El potencial creativo de los textiles en el arte

Unravel: The Power and Politics of Textiles in Art (Desembrollar: el poder y la política de los textiles en el arte)
13 de febrero – 26 de mayo de 2024
Barbican Art Gallery, Londres, Reino Unido

Una exposición de esta naturaleza era muy esperada. Los textiles son una parte significativa de la vida cotidiana, pero siguen siendo uno de los medios más poco examinados en la historia del arte y la práctica contemporánea. Co-curada por la Barbican Gallery en Londres y el Stedelijk Museum en Ámsterdam, esta muestra de arte presenta a artistas desde la década de 1960 hasta la actualidad que han explorado el potencial transformador y subversivo de los textiles.

Mi interés por el tejido a mano y la importancia de los textiles como medio artístico comenzó cuando vi la exposición de Anni Albers en Tate Modern en 2019. Y mi interés en los textiles creció cuando asistí a la exposición de Magdalena Abakanowicz el año pasado, también en Tate Modern. La escultora y artista de fibra polaca, cuyas obra está incluida en esta exposición en la Barbican, demostró el poder de este medio. Fue pionera en la escultura e instalación a base de fibra en la década de 1960.

Sin embargo, Unravel: The Power and Politics of Textiles in Art (Desembrollar: el poder y la política de los textiles en el arte) es la primera gran exposición que he visto que reúne más de 100 obras de 50 artistas internacionales. Desde piezas hechas a mano hasta instalaciones escultóricas a gran escala, la muestra se centra en los procesos táctiles de coser, tejer, trenzar, abalorar y anudar. Estos artistas han adoptado la fibra y el hilo para contar historias que desafían las estructuras de poder, transgreden fronteras y reimaginan el mundo que nos rodea.

Organizada temáticamente, con artistas situados en diálogos intergeneracionales y transculturales, la exposición nos recibe con textiles que nos transportan a nuestros ancestros. Los pueblos indígenas han utilizado el hilo durante siglos para comunicarse, compartir información, contar historias y expresarse. Los textiles revelan historias de creatividad, pero también testimonian sistemas de marginación y violencia que han intentado suprimir el conocimiento indígena. Desentrañar la historia de un textil revela narrativas de globalismo y comercio; por ejemplo, un solo hilo de algodón teñido con índigo evoca historias de imperio, comercio transatlántico y el trabajo de personas esclavizadas.

Yee I-Lann (Malasia, 1971) está interesada en cómo los textiles en forma de esteras tejidas resisten los legados del colonialismo. En el sudeste asiático precolonial, la gente se reunía en esteras tejidas llamadas ‘tikar’. Los colonos occidentales introdujeron mesas cuando Borneo fue colonizado por los portugueses, británicos y holandeses. En estas obras de arte, las mesas simbolizan la imposición de una cosmovisión patriarcal y colonial, mientras que la estera representa un poder más democrático y mutuo, impregnado de conocimiento y tradición ancestral.

En la planta baja, la instalación espacial Quipu Austral de Cecilia Vicuña se basa en la historia de los textiles como antiguos sistemas de comunicación. En las culturas andinas, los textiles se usaban como un sistema de escritura. Vicuña vincula la opresión de las culturas precoloniales con la devastación de los recursos naturales de la tierra.

Luego, ‘To Teah or to Assume Authority’ (2018-19) de Sarah Zapata abraza su identidad como peruana estadounidense, dos culturas en las que los textiles son integrales. Su obra hace referencia a la arquitectura del sitio ceremonial Nazca de Cahuachi, donde se excavó una gran tela tejida en 1952. Ella transforma la ruina en un paisaje de vibrantes hilos de anzuelo, subvirtiendo la noción de la alfombra como un objeto de piso. Las comunidades indígenas en Perú solo comenzaron a usar textiles en el suelo después de la conquista española en el siglo XVI.

En la siguiente sala, pintada completamente en amarillo, Acaye Kerunen crea composiciones abstractas con fibras naturales tejidas para contar historias de alegría, amor y éxtasis, originadas en la superación del dolor y el trauma. Esto se hizo en colaboración con mujeres que utilizan técnicas que aprendieron de otras mujeres líderes comunitarias en Uganda.

Otra obra fascinante fue ‘Hammock’ de Solange Pessoa (parte de 4 hamacas), 1999-2003. Creada en respuesta a la tierra de Minas Gerais en Brasil, donde la artista creció, los textiles aquí sirven como portadores de materia viva y en descomposición. Las bolsas de tela se asemejan a órganos internos y externos, representando la interconexión del cuerpo y el paisaje. Esta idea se relaciona bien con la analogía microcosmos-macrocosmos entre los seres humanos y el universo, particularmente dentro de la sección ‘Entangled Earth’ de la exposición, que rechaza la idea de que la humanidad está separada o en oposición a la naturaleza.

Dos Abakans de Magdalena Abakanowicz

A medida que avanzamos hacia las galerías superiores, nos encontramos con la sección ‘Subversive Stitch’, una de mis partes favoritas. Esta sección se centra en cómo, a través de muchas culturas, el arte basado en textiles ha sido marginado y considerado inferior como una práctica doméstica o ‘artesanal’ dentro de una jerarquía de valor artístico, enmarcado como femenino a través de una lente sexista. Muchos artistas han resistido este enfoque limitante y han utilizado la costura como una práctica radical. Este grupo incluye artistas como Mounira Al Solh, Tracey Emin, Ghada Amer y Judy Chicago.

Por ejemplo, ‘Birth Project’ (1980-85) de Judy Chicago, se creó para llenar un vacío iconográfico de imágenes de nacimiento en el arte occidental. Colaborando con 150 mujeres que se ofrecieron como voluntarias para traducir sus diseños en textiles utilizando bordado, acolchado, macramé, punto de cruz y crochet, ella representó la diversa experiencia de dar a luz: ‘lo mítico, lo celebratorio y lo doloroso’. La obra en exhibición unifica los aspectos viscerales del nacimiento con una dimensión cósmica.

En ‘Pink Landscape’ (2007) de Ghada Amer, se ve a una mujer desnuda de color crema en el fondo, parcialmente oculta por líneas horizontales y verticales de hilos sueltos que hacen referencia a la pintura del Expresionismo Abstracto. Amer presenta a las mujeres como sexualmente liberadas para contrarrestar las representaciones de mujeres como sumisas. Su motivación para usar este medio proviene de su rechazo como estudiante joven en los años 80, cuando no se le permitió inscribirse en una clase de pintura en la escuela de arte porque era mujer.

En ‘Bandage Grip #9’ (2020) de Harmony Hammond, piezas de tela teñidas de rojo cuelgan en la superficie del lienzo, haciendo referencia a acciones violentas fuera del marco. El lienzo deshilachado y la arpillera cuelgan como vendas reparadoras. Hammond cree en el poder de los materiales para transmitir mensajes, frecuentemente aludiendo al trauma y la recuperación.

La instalación de Igshaan Adams explora las ‘líneas deseadas’ en la Sudáfrica post-Apartheid, caminos informales creados con el tiempo a través del paso de peatones, a menudo utilizados como atajos. Él ve estas líneas como simbólicas de un acto colectivo de resistencia por parte de una comunidad históricamente segregada y marginada a través de la planificación espacial. Estas vías siguen siendo símbolos de trazar su propio camino, colectivamente o individualmente. Perteneciente a la sección ‘Borderlines’ de la exposición, los artistas de esta sección cuestionan las fronteras y tratan de trascenderlas para encontrar una nueva forma de ser.

Finalmente, la sección ‘Bearing Witness’ reúne a artistas de diferentes orígenes que utilizan textiles para conmemorar a las víctimas de la opresión y hablar contra el poder. El acto de tejer, como medio contemplativo y lento, crea espacio para la colectividad, la memoria y el duelo.

En general, me interesó mucho ver a todos estos artistas juntos en la misma exposición, dando a los textiles el papel que merecen en la historia del arte. Nos dimos cuenta de la relevancia de este medio, desde su uso por nuestros ancestros como un medio de comunicación, hasta desentrañar la historia de los textiles para revelar historias de globalismo y comercio.

Después de haber sido marginado y relegado como una forma de arte ‘inferior’ y doméstica, enmarcada como femenina a través de una lente sexista, los defensores han utilizado el arte del tejido y la costura como una práctica radical, lo que aumenta el potencial creativo de este medio. Disfruté mucho de asistir a esta exposición y la recomiendo encarecidamente a cualquiera que tenga la oportunidad de verla en Ámsterdam en septiembre de este año.