Seung-taek Lee
White Cube – Mason’s Yard, Londres, Reino Unido
25 de mayo de 2018 – 30 de junio de 2018
The Art Raspberry y yo visitamos la White Cube en Mason’s Yard, Londres, la semana pasada y descubrimos la obra de Seung-taek Lee, un artista interdisciplinar coreano conocido por conceptualizar la noción de “anti-concepto” o “anti-arte”. Formado como escultor, también ha trabajado como artista performativo y es uno de los pioneros de la primera generación de arte experimental en Corea del Sur.
Desde el comienzo de su carrera artística a finales de los años 50, Lee trabajó de manera independiente al panorama artístico dominante en Corea del Sur, mientras que la mayoría de los artistas y críticos seguían las tendencias del arte occidental como la única manera de sobrevivir. Él afirmaba que estos artistas desconocían su propia identidad y empezó a experimentar para comprender la verdadera naturaleza del arte moderno coreano. Dicho esto, sus obras de los años 60 y 70 han sido asociadas con movimientos como Land Art, Arte Povera y Postminimalismo.
Esta exposición en la White Cube Mason’s Yard de Londres es la primera muestra individual de Lee en el Reino Unido. Reúne obras desde los años 60 hasta la actualidad y revela su interés por la materialidad y la identidad cultural.
Una de las características principales de su práctica artística consiste en la atadura de objetos encontrados, materiales naturales o estructuras arquitectónicas existentes, como medio para sugerir la transformabilidad de sus propiedades materiales inherentes. Esta característica se aprecia en obras que parecen completamente diferentes entre sí. De hecho, la exposición se extiende por dos plantas, y a primera vista, las obras de la planta baja parecen de un artista distinto a las del sótano.
Como Lee ha declarado en algún momento, el impacto visual de la obra surge de la “tensión entre la barra de madera, colgada precariamente de dos cuerdas finas, y los racimos de piedras bifurcadas que evocan efectivamente una sensación de presión gravitacional”.
En la planta baja, todas las obras parecen orgánicas y cercanas a la naturaleza. Varias esculturas están hechas de granito, un material muy usado en Corea para monumentos exteriores por su durabilidad. Las obras de Lee parecen suaves e incluso sensuales. Algunas están colocadas directamente en el suelo, sin peana, por lo que resultan más accesibles. En dos obras, ata pequeños fragmentos de granito con cuerda o alambre para confundir la percepción del espectador.
La fotografía de The Art Raspberry de una de estas obras, con The Art Raspberry justo debajo de las piedras, acentúa esta sensación de amenaza de las piedras y la vulnerabilidad de la modelo.
En este nivel, también pudimos ver obras enmarcadas hechas con cuerdas sobre lienzo, denominadas “dibujos sobre lienzo”. El artista utilizó la cuerda como alternativa a las líneas habituales sobre papel, y los nudos y extremos sueltos de estas obras adquieren una cualidad más táctil.
Por último, en el sótano, pudimos ver las estructuras monumentales de vinilo de los años 60 recreadas con colores vivos y llamativos. Originalmente estaban hechas de láminas de vinilo barato producido en fábrica y han sido recreadas para esta exposición usando vinilo de uretano más duradero pero de apariencia similar. Contrastan claramente con los colores neutros y orgánicos de la planta baja. Sin embargo, el envolvimiento y el atado de los objetos siguen siendo centrales en la práctica de Lee aquí también. Disfruté interactuando con las grandes estructuras de vinilo. La tranquilidad de este espacio, rodeado de una iluminación tenue, invitaba a la atención plena.
La “atadura” de objetos es una estrategia artística y un gesto simbólico de subversión utilizado por Lee que no solo desestabiliza la percepción del espectador, sino que también cuestiona la forma existente y la función prevista de los objetos.
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