.

La primera parte de la exposición, y también mi favorita, se centra en la abstracción ‘alógica’. Al entrar en la muestra, se pueden ver fotos de algunos de los dadaístas rusos, en una actitud bastante irreverente. En la siguiente sala hay algunas proyecciones de películas en blanco y negro, de las cuales también tomé una instantánea que se muestra a continuación. Una de las esculturas creadas en este período incluye “Relieve de esquina complejo“ de Vladimir Tatlin (1915), junto a la cual puedes verme posando para la foto.

The Art Blueberry performing next to Vladimir Tatlin’s, “Complex Corner-Relief”/”Relieve de esquina complejo” (1915).

Uno de los éxitos de esta exposición para mí fue ver los diseños del telón de escenario de la ópera futurista “Victoria sobre el sol”, producida por Malevich en 1913, que le llevó a crear su bien conocido “Black Square“ en 1915. No podemos ver la obra “Black Square” aquí, pero podemos ver un diseño para el telón de la ópera Victoria sobre el Sol y algunas otras variantes, incluyendo cuadros blancos y negros que me parecen estupendos. Se me puede ver posando junto a uno de ellos a continuación.

Aleksei Morgunov fue citado dentro de la exposición diciendo: “En 1914-15, Malevich y yo decidimos que prácticamente todas los principios pictóricos que habían evolucionado a través de la negación de las formas anteriores nos conducían necesariamente al lienzo vacío. Nuestra tarea entonces consistía en crear formas nuevas que conservaran el carácter de las formas geométricas elementales. Una de esas formas era el cuadrado “.

Olga Rozanova, “In the Street”/ “En la calle” (1915) – left/izquierda
Aleksei Morgunov, “Composition no. 1″/ “Composición n. 1” – right/derecha.

En colaboración con el músico Mikhail Matyushin y el poeta Aleksei Kruchenykh, Malevich hizo un manifiesto llamando al rechazo del pensamiento racional. Querían cambiar los sistemas establecidos de la sociedad occidental. En la ópera “Victoria sobre el Sol”, los personajes intentaron abolir la razón capturando el sol y destruyendo el tiempo. Malevich llamó a esto Suprematismo, y este nuevo movimiento tiene que ver con la supremacía del color y la forma en la pintura.

La segunda sección abarca el período comprendido entre 1917 y 1924, desde la victoria de la Revolución Rusa hasta la muerte de Vladímir Lenin, que frecuentó Cabaret Voltaire en Zurich, tocando nociones como el internacionalismo. El suprematismo de Malevich tuvo una fuerte influencia en sus contemporáneos.

Como tal, Sofia Dymshits-Tolstaia dijo en un testimonio: “Llegué a Vitebsk después de las celebraciones de Octubre, pero la ciudad aún brillaba por las decoraciones de Malevich: círculos, cuadrados, puntos y líneas de diferentes colores … Sentí que me encontraba en una ciudad embrujada, en ese momento todo era posible y maravilloso.”

Podemos ver esta influencia de Malevich en el diseño de Morgunov para la portada de la revista ‘The International of Art’, y en ‘The New Man’ de Litsitzki que se muestra a continuación.

La sección final explora las conexiones entre Rusia y dos de los principales centros Dada, París y Berlín, con obras de artistas rusos en esas dos ciudades y la presencia de artistas como Lissitsky en Berlín y Sergei Sharshun e Ilia Zdanevich en París.

El espíritu de la época nihilista que siguió a la Gran Guerra originó a Dadá y el marxismo de la Revolución rusa comulgaba en principio con sus ideales. Los artistas a menudo empujaban al dadaismo hacia la cultura de masas rusa, con forma de diseños absurdos y basados en el azar. Su objetivo era causar la muerte del arte. Pero, al no hacer eso, en su mayoría se convirtieron en artistas que consiguieron romper moldes y crear grandes obras de arte.