past art exhibition – The art berries

This is an art exhibition I saw months ago, but nonetheless I’d like to talk about it briefly here, since it’s from one of my favourite British artists, Rachel Whiteread. I’ve covered an art show she had at Tate Britain a few years ago. See here.

For the past forty years, Whiteread has made artworks using the method of casting with different materials and at different scales to explore traces of corporeal presence and reveal the negative spaces of common objects. However, for her major artworks in this exhibition (see Photo 1 below), Whiteread has replaced casting in favour of building original objects out of found wood and metal, which she over paints in white. The result was interesting to see, but to me it was as if these works had lost the essence of what she used to make with the recreation of negative spaces, the inner world of objects.

Having said that, I appreciate when artists explore new avenues to express themselves and communicate with their audiences. That’s what I understood about her artistic trajectory after watching the video available on the Gagosian gallery website, in which she talks about her work for this art exhibition with Iwona Blazwick, director of the Whitechapel Gallery in London. Both ladies reflect on the different qualities of Whiteread’s work. Her previous works were solid and impermeable, whereas her new ones are permeable and seem to be taken out of a catastrophic event. For the latest artworks, Whiteread has been using rubbish, different found objects, pieces of wood, etc. and has repurposed them. Her new structures have resilience.

We could also see other artworks in the exhibition more in consonance with her previous working process, like the pink and blue flags made out of papier-mâché, cast from corrugated iron (see Photo 2 below). The papier-mâché obtained from her children’s school books. Again re-purposing things from detritus and giving them a new life. I really liked the aesthetic qualities of these works as well as the other impressions on cardboard (see Photo 4 below), where she used first cardboard, then wax and finally bronze; the former pieces showed what’s left behind after a flood.

It seems that the contrast between her old and new works is well represented by the foundational works discussed on the video. “The baptism of Christ” by Piero della Francesca, and “The raft of the Medussa” by Théodore Géricault. The first one offers a view of serenity and calmness like the feeling I get from Whiteread’s previous works casting objects, while the second one offers a view of the sublime and catastrophe, more in relation to her latest works that appear to be overtaken by a sense of violence. Despite all our attempts to destroy nature as human beings, it always survive. It is humble and yet it survives, which gives me a feeling of hope.

Finally, just to mention that on the video we can also listen to Mark Waldron reciting his poem “In a wayward place,” and Max Richter performing “Origins (Solo)”, and original composition for solo piano from his 2021 album. Both performances worth to be listened to.

La naturaleza siempre sobrevive
Rachel Whiteread
Internal Objects
12 de abril – 6 de junio de 2021
Galería Gagosian, Grosvenor Hill, Londres, Reino Unido.

Esta es una exposición de arte que ví hace meses, pero no obstante, me gustaría hablar de ella brevemente aquí por ser una de mis artistas británicas favoritas, Rachel Whiteread. Cubrí una exposición de arte que tuvo en la Tate Britain hace unos años. Mira aquí.

Durante los últimos cuarenta años, Whiteread ha realizado obras de arte utilizando el método de fundición con diferentes materiales y a diferentes escalas para explorar rastros de presencia corporal y revelar los espacios negativos de objetos comunes. Sin embargo, para sus principales obras de arte en esta exposición (mira Photo 1 debajo), Whiteread ha reemplazado la fundición a favor de construir objetos originales de madera y metal encontrados que pinta en blanco. El resultado fue interesante de ver, pero para mí fue como si estas obras hubieran perdido la esencia de lo que ella solía hacer con la recreación de espacios negativos, el mundo interior de los objetos.

Habiendo dicho eso, aprecio cuando los artistas exploran nuevas vías de expresión y comunicación con su público. Eso es lo que entendí de su trayectoria artística tras ver el vídeo disponible en la web de la galería Gagosian, en la que habla de su trabajo para esta exposición de arte con Iwona Blazwick, directora de la Whitechapel Gallery de Londres. Ambas mujeres reflexionan sobre las diferentes cualidades del trabajo de Whiteread. Sus trabajos anteriores eran sólidos e impermeables, mientras que los nuevos son permeables y parecen sacados de un evento catastrófico. Para las últimas obras de arte, Whiteread ha estado usando basura, diferentes objetos encontrados, trozos de madera, etc. y los ha reutilizado. Sus nuevas estructuras tienen resiliencia.

También pudimos ver otras obras de arte en la exposición más en consonancia con el proceso de trabajo anterior, como las banderas rosa y azul hechas de papel maché (mira Photo 2 debajo), fundido en hierro corrugado. El papel maché obtenido de los libros escolares de sus hijos. Nuevamente reutilizando las cosas de los detritos y dándoles una nueva vida. Me gustaron mucho las cualidades estéticas de estas obras así como las demás impresiones sobre cartón (mira Photo 4 debajo), donde utilizó primero cartón, luego cera y finalmente bronce; las primeras piezas mostraban lo que quedaba tras una inundación.

Parece que el contraste entre sus obras antiguas y nuevas está bien representado por las obras fundamentales discutidas en el video. “El bautismo de Cristo” de Piero della Francesca, y “La balsa de la Medussa” de Théodore Géricault. La primera ofrece una mirada de serenidad y tranquilidad como la mostrada en sus anteriores trabajos de fundición de objetos, y la segunda ofrece una visión de lo sublime y de catástrofe, más en relación con sus últimos trabajos que parecen estar poseídos por un sentimiento de violencia. A pesar de todos nuestros intentos de destruir la naturaleza como seres humanos, ella siempre sobrevive. Es humilde y, sin embargo, sobrevive, lo cual me aporta un sentimiento de esperanza.

Finalmente, solo mencionar que en el video también podemos escuchar a Mark Waldron recitando su poema “In a wayward place” y Max Richter interpretando “Origins (Solo)”, y composición original para piano solo de su álbum de 2021. Ambas actuaciones merecen ser escuchadas.

This was a very popular art exhibition at the Tate Modern in London last summer and autumn and, although I couldn’t find the time to write about it while it was on, I believe that Olafur Eliasson is one of the best artists working nowadays, so I wouldn’t like to miss it here.

As we went into the exhibition space, the first room we entered was a model room. In dim light, he presented around 450 models, prototypes and geometric studies behind a glass. All of them are a record of his work with a studio team and with Icelandic artist, mathematician and architect Einar Thorsteinn (1942-2015). Some of these shapes can be recognised on Eliasson’s sculptures and pavilions. I was mesmerised by the different shapes, textures and materials employed by the artist here. Among the materias on display were paper, wood, rubber balls, Lego and wire. I would’ve liked to shrink and immerse myself in this magical landscape! See a small view of the models below.

The following room displayed his earliest works. Here, it can be appreciated the interest of the artist in nature and the weather. My favourite piece in this room was “Moss wall” (1994), a huge abstract work made of Scandinavian reindeer lichen that served to bring an unexpected material from nature into the space of the gallery. The texture and colour of this work captivated me and kept me staring at it for some time; there was so much detail to appreciate from it! It was like going back to nature, but within a sheltered space.

Then, we could see the use the artist does of kaleidoscopes, which he’s been making since the mid-1990s. For Eliasson this is not just a playful toy, but also as a way to reconfigure what you see. He merges inside and outside space and dissolves the boundary between the gallery and the outside world. The art blackberry can be seen in a worship position underneath one of them.

As we continued watching the art exhibition, we came across his glacial works. Visiting Iceland in his childhood made the artist very close to the global warming plight after seeing its glaciers melt in first hand. He documented this with a series of photographs he started taking in 1999 and finished in 2019, twenty years later. The changes in the landscape can be clearly appreciated.

In addition, there were other references to the changing environment like in “Glacial currents” (2018), where pieces of glacial ice were placed on top of washes of colour pigment (see image below) or in a bronze cast from 2019 called “The presence of absence pavilion”, which makes visible the empty space left by a glacial ice chunk after melting away. An Australian friend collaborate with us as a Guest berry in these photos and her hand can be seen through this artwork below.

Finally, another one of Eliasson’s projects around this subject was “Ice Watch”, staged in front of Tate Modern in 2018 and consisting of ice blocks brought from Greenland to offer a direct experience of seeing the ice from the Artic melt. The ice was fished out of a fjord in Greenland after becoming detached from the ice sheet. As a result of global warming more icebergs are produced causing the sea levels to rise.

Olafur Eliasson is a Danish-Icelendic artist, whose body of work includes sculptures, large-scale installations, photography and paintings. He uses all sort of materials ranging from moss, glacial melt-water, light, fog and even air temperature to enhance the viewer’s experience. His main interests revolve around nature, geometry and his ongoing investigations into how we perceive, feel and shape the world around us. Hence, the audiences experience at his art shows are so much at the centre of attention of his art.

Ultimately, he believes that art can have a strong impact on the world outside the museum, and I personally agree with this view. In fact, Eliasson runs a studio in Berlin with technicians, architects, archivists, art historians, designers, filmmakers, cooks, and administrators, and he collaborates with all sort of professionals to work in matters such as sustainable energy or climate change. As an artist he’s got a strong will to change perceptions towards the environment and to achieve a more sustainable planet, and if more people had the same concerns, the world would be a better place to live in.

Cambiando percepciones

Olafur Eliasson
En la vida real
11 de julio de 2019 – 5 de enero de 2020
Tate Modern, Londres, Reino Unido.

Esta fue una exposición de arte muy popular en la Tate Modern de Londres el verano y otoño pasados y, aunque no encontré tiempo para escribir sobre ella mientras estaba abierta, creo que Olafur Eliasson es uno de los mejores artistas trabajando hoy día, así que no quiero dejar de cubrirla aquí.

Cuando entramos en la exposición, la primera sala con la que nos topamos fue una sala de maquetas. Con poca luz, se presentaban alrededor de 450 maquetas, prototipos y estudios geométricos detrás de un vidrio. Todas ellas son un registro de su trabajo con un equipo de su estudio y con el artista, matemático y arquitecto islandés Einar Thorsteinn (1942-2015). Algunas de estas formas se pueden reconocer en las esculturas e instalaciones de Eliasson. Me quedé fascinada con las diferentes formas, texturas y materiales empleados por el artista. Entre los materiales había papel, madera, bolas de goma, Lego y alambre. Me hubiera gustado encogerme para sumergirme en este paisaje mágico! Puedes ver una pequeña imagen de las maquetas debajo.

La siguiente sala exhibió sus primeros trabajos. Aquí, se reflejaba el interés del artista en la naturaleza y el clima. Mi pieza favorita en esta sala fue “Moss wall” (1994), una gran obra abstracta hecha de liquen de reno escandinavo que sirvió para llevar un material inesperado de la naturaleza al espacio de la galería. La textura y el color de este trabajo me cautivaron y me mantuvieron mirándolo por algún tiempo; ¡había tantos detalles que apreciar! Era como volver a la naturaleza, pero dentro de un espacio protegido.

Más adelante pudimos ver el uso que el artista hace de los caleidoscopios, que ha estado haciendo desde mediados de la década de 1990. Para Eliasson, este no es solo un juguete lúdico, sino también una forma de reconfigurar lo que ves. Fusiona el espacio interior y exterior y disuelve el límite entre la galería y el mundo exterior. The art blackberry se puede ver en una posición de adoración debajo de uno de ellos a continuación.

A medida que avanzamos por la exposición de arte, nos encontramos con sus obras glaciales. Visitar Islandia en su infancia hizo que el artista se acercara mucho a la difícil situación del calentamiento global después de ver cómo se derritieron sus glaciares de primera mano. Lo documentó con una serie de fotografías que comenzó a tomar en 1999 y terminó en 2019, veinte años después. Los cambios en el paisaje se pueden apreciar claramente.

Además, hubo otras referencias al entorno cambiante como en “Corrientes glaciales” (2018), donde se colocaron trozos de hielo glacial sobre lavados de pigmento de color (ver imagen a continuación) o en un molde de bronce de 2019 llamado “The presencia del pabellón de ausencia ”, que hace visible el espacio vacío dejado por un trozo de hielo glacial después de derretirse. Una amiga australiana visitando Londres colabora con nosotras como Guest berry y puede verse su mano a través de esta obra abajo.

Finalmente, otro de los proyectos de Eliasson en torno a este tema fue “Ice Watch”, organizado frente a Tate Modern en 2018 y consistente en bloques de hielo traídos de Groenlandia para ofrecer una experiencia directa de ver el deshielo del Artico. El hielo fue sacado de un fiordo en Groenlandia después de separarse de la capa de hielo. Como resultado del calentamiento global, se producen más icebergs que provocan el aumento del nivel del mar.

Olafur Eliasson es un artista danés-islandés, cuyo trabajo incluye esculturas, instalaciones a gran escala, fotografía y pinturas. Utiliza todo tipo de materiales, desde musgo, agua de deshielo glacial, luz, niebla e incluso temperatura del aire para mejorar la experiencia del espectador. Sus principales intereses giran en torno a la naturaleza, la geometría y sus continuas investigaciones sobre cómo percibimos, sentimos y damos forma al mundo que nos rodea. Por lo tanto, la experiencia del público en sus exposiciones de arte está en el centro de atención de su arte.

Finalmente, él cree que el arte puede tener un fuerte impacto en el mundo fuera del museo, y personalmente estoy de acuerdo con esta opinión. De hecho, Eliasson dirige un estudio en Berlín con técnicos, arquitectos, archiveros, historiadores del arte, diseñadores, cineastas, cocineros y administradores, y colabora con todo tipo de profesionales para trabajar en asuntos como la energía sostenible o el cambio climático. Como artista, tiene una gran voluntad de cambiar las percepciones sobre el medio ambiente y lograr un planeta más sostenible, y si más personas tuvieran las mismas preocupaciones, el mundo sería un lugar mejor para vivir.