American artist – The art berries

Shaping a better world

Theaster Gates
A Clay Sermon
29 September 2021 – 9 January 2022
Whitechapel Gallery, London, UK

It’s always good to discover new artists and new lines of creative expression. So, it was interesting to visit the Theaster Gates ceramic art show at Whitechapel Gallery early this year. The name of the exhibition, “A Clay Sermon”, conveys effectively the significance of clay, as well as its material and spiritual legacies.

Clay and religion are foundational to the artistic practice of the Chicago based artist, who has received international acclaim for his community and cultural interventions in Black Space. The relationship between God and humanity is similar to the potter working with clay. According to Theaster Gates, ‘As a potter you learn how to shape the world’. Art as activism. Activism as art. That’s what he proposes.

Gates studied urban planning and ceramics. The latter with traditional artisans more than 20 years ago in Tokoname, Japan. But he was also urged to develop his own style. Gradually he homed in on the concept of Afro-Mingei, fusing Japanese philosophy and folk traditions with African American culture. In fact, many of his early projects addressed the shared significance of pottery in Japanese and African American cultures.

The art exhibition we refer to here was split on two floors. The ground floor provided all the contextual material with loans from various museums like the Victoria and Albert Museum in London. It showcased works from China, Iran and more specifically historic works from some of his ceramic heroes. It was mainly informative for me seeing all those works from different artists next to each other.

One of his inspirations was David Drake, AKA Dave the Potter, a enslaved man who gained his freedom at the end of the civil war. He worked in potteries in South Carolina and was able to make vast, bold vessels often inscribed with lines of poetry, when it was illegal for enslaved people to write. Drake was an exploited black man, who saved his dignity through his work and creative gifts.

Another big reference for Gates’s own work is the Greek-American ceramicist Peter Voulkos (1924-2002), known as a radical ceramic artist. His works in fired clay are related to abstract expressionism, Zen and, later, to pop art. Gates pairs one of his own works with a large wood-fired stoneware ceramic by Voulkos, his 1994 Pinatubo, borrowed from the V&A. The two stand together, sharing a plinth. Gates has made several works in homage to Voulkos, as an act of what is called in Japanese Utsushi, or “replication as a spiritual practice”.

The top exhibition floor purely included Theaster Gates’ works with his big sculptures displayed on and framed by wood and stone, evoking Brancusi, and fusing all the references that inspire his work. I really liked the combination of all these works, including some big organic pieces like a spiky tall vessel, a big Asian-inspired glazed stoneware vessel, very Afro-Mingei; a chair inspired in African tradition and and a couple of Afro-Mingei faces framed in wood. See our art interaction with the artworks below. We are like clay.

The use of clay in building communities of knowledge, its role in colonialism and global trade and the ceremonial and ritual use of ceramics was very well explored throughout the whole exhibition, as well as other themes like craft and racial identity. Gates is not only talented creating his body of work but also very committed with community at large.

I can’t wait to see the design called ‘Black Chapel’ that he’ll create for the 2022 Serpentine Pavilion this summer . This year will be the first that a non-architect curates the pavilion. It “will pay homage to British craft and manufacturing traditions” and will open to the public on Friday 10 June 2022, next to the Serpentine Gallery.

Dando forma a un mundo mejor
Theaster Gates
A Clay Sermon
29 septiembre 2021 – 9 enero 2022
Galería Whitechapel, Londres, Reino Unido

Siempre es bueno descubrir nuevos artistas y nuevas líneas de expresión creativa. Por lo que fue interesante visitar la exposición de cerámica de Theaster Gates en la galería Whitechapel a principios de este año. El nombre de la exposición, “A Clay Sermon” o “Un sermón de barro”, transmite con eficacia el significado y la importancia de la arcilla, así como sus legados materiales y espirituales.

La arcilla y la religión son fundamentales para la práctica artística del artista con sede en Chicago, que ha recibido reconocimiento internacional por sus intervenciones comunitarias y culturales en ‘Black Space’. La relación entre Dios y la humanidad es similar a la del alfarero trabajando con arcilla. Según Theaster Gates, “Como alfarero, aprendes a dar forma al mundo”. El arte como activismo. El activismo como arte. Esa es su propuesta.

Gates estudió urbanismo y cerámica. Este último con artesanos tradicionales hace más de 20 años en Tokoname, Japón. Pero también se le instó a desarrollar su propio estilo. Gradualmente se centró en el concepto de Afro-Mingei, fusionando la filosofía japonesa y las tradiciones populares con la cultura afroamericana. De hecho, muchos de sus primeros proyectos abordaron el significado compartido de la cerámica en las culturas japonesa y afroamericana.

La exposición a la que nos referimos aquí se dividía en dos plantas. La planta baja proporcionaba todo el material contextual con préstamos de varios museos como el Victoria and Albert Museum de Londres, mostrando obras de China, Irán y, más específicamente, obras históricas de algunos de sus héroes de cerámica. Fue principalmente informativo para mí ver todos esos trabajos de diferentes artistas uno al lado del otro.

Una de sus fuentes de inspiración fue David Drake, también conocido como Dave the Potter, el hombre esclavizado que obtuvo su libertad al final de la guerra civil american. Trabajó en alfarerías en Carolina del Sur y pudo hacer vasijas grandes y audaces, a menudo inscritas con líneas de poesía, cuando era ilegal que las personas esclavizadas escribieran. Drake fue un hombre negro explotado, que salvó su dignidad a través de su trabajo y talentos creativos.

Otra gran referencia para el propio trabajo de Gates es el ceramista greco-estadounidense Peter Voulkos (1924-2002), conocido como un ceramista radical. Sus obras en barro cocido se relacionan con el expresionismo abstracto, el zen y, posteriormente, con el arte pop. Gates combina una de sus propias obras con una gran cerámica de gres cocida al horno de leña de Voulkos, su Pinatubo de 1994, que tomó prestada del V&A. Los dos estaban juntos, compartiendo un pedestal. Gates ha realizado varias obras en homenaje a Voulkos, como un acto de lo que se denomina en japonés Utsushi, o “emulación como práctica espiritual”.

La planta superior de la exposición incluía exclusivamente las obras de Theaster Gates, con sus grandes esculturas expuestas y enmarcadas en madera y piedra, evocando a Brancusi y fusionando todas las referencias que inspiran su obra. Me gustó mucho la combinación de todos estos trabajos, incluyendo algunas grandes piezas orgánicas como una vasija de pinchos; una gran vasija de gres vidriado de inspiración asiática, muy afro-mingei; una silla inspirada en la tradición africana y un par de rostros Afro-Mingei enmarcados en madera. Vea nuestra interacción artística con estas obras a continuación. Parece que somos como la arcilla.

El uso de la arcilla en la construcción de comunidades de conocimiento, su papel en el colonialismo y el comercio global y el uso ceremonial y ritual de la cerámica fue muy bien explorado a lo largo de toda la exposición, así como otros temas como la artesanía y la identidad racial. Gates no solo tiene talento para crear su cuerpo de trabajo, sino que también está muy comprometido con la comunidad en general.

No puedo esperar a ver el diseño que creará para el Serpentine Pavilion 2022 este verano llamado ‘Black Chapel’. Este año será el primero que un no-arquitecto comisariará el pabellón. “Rendirá homenaje a las tradiciones artesanales y manufactureras británicas” y se abrirá al público el viernes 10 de junio de 2022, junto a la Serpentine Gallery.

Theaster Gates, top floor of “A Clay Sermon”, Whitechapel Gallery.

Looking for the real self

Doug Aitken
Return to the Real
2 October – 20 December 2019
Victoria Miro I, London, UK

Back to the art world and back on form. Not to say that I haven’t seen art exhibitions since my last post, but I’ve been busy with other things and I couldn’t find the time to post. Apologies to my readers. Here I am again and hopefully back on track every other week.

One of the last exhibitions seen by The art berries was “Return to the Real” by Doug Aitken, which I found interesting from both an aesthetic and an spiritual perspective.

As you enter the art show, the space downstairs is a dark room where you can see a translucent young woman resting on a table with her mobile phone out of reach and other elements with the same shiny appearance. Her groceries still on the plastic bag next to her. She hasn’t had a chance to put them in place. She’s surrounded by light boxes, illuminated dreamscapes, swimming pools, aeroplanes images, unmade white lovely beds and all sort of references to the life we lead in the contemporary world. A world dominated by technology that keep us distracted with images of how to scape from our daily routine and travel far away. Perhaps for just a week, maximum a month, but enough to keep us working towards that goal. Will our heroine find herself amid all these?

The response could lie upstairs. When you climb up the stairs you can see a female form in the middle of a scene dominated by moving sonic sculptures. The scene is like a contemplative scene. The moving sculptures are circular steel wind chimes that rotate in front of a flickering screen. Our heroine is carved in marble, Aitken, says, with ‘deep geological time’ and is bisected in two parts to reveal a mirrored interior. I wonder whether this is the same girl from downstairs who’s managed to find her real self. I do hope so!

Dough Aitken is an an American artist and filmmaker whose work has been featured in multiple places around the world.

Buscando el verdadero yo

Doug Aitken
Return to the Real
2 de octubre – 20 de diciembre de 2019
Victoria Miro I, Londres, Reino Unido

De vuelta al mundo del arte y de vuelta en forma. No quiere decir que no haya visto exposiciones de arte desde mi último post, pero he estado ocupada con otras cosas y no he podido encontrar tiempo para publicar. Disculpas a mis lectores. Aquí estoy de nuevo y espero estar de vuelta cada dos semanas.

Una de las últimas exhibiciones vistas por The art berries fue “Return to the Real” de Doug Aitken, la cual me pareció interesante tanto desde una perspectiva estética como espiritual. Al entrar en la exposición de arte, el espacio de abajo es una habitación oscura donde puedes ver a una joven translúcida descansando sobre una mesa con su teléfono móvil fuera del alcance y otros elementos con la misma apariencia brillante. Su compra todavía en una bolsa de plástico a su lado. No ha tenido la oportunidad de ponerla en su sitio. Está rodeada de cajas de luz, paisajes oníricos iluminados, piscinas, imágenes de aviones, camas blancas sin hacer y todo tipo de referencias a la vida que llevamos en el mundo contemporáneo. Un mundo dominado por la tecnología que nos mantiene distraídos con imágenes de cómo escapar de nuestra rutina diaria y viajar lejos. Tal vez solo por una semana, un máximo de un mes, pero lo suficiente como para mantenernos trabajando hacia ese objetivo. Conseguirá nuestra heroína encontrarse a si misma en medio de todo esto?

La respuesta podría estar arriba. Cuando subes las escaleras puedes ver una forma femenina en medio de una escena dominada por esculturas sonoras en movimiento. La escena es como una escena contemplativa. Las esculturas en movimiento son campanillas de viento circulares de acero que giran frente a una pantalla parpadeante. Nuestra heroína está tallada en mármol, dice Aitken, con “tiempo geológico profundo” y está dividida en dos partes para revelar un interior de espejo. Me pregunto si esta es la misma chica de abajo que ha logrado encontrar su verdadero yo. ¡Espero que sí!

Dough Aitken es un artista y cineasta estadounidense cuyo trabajo se ha presentado en múltiples lugares del mundo.

This slideshow requires JavaScript.

The language of cities

Sarah Morris
17 April 2019 – 30 June 2019
White Cube Bermondsey, London, UK

This is one of the last exhibitions I’ve seen and I wanted to share a few comments and photos that we took there with you here.

White Cube Bermondsey is now displaying the work of Sarah Morris (1967), an artist born in the UK, who lives in New York City (US). The art show, formed mostly by abstract paintings, reflects on the artist’s interest in networks, typologies, architecture, language and the city. Morris plays with the viewer’s sense of visual recognition, often referencing elements of architecture, but also the graphic identity of multinational corporations, the iconography of maps, GPS technology, as well as the movement of people within urban environments.

For instance, her new series of ‘Sound Graph’ paintings use the language of American abstraction, minimalism and pop art, while the forms are derived from the artist’s sound files, using the speech from audio recordings as a starting point for the compositions. You can see me (the art blueberry) interacting with one of these paintings ‘Reality is its own ideology (Sound Graph)’ below. The inherent movement in these pictures responds to the theme of the painting that comes from an audio recording.

There’s also an artwork that occupies a separate room and includes Morris’s first sculpture, titled ‘What can be explained can also be predicted (2019)’. It’s made of modular, glass tubes of various heights and colours over a colourful plinth that reminded me of city skyscrapers, but they are also like a musical instrument. It’s a phallic and architectonic sculpture at the same time.

Morris’ work is full references to the cities we inhabit these days. A constantly evolving network of visual, social and political connections that make cities full of vibrancy and energy, always opening space for change and innovation.

El lenguaje de las ciudades

Sarah Morris
17 de abril de 2019 – 30 de junio de 2019
White Cube Bermondsey, Londres, Reino Unido

Esta es una de las últimas exposiciones de arte que he visto y quería compartir algunos comentarios y fotos que hicimos allí con vosotros.

White Cube Bermondsey muestra ahora el trabajo de Sarah Morris (1967), una artista nacida en el Reino Unido que vive en Nueva York (USA). La muestra de arte, formada principalmente por pinturas abstractas, refleja el interés de la artista en las redes, las tipologías, la arquitectura, el idioma y la ciudad. Morris juega con el reconocimiento visual del espectador, haciendo referencia a menudo a elementos de la arquitectura, pero también a la identidad gráfica de corporaciones multinacionales, a la iconografía de los mapas, a la tecnología GPS, así como al movimiento de personas en entornos urbanos.

Por ejemplo, su nueva serie de pinturas ‘Sound Graph’ utiliza el lenguaje de la abstracción estadounidense, el minimalismo y el arte pop, mientras que las formas se derivan de los archivos de sonido de la artista, utilizando grabaciones de audio como punto de partida para las composiciones. Puedes verme (The art blueberry) interactuar con una de estas pinturas “Realidad es su propia ideología (Sound Graph)” a continuación. El movimiento inherente en estas imágenes responde al tema de esta pintura que se deriva de una grabación de audio.

También hay una obra de arte que ocupa una habitación separada e incluye la primera escultura de Morris, titulada “Lo que se puede explicar también se puede predecir (2019)”. Está hecha de tubos de vidrio modulares de varias alturas y colores sobre un colorido zócalo que me recuerda a los rascacielos de muchas ciudades, pero también es como un instrumento musical. Es una escultura fálica y arquitectónica a la vez.

La obra de Morris está llena de referencias a las ciudades que habitamos en estos días. Una red en constante evolución de conexiones visuales, sociales y políticas que hacen que las ciudades estén llenas de vitalidad y energía, siempre abriendo espacio para el cambio y la innovación.

The stories that resonate with us

Joan Jonas
Tate Modern, London, UK
14 March – 5 August

If you’re interested in performance art, you’re in luck, because there’s now an art exhibition at Tate Modern focused on the work of Joan Jonas, a pioneer of performance, video and installation and one of the most important female artists to emerge in the late 1960s and early 1970s.

Jonas was born in 1936 in New York City and after finishing her degree in Art History, she went to specialise in sculpture. But, immersed in the New York’s downtown art scene of the 1960s she began experimenting with performance, video and props after studying with influential choreographer Trisha Brown for two years, and working with choreographers Yvonne Rainer and Steve Paxton in the 1960s.

This art exhibition at Tate Modern showcases Joan Jonas’s great contribution to art over the last five decades, uniting some of her most important pieces. The exhibition is curated by Andrea Lissoni in close collaboration with the artist.

The show is ordered by subject, as we can see how Jonas sometimes revisited topics various times throughout her career. She takes inspiration from different cultures and sources, from fairy tales to myths and local folklore, adapting them to relate to contemporary life. Using props, mirrors and video screens she creates a complex layering of images that serve her to convey her interest in music, female identity, the environment, as well as natural and urban landscapes.

As we came into the show we could see a range of objects from Jonas’ personal collections, such as masks, wooden animals and items collected on her travels, and the following text in a caption: “one object next to another is like making a visual poem”. It was certainly like entering the individual universe of the artist, something I particularly enjoy.

The second room gave us a selections of the different art performances Jonas had done throughout the years in collaboration with other artists listed here: Benjamin Blackwell, David Crossley, Babette Mangolte, Richard Landry, Gwen Thomas, Gianfranco Gorgoni, Peter Moore, Larry Bell, Roberta Neiman, Beatrice Heyligers and Giorgio Colombo. This room gave us a view of two of her earliest performances such as “Mirror Pieces” (1968-71), in which she alters the audience perception of space using mirror as the central motif, and “Organic Honey Visual Telepaphy” (1972), where Jonas scans her own fragmented image onto a video screen.

The next room of the exhibition was “The Juniper Tree” an installation created in 1994 that evolved from performances staged in 1976 and 1978. I was mesmerised by this installation and intrigued by the story in which it was based. It refers to the Brothers Grimm fairy tale about a little boy who was beheaded by his stepmother and eaten by his father, before being reincarnated as a bird with the help of this stepsister. The juniper tree is where the boy’s mother had been buried and where he was buried by his stepmother before a beautiful bird flied out from it. The bird kills his stepmother by dropping a stone on her head and turned back into a boy to live happily ever after with his father and stepsister. Joan Jonas performed with this installation in various places, alone and collaboratively, and the version conserved here is the last one from 1978.

The art raspberry used her own intuition to perform next to “The Juniper Tree”, adding a new interpretation to the artwork. She saw herself as the tree that was present and muted throughout the story, and somehow an ally to the boy.

Jonas’ passion of story-telling was evident also in “Lines in the Sand” (2002), an installation and performance created for Documenta 11, in which Jonas reworks the myth of Helen of Troy to explore contemporary political events. And by the end of exhibition, we could see “Double Lunar Rabbits” (2010) in which she draws inspiration from the story of a rabbit on the moon, both a Japanese myth and Aztec fable.

However, some of my favourite pieces in this show were contained in a room with multiples references to birds. We could see them projected on screens, hanging from the ceiling, painted on canvas. I remembered how I used to dream that I could fly when I was little and I felt tempted to become one of them once again.

Finally, we saw some of her latest pieces in a different room downstair, with not much lighting and a really strong ritualistic feeling. There Jonas touches issues of climate change and animal extinction, subjects that are central to the artist’s current practice.

Las historias que resuenan con nosotros

Joan Jonas
Tate Modern, Londres, Reino Unido
Del 14 de marzo al 5 de agosto

Si te interesa el arte del ‘performance’, estás de suerte, porque ahora hay una exposición de arte en Tate Modern (Londres) centrada en el trabajo de Joan Jonas, pionera del arte del ‘performance’, video e instalación y una de las artistas femeninas más importantes que surgieron a finales de la década de 1960 y principios de la de 1970.

Jonas nació en 1936 en la ciudad de Nueva York y después de terminar sus estudios en Historia del Arte, se especializó en escultura. Pero, inmersa en la escena artística del centro de la ciudad de Nueva York de la década de 1960, comenzó a experimentar con performance, video y accesorios después de estudiar con la influyente coreógrafa Trisha Brown durante dos años y trabajar con los coreógrafos Yvonne Rainer y Steve Paxton en la década de 1960.

Esta exposición en Tate Modern muestra la gran contribución de Joan Jonas al arte en las últimas cinco décadas, uniendo algunas de sus piezas más importantes. La exposición está comisariada por Andrea Lissoni en estrecha colaboración con la artista.

La muestra está ordenada por temas, ya que Jonas vuelve a tocar los mismos temas varias veces a lo largo de su carrera. Se inspira en diferentes culturas y fuentes, pasando por cuentos de hadas, mitos y folclore local, y adaptándolos para relacionarlos con la vida contemporánea. Utilizando accesorios, espejos y pantallas de video crea una compleja colección de imágenes que le sirven para transmitir su interés en la música, la identidad femenina, el medio ambiente, así como en paisajes naturales y urbanos.

Cuando entramos a la exposición pudimos ver una variedad de objetos de la colección personal de Jonas, como máscaras, animales de madera y objetos recogidos en sus viajes junto con el siguiente mensaje escrito en una leyenda: “un objeto al lado del otro es como hacer un poema visual “. Ciertamente fue como entrar en el universo individual del artista, algo que disfruto particularmente.

La segunda sala ofrece una selección de las diferentes representaciones artísticas que Jonas hizo a lo largo de los años en colaboración con otros artistas incluidos aquí: Benjamin Blackwell, David Crossley, Babette Mangolte, Richard Landry, Gwen Thomas, Gianfranco Gorgoni, Peter Moore, Larry Bell, Roberta Neiman, Beatrice Heyligers y Giorgio Colombo. Esta sala presenta dos de sus primeras actuaciones como: “Mirror Pieces” (1968-71), en la que altera la percepción del espacio en el público utilizando el espejo como motivo central, y “Organic Honey Visual Telepaphy” (1972) , donde Jonas proyecta su propia imagen fragmentada en una pantalla de video.

La siguiente sala de la exposición es “The Juniper Tree”, una instalación creada en 1994 que evolucionó a partir de las ‘performances’ realizadas en 1976 y 1978. Me cautivó esta instalación y me intrigó la historia en la que se basaba. Se refiere al cuento de hadas de los hermanos Grimm sobre un niño que fue decapitado por su madrastra y comido por su padre, antes de reencarnarse en un pájaro con la ayuda de su hermanastra. El árbol de enebro es donde la madre del niño había sido enterrada y donde el niño fué enterrado por su madrastra antes de que un hermoso pájaro volara desde allí. El pájaro mata a su madrastra arrojándole una piedra en la cabeza y se vuelve a convertir en un niño que vive feliz para siempre con su padre y su hermanastra. Joan Jonas actuó con esta instalación en varios lugares, sóla y en colaboración, y la versión que se presenta aquí es la última de 1978.

‘The art raspberry’ usó su propia intuición con esta obra de “The Juniper Tree” para el ‘performance’ y añadió una nueva interpretación a la obra de arte. Ella es el árbol de enebro que esta presente y en silencio a lo largo de la historia, y es de alguna manera un aliado del niño.

La pasión de Jonas por contar historias también se hizo evidente en “Lines in the Sand” (2002), una instalación y performance creada para Documenta 11, en la que Jonas recrea el mito de Helena de Troya para explorar eventos políticos contemporáneos. Y al final de la exposición, pudimos ver “Double Lunar Rabbits” (2010) en el que se inspira en la historia de un conejo en la luna, un mito japonés y una fábula azteca.

Sin embargo, algunas de mis piezas favoritas en esta muestra de arte están en una sala con múltiples referencias a pájaros. Se pueden ver proyectados en pantallas, colgando del techo, pintados sobre lienzo. Recordé cómo solía soñar que podía volar cuando era niña y me sentí tentada a volver a ser uno de ellos.

Finalmente, vimos algunas de sus últimas piezas en una habitación inferior, sin demasiada iluminación y con un fuerte sentimiento ritual. Allí Jonas toca los problemas del cambio climático y la extinción de los animales, temas que son fundamentales para la práctica actual de la artista.