Capturing the mood of the moment

Turner Prize
26 September 2018 – 6 January 2019
Tate Britain, London, UK

If you’re in London this Xmas and would like to see an art exhibition, the Turner Prize can be an idea. This year it’s formed entirely by film, video and moving image, so if you want to see the four art pieces presented in full you’d have to count on over 4,5 hours. But, I must say we didn’t spend that long seeing this exhibition. This type of medium allow you to be flexible with how you experience it, and it doesn’t have to be as lineal as when we go to the cinema.

I was not surprised about finding the same type of work this year. It does captures the mood of the present moment by using moving image for a political purpose.

As it is presented, there are four rooms connected by a central space filled in with sofas and printed material that reminds you a bit of a dentist waiting room. Nevertheless, I liked this set up; considering that you have to enter the darkness to watch each of the art pieces, I appreciate you can go back to a well lit space in between them.

On one hand we have the multidisciplinary collective Forensic Architecture based at Goldsmith University that includes architects, filmmakers, lawyers and scientists. All combine their skills to investigate allegations of state violence. They don’t consider themselves an art group as such, and like looking at real events. In the work presented they use different patient techniques to uncover what happened on a night of 2017, when Israeli police  attempted to clear a Bedouin village, an action that resulted in two deaths. It was an stressful film for the watcher and for the film makers, who even put her life at risk to do it.

Then, Naeem Mohaiemen separates from real events to present a fictional piece in which a solitary man wanders through the ruins of an abandoned airport, like a character from JG Ballard. He bases this piece on his dad’s experience years ago when he had to spend 9 days at a Greek airport. Using films, installations and essays, his practice make sense of political events in the 70s, while he investigate the legacies of decolonisation among others. A rather surreal film.

Thirdly, we saw Luke Willis Thompson’s piece, who works across film, performance, installations and sculpture to explore cases of institutional violence, race, class and social inequality among others. He presented a controversial film in 35mm of Diamond Reynolds, a lady who used her mobile phone in 2016 to lifestream the killing of her partner by police in the US state of Minnesota. We liked this silent piece, and The art blackberry interacted with it as you can see below adding another layer to the piece. The use of a 35mm projector contributed to making this piece more organic and real, and as a consequence very effective emotionally speaking.

Finally, we saw the work of this year’s winner, Charlotte Prodder, who was not announced as a winner when we saw the art show, but last week. She works with moving image, sculpture and printed image to explore queer identity, landscape, language technology and time. Recently chose to represent Scotland at the Venice Biennale, the work she presents filmed on an iPhone is quite poetic and captivating, and also enjoyed watching it.

The last two works were my favourite. Luke Willis Thompson because of the controversial message he presents with the use of 35mm, a great medium. And Charlotte Prodder because her film with a common medium like the iPhone is very personal and poetic and many people will identify with it.


Capturando el estado de ánimo del momento

Turner Prize
26 de septiembre de 2018 – 6 de enero de 2019
Tate Britain, Londres, Reino Unido

Si estás en Londres esta Navidad y te apetece ver una exposición de arte, el Turner Prize podría ser una idea. Este año esta constituido completamente por película, video e imagen en movimiento, por lo que si quieres ver las cuatro obras de arte presentadas en su totalidad, tendrás que contar con más de 4 horas y media. Pero debo decir que nosotras no pasamos tanto tiempo viendo esta exposición. Este tipo de medio te permite ser flexible con la forma en que lo experimentas, y no tiene que ser tan lineal como cuando vamos al cine.

No me sorprendió encontrar el mismo tipo de trabajo este año. Captura el estado de ánimo que vivimos actualmente gracias al uso de imágenes en movimiento para un propósito político.

Tal como se presenta, hay cuatro habitaciones conectadas por un espacio central con sofás y material impreso que recuerda un poco a la sala de espera de un dentista. Sin embargo, me gusta esta presentación; teniendo en cuenta que debes entrar en la oscuridad para ver cada una de las piezas de arte, agradezco que puedas volver a un espacio bien iluminado entre ellas.

Por un lado, tenemos el colectivo multidisciplinario de Arquitectura Forense con sede en la Universidad de Goldsmith, que incluye arquitectos, cineastas, abogados y científicos. Todos combinan sus habilidades para investigar denuncias de violencia estatal. No se consideran un grupo de arte como tal, y les gusta explorar eventos reales. En el trabajo presentado, utilizan diferentes técnicas pacientes para descubrir lo que sucedió una noche de 2017, cuando la policía israelí intentó despejar una aldea beduina, una acción que resultó en dos muertes. Fue una película estresante tanto para el espectador, como para los cineastas, que incluso puso su vida en riesgo para hacerla.

En segundo lugar, Naeem Mohaiemen se separa de los eventos reales para presentar una pieza ficticia en la que un hombre solitario recorre las ruinas de un aeropuerto abandonado, como un personaje de JG Ballard. El artista basa esta pieza en la experiencia de su padre hace años cuando tuvo que pasar 9 días en un aeropuerto griego. Utilizando películas, instalaciones y ensayos, su práctica da sentido a los acontecimientos políticos de los años 70, mientras investiga los legados de la descolonización entre otros. Una película bastante surrealista.

En tercer lugar, vimos la pieza de Luke Willis Thompson, que trabaja en cine, performance, instalaciones y esculturas para explorar casos de violencia institucional, raza, clase y desigualdad social, entre otros. Presentó una controvertida película en 35 mm de Diamond Reynolds, una mujer que usó su teléfono móvil en 2016 para hacer realidad el asesinato de su compañero por parte de la policía en el estado de Minnesota, EE. UU. Nos gustó esta pieza silenciosa, y The art blackberry interactua con ella como se puede ver a continuación, añadiendo otra capa a la pieza. El uso de un proyector de 35 mm contribuye a hacer que esta pieza sea más orgánica y real y, en consecuencia, muy efectiva emocionalmente hablando.

Finalmente, vimos el trabajo de la ganadora de este año, Charlotte Prodder, quien no fue anunciada como ganadora cuando vimos la exhibición de arte, sino la semana pasada. Trabaja con imágenes en movimiento, esculturas e imágenes impresas para explorar la identidad de colectivos homosexuales, el paisaje, la tecnología del lenguaje y el tiempo. Habiendo sido elegida recientemente para representar a Escocia en la Bienal de Venecia, el trabajo que presenta filmado en un iPhone es bastante poético y cautivador, y también disfrutamos viéndolo.

Los dos últimos trabajos fueron mis favoritos. Luke Willis Thompson por el mensaje de gran controversia que presenta con el uso de 35 mm, un gran medio. Y Charlotte Prodder porque su película hecha con un medio común como el iPhone es muy personal y poética y muchas personas se identificarán con ella.

Turner Prize 2018-The art blackberry

The coldness of fairy tales

Edward Burne-Jones
24 October 2018 – 24 February 2019
Tate Britain, London, UK

The art berries visited recently the current art exhibition of Edward Burne-Jones, now at Tate Britain gallery in London.

Ned Jones, later Sir Edward Coley Burne-Jones, 1st Baronet (1833-98), was one of the last Pre-Raphaelites, who were always looking back to the past as their name indicates. He rejected the industrial world of the Victorians and made spectacular works depicting classical heroes, Arthurian knights, fairy tale heroines and angels in different mediums. He studied theology at Oxford, where he met his lifelong collaborator William Morris, with whom he was a pioneer of the arts and crafts movement, which aimed to bring beautiful design to everyone through the Aesthetic movement. After embracing the style of Dante Gabriel Rosetti when he was in his 20s, he carried on producing the same sort of works until his death in 1898. 

I enjoyed seeing a series of his drawings at the beginning of the exhibition, which showcase his draughtsmanship skills, and his big scale paintings are well-composed and rather evocative. However, with his paintings I kept on encountering very similar faces of classical, cold and expressionless beauty. Even when he depicted real people such as his daughter or the daughter of prime minister William Gladstone on one of his most famous paintings “The Golden Stairs” on show here, all faces seem to have the same features. Almost as if he had recycled a likeness and he couldn’t bother distinguishing much between one woman or another.

This is the perfect art show to visit if you are interested in medieval art, religion, greek mythology and legends and want to travel back in time for inspiration. You can see across the exhibition the various forms in which he developed his art, from drawing to painting, passing by tapestry, embroidery, jewellery and stained glass windows.

I must say, I didn’t find much of an evolution in his work along this solo show, presented as a retrospective. He was very famous and very prolific with his art, but he didn’t seem to have developed his technique nor his style very much throughout his life. It may be the price you pay when you become so famous and have so many commissions coming in.

This is his first solo show at Tate since 1933 comprising over 150 artworks from across his career including his most famous paintings, such as the “The Golden Stairs”, “The Beguiling of Merlin” and the Sleeping Beauty series, some of them on show below. The curators of Tate Britain wanted to do a good homage to Burne-Jones as one the most influential artist of the 19th century, during the Victorian period. I wouldn’t go as far as to say that he was a Pre-Raphaelite visionary. And for sensuous beauty, I’d rather look at the work of other Pre-Raphaelite painters, such as Dante Gabriel Rosetti.

Having said that, I won’t deny his value as a decorative artists, his attention to detail and his input with regards to Art Nouveau in Britain. Therefore, if you have an appeal for classical heroes and fairy tales, and you like a Gothic style, you will almost certainly like this art show.

Below you can see The art blackberry performing next to Burne-Jones’ “Perseus and the Graiae”, a painting representing Perseus encountering the Graiae, three sisters of the Gorgons, who have between them only one tooth and one eye. As the eye is passed between them, Perseus steals it forcing them to tell him the way to find the nymphs he’s looking for.


La frialdad de los cuentos de hadas

Edward Burne-Jones
24 de octubre de 2018 – 24 de febrero de 2019
Tate Britain, Londres, Reino Unido

The art berries visitaron recientemente la exposición de arte de Edward Burne-Jones que hay ahora en la galería Tate Britain en Londres.

Ned Jones, después Sir Edward Coley Burne-Jones, 1er Baronet (1833-98), fue uno de los últimos prerrafaelistas, a los que les gustaba tomar como inspiración el arte del pasado, como su propio nombre indica. Rechazó el mundo industrial de los victorianos e hizo obras espectaculares que representan a héroes clásicos, caballeros de la época del rey Arturo, heroínas de cuento de hadas y ángeles en diferentes medios. Estudió teología en Oxford, donde conoció a William Morris, su colaborador de toda la vida, con quien fue pionero en el “arts and crafts movement,” cuyo objetivo era brindar un diseño hermoso a todo el mundo a través del movimiento Estético. Después de abrazar el estilo de Dante Gabriel Rosetti cuando tenía 20 años, continuó produciendo el mismo tipo de obras hasta su muerte en 1898.

Me gustaron la serie de dibujos expuestos al comienzo de la exposición, que muestran sus habilidades con el dibujo y sus pinturas a gran escala están bien compuestas y son bastante evocadoras. Sin embargo, con sus pinturas seguí encontrando caras muy similares de belleza clásica, fría e inexpresiva. Incluso cuando representaba a personas reales como su hija o la hija del primer ministro William Gladstone en uno de sus cuadros más famosos, “The Golden Stairs” que se muestra aquí debajo, todas las caras parecen tener las mismas características. Casi como si hubiera reciclado una fisonomía y no pudiera molestarse en distinguir mucho entre una mujer u otra.

Esta es la muestra de arte perfecta para visitar si estás interesado en el arte medieval, la religión, la mitología griega y las leyendas, y quieres viajar al pasado en busca de inspiración. Puedes ver a través de la exposición las diversas formas en las que desarrolló su arte, desde el dibujo hasta la pintura, pasando por el tapiz, el bordado, la joyería y las vidrieras.

 

Debo decir, que no encontré mucha evolución en su trabajo a lo largo de esta exposición que se presenta como una retrospectiva. Fue muy famoso y muy prolífico con su arte, pero no parece haber desarrollado mucho su técnica ni su estilo durante toda su vida. Puede ser el precio que pagas cuando te vuelves tan famoso y recibes tantas comisiones.

Esta es su primera exposición individual en Tate desde 1933, con más de 150 obras de arte de toda su carrera, incluidas sus pinturas más famosas, como “The Golden Stairs”, “The Beguiling of Merlin” y la serie Sleeping Beauty, algunas de las cuales se muestran debajo. abajo. Los curadores de Tate Britain querían hacer un buen homenaje a Burne-Jones como uno de los artistas más influyentes del siglo XIX durante el período victoriano. Sin embargo, no me atrevería a decir que Burne-Jones fué un visionario pre-rrafaelista. Y en cuanto a belleza sensual, prefiero el trabajo de otros pintores pre-rrafaelitas, como Dante Gabriel Rosetti.

Dicho esto, no negaré su valor como artistas decorativo, su atención a los detalles y su aporte con respecto al Art Nouveau en Gran Bretaña. Por lo tanto, si te atraen los héroes clásicos y los cuentos de hadas, y le gusta el estilo gótico, es casi seguro que le gustará esta muestra de arte.

Debajo puedes ver a The art blackberry junto a “Perseus and the Graiae” de Burne-Jones, una pintura que representa a Perseus encontrándose con Graiae, tres hermanas de las Gorgonas, que tienen entre ellas solo un diente y un ojo. Cuando el ojo pasa entre ellas, Perseo lo roba y los obliga a decirle cómo encontrar a las ninfas que está buscando.

Burne-Jones_The art blackberryBurne-Jones_The art blueberry

The art blueberry next to “The wheel of fortune” by Edward Burne-Jones.
The art blueberry junto a “The wheel of fortune” por Edward Burne-Jones.

Burne-Jones_Golden Stairs

“The Golden Stairs” by Edward Burne-Jones.

Burne-Jones_Sleeping Beauty 1

“The Garden Court” (1874-84) by Edward Burne-Jones.

Burne-Jones_Sleeping Beauty 2Burne-Jones_Sleeping Beauty 3

Various paintings above from the series part of “The sleeping beauty” by Edward Burne-Jones.
Varias pinturas arriba parte de la serie de “La bella durmiente” de Edward Burne-Jones.

A modern archeological discovery

Daniel Silver
Frith Street Gallery – Golden Square
14 September 2018 – 3 November 2018

We didn’t plan to visit this art show, we just passed by chance. However, I’ve decided to cover it here because it was a good surprise. But, be aware that this is a past art exhibition. 

As we entered the Frith Street Gallery in Golden Square, we bumped with the first part of the art show; an installation comprised of five sculptures with Hemp-like forms (hemp-like forms are a squared stone pillar with a carved head on top, typically of Hermes, used in ancient Greece as a boundary marker or a signpost, according to the Oxford dictionary) and carved in marble and onyx from Serravezza and Pietrasanta stone yards in Italy. They looked like classical sculpture, but were dressed like mannequins with clothes on and grouped in a very still and quiet attitude, just as classical sculptures usually are. Their clothed, armless bodies remind you of Rodin’s “Monument to Balzac”. Surrounded by these figures I paid attention to the material they were made of, marble, that transmitted a sense of luxury, and their calmed poses seemed to invite me to reflexion.

As we moved ahead, the stillness with which we were welcomed into the gallery turned into a more expansive and energetic scene. The main space of the gallery was filled with actual mannequins made by Rootstein, the world’s leading manufacturer. They are made of plastic and are mostly white, as if the skin colour had worn out and left only some blue and brown touches of colour. They all seem to be dancing or engaged in some physical exercise, like on Degas’ painting “Young Spartans Exercising”, and as they are in a human scale, the scene invites to take part and dance with them; why not? Check out the photos from The art berries below.

Lastly, to wrap up the previous two figure groups there were various wall hangings made of cut-outs from clothing fabrics and created by Silver while observing a dancer in his studio, being the shapes a response to a body moving in time and space.

This art exhibition spread out into another gallery space from Frith Gallery at Soho Square, but unfortunately we didn’t get to see that one on the same day. However, you can visit this link of the gallery for some pictures of it. That part was formed by artworks in a completely change of scale, in a smaller size, with the works carved in marble or modelled in clay and some of them presented on top of a fabric draped table. 

Daniel Silver is a London-based artist best known for his figurative sculptures. His practice is deeply influenced by the art of ancient Greece, Modernist sculpture, and Freudian psychoanalytic theory. Silver’s works use concrete, bronze, marble, stone, wood and clay, and often appear as monuments or totems, as if belonging to an archeological excavation. His figures seem to speak of the intimacy of touch and the memories inherited through material. Silver’s sculptures explore and manipulate the human figure, sometimes with brutality, at other times with the utmost sensitivity. An analyst, an archeologist and an artist, he moves constantly between styles, examining the physical and emotional impact of the body and its representation.


 

Un descubrimiento arqueológico moderno.
Daniel Silver
Frith Street Gallery – Golden Square
14 de septiembre de 2018 – 3 de noviembre de 2018

No planeamos visitar esta exposición de arte, solo pasamos por casualidad, pero he decidido cubrirla aquí porque fue una grata sorpresa. Sin embargo, ten en cuenta que esta es una exposición de arte pasada.

Según entramos en la Galería Frith Street en Golden Square, nos topamos con la primera parte de la muestra; una instalación compuesta por cinco esculturas con forma de busto y tallados en mármol y ónix de los astilleros de piedra de Serravezza y Pietrasanta en Italia. Parecían esculturas clásicas, pero iban vestidas como maniquíes con la ropa puesta y se agrupaban en una actitud inmóvil y tranquila, como suele ser presentadas las esculturas clásicas. Sus cuerpos vestidos y sin brazos te recuerdan el “Monumento a Balzac” de Rodin y parecen invitarte a reflexionar. Rodeado por estas figuras, presté atención al mármol del que estaban hechas que transmitía una sensación de lujo, y sus posturas tranquilas parecían invitarme a reflexionar.

A medida que avanzábamos, la quietud con la que fuimos recibidas en la galería se convirtió en una escena más expansiva y enérgica. El espacio principal de la galería estaba lleno de maniquíes reales hechos por Rootstein, el fabricante líder mundial. Son de plástico y de color blanco en su mayoría, como si el color de la piel se hubiera desgastado y solo quedaran algunos toques de color azul y marrón. Todos parecen estar bailando o realizando algún ejercicio físico, como en el cuadro de Degas “Jóvenes Espartanos haciendo ejercicio”, y como están hechas a escala humana, la escena invita a participar y bailar con ellos; por que no? Mira las fotos de The art berries abajo.

Por último, para concluir los dos grupos de figuras anteriores, pudimos ver varios tapices de pared hechos de recortes de telas de ropa y creados por Silver mientras observaba a un bailarín en su estudio, siendo las formas una respuesta a un cuerpo en movimiento en el tiempo y el espacio.

Esta exposición de arte se extendió a otro espacio de Frith Gallery en Soho Square, pero desafortunadamente no tuvimos la oportunidad de verlo el mismo día. Sin embargo, puedes visitar este enlace de la galería para ver algunas fotos de la misma. Esa parte estaba formada por obras de arte hechas a escala distinta, mas pequeñas, con las obras talladas en mármol o modeladas en arcilla y algunas de ellas expuestas sobre una mesa cubierta con una tela.

Daniel Silver es un artista londinense conocido por sus esculturas figurativas. Su práctica está profundamente influenciada por el arte de la antigua Grecia, la escultura modernista y la teoría psicoanalítica freudiana. Las obras de Silver utilizan hormigón, bronce, mármol, piedra, madera y barro, y aparecen a menudo como monumentos o tótems, como si pertenecieran a una excavación arqueológica. Sus figuras parecen hablar de la intimidad del tacto y de los recuerdos heredados a través del material. Las esculturas de Silver exploran y manipulan la figura humana, a veces con brutalidad, otras con la mayor sensibilidad. Analista, arqueólogo y artista, se mueve constantemente entre estilos, examinando el impacto físico y emocional del cuerpo y su representación.

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Challenging South African local histories

Kemang Wa Lehulere
Not even the departed stay grounded
Marian Goodman gallery, London, UK
September 13 – October 20, 2018

We visited this art exhibition a couple of weeks ago at the Marian Goodman gallery in London and it’s now gone. But, nevertheless, I wanted to cover it to introduce you to this artist who is emerging as one of South Africa’s most prominent artistic exports.

As we entered the gallery, I encountered various installations and drawings on the wall made of various materials: wood, metal, chalk, glass and robe; all of them in black and white or the original material. It can be appreciated that the art show has a strong social message, but the artist hasn’t neglected the aesthetical aspects of it. Not only that, he used those aspects to enhance the message, which is something I strongly value. I like art exhibitions with a socio-political message, specially these days in which artists seem to have really strong tools to make us reflect about the society we live in, but I have a preference for the artworks that on top of that are aesthetically interesting.

Kemang Wa Lehulere was born in Cape-town and initially rose to prominence in 2006 with Gugulective, a community-engaged collective co-founded with childhood artistic associate, Unathi Sigenu and based in the former township of Gugulethu, Cape Town. He devoted himself at the time to community engaged performative actions such as creating pamphlets to challenge local histories or setting up interventionist pirate radio stations. Only after years of social activism, he started creating sculptural objects and drawings as a residue or remanent of performance. And he went into formal art education, graduating in 2011.

Drawing on these years of social activism, Wa Lehulere conveys feelings of post-apartheid unrest and other socio-political issues with his artworks, re-enacting what he considers to be ‘deleted scenes’ from South African history.

Some of the elements characteristic of his artistic practice include messages in bottles, sphinx-like ceramic dogs and bird houses that are symbols of the forced removals under apartheid. In addition, there were big boards covered with chalk drawings and various objects suspended by shoelaces from floor to ceiling. However, his most prominent pieces are reconfigured salvaged school desks in wood and metal or just in metal, as we can see on various images below, all of them referring to the 1976 student demonstrations.

Finally, his interest in the Dogon people of Mali and their indigenous astrological knowledge will be reflected in many of the new works, as well as the controversy surrounding his knowledge of the existence of Sirius, a dwarf moon invisible to the naked eye orbiting the Dog Star, despite not having access to astronomical instruments. Kemang used laces to form star constellations, referring not only to the racist repudiation, but also to the repeated negation of opportunities for contemporary young black South Africans.

This art show tells me that art is a powerful tool to express our concerns about the world we live in and not only that, artists like Wa Lehuler manage to do that using a very personal style and effective visual elements.


Desafiando las historias locales de Sudáfrica
Kemang Wa Lehulere
Ni siquiera los difuntos se quedan en tierra.
Galería Marian Goodman, Londres, Reino Unido
13 de septiembre – 20 de octubre de 2018

Visitamos esta exposición de arte hace un par de semanas en la galería Marian Goodman en Londres y ahora ya no está. Pero, he querido cubrirla para presentaros a este artista que se está emergiendo como una de las figuras artísticas más destacadas de Sudáfrica.

Cuando entramos en la galería, encontré varias instalaciones y dibujos en la pared hechos de varios materiales: madera, metal, tiza, vidrio, etc; todos ellos en blanco y negro o en el material original. Se puede apreciar que la muestra de arte tiene un fuerte mensaje social, pero el artista no ha descuidado sus aspectos estéticos. No solo eso, utiliza esos aspectos para ensalzar el mensaje, lo cual valoro ciertamente. Me gustan las muestras de arte con un mensaje socio-político, especialmente en estos días en los que los artistas parecen tener herramientas realmente efectivas para hacernos reflexionar sobre la sociedad en que vivimos, pero tengo preferencia por las obras de arte que, además de eso, son estéticamente interesantes.

Kemang Wa Lehulere nació en Ciudad del Cabo e inicialmente se destacó en 2006 con Gugulective, un colectivo comprometido con la comunidad y cofundado con su socio artístico de la infancia, Unathi Sigenu, y residente en la antigua ciudad de Gugulethu, Ciudad del Cabo. En ese momento se dedicó a hacer demostraciones comprometidas con la comunidad, como crear folletos para desafiar las historias locales o establecer estaciones de radio piratas intervencionistas. Solo después de años de activismo social, comenzó a crear objetos escultóricos y dibujos como un residuo o remanente de su lucha social. Y obtuvo formación artística académica al graduarse en 2011.

Haciendo uso de estos años de activismo social, Wa Lehulere transmite sentimientos de inquietud posterior al apartheid y otros problemas sociopolíticos con sus obras de arte, recreando lo que él considera “escenas borradas” de la historia de Sudáfrica.

Algunos de los elementos característicos de su práctica artística incluyen mensajes en botellas, perros de cerámica con forma de esfinge y casas de aves que simbolizan los retiros forzosos bajo el apartheid. Además, hay tablas grandes cubiertas con dibujos de tiza y varios objetos suspendidos por cordones desde el suelo hasta el techo. Sin embargo, sus piezas más prominentes se reconfiguran como escritorios escolares recuperados en madera y metal o simplemente en metal, como podemos ver en varias imágenes a continuación, todas ellas en referencia a las demostraciones estudiantiles de 1976.

Finalmente, su interés en la gente Dogon de Mali y su conocimiento astrológico indígena se reflejará en muchas de las nuevas obras, así como en la controversia que rodea su conocimiento de la existencia de Sirio, una luna enana invisible a simple vista que orbita alrededor de Dog Star, a pesar de no tener acceso a instrumentos astronómicos. Kemang usó cordones para formar constelaciones de estrellas, refiriéndose no solo al repudio racista, sino también a la negación repetida de oportunidades para los jóvenes sudafricanos negros contemporáneos.

Esta muestra de arte me dice que el arte es una herramienta poderosa para expresar nuestras preocupaciones sobre el mundo en que vivimos, y no solo eso, artistas como Wa Lehuler logran hacerlo usando un estilo muy personal y elementos visuales realmente interesantes y efectivos.

Wa Lehulere - The art blackberryWa lehulere - The art blueberryWa Lehulere - 3 sisters

Skinning past memories

Heidi Bucher
19 September – 9 December 2018
Parasol Unit gallery, London, UK

The art berries were visiting a couple of weeks ago the Parasol Unit in London, and discovered the work made by Heidi Bucher (1926-1993), a Swiss artist who was interested in exploring architectural space and the body through sculpture. This is apparently the first time her work is displayed in a public gallery 25 years after her death.

I really enjoyed to see the various pieces presented on both floors of this gallery, which may sound very much in tune with what I say about most art exhibitions we visit, but it must be because we choose to see good art exhibitions to bring you the best art on show.

Heidi Bücher was born in Winterthur, Switzerland, and attended the School for the Applied Arts in Zurich. She collaborated in the early 1970’s with her husband and sculptor Carl Bucher. Her early early work was mainly focused on the body and we can see some of these pieces on the screenings of films documenting her work. One of the art pieces showed on the screening is “Bodyshells” that was showcased in an exhibition at the Museum of Contemporary Crafts, now known as the Museum of Art and Design in NYC. This 8mm footage shows various figures covered in big foam costumes and moving slowly across the beach in LA. Their interaction with the surroundings changed completely when dressing like that.

However, the most impressive artworks on shows at this exhibition are the series of Bucher’s large-scale latex “Skinnings”, as she liked to call them. Bucher became more interested in the body’s relationship to space in her later work. In the mid-70s she started experimenting with a new technique, consisting in soaking gauze sheets in latex rubber and using them to cast room interiors, objects, clothing and the human body. We can see on the film projected on the small room downstairs that the peeling-off process from the original surfaces was like a performance on its own because of the physical strength required and the meaning implied.

These works present a haunting imprint of an architectural surface and the peeling-off process seems to represent a liberation from these memories.

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In contrast, the works displayed on the first-floor of the gallery are more related to impermanence and fragility. The artist reflected on concepts such as ephemerality, transformation and metamorphosis. We could see latex costume-objects such as the wings of a dragonfly on “Libellenkleid” (1976), next to which we can see The art blackberry on one of our photos below, as well as various examples of beautiful dresses that can potentially transform the wearer into someone else. Likewise the water related artwork on show on the terrace and on the ground-floor seem to be more in consonance with these notions of ephemerality.

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It is great to see her artistic process on the videos and the different avenues she used to explore the ideas that concerned her the most. All of them embodied of superb aesthetic power.


Despellejando recuerdos del pasado
Heidi Bucher
19 de septiembre – 9 de diciembre de 2018
Parasol Unit gallery, Londres, Reino Unido

The art berries estuvimos hace un par de semanas visitando la galería Parasol Unit en Londres, donde descubrimos la obra de Heidi Bucher (1926-1993), una artista suiza que estaba interesada en explorar el espacio arquitectónico y el cuerpo a través de la escultura. Aparentemente, esta es la primera vez que su trabajo se exhibe en una galería pública 25 años después de su muerte.

Me encantó ver las diversas piezas presentadas en ambos pisos de esta galería, que pueden sonar muy en sintonía con lo que digo acerca de la mayoría de las exposiciones de arte que visito, pero debe ser porque elegimos ver buenas muestras de arte para brindarte el mejor arte en exposición.

Heidi Bücher nació en Winterthur, Suiza, y asistió a la Escuela de Artes Aplicadas de Zurich. Colaboró ​​a principios de la década de 1970 con su esposo y escultor Carl Bucher. Sus primeros trabajos tempranos se centraron principalmente en el cuerpo y podemos ver algunas de estas piezas en las proyecciones de películas que documentan su trabajo.  Una de las piezas de arte que se muestran en la proyección es “Bodyshells” que se exhibió en una exposición en el Museo de Artesanía Contemporánea, ahora conocido como el Museo de Arte y Diseño en Nueva York. Este video de 8 mm muestra varias figuras cubiertas con grandes disfraces de espuma y avanzando lentamente por la playa en Los Ángeles. Su interacción con el entorno circundante cambiaba por completo al ir así vestidos.

Sin embargo, las obras de arte más impresionantes de esta exhibición son las series de látex a gran escala “Skinnings”, como a Bucher le gustaba llamarlas. Bucher se interesó más en la relación del cuerpo con el espacio en su trabajo posterior. A mediados de los años 70, comenzó a experimentar con una nueva técnica, que consistía en remojar láminas de gasa en látex y usarlas para moldear interiores de interiores, objetos, ropa y el cuerpo humano. Podemos ver en la película que se muestran en una pequeña habitación en la planta baja que el proceso de desprendimiento fue como una performance en sí misma debido a la fuerza física requerida y el significado implícito.

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Estas obras se presentan como una huella evocativa de una superficie arquitectónica y el proceso de desprendimiento parece representar una liberación de estos recuerdos.

 

 

En contraste, las obras que se muestran en el primer piso de la galería están más relacionadas con impermanencia y fragilidad. La artista reflexionó sobre conceptos como transformación y metamorfosis. Podríamos ver los disfraces de látex, como las alas de una libélula en “Libellenkleid” (1976), junto al cual podemos ver El arte blackberry en una de nuestras fotos de abajo, así como varios ejemplos de hermosos vestidos que pueden transformar el portador en otra persona. Del mismo modo, las obras de arte relacionadas con el agua que se muestran en la terraza y en la planta baja parecen estar más en consonancia con esas nociones de arte efímero.

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Es genial ver su proceso artístico en los videos y las diferentes vías que utilizó para explorar las ideas que más le interesaban. Todos ellas poseedoras de excelente poder estético.

Sculptures at the royal park

Frieze Sculpture 2018
July – 7 October
Regent’s Park, London, UK

If you live in London or you happen to pass by before the 7th October, don’t miss the “Frieze Sculpture 2018” art show there’s at the moment in Regent’s Park. You’ll see a great selection of large scale sculptures made by artists from around the world.

Regent’s Park, an English garden with a strong French influence, is for second time hosting this year’s Frieze sculpture; the perfect scenery for these sculptures. Featuring the artworks from 25 artists from five continents and presented by leading galleries the show has been on for about three months, and you still have it on for a few more days.

The art berries were there and would like to bring you a new and personal interpretation of the artworks with our photos. This is the selection I’ve done of it and I hope you enjoy it.

One of our favourites was the sculpture “No. 814” (2018) from Rana Begum (b.1977, Bangladesh). The artist created a colourful stained-glass structure that reflects the changing light and colour and creates an ever changing experience in interaction with it. And very much in line with this sculpture is the work presented by  Dan Graham (b. 1942, USA) called London Rococo (2012) that consists of a glass pavilion that becomes activated by visitors when entering it, as we The art berries did.

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We could also see a big penguin from John Baldessari (b.1931, USA) who plays with our preconceptions and represents himself as a penguin, six feet and seven inches tall. Also Tim Etchells’s (b. 1962, UK) new text-based work, “Everything is Lost”, where a loose constellation is presented against the landscape, and the phrase enacts the content of the work, where the letter are considered already lost.

I was also intrigued by Laura Ford’s (b. 1961, UK) sculpture named “Dancing Clog Girls I-III” (2015) made in bronze. It reminded me of an old fairy-tales at first sight, but with a bit of a sinister feeling, as I see some sort of roots growing from their clogs into the earth that would stop them from running away.

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And then among many others, we liked the sculpture from Kimsooja (b.1957, South Korea) called “A needle woman: Galaxy was a Memory, Earth is a Souvenir” (2014). The 14-metre-high needle woman structure uses a needle as an intersection between distance and memory threading across a cosmic scale.

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The artworks this year were selected and placed by Clare Lilley, Director of Programme, Yorkshire Sculpture Park. The full list of artists presenting sculptures this year include: Larry Achiampong, John Baldessari, Rana Begum, Yoan Capote, James Capper, Elmgreen & Dragset, Tracey Emin, Tim Etchells, Rachel Feinstein, Barry Flanagan, Laura Ford, Dan Graham, Haroon Gunn-Salie, Bharti Kher, Kimsooja, Michele Mathison, Virginia Overton, Simon Periton, Kathleen Ryan, Sean Scully, Conrad Shawcross, Monika Sosnowska, Kiki Smith, Hugo Wilson and Richard Woods.

Long live the arts in touch with nature!


Esculturas en el parque real
Escultura Frieze 2018
Julio – 7 octubre
Regent’s Park, Londres, Reino Unido

Si vives en Londres o pasas antes del 7 de octubre, no te pierdas la muestra de arte “Frieze Sculpture 2018” que hay ahora en Regent’s Park. Podrás ver una gran selección de esculturas a gran escala hechas por artistas de todo el mundo.

Regent’s Park es uno de los jardines reales de gran influencia francesa que por segunda vez alberga la escultura Frieze de este año; el escenario perfecto para estas esculturas. Con las obras de arte de 25 artistas de los cinco continentes y presentado por las principales galerías, la exposición lleva abierta durante aproximadamente tres meses y es gratis. Todavía estás a tiempo si no la has visto porque aún le quedan unos días más antes de que lo quiten.

The art berries estuvieron allí y me gustaría traerte una interpretación nueva y personal de las obras de arte con nuestra intervención. Esta es la selección que he hecho de ella y espero que la disfrutes.

Uno de nuestras favoritos fue la escultura “No. 814 ”(2018) de Rana Begum (b.1977, Bangladesh). La artista creó una colorida estructura de vidrio que refleja los cambios de luz y color y crea una experiencia siempre cambiante en la interacción con ella. Y muy en línea con esta escultura, está el trabajo presentado por Dan Graham (nacido en 1942, EE. UU.) llamado London Rococo (2012) que consiste en un pabellón de vidrio que se activa cuando los visitantes entran en el e interactuar, como hicimos nosotras, The art berries.

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También pudimos ver un gran pingüino de John Baldessari (b.1931, EE. UU.) Que juega con ideas preconcebidas y presentándose a sí mismo como un pingüino, de seis pies y siete pulgadas de alto. También el nuevo trabajo de Tim Etchells (n. 1962, Reino Unido), “Everything is Lost”, donde se presenta una constelación suelta de letras contra el paisaje, y la frase representa el contenido de la obra, donde la carta ya se considera perdida.

Entre otras, me intrigó ver la escultura de Laura Ford (n. 1961, Reino Unido) llamada “Dancing Clog Girls I-III” (2015) hecha en bronce. Me recordó a un viejo cuento de hadas a primera vista, pero me dejo una impresión un poco siniestra al ver una especie de raíces que crecen desde sus zuecos hasta la tierra y les impide moverse libremente.

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Y luego, entre muchos otros, nos gustó la escultura de Kimsooja (b.1957, Corea del Sur) llamada “Una aguja woman: La galaxia era una memoria, la Tierra es un recuerdo” (2014). La estructura de agujas de 14 metros de altura utiliza una aguja como una intersección entre la distancia y la memoria cosiendo a escala cósmica.

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Las obras de arte de este año fueron seleccionadas y colocadas por Clare Lilley, Directora de Programas, Yorkshire Sculpture Park. La lista completa de artistas que presentan esculturas este año incluye: Larry Achiampong, John Baldessari, Rana Begum, Yoan Capote, James Capper, Elmgreen & Dragset, Tracey Emin, Tim Etchells, Rachel Feinstein, Barry Flanagan, Laura Ford, Dan Graham, Haroon Gunn -Salie, Bharti Kher, Kimsooja, Michele Mathison, Virginia Overton, Simon Periton, Kathleen Ryan, Sean Scully, Conrad Shawcross, Monika Sosnowska, Kiki Smith, Hugo Wilson y Richard Woods.

¡Viva el arte en contacto con la naturaleza!

For more information on the Frieze Sculpture 2018 art exhibition check this link.

Breaking moulds in art and in life

Russian Dada 1914–1924
Museo Reina Sofia, Madrid, Spain
6 June – 22 October 2018

I was pleased to visit this art show a month ago in Madrid, Spain, at the Reina Sofia Museum; the first one I cover out of the UK.

Although the art exhibition felt a bit long because of the number of works on show, about 250, it was really comprehensive and I found it interesting to gain a good perspective of the art created by Russian avant-garde artists during this period, from 1914 to 1924. The show includes paintings, collages, illustrations, sculptures, film projections and publications, and it’s divided in three parts.

Dada or Dadaism was an art movement of the European avant-garde that developed in the early 20th century in reaction to World War I and had an early centre in Zurich. The Dada movement rejected the logic, reason and aestheticism of modern capitalist society, expressing irrationality and nonsense protest in their works.

When it comes to Russian Dada, the artworks on show here were produced at the height of Dada’s flourishing, between World War I and the death of Vladimir Lenin, who happened to be a frequent visitor to Cabaret Voltaire in Zurich, where this art movement originated. The Russian avant-gardists on show, as well as the rest of Dadaists, supported internationalism and engaged in eccentric practices and pacifist demonstrations.

The first part of the show, and also my favourite, focuses on ‘alogical’ abstraction. As I came into the show I saw photos of some of the Russian Dadaists, in a rather irreverent and playful pose. They were followed by some film projections in black and white, of which I took a snapshot and it’s on show below. One of the sculptures created in this period includes Vladimir Tatlin’s “Complex Corner-Relief” (1915), next to which you can see myself performing for the photo.

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The Art Blueberry performing next to Vladimir Tatlin’s, “Complex Corner-Relief”/”Relieve de esquina complejo” (1915).

One of the hits of this exhibition for me was to see the designs for a stage curtain of the futurist opera “Victory over the Sun” produced by Malevich in 1913 which led him to create his well know “Black Square” in 1915. We cannot see the “Black Square” here, but we can see a design for the curtain for the opera Victory over the Sun and some other variants of it including white squares that are brilliant too.

Kasimir Malevich, “Design for the curtain of the opera Victory over the Sun”/ “Diseño para el telón de la ópera Victoria sobre el Sol” – left/izq.
The Art Blueberry performing next to Malevich’s work.

Aleksei Morgunov was quoted within the show saying: “In 1914-15 Malevich and I decided that practically all forms of development of the painterly principles that had gone along the trajectory of negation of the created forms, logically brought us to a blank canvas. Our task then to create new forms that have a character of elementary geometric forms. One of such forms was a square.”

Olga Rozanova, “In the Street”/ “En la calle” (1915) – left/izquierda
Aleksei Morgunov, “Composition no. 1″/ “Composición n. 1” – right/derecha.

In collaboration with the musician Mikhail Matyushin and the poet Aleksei Kruchenykh, Malevich did a manifesto calling for the rejection of rational thought. They wanted to change the established systems of Western society. In the opera Victory over the Sun, the characters aimed to abolish reason by capturing the sun and destroying time. Malevich called this Suprematism, and this new movement is all about the supremacy of colour and shape in painting. 

The second section spans the period from 1917 to 1924, from the victory of the Russian Revolution to the death of Vladímir Lenin, touching notions like Internationalism. Malevich’s Suprematism had a strong influence in his contemporaries.  

As such, Sofia Dymshits-Tolstaia said on a testimony: “I came to Vitebsk after the October celebrations, but the city still glowed from Malevich’s decorations- of circles, squares, dots, lines of different colours…I felt like I was in a bewitched city, at the time everything was powerful and wonderful.”

We can see Malevich’s influence on Morgunov’s design for the cover of the journal ‘The International of Art’, and on “The New Man” from Litsitzki on show below.

Aleksei Morgunov, Unpublished cover of the journal The International of Art, 1919 / Portada inedita de la revista Internacional de arte – left/izq.
El Lisitzski, “The New Man”/ “El hombre nuevo” (1920-1923) – right/dcha.

The final section explores the connections between Russia and two of the main Dada centres, Paris and Berlin, with works from Russian artists in those two cities and the presence of artists like Lissitsky in Berlin, and Sergei Sharshun and Ilia Zdanevich in Paris.

The nihilistic zeitgeist that followed the Great War originated Dada, and the Marxism of the Russian Revolution agreed in principle with their ideals. The artists often pushed the Dadaesque into Russian mass culture, in the form of absurdist and chance-based designs. Their goal was to cause the death of art. But, failing to do that, they mostly became artists who managed to break moulds and created great works of art.


Rompiendo moldes en la vida y el arte
Dada ruso 1914-1924
Museo Reina Sofia, Madrid, España
6 de junio – 22 de octubre de 2018

Me gustó visitar esta exposición de arte hace un mes en Madrid, España, en el Museo Reina Sofía; el primero que cubro fuera del Reino Unido.

Aunque la exposición me pareció un poco larga debido a la cantidad de obras expuestas, alrededor de 250, fue bastante exhaustiva y me pareció interesante lograr una buena perspectiva del arte creado por los artistas vanguardistas rusos durante este período, de 1914 a 1924. La muestra incluye pinturas, collages, ilustraciones, esculturas, proyecciones de películas y publicaciones, y está dividido en tres partes.

Dada o Dadaism fue un movimiento de arte de la vanguardia europea que se desarrolló a principios del siglo XX en reacción a la Primera Guerra Mundial y tuvo un centro temprano en Zurich. El movimiento Dada rechazó la lógica, la razón y el esteticismo de la sociedad capitalista moderna, expresando irracionalidad y protestas absurdas en sus obras.

En lo que respecta al Dada ruso, las obras expuestas aquí se produjeron en el apogeo del florecimiento de Dada, entre la Primera Guerra Mundial y la muerte de Vladimir Lenin, que solía frecuentar el Cabaret Voltaire en Zurich, donde se originó este movimiento artístico.  Los dadaístas rusos en exposición, así como el resto de los dadaístas, apoyaron el internacionalismo y se involucraron en prácticas excéntricas y manifestaciones pacifistas.

La primera parte de la exposición, y también mi favorita, se centra en la abstracción ‘alógica’. Al entrar en la muestra, se pueden ver fotos de algunos de los dadaístas rusos, en una actitud bastante irreverente. En la siguiente sala hay algunas proyecciones de películas en blanco y negro, de las cuales también tomé una instantánea que se muestra a continuación. Una de las esculturas creadas en este período incluye “Relieve de esquina complejo“ de Vladimir Tatlin (1915), junto a la cual puedes verme posando para la foto.

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The Art Blueberry performing next to Vladimir Tatlin’s, “Complex Corner-Relief”/”Relieve de esquina complejo” (1915).

Uno de los éxitos de esta exposición para mí fue ver los diseños del telón de escenario de la ópera futurista “Victoria sobre el sol”, producida por Malevich en 1913, que le llevó a crear su bien conocido “Black Square“ en 1915. No podemos ver la obra “Black Square” aquí, pero podemos ver un diseño para el telón de la ópera Victoria sobre el Sol y algunas otras variantes, incluyendo cuadros blancos y negros que me parecen estupendos. Se me puede ver posando junto a uno de ellos a continuación.

Kasimir Malevich, “Design for the curtain of the opera Victory over the Sun”/ “Diseño para el telón de la ópera Victoria sobre el Sol” – left/izq.
The Art Blueberry performing next to Malevich’s work.

Aleksei Morgunov fue citado dentro de la exposición diciendo: “En 1914-15, Malevich y yo decidimos que prácticamente todas los principios pictóricos que habían evolucionado a través de la negación de las formas anteriores nos conducían necesariamente al lienzo vacío. Nuestra tarea entonces consistía en crear formas nuevas que conservaran el carácter de las formas geométricas elementales. Una de esas formas era el cuadrado “.

Olga Rozanova, “In the Street”/ “En la calle” (1915) – left/izquierda
Aleksei Morgunov, “Composition no. 1″/ “Composición n. 1” – right/derecha.

En colaboración con el músico Mikhail Matyushin y el poeta Aleksei Kruchenykh, Malevich hizo un manifiesto llamando al rechazo del pensamiento racional. Querían cambiar los sistemas establecidos de la sociedad occidental. En la ópera “Victoria sobre el Sol”, los personajes intentaron abolir la razón capturando el sol y destruyendo el tiempo. Malevich llamó a esto Suprematismo, y este nuevo movimiento tiene que ver con la supremacía del color y la forma en la pintura.

La segunda sección abarca el período comprendido entre 1917 y 1924, desde la victoria de la Revolución Rusa hasta la muerte de Vladímir Lenin, que frecuentó Cabaret Voltaire en Zurich, tocando nociones como el internacionalismo. El suprematismo de Malevich tuvo una fuerte influencia en sus contemporáneos.

Como tal, Sofia Dymshits-Tolstaia dijo en un testimonio: “Llegué a Vitebsk después de las celebraciones de Octubre, pero la ciudad aún brillaba por las decoraciones de Malevich: círculos, cuadrados, puntos y líneas de diferentes colores … Sentí que me encontraba en una ciudad embrujada, en ese momento todo era posible y maravilloso.”

Podemos ver esta influencia de Malevich en el diseño de Morgunov para la portada de la revista ‘The International of Art’, y en ‘The New Man’ de Litsitzki que se muestra a continuación.

Aleksei Morgunov, Unpublished cover of the journal The International of Art, 1919 / Portada inedita de la revista Internacional de arte – left/izq.
El Lisitzski, “The New Man”/ “El hombre nuevo” (1920-1923) – right/dcha.

La sección final explora las conexiones entre Rusia y dos de los principales centros Dada, París y Berlín, con obras de artistas rusos en esas dos ciudades y la presencia de artistas como Lissitsky en Berlín y Sergei Sharshun e Ilia Zdanevich en París.

El espíritu de la época nihilista que siguió a la Gran Guerra originó a Dadá y el marxismo de la Revolución rusa comulgaba en principio con sus ideales. Los artistas a menudo empujaban al dadaismo hacia la cultura de masas rusa, con forma de diseños absurdos y basados ​​en el azar. Su objetivo era causar la muerte del arte. Pero, al no hacer eso, en su mayoría se convirtieron en artistas que consiguieron romper moldes y crear grandes obras de arte.