Dirty Looks
Barbican Art Gallery, Londres, Reino Unido
25 de septiembre 2025 — 25 de enero 2026
Hace unas semanas fui a la Barbican Gallery para ver Dirty Looks, una exposición que invita a mirar la moda desde una perspectiva diferente. Normalmente asociamos la moda con el brillo y el lujo, pero esta muestra explora las múltiples formas en que la moda ha abrazado la estética “sucia” durante los últimos cincuenta años — desde su aparición en Occidente como símbolo de transgresión y rebeldía, hasta su evolución hacia formas radicales de artesanía que cuestionan los hábitos de consumo global y redefinen conceptos de modernidad, belleza y lujo.
Dirty Looks: Desire and Decay in Fashion traza una nostalgia constante por el barro — un deseo humano de reconectarse con la tierra que se manifiesta de muchas maneras. Al entrar en la exposición, lo primero que encuentras son dos pares de botas de agua que pertenecieron a la reina Isabel II y a la supermodelo Kate Moss. Me pareció una introducción muy efectiva al gusto británico por la estética ecológica “desordenada”, un guiño humorístico y ligeramente irreverente frente al paisaje rural idealizado.
La exposición está organizada de forma temática, con los diseñadores consolidados en las galerías superiores y los emergentes en las inferiores. En términos generales, la “suciedad” aquí tiene tres fuentes: el diseñador, el cuerpo y el entorno.
Comenzando por las galerías superiores, como se recomienda, se encuentran algunos de los momentos destacados de la muestra — entre ellos Vivienne Westwood y Malcolm McLaren. Presentada por primera vez en la pasarela en los años 80, la estética del barro surgió como un desafío subversivo a las nociones tradicionales de lujo, clase y refinamiento. Al mismo tiempo, Issey Miyake, Rei Kawakubo y Yohji Yamamoto cuestionaban los ideales occidentales de belleza y perfección, adoptando estéticas que expresaban transitoriedad, pátina y humildad — cualidades vinculadas a las filosofías del wabi-sabi.
En 1993, la influyente colección de graduación de Hussein Chalayan, The Tangent Flows, presentó prendas enterradas con limaduras de hierro en el jardín de un amigo en Londres. Los vestidos oxidados ampliaron la noción de la prenda como un ser vivo y orgánico que, al igual que los humanos, proviene de la tierra y retorna a ella en un ciclo de ruina y renovación. Su supervivencia constituye un poderoso contrapunto a nuestra cultura de moda desechable, mostrando que la moda producida en masa y vendida por internet es, por contraste, incomparablemente más “sucia”.
Me inspiraron especialmente los diseños deconstruidos de Maison Margiela, las transformaciones poéticas de Hussein Chalayan de las prendas mediante su entierro y exhumación, y una instalación de la diseñadora china Ma Ke, quien debutó en la Paris Fashion Week en 2007 con The Earth, bajo el sello Wuyong. La marca surgió como respuesta a lo que Ma Ke describió como una “desgarradora pérdida de la artesanía y la tradición” en China.
El vestido del diseñador español Miguel Adrover, pintado a mano con aves y luego cubierto de barro del Nilo, destacaba por su combinación de delicadeza y decadencia. Las técnicas de deterioro varían entre los diseñadores, al igual que el significado de la suciedad: el barro de Westwood transgrede las sensibilidades burguesas, mientras que el de Kawakubo se conecta más estrechamente con la naturaleza y los métodos tradicionales de tintura.
La sección dedicada a la “suciedad” de nuestros propios cuerpos y de los residuos de la moda fue la que menos me impactó. Sin embargo, completa el círculo, mostrando cómo la moda contemporánea utiliza tierra, sudor y manchas para cuestionar los ideales de belleza occidentales, mientras que revela el lado brillante y producido en masa de la moda como el realmente “sucio”.
Las galerías inferiores, centradas en diseñadores emergentes como Paolo Carzana, Alice Potts, Michaela Stark, Solitude Studios, Elena Velez y Yaz XL, me parecieron las más provocadoras. Esta nueva generación revisita las ideas de suciedad y decadencia por su poder simbólico, utilizándolas para visualizar la renovación, la resistencia y futuros más sostenibles para la moda. Su trabajo refleja las crisis cada vez más profundas de nuestro tiempo —especialmente la degradación ambiental—, al mismo tiempo que imagina un paraíso recuperado a través de prácticas inspiradas en el folclore, el neopaganismo y tradiciones artesanales alternativas como el upcycling, los textiles regenerados y la reutilización creativa de deadstock.
En resumen, me pareció fascinante ver cómo el uso del barro y la suciedad en la moda ha evolucionado —desde una declaración romántica y rebelde en los años 80 hasta un enfoque más consciente y respetuoso con el medio ambiente, que expone el lado brillante de la industria mientras redefine los conceptos de lujo y belleza. Si, como yo, te interesa la moda como fuerza creativa, estoy segura de que disfrutarás de esta exposición.
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