Tracey Emin: A Second Life
Tate Modern, Londres, Reino Unido
27 de febrero – 31 de agosto de 2026
Entrar en la exposición de Tracey Emin en Tate Modern se parece menos a entrar en una retrospectiva que en un paisaje psicológico expuesto. La atmósfera es cruda, íntima y emocionalmente intensa, con visitantes recorriendo las galerías absorbidos por obras que rechazan cualquier distancia o desapego.
Antiguamente considerada la “enfant terrible” de los Young British Artists, Emin es conocida por una práctica autobiográfica y confesional que abarca pintura, dibujo, vídeo, textil, neón, escultura e instalación. Elegida miembro de la Royal Academy en 2016, simboliza el punto álgido de los años noventa, con sus excesos e intensidad, aunque esta exposición no gira en torno a eso. Trata de cómo ha expuesto su vida, se ha mostrado sin reservas y ha empujado a los espectadores a enfrentarse a sus propias emociones en el proceso.
A Second Life es la exposición más significativa de la carrera de Emin, y recorre los acontecimientos vitales que marcaron su transformación. Entre las primeras obras se encuentran Tracey Emin CV (1995), una narración en primera persona de su vida hasta ese momento, y el conmovedor vídeo Why I Never Became A Dancer (1995), en el que relata episodios traumáticos de su adolescencia en Margate. También se incluyen obras de su primera exposición individual en White Cube, My Major Retrospective 1982–93, compuesta por fotografías de pinturas de la escuela de arte que destruyó tras un aborto.
Ese aborto aparece abordado en una de las obras cinematográficas más impactantes que he visto en años. Emin habla del sufrimiento que atravesó, de cómo fue tratada después, de la infección que sufrió y de su experiencia cercana a la muerte. Los visitantes llenaban la sala, incapaces de marcharse antes de escuchar el relato completo. En la siguiente estancia, una pulsera hospitalaria y un pequeño frasco de ácido mefenámico aparecen junto a una vitrina con zapatos infantiles. El aborto fue un acontecimiento sísmico que lo cambió todo. Destruyó sus pinturas, se encerró en un estudio durante tres semanas y media y empezó de nuevo desde cero. Ese estudio se recrea aquí, cubierto de pinturas garabateadas, latas vacías de cerveza y ropa sucia.
Los quilts, las películas y las instalaciones son las obras más célebres, pero la exposición también está llena de pintura. Autorretratos fragmentados en colores viscerales, algunos cubiertos de textos diarísticos fragmentarios, la muestran sangrando, rota en la cama o frágil al borde del colapso. Pueden resultar repetitivos, pero están entre mis favoritos. La escultura se siente primaria e inacabada, y resulta menos convincente que las pinturas y las obras cinematográficas que la rodean. My Bed, la infame obra presentada al Turner Prize en 1999, está presente, aunque otras piezas aquí resultan mucho más conmovedoras.
Emin ha dicho que lo peor del mundo es sentirse insensible. Se la ha descrito como artista confesional y, en ocasiones, la exposición puede parecer egocéntrica. Sin embargo, en una entrevista con Maria Balshaw rechazó por completo la etiqueta de confesional. No estaba confesándose, dijo, sino tratando de desentrañarlo todo y comprender de dónde provenía. Su experiencia con el cáncer, cirugía y discapacidad atraviesa las obras posteriores, tratada no como sufrimiento privado, sino como algo colectivo, ofrecido como forma de comprender otras vidas. Ha hablado de una fortaleza en esta segunda vida que no tenía antes.
La exposición culmina en grandes pinturas que, pese al dolor todavía presente, apuntan hacia algo más trascendente y espiritual, una determinación de vivir plenamente el presente.
Por encima de todo, la exposición revela el poder duradero de las obras emocionalmente expuestas para atraer al público, no a través del espectáculo o de la opacidad intelectual, sino mediante la conexión humana. En un momento cultural cada vez más marcado por la mediación digital y la cultura generada por IA, la obra de Emin insiste en algo más desordenado, inestable e inequívocamente humano.
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