Gagosian gallery – The art berries

Nature always survives

Rachel Whiteread
Internal Objects
April 12 – June 6, 2021
Gagosian gallery, Grosvenor Hill, London, UK

This is an art exhibition I saw months ago, but nonetheless I’d like to talk about it briefly here, since it’s from one of my favourite British artists, Rachel Whiteread. I’ve covered an art show she had at Tate Britain a few years ago. See here.

For the past forty years, Whiteread has made artworks using the method of casting with different materials and at different scales to explore traces of corporeal presence and reveal the negative spaces of common objects. However, for her major artworks in this exhibition (see Photo 1 below), Whiteread has replaced casting in favour of building original objects out of found wood and metal, which she over paints in white. The result was interesting to see, but to me it was as if these works had lost the essence of what she used to make with the recreation of negative spaces, the inner world of objects.

Having said that, I appreciate when artists explore new avenues to express themselves and communicate with their audiences. That’s what I understood about her artistic trajectory after watching the video available on the Gagosian gallery website, in which she talks about her work for this art exhibition with Iwona Blazwick, director of the Whitechapel Gallery in London. Both ladies reflect on the different qualities of Whiteread’s work. Her previous works were solid and impermeable, whereas her new ones are permeable and seem to be taken out of a catastrophic event. For the latest artworks, Whiteread has been using rubbish, different found objects, pieces of wood, etc. and has repurposed them. Her new structures have resilience.

We could also see other artworks in the exhibition more in consonance with her previous working process, like the pink and blue flags made out of papier-mâché, cast from corrugated iron (see Photo 2 below). The papier-mâché obtained from her children’s school books. Again re-purposing things from detritus and giving them a new life. I really liked the aesthetic qualities of these works as well as the other impressions on cardboard (see Photo 4 below), where she used first cardboard, then wax and finally bronze; the former pieces showed what’s left behind after a flood.

It seems that the contrast between her old and new works is well represented by the foundational works discussed on the video. “The baptism of Christ” by Piero della Francesca, and “The raft of the Medussa” by Théodore Géricault. The first one offers a view of serenity and calmness like the feeling I get from Whiteread’s previous works casting objects, while the second one offers a view of the sublime and catastrophe, more in relation to her latest works that appear to be overtaken by a sense of violence. Despite all our attempts to destroy nature as human beings, it always survive. It is humble and yet it survives, which gives me a feeling of hope.

Finally, just to mention that on the video we can also listen to Mark Waldron reciting his poem “In a wayward place,” and Max Richter performing “Origins (Solo)”, and original composition for solo piano from his 2021 album. Both performances worth to be listened to.

La naturaleza siempre sobrevive
Rachel Whiteread
Internal Objects
12 de abril – 6 de junio de 2021
Galería Gagosian, Grosvenor Hill, Londres, Reino Unido.

Esta es una exposición de arte que ví hace meses, pero no obstante, me gustaría hablar de ella brevemente aquí por ser una de mis artistas británicas favoritas, Rachel Whiteread. Cubrí una exposición de arte que tuvo en la Tate Britain hace unos años. Mira aquí.

Durante los últimos cuarenta años, Whiteread ha realizado obras de arte utilizando el método de fundición con diferentes materiales y a diferentes escalas para explorar rastros de presencia corporal y revelar los espacios negativos de objetos comunes. Sin embargo, para sus principales obras de arte en esta exposición (mira Photo 1 debajo), Whiteread ha reemplazado la fundición a favor de construir objetos originales de madera y metal encontrados que pinta en blanco. El resultado fue interesante de ver, pero para mí fue como si estas obras hubieran perdido la esencia de lo que ella solía hacer con la recreación de espacios negativos, el mundo interior de los objetos.

Habiendo dicho eso, aprecio cuando los artistas exploran nuevas vías de expresión y comunicación con su público. Eso es lo que entendí de su trayectoria artística tras ver el vídeo disponible en la web de la galería Gagosian, en la que habla de su trabajo para esta exposición de arte con Iwona Blazwick, directora de la Whitechapel Gallery de Londres. Ambas mujeres reflexionan sobre las diferentes cualidades del trabajo de Whiteread. Sus trabajos anteriores eran sólidos e impermeables, mientras que los nuevos son permeables y parecen sacados de un evento catastrófico. Para las últimas obras de arte, Whiteread ha estado usando basura, diferentes objetos encontrados, trozos de madera, etc. y los ha reutilizado. Sus nuevas estructuras tienen resiliencia.

También pudimos ver otras obras de arte en la exposición más en consonancia con el proceso de trabajo anterior, como las banderas rosa y azul hechas de papel maché (mira Photo 2 debajo), fundido en hierro corrugado. El papel maché obtenido de los libros escolares de sus hijos. Nuevamente reutilizando las cosas de los detritos y dándoles una nueva vida. Me gustaron mucho las cualidades estéticas de estas obras así como las demás impresiones sobre cartón (mira Photo 4 debajo), donde utilizó primero cartón, luego cera y finalmente bronce; las primeras piezas mostraban lo que quedaba tras una inundación.

Parece que el contraste entre sus obras antiguas y nuevas está bien representado por las obras fundamentales discutidas en el video. “El bautismo de Cristo” de Piero della Francesca, y “La balsa de la Medussa” de Théodore Géricault. La primera ofrece una mirada de serenidad y tranquilidad como la mostrada en sus anteriores trabajos de fundición de objetos, y la segunda ofrece una visión de lo sublime y de catástrofe, más en relación con sus últimos trabajos que parecen estar poseídos por un sentimiento de violencia. A pesar de todos nuestros intentos de destruir la naturaleza como seres humanos, ella siempre sobrevive. Es humilde y, sin embargo, sobrevive, lo cual me aporta un sentimiento de esperanza.

Finalmente, solo mencionar que en el video también podemos escuchar a Mark Waldron recitando su poema “In a wayward place” y Max Richter interpretando “Origins (Solo)”, y composición original para piano solo de su álbum de 2021. Ambas actuaciones merecen ser escuchadas.

Marvellous evocative sculptures

Cy Twombly
Sculpture
30 September – 21 December, 2019
Gagosian, Grosvenor Hill, London

This is a past art exhibition there was at the Gagosian art gallery in London at the end of last year. I’d like to talk about it here because I didn’t have the time to do it while it was on and I really like this artist.

As we came into the gallery, we were surrounded by multiple sculpture pieces spread all over the two main gallery spaces. Many of Twombly’s sculptures are coated in white paint and are evocative of classical sculptures, where white is his “marble”. Some of them allude to architecture, geometry, and Egyptian and Mesopotamian statuary, as in the rectangular pedestals and circular structures.

Twombly made these sculptures on show out of found materials such as plaster, wood and iron. They are mostly modest in scale and can be easily associated to his paintings. The white paint over these materials gives them a very interesting texture that even tempted me to touch them.

As well as his paintings, the sculptures evoke narratives from antiquity and fragments of literature and poetry. However, as the artist said in an interview with David Sylvester for his exhibition at Kunstmuseum Basel in 2000, the demands of making sculpture were very different from those of painting. “[Sculpture is] a whole other state. And it’s a building thing. Whereas the painting is more fusing—fusing of ideas, fusing of feelings, fusing projected on atmosphere.” It seems to me that he envisioned sculpture more like a LEGO figure, whereas painting was more like a recipe in which you mix different ingredients to create a new dish.

Apart from the white sculptures, we came across others colours. A few of the sculptures were pink and we found that it was the perfect tone of pink for my colleague, The art blackberry, to interact with the artworks because she was wearing a coat with the same pink. The aesthetical qualities of these pictures can be appreciated below.

I hope we get to see a new art show on Cy Twombly’s painting or sculpture soon. I enjoyed looking at his sculptures, but I always enjoy his paintings more because they have more readings to me. But, of course, this is a personal preference you may not agree with. The last Twombly’s art show I really enjoyed was back in 2011 at the Dulwich Picture Gallery, where he was exhibited alongside Poussin, an artist deeply admired by him.

Maravillosas esculturas evocadoras

Cy Twombly
Escultura
30 de septiembre – 21 de diciembre de 2019
Gagosian, Grosvenor Hill, Londres

Esta es una exposición de arte pasada que hubo en la galería Gagosian en Londres a finales del año pasado. Me gustaría hablar sobre ella aquí, porque no tuve tiempo de hacerlo mientras estaba abierta, y me gusta este artista.

Según entramos en la galería, nos sentimos rodeadas de múltiples piezas de escultura repartidas por los dos espacios principales de la galería. Muchas de las esculturas de Twombly están recubiertas de pintura blanca, y evocan esculturas clásicas donde el blanco es su “mármol”. Algunas de ellas aluden a la arquitectura, la geometría y las estatuas egipcias y mesopotámicas, como en los pedestales rectangulares y las estructuras circulares.

Twombly hizo estas esculturas en exposición con materiales encontrados como yeso, madera y hierro. En su mayoría son de escala modesta y se pueden asociar fácilmente a sus pinturas. La pintura blanca sobre estos materiales les da una textura muy interesante que parece invitarnos a tocarlas.

Además de sus pinturas, las esculturas evocan narrativas de la antigüedad y fragmentos de literatura y poesía. Sin embargo, como dijo el artista en una entrevista con David Sylvester para su exposición en el Kunstmuseum Basel en 2000, las demandas de hacer esculturas eran muy diferentes de las de la pintura. “[La escultura es] un estado completamente diferente. Tiene que ver con construcción. Mientras que la pintura se fusiona más: fusión de ideas, fusión de sentimientos, fusión proyectada en la atmósfera “. Parece que imaginó la escultura más como una figura de LEGO, mientras que la pintura era más como una receta donde se mezclan diferentes ingredientes para crear un nuevo plato.

Además de las esculturas blancas, encontramos otros colores. Algunas de las esculturas eran de color rosa y descubrimos que era el tono rosado perfecto para mi colega, The art blackberry, para interactuar con las obras de arte porque llevaba un abrigo del mismo color rosa. Las cualidades estéticas de estas imágenes se pueden apreciar a continuación.

Espero que podamos ver una nueva muestra de arte de pintura o escultura de Cy Twombly pronto. Disfruté viendo sus esculturas, pero siempre disfruto más de sus pinturas porque tienen más lecturas para mí. Por supuesto, esto es una preferencia personal con la que puedes no estar de acuerdo. La última muestra de arte de Twombly que realmente disfruté fue en 2011 en la Dulwich Picture Gallery, donde fue expuesto junto a Poussin, un artista profundamente admirado por Twombly.

The struggle in all artistic pursuits

Franz West
Sisyphos sculptures
Gagosian, Davies Street, London, UK
June 8 – July 27, 2018

In Greek mythology Sisyphus or Sisyphos was the first king of Ephyra, who was punished by Zeus for his deceitfulness and proudness and forced to roll a heavy boulder up a steep hill, only for it to roll down when it nears the top, repeating this action for eternity.

The last art exhibition there was at the Gagosian in Davies Street, London, by Franz West (Vienna, 1947 – Vienna, 2012) referred to the myth told above. The show ended last week, so you’ll have to see these artworks somewhere else they travel to. But, I wanted to share them with you nevertheless, because I think that the sculptures are beautiful and I like the photos we did when we performed at the art space.

Belonging to a generation of artists exposed to the Actionist and Performance Art of the 1960s and 70s, Franz West rejected the idea of a passive relationship between artwork and viewer. He investigated the dichotomy between private and public, action and reaction, both in and outside the gallery, and used everyday materials and imagery to examine art’s relation to social experience.

The Sisyphus myth the artist referred to with this show at the Gagosian gallery is an exploration of the unrelenting frustration of the creative process, the struggle involved in all artistic pursuits that artists and creative people in general are so familiar with.

Franz West unconventional sculpures often require an involvement of the audience, so they are the perfect example of artworks The art berries like to perform with. The ones where the artist encourages the interaction and don’t see our performance as an interference in their work. Having said that, I do believe that everyone should be free to interact with art and enjoy the arts as they please, as long as the artworks are respected. And that is indeed one of the missions of The art berries project.

For the photos displayed here we played with the notions of hide and exposure frequently touched by the artist in his career. Also by lying on the floor, we seem to be resting from the Sisyphean creative struggle. Only for a moment!

La lucha en todas las actividades artísticas

Franz West
Esculturas de Sísifo
Gagosian, Davies Street, Londres, Reino Unido
8 de junio – 27 de julio de 2018

En la mitología griega, Sísifo o Sisyphos fue el primer rey de Ephyra, que fue castigado por Zeus por su comportamiento engañoso y su orgullo, y obligado a rodar una pesada roca por una colina empinada, solo para que ruede cuando se acerca a la cima, repitiendo esta acción por toda la eternidad.

La última exposición de arte que hubo en la galería Gagosian de Londres del artista Franz West (Viena, 1947 – Viena, 2012) se refería al mito mencionado anteriormente. La muestra terminó la semana pasada, por lo que tendrás que ver estas obras de arte en otra galería o museo al que viajen. Pero, quería compartirlas contigo, porque creo que las esculturas son bonitas y me gustan las fotos resultantes de la interacción con las esculturas en este espacio.

Perteneciente a una generación de artistas expuestos al Actionist y Performance Art de los años 60 y 70, Franz West rechazó la idea de una relación pasiva entre obra de arte y espectador. Investigó la dicotomía entre lo privado y lo público, la acción y la reacción, tanto dentro como fuera de la galería, y utilizó materiales e imágenes cotidianas para examinar la relación del arte con la experiencia social.

El mito de Sísifo al que el artista se refirió con esta exposición en la galería Gagosian es una exploración de la frustración del proceso creativo, la lucha permanente que rodea a todas las actividades artísticas con las que los artistas y las personas creativas en general estamos tan familiarizados.

Las esculturas no convencionales de Franz West a menudo requieren la participación de la audiencia, por lo que son el ejemplo perfecto de obras de arte con las que nos gusta hacer un ‘performance’ a The art berries. Aquellas en los que el artista fomenta la interacción y no ve nuestro ‘perfomance’ como una interferencia en su trabajo. Habiendo dicho eso, creo que el público debería ser libre de interactuar con el arte y disfrutar del arte como le plazca, siempre y cuando se respeten las obras de arte. Y esa es de echo una de las misiones del proyecto The art berries.

Para las fotos que se muestran aquí, jugamos con las nociones de ocultar y mostrar que con frecuencia tocó el artista en su carrera. También al tumbarnos en el suelo parece que descansamos de la lucha creativa de Sísifo. Sólo por un momento!

Shared memories in colour

Howard Hodgkin
Last Paintings
Gagosian, Grovenor Hill, London
June 1 – July 28, 2018

The Gagosian gallery at Grosvenor Hill is now showing a show of Howard Hodgkin, a widely known British contemporary painter I first discovered with an exhibition there was at Tate Britain, London, in 2006. That show spanned his entire career from the 1950s, despite he wasn’t celebrated as a major figure in British art until the 1970s, but it revealed the early development of his visual language. The memory I keep of it is that it was a fest for the senses due to the vibrancy of the colours and expressiveness of the artworks.

The current exhibition at the Gagosian gallery showcases the final six paintings he completed in India before he died in March 2017, including more than twenty other paintings never displayed before in Europe. I was pleased to see his work again, and the final evolution of it as a gold brooch to the show I saw at Tate more than ten years ago.

Despite his work seems abstract at first sight, Hodgkin stated clearly that he wasn’t an abstract painter. The artist did a a continuos exploration of the representation of emotions, personal encounters and above all, memories of specific experiences that the viewer can relate with going back to his/her own experiences.

In an interview with Kenneth Baker in the Summer of 2016 Hodgkin said: “I can’t control the viewer. But I tell them what the picture’s about, always. I’ve never painted an abstract picture in my life. I can’t.”

He showed a passionate commitment to subject and said also in this interview that it’s when the physical reality is established that the subject can begin to show itself. But, he lamented that people didn’t usually see that his pictures where made of shape, drawing and composition.

Shared memories are a key part in his work. And it was very insightful to read the title of the works to know what he had in mind when he made a new painting. That reading was very evocative to me with some works. Like the painting titled “Portrait of the artist listening to music” displayed below, or the one titled “Darkness at noon” where The art raspberry performs as if she were a sculpture in the shadow.

Although we both liked most paintings, my favourite paintings didn’t necessarily coincide with the ones loved by The art raspberry. And, therefore, each of us performed with the ones we liked the most. In some cases, adding a new interpretation. Like with the work titled “Don’t tell a soul”, where mi position in front of the green brushstrokes over yellow seem to suggest “The birth of an idea” or “A moment of inspiration”. Finally, with the painting “Love song” I felt like a butterfly over some flowers and I truly felt connected to it.

Hodgkin represented Britain at the Venice Biennale in 1984 and received the Turner Prize in 1985. In addition, he was included by the newspaper The Independent in a list of the 100 most influential gay people in Britain.

Recuerdos compartidos en color
Howard Hodgkin
Últimas pinturas
Gagosian, Grovenor Hill, Londres
1 de junio – 28 de julio de 2018

La galería Gagosian en Grosvenor Hill, Londres, muestra ahora una exposición de Howard Hodgkin, un pintor británico ampliamente conocido que discubrí por primera vez con una exposición en Tate Britain, Londres, en 2006. Esa muestra abarcaba toda su carrera desde la década de 1950, a pesar de que no fue celebrado como una figura importante en el arte británico hasta la década de 1970, pero revelaba el desarrollo temprano de su lenguaje visual. El recuerdo que guardo de esta muestra es que fue un festival para los sentidos gracias a la vitalidad de los colores y la expresividad de las obras de arte.

La muestra que hay ahora en la galería Gagosian expone las últimas seis pinturas que completó en la India antes de morir en marzo de 2017, incluyendo más de veinte pinturas que nunca antes se habían expuesto en Europa. Me gustó ver su trabajo de nuevo, y la evolución final de este como un broche de oro para la exposición que vi en Tate hace más de diez años.

A pesar de que su trabajo parece abstracto a primera vista, Hodgkin afirmó claramente que no era un pintor abstracto. El artista realizó una exploración continua de la representación de emociones, encuentros personales y, sobre todo, recuerdos de experiencias con las que el espectador puede identificarse fijándose en sus propias experiencias.

En una entrevista con Kenneth Baker en el verano de 2016, Hodgkin dijo: “No puedo controlar al espectador. Pero les digo de qué se trata la imagen, siempre. Nunca he pintado una imagen abstracta en mi vida. No puedo “.

Mostró un compromiso apasionado con el sujeto pictórico y dijo también en esta entrevista que cuando se establece la realidad física es cuando dicho sujeto puede comenzar a mostrarse. Pero, se lamentó de que la gente no suele ver que sus imágenes están hechas de forma, dibujo y composición.

Los recuerdos compartidos son una parte clave de su trabajo. Y fue muy interesante leer el título de las obras para saber lo que él tenía en mente cuando hizo una nueva pintura. Esa lectura fue muy evocadora para mí con algunas obras. Como la pintura titulada “Retrato del artista que escucha música” que se muestra abajo, o la que se titula “Oscuridad al mediodía” donde The art raspberry actúa como si fuera una escultura en la sombra.

Aunque a los dos nos gustaron la mayoría de las pinturas, mis pinturas preferidas no coincidieron necesariamente con las que le gustaron a ella. Cada una hizo su ‘peformance’ con la obras con las que mas conectó en aquel momento. En algunos casos, añadiendo una nueva interpretación. Al igual que con el trabajo titulado “No le digas a un alma”, donde mi posición delante de las pinceladas verdes sobre amarillo parecen sugerir “El nacimiento de una idea” o “Un momento de inspiración”. Finalmente, con la pintura “Canción de amor” me sentí como una mariposa sobre algunas flores y me sentí conectada con la pintura.

Hodgkin representó a Gran Bretaña en la Bienal de Venecia en 1984 y recibió el Premio Turner en 1985. Además, fue incluido por el periódico The Independent en una lista de los 100 gays más influyentes en Gran Bretaña.

The art raspberry performing next to “Darkness at noon” (2015-2016).

The art blueberry performing next to “Love song” (2015).

Painting above: “Red sky at night” (2001-2011).

Painting above: “Red sky in the morning” (2016).

Painting above: “Darkness at noon” (2015-2016).

Painting above: “Indian veg” (2013 – 2014).

A peek at the Californian mountains

Past shows: Ed Ruscha at the Gagosian gallery, London
“Extremes and In-betweens”
Oct 5 – Dec 17, 2016

This is an art show we visited more than a year ago and it’s not currently on. But I’ve decided to start my blog with it because it was very inspiring for me. It made me realised what I wanted to blog about and therefore, I owe it a first post here.

I first encountered Ed Ruscha’s work at Tate Modern and have been interested since. He’s called by many the Magritte of Los Angeles and one of the longest living pop artists. He produced all the works for this exhibition in 2016, and it was Gagosian’s first show of Ruscha’s paintings since an exhibition at its Rome gallery in 2014-15.

The novelty of this show is that the words appearing on the artworks were presented in logical sequences and in diminishing or augmenting typeface over a sand background in most of them; and with blue skies over the mountains of California in some other works, combined with a circled selected view that suggests we are having a peep in, but not part of this idyllic scenery.

As per the press release published by Farah Nayeri for The New York Times, Ruscha said about his works at the opening: “I’m not trying to wrap things up or make final statements or capture anything in a big way,” he said. “It’s more like, whatever the voyage is, that’s where I am. I’m just traveling along the tops of things, not trying to bring an answer to anything, necessarily, but just to keep making pictures.”

With the comments above, it appears to me that he doesn’t want to be categorical with these artworks, but exploratory with visual images as well as with words. A search done from a rather logical perspective.

The photo with raspberry adds a new layer to these artworks. She seems to be enjoying the solitude of these mountains and looking at us from within the scenery itself.