Capturing the mood of the moment

Turner Prize
26 September 2018 – 6 January 2019
Tate Britain, London, UK

If you’re in London this Xmas and would like to see an art exhibition, the Turner Prize can be an idea. This year it’s formed entirely by film, video and moving image, so if you want to see the four art pieces presented in full you’d have to count on over 4,5 hours. But, I must say we didn’t spend that long seeing this exhibition. This type of medium allow you to be flexible with how you experience it, and it doesn’t have to be as lineal as when we go to the cinema.

I was not surprised about finding the same type of work this year. It does captures the mood of the present moment by using moving image for a political purpose.

As it is presented, there are four rooms connected by a central space filled in with sofas and printed material that reminds you a bit of a dentist waiting room. Nevertheless, I liked this set up; considering that you have to enter the darkness to watch each of the art pieces, I appreciate you can go back to a well lit space in between them.

On one hand we have the multidisciplinary collective Forensic Architecture based at Goldsmith University that includes architects, filmmakers, lawyers and scientists. All combine their skills to investigate allegations of state violence. They don’t consider themselves an art group as such, and like looking at real events. In the work presented they use different patient techniques to uncover what happened on a night of 2017, when Israeli police  attempted to clear a Bedouin village, an action that resulted in two deaths. It was an stressful film for the watcher and for the film makers, who even put her life at risk to do it.

Then, Naeem Mohaiemen separates from real events to present a fictional piece in which a solitary man wanders through the ruins of an abandoned airport, like a character from JG Ballard. He bases this piece on his dad’s experience years ago when he had to spend 9 days at a Greek airport. Using films, installations and essays, his practice make sense of political events in the 70s, while he investigate the legacies of decolonisation among others. A rather surreal film.

Thirdly, we saw Luke Willis Thompson’s piece, who works across film, performance, installations and sculpture to explore cases of institutional violence, race, class and social inequality among others. He presented a controversial film in 35mm of Diamond Reynolds, a lady who used her mobile phone in 2016 to lifestream the killing of her partner by police in the US state of Minnesota. We liked this silent piece, and The art blackberry interacted with it as you can see below adding another layer to the piece. The use of a 35mm projector contributed to making this piece more organic and real, and as a consequence very effective emotionally speaking.

Finally, we saw the work of this year’s winner, Charlotte Prodder, who was not announced as a winner when we saw the art show, but last week. She works with moving image, sculpture and printed image to explore queer identity, landscape, language technology and time. Recently chose to represent Scotland at the Venice Biennale, the work she presents filmed on an iPhone is quite poetic and captivating, and also enjoyed watching it.

The last two works were my favourite. Luke Willis Thompson because of the controversial message he presents with the use of 35mm, a great medium. And Charlotte Prodder because her film with a common medium like the iPhone is very personal and poetic and many people will identify with it.


Capturando el estado de ánimo del momento

Turner Prize
26 de septiembre de 2018 – 6 de enero de 2019
Tate Britain, Londres, Reino Unido

Si estás en Londres esta Navidad y te apetece ver una exposición de arte, el Turner Prize podría ser una idea. Este año esta constituido completamente por película, video e imagen en movimiento, por lo que si quieres ver las cuatro obras de arte presentadas en su totalidad, tendrás que contar con más de 4 horas y media. Pero debo decir que nosotras no pasamos tanto tiempo viendo esta exposición. Este tipo de medio te permite ser flexible con la forma en que lo experimentas, y no tiene que ser tan lineal como cuando vamos al cine.

No me sorprendió encontrar el mismo tipo de trabajo este año. Captura el estado de ánimo que vivimos actualmente gracias al uso de imágenes en movimiento para un propósito político.

Tal como se presenta, hay cuatro habitaciones conectadas por un espacio central con sofás y material impreso que recuerda un poco a la sala de espera de un dentista. Sin embargo, me gusta esta presentación; teniendo en cuenta que debes entrar en la oscuridad para ver cada una de las piezas de arte, agradezco que puedas volver a un espacio bien iluminado entre ellas.

Por un lado, tenemos el colectivo multidisciplinario de Arquitectura Forense con sede en la Universidad de Goldsmith, que incluye arquitectos, cineastas, abogados y científicos. Todos combinan sus habilidades para investigar denuncias de violencia estatal. No se consideran un grupo de arte como tal, y les gusta explorar eventos reales. En el trabajo presentado, utilizan diferentes técnicas pacientes para descubrir lo que sucedió una noche de 2017, cuando la policía israelí intentó despejar una aldea beduina, una acción que resultó en dos muertes. Fue una película estresante tanto para el espectador, como para los cineastas, que incluso puso su vida en riesgo para hacerla.

En segundo lugar, Naeem Mohaiemen se separa de los eventos reales para presentar una pieza ficticia en la que un hombre solitario recorre las ruinas de un aeropuerto abandonado, como un personaje de JG Ballard. El artista basa esta pieza en la experiencia de su padre hace años cuando tuvo que pasar 9 días en un aeropuerto griego. Utilizando películas, instalaciones y ensayos, su práctica da sentido a los acontecimientos políticos de los años 70, mientras investiga los legados de la descolonización entre otros. Una película bastante surrealista.

En tercer lugar, vimos la pieza de Luke Willis Thompson, que trabaja en cine, performance, instalaciones y esculturas para explorar casos de violencia institucional, raza, clase y desigualdad social, entre otros. Presentó una controvertida película en 35 mm de Diamond Reynolds, una mujer que usó su teléfono móvil en 2016 para hacer realidad el asesinato de su compañero por parte de la policía en el estado de Minnesota, EE. UU. Nos gustó esta pieza silenciosa, y The art blackberry interactua con ella como se puede ver a continuación, añadiendo otra capa a la pieza. El uso de un proyector de 35 mm contribuye a hacer que esta pieza sea más orgánica y real y, en consecuencia, muy efectiva emocionalmente hablando.

Finalmente, vimos el trabajo de la ganadora de este año, Charlotte Prodder, quien no fue anunciada como ganadora cuando vimos la exhibición de arte, sino la semana pasada. Trabaja con imágenes en movimiento, esculturas e imágenes impresas para explorar la identidad de colectivos homosexuales, el paisaje, la tecnología del lenguaje y el tiempo. Habiendo sido elegida recientemente para representar a Escocia en la Bienal de Venecia, el trabajo que presenta filmado en un iPhone es bastante poético y cautivador, y también disfrutamos viéndolo.

Los dos últimos trabajos fueron mis favoritos. Luke Willis Thompson por el mensaje de gran controversia que presenta con el uso de 35 mm, un gran medio. Y Charlotte Prodder porque su película hecha con un medio común como el iPhone es muy personal y poética y muchas personas se identificarán con ella.

Turner Prize 2018-The art blackberry

Breaking moulds in art and in life

Russian Dada 1914–1924
Museo Reina Sofia, Madrid, Spain
6 June – 22 October 2018

I was pleased to visit this art show a month ago in Madrid, Spain, at the Reina Sofia Museum; the first one I cover out of the UK.

Although the art exhibition felt a bit long because of the number of works on show, about 250, it was really comprehensive and I found it interesting to gain a good perspective of the art created by Russian avant-garde artists during this period, from 1914 to 1924. The show includes paintings, collages, illustrations, sculptures, film projections and publications, and it’s divided in three parts.

Dada or Dadaism was an art movement of the European avant-garde that developed in the early 20th century in reaction to World War I and had an early centre in Zurich. The Dada movement rejected the logic, reason and aestheticism of modern capitalist society, expressing irrationality and nonsense protest in their works.

When it comes to Russian Dada, the artworks on show here were produced at the height of Dada’s flourishing, between World War I and the death of Vladimir Lenin, who happened to be a frequent visitor to Cabaret Voltaire in Zurich, where this art movement originated. The Russian avant-gardists on show, as well as the rest of Dadaists, supported internationalism and engaged in eccentric practices and pacifist demonstrations.

The first part of the show, and also my favourite, focuses on ‘alogical’ abstraction. As I came into the show I saw photos of some of the Russian Dadaists, in a rather irreverent and playful pose. They were followed by some film projections in black and white, of which I took a snapshot and it’s on show below. One of the sculptures created in this period includes Vladimir Tatlin’s “Complex Corner-Relief” (1915), next to which you can see myself performing for the photo.

TheArtBerries-Tatlin spt

The Art Blueberry performing next to Vladimir Tatlin’s, “Complex Corner-Relief”/”Relieve de esquina complejo” (1915).

One of the hits of this exhibition for me was to see the designs for a stage curtain of the futurist opera “Victory over the Sun” produced by Malevich in 1913 which led him to create his well know “Black Square” in 1915. We cannot see the “Black Square” here, but we can see a design for the curtain for the opera Victory over the Sun and some other variants of it including white squares that are brilliant too.

Kasimir Malevich, “Design for the curtain of the opera Victory over the Sun”/ “Diseño para el telón de la ópera Victoria sobre el Sol” – left/izq.
The Art Blueberry performing next to Malevich’s work.

Aleksei Morgunov was quoted within the show saying: “In 1914-15 Malevich and I decided that practically all forms of development of the painterly principles that had gone along the trajectory of negation of the created forms, logically brought us to a blank canvas. Our task then to create new forms that have a character of elementary geometric forms. One of such forms was a square.”

Olga Rozanova, “In the Street”/ “En la calle” (1915) – left/izquierda
Aleksei Morgunov, “Composition no. 1″/ “Composición n. 1” – right/derecha.

In collaboration with the musician Mikhail Matyushin and the poet Aleksei Kruchenykh, Malevich did a manifesto calling for the rejection of rational thought. They wanted to change the established systems of Western society. In the opera Victory over the Sun, the characters aimed to abolish reason by capturing the sun and destroying time. Malevich called this Suprematism, and this new movement is all about the supremacy of colour and shape in painting. 

The second section spans the period from 1917 to 1924, from the victory of the Russian Revolution to the death of Vladímir Lenin, touching notions like Internationalism. Malevich’s Suprematism had a strong influence in his contemporaries.  

As such, Sofia Dymshits-Tolstaia said on a testimony: “I came to Vitebsk after the October celebrations, but the city still glowed from Malevich’s decorations- of circles, squares, dots, lines of different colours…I felt like I was in a bewitched city, at the time everything was powerful and wonderful.”

We can see Malevich’s influence on Morgunov’s design for the cover of the journal ‘The International of Art’, and on “The New Man” from Litsitzki on show below.

Aleksei Morgunov, Unpublished cover of the journal The International of Art, 1919 / Portada inedita de la revista Internacional de arte – left/izq.
El Lisitzski, “The New Man”/ “El hombre nuevo” (1920-1923) – right/dcha.

The final section explores the connections between Russia and two of the main Dada centres, Paris and Berlin, with works from Russian artists in those two cities and the presence of artists like Lissitsky in Berlin, and Sergei Sharshun and Ilia Zdanevich in Paris.

The nihilistic zeitgeist that followed the Great War originated Dada, and the Marxism of the Russian Revolution agreed in principle with their ideals. The artists often pushed the Dadaesque into Russian mass culture, in the form of absurdist and chance-based designs. Their goal was to cause the death of art. But, failing to do that, they mostly became artists who managed to break moulds and created great works of art.


Rompiendo moldes en la vida y el arte
Dada ruso 1914-1924
Museo Reina Sofia, Madrid, España
6 de junio – 22 de octubre de 2018

Me gustó visitar esta exposición de arte hace un mes en Madrid, España, en el Museo Reina Sofía; el primero que cubro fuera del Reino Unido.

Aunque la exposición me pareció un poco larga debido a la cantidad de obras expuestas, alrededor de 250, fue bastante exhaustiva y me pareció interesante lograr una buena perspectiva del arte creado por los artistas vanguardistas rusos durante este período, de 1914 a 1924. La muestra incluye pinturas, collages, ilustraciones, esculturas, proyecciones de películas y publicaciones, y está dividido en tres partes.

Dada o Dadaism fue un movimiento de arte de la vanguardia europea que se desarrolló a principios del siglo XX en reacción a la Primera Guerra Mundial y tuvo un centro temprano en Zurich. El movimiento Dada rechazó la lógica, la razón y el esteticismo de la sociedad capitalista moderna, expresando irracionalidad y protestas absurdas en sus obras.

En lo que respecta al Dada ruso, las obras expuestas aquí se produjeron en el apogeo del florecimiento de Dada, entre la Primera Guerra Mundial y la muerte de Vladimir Lenin, que solía frecuentar el Cabaret Voltaire en Zurich, donde se originó este movimiento artístico.  Los dadaístas rusos en exposición, así como el resto de los dadaístas, apoyaron el internacionalismo y se involucraron en prácticas excéntricas y manifestaciones pacifistas.

La primera parte de la exposición, y también mi favorita, se centra en la abstracción ‘alógica’. Al entrar en la muestra, se pueden ver fotos de algunos de los dadaístas rusos, en una actitud bastante irreverente. En la siguiente sala hay algunas proyecciones de películas en blanco y negro, de las cuales también tomé una instantánea que se muestra a continuación. Una de las esculturas creadas en este período incluye “Relieve de esquina complejo“ de Vladimir Tatlin (1915), junto a la cual puedes verme posando para la foto.

TheArtBerries-Tatlin spt

The Art Blueberry performing next to Vladimir Tatlin’s, “Complex Corner-Relief”/”Relieve de esquina complejo” (1915).

Uno de los éxitos de esta exposición para mí fue ver los diseños del telón de escenario de la ópera futurista “Victoria sobre el sol”, producida por Malevich en 1913, que le llevó a crear su bien conocido “Black Square“ en 1915. No podemos ver la obra “Black Square” aquí, pero podemos ver un diseño para el telón de la ópera Victoria sobre el Sol y algunas otras variantes, incluyendo cuadros blancos y negros que me parecen estupendos. Se me puede ver posando junto a uno de ellos a continuación.

Kasimir Malevich, “Design for the curtain of the opera Victory over the Sun”/ “Diseño para el telón de la ópera Victoria sobre el Sol” – left/izq.
The Art Blueberry performing next to Malevich’s work.

Aleksei Morgunov fue citado dentro de la exposición diciendo: “En 1914-15, Malevich y yo decidimos que prácticamente todas los principios pictóricos que habían evolucionado a través de la negación de las formas anteriores nos conducían necesariamente al lienzo vacío. Nuestra tarea entonces consistía en crear formas nuevas que conservaran el carácter de las formas geométricas elementales. Una de esas formas era el cuadrado “.

Olga Rozanova, “In the Street”/ “En la calle” (1915) – left/izquierda
Aleksei Morgunov, “Composition no. 1″/ “Composición n. 1” – right/derecha.

En colaboración con el músico Mikhail Matyushin y el poeta Aleksei Kruchenykh, Malevich hizo un manifiesto llamando al rechazo del pensamiento racional. Querían cambiar los sistemas establecidos de la sociedad occidental. En la ópera “Victoria sobre el Sol”, los personajes intentaron abolir la razón capturando el sol y destruyendo el tiempo. Malevich llamó a esto Suprematismo, y este nuevo movimiento tiene que ver con la supremacía del color y la forma en la pintura.

La segunda sección abarca el período comprendido entre 1917 y 1924, desde la victoria de la Revolución Rusa hasta la muerte de Vladímir Lenin, que frecuentó Cabaret Voltaire en Zurich, tocando nociones como el internacionalismo. El suprematismo de Malevich tuvo una fuerte influencia en sus contemporáneos.

Como tal, Sofia Dymshits-Tolstaia dijo en un testimonio: “Llegué a Vitebsk después de las celebraciones de Octubre, pero la ciudad aún brillaba por las decoraciones de Malevich: círculos, cuadrados, puntos y líneas de diferentes colores … Sentí que me encontraba en una ciudad embrujada, en ese momento todo era posible y maravilloso.”

Podemos ver esta influencia de Malevich en el diseño de Morgunov para la portada de la revista ‘The International of Art’, y en ‘The New Man’ de Litsitzki que se muestra a continuación.

Aleksei Morgunov, Unpublished cover of the journal The International of Art, 1919 / Portada inedita de la revista Internacional de arte – left/izq.
El Lisitzski, “The New Man”/ “El hombre nuevo” (1920-1923) – right/dcha.

La sección final explora las conexiones entre Rusia y dos de los principales centros Dada, París y Berlín, con obras de artistas rusos en esas dos ciudades y la presencia de artistas como Lissitsky en Berlín y Sergei Sharshun e Ilia Zdanevich en París.

El espíritu de la época nihilista que siguió a la Gran Guerra originó a Dadá y el marxismo de la Revolución rusa comulgaba en principio con sus ideales. Los artistas a menudo empujaban al dadaismo hacia la cultura de masas rusa, con forma de diseños absurdos y basados ​​en el azar. Su objetivo era causar la muerte del arte. Pero, al no hacer eso, en su mayoría se convirtieron en artistas que consiguieron romper moldes y crear grandes obras de arte.