Skinning past memories

Heidi Bucher
19 September – 9 December 2018
Parasol Unit gallery, London, UK

The art berries were visiting a couple of weeks ago the Parasol Unit in London, and discovered the work made by Heidi Bucher (1926-1993), a Swiss artist who was interested in exploring architectural space and the body through sculpture. This is apparently the first time her work is displayed in a public gallery 25 years after her death.

I really enjoyed to see the various pieces presented on both floors of this gallery, which may sound very much in tune with what I say about most art exhibitions we visit, but it must be because we choose to see good art exhibitions to bring you the best art on show.

Heidi Bücher was born in Winterthur, Switzerland, and attended the School for the Applied Arts in Zurich. She collaborated in the early 1970’s with her husband and sculptor Carl Bucher. Her early early work was mainly focused on the body and we can see some of these pieces on the screenings of films documenting her work. One of the art pieces showed on the screening is “Bodyshells” that was showcased in an exhibition at the Museum of Contemporary Crafts, now known as the Museum of Art and Design in NYC. This 8mm footage shows various figures covered in big foam costumes and moving slowly across the beach in LA. Their interaction with the surroundings changed completely when dressing like that.

However, the most impressive artworks on shows at this exhibition are the series of Bucher’s large-scale latex “Skinnings”, as she liked to call them. Bucher became more interested in the body’s relationship to space in her later work. In the mid-70s she started experimenting with a new technique, consisting in soaking gauze sheets in latex rubber and using them to cast room interiors, objects, clothing and the human body. We can see on the film projected on the small room downstairs that the peeling-off process from the original surfaces was like a performance on its own because of the physical strength required and the meaning implied.

These works present a haunting imprint of an architectural surface and the peeling-off process seems to represent a liberation from these memories.

TAB_Heidi Bucher blackberryTAB_Heidi Bucher blueberry

In contrast, the works displayed on the first-floor of the gallery are more related to impermanence and fragility. The artist reflected on concepts such as ephemerality, transformation and metamorphosis. We could see latex costume-objects such as the wings of a dragonfly on “Libellenkleid” (1976), next to which we can see The art blackberry on one of our photos below, as well as various examples of beautiful dresses that can potentially transform the wearer into someone else. Likewise the water related artwork on show on the terrace and on the ground-floor seem to be more in consonance with these notions of ephemerality.

TAB_Heidi Bucher dragonfly

It is great to see her artistic process on the videos and the different avenues she used to explore the ideas that concerned her the most. All of them embodied of superb aesthetic power.


Despellejando recuerdos del pasado
Heidi Bucher
19 de septiembre – 9 de diciembre de 2018
Parasol Unit gallery, Londres, Reino Unido

The art berries estuvimos hace un par de semanas visitando la galería Parasol Unit en Londres, donde descubrimos la obra de Heidi Bucher (1926-1993), una artista suiza que estaba interesada en explorar el espacio arquitectónico y el cuerpo a través de la escultura. Aparentemente, esta es la primera vez que su trabajo se exhibe en una galería pública 25 años después de su muerte.

Me encantó ver las diversas piezas presentadas en ambos pisos de esta galería, que pueden sonar muy en sintonía con lo que digo acerca de la mayoría de las exposiciones de arte que visito, pero debe ser porque elegimos ver buenas muestras de arte para brindarte el mejor arte en exposición.

Heidi Bücher nació en Winterthur, Suiza, y asistió a la Escuela de Artes Aplicadas de Zurich. Colaboró ​​a principios de la década de 1970 con su esposo y escultor Carl Bucher. Sus primeros trabajos tempranos se centraron principalmente en el cuerpo y podemos ver algunas de estas piezas en las proyecciones de películas que documentan su trabajo.  Una de las piezas de arte que se muestran en la proyección es “Bodyshells” que se exhibió en una exposición en el Museo de Artesanía Contemporánea, ahora conocido como el Museo de Arte y Diseño en Nueva York. Este video de 8 mm muestra varias figuras cubiertas con grandes disfraces de espuma y avanzando lentamente por la playa en Los Ángeles. Su interacción con el entorno circundante cambiaba por completo al ir así vestidos.

Sin embargo, las obras de arte más impresionantes de esta exhibición son las series de látex a gran escala “Skinnings”, como a Bucher le gustaba llamarlas. Bucher se interesó más en la relación del cuerpo con el espacio en su trabajo posterior. A mediados de los años 70, comenzó a experimentar con una nueva técnica, que consistía en remojar láminas de gasa en látex y usarlas para moldear interiores de interiores, objetos, ropa y el cuerpo humano. Podemos ver en la película que se muestran en una pequeña habitación en la planta baja que el proceso de desprendimiento fue como una performance en sí misma debido a la fuerza física requerida y el significado implícito.

TAB_Heidi Bucher blackberryTAB_Heidi Bucher blueberry

Estas obras se presentan como una huella evocativa de una superficie arquitectónica y el proceso de desprendimiento parece representar una liberación de estos recuerdos.

 

 

En contraste, las obras que se muestran en el primer piso de la galería están más relacionadas con impermanencia y fragilidad. La artista reflexionó sobre conceptos como transformación y metamorfosis. Podríamos ver los disfraces de látex, como las alas de una libélula en “Libellenkleid” (1976), junto al cual podemos ver El arte blackberry en una de nuestras fotos de abajo, así como varios ejemplos de hermosos vestidos que pueden transformar el portador en otra persona. Del mismo modo, las obras de arte relacionadas con el agua que se muestran en la terraza y en la planta baja parecen estar más en consonancia con esas nociones de arte efímero.

TAB_Heidi Bucher dragonfly

Es genial ver su proceso artístico en los videos y las diferentes vías que utilizó para explorar las ideas que más le interesaban. Todos ellas poseedoras de excelente poder estético.

The stories that resonate with us

Joan Jonas
Tate Modern, London, UK
14 March – 5 August

If you’re interested in performance art, you’re in luck, because there’s now an art exhibition at Tate Modern focused on the work of Joan Jonas, a pioneer of performance, video and installation and one of the most important female artists to emerge in the late 1960s and early 1970s.

Jonas was born in 1936 in New York City and after finishing her degree in Art History, she went to specialise in sculpture. But, immersed in the New York’s downtown art scene of the 1960s she  began experimenting with performance, video and props after studying with influential choreographer Trisha Brown for two years, and working with choreographers Yvonne Rainer and Steve Paxton in the 1960s.

This art exhibition at Tate Modern showcases Joan Jonas’s great contribution to art over the last five decades, uniting some of her most important pieces. The exhibition is curated by Andrea Lissoni in close collaboration with the artist.

The show is ordered by subject, as we can see how Jonas sometimes revisited topics various times throughout her career. She takes inspiration from different cultures and sources, from fairy tales to myths and local folklore, adapting them to relate to contemporary life.  Using props, mirrors and video screens she creates a complex layering of images that serve her to convey her interest in music, female identity, the environment, as well as natural and urban landscapes.

As we came into the show we could see a range of objects from Jonas’ personal collections, such as masks, wooden animals and items collected on her travels, and the following text in a caption: “one object next to another is like making a visual poem”. It was certainly like entering the individual universe of the artist, something I particularly enjoy.

The second room gave us a selections of the different art performances Jonas had done throughout the years in collaboration with other artists listed here: Benjamin Blackwell, David Crossley, Babette Mangolte, Richard Landry, Gwen Thomas, Gianfranco Gorgoni, Peter Moore, Larry Bell, Roberta Neiman, Beatrice Heyligers and Giorgio Colombo. This room gave us a view of two of her earliest performances such as “Mirror Pieces” (1968-71), in which she alters the audience perception of space using mirror as the central motif, and “Organic Honey Visual Telepaphy” (1972), where Jonas scans her own fragmented image onto a video screen.

The next room of the exhibition was “The Juniper Tree” an installation created in 1994 that evolved from performances staged in 1976 and 1978. I was mesmerised by this installation and intrigued by the story in which it was based. It refers to the Brothers Grimm fairy tale about a little boy who was beheaded by his stepmother and eaten by his father, before being reincarnated as a bird with the help of this stepsister. The juniper tree is where the boy’s mother had been buried and where he was buried by his stepmother before a beautiful bird flied out from it. The bird kills his stepmother by dropping a stone on her head and turned back into a boy to live happily ever after with his father and stepsister. Joan Jonas performed with this installation in various places, alone and collaboratively, and the version conserved here is the last one from 1978.

The art raspberry used her own intuition to perform next to “The Juniper Tree”, adding a new interpretation to the artwork. She saw herself as the tree that was present and muted throughout the story, and somehow an ally to the boy.

Jonas’ passion of story-telling was evident also in “Lines in the Sand” (2002), an installation and performance created for Documenta 11, in which Jonas reworks the myth of Helen of Troy to explore contemporary political events. And by the end of exhibition, we could see “Double Lunar Rabbits” (2010) in which she draws inspiration from the story of a rabbit on the moon, both a Japanese myth and Aztec fable.

However, some of my favourite pieces in this show were contained in a room with multiples references to birds. We could see them projected on screens, hanging from the ceiling, painted on canvas. I remembered how I used to dream that I could fly when I was little and I felt tempted to become one of them once again.

Finally, we saw some of her latest pieces in a different room downstair, with not much lighting and a really strong ritualistic feeling. There Jonas touches issues of climate change and animal extinction, subjects that are central to the artist’s current practice.


Las historias que resuenan con nosotros

Joan Jonas
Tate Modern, Londres, Reino Unido
Del 14 de marzo al 5 de agosto

Si te interesa el arte del ‘performance’, estás de suerte, porque ahora hay una exposición de arte en Tate Modern (Londres) centrada en el trabajo de Joan Jonas, pionera del arte del ‘performance’, video e instalación y una de las artistas femeninas más importantes que surgieron a finales de la década de 1960 y principios de la de 1970.

Jonas nació en 1936 en la ciudad de Nueva York y después de terminar sus estudios en Historia del Arte, se especializó en escultura. Pero, inmersa en la escena artística del centro de la ciudad de Nueva York de la década de 1960, comenzó a experimentar con performance, video y accesorios después de estudiar con la influyente coreógrafa Trisha Brown durante dos años y trabajar con los coreógrafos Yvonne Rainer y Steve Paxton en la década de 1960.

Esta exposición en Tate Modern muestra la gran contribución de Joan Jonas al arte en las últimas cinco décadas, uniendo algunas de sus piezas más importantes. La exposición está comisariada por Andrea Lissoni en estrecha colaboración con la artista.

La muestra está ordenada por temas, ya que Jonas vuelve a tocar los mismos temas varias veces a lo largo de su carrera. Se inspira en diferentes culturas y fuentes, pasando por cuentos de hadas, mitos y folclore local, y adaptándolos para relacionarlos con la vida contemporánea. Utilizando accesorios, espejos y pantallas de video crea una compleja colección de imágenes que le sirven para transmitir su interés en la música, la identidad femenina, el medio ambiente, así como en paisajes naturales y urbanos.

Cuando entramos a la exposición pudimos ver una variedad de objetos de la colección personal de Jonas, como máscaras, animales de madera y objetos recogidos en sus viajes junto con el siguiente mensaje escrito en una leyenda: “un objeto al lado del otro es como hacer un poema visual “. Ciertamente fue como entrar en el universo individual del artista, algo que disfruto particularmente.

 

La segunda sala ofrece una selección de las diferentes representaciones artísticas que Jonas hizo a lo largo de los años en colaboración con otros artistas incluidos aquí: Benjamin Blackwell, David Crossley, Babette Mangolte, Richard Landry, Gwen Thomas, Gianfranco Gorgoni, Peter Moore, Larry Bell, Roberta Neiman, Beatrice Heyligers y Giorgio Colombo. Esta sala presenta dos de sus primeras actuaciones como: “Mirror Pieces” (1968-71), en la que altera la percepción del espacio en el público utilizando el espejo como motivo central, y “Organic Honey Visual Telepaphy” (1972) , donde Jonas proyecta su propia imagen fragmentada en una pantalla de video.

La siguiente sala de la exposición es “The Juniper Tree”, una instalación creada en 1994 que evolucionó a partir de las ‘performances’ realizadas en 1976 y 1978. Me cautivó esta instalación y me intrigó la historia en la que se basaba. Se refiere al cuento de hadas de los hermanos Grimm sobre un niño que fue decapitado por su madrastra y comido por su padre, antes de reencarnarse en un pájaro con la ayuda de su hermanastra. El árbol de enebro es donde la madre del niño había sido enterrada y donde el niño fué enterrado por su madrastra antes de que un hermoso pájaro volara desde allí. El pájaro mata a su madrastra arrojándole una piedra en la cabeza y se vuelve a convertir en un niño que vive feliz para siempre con su padre y su hermanastra. Joan Jonas actuó con esta instalación en varios lugares, sóla y en colaboración, y la versión que se presenta aquí es la última de 1978.

‘The art raspberry’ usó su propia intuición con esta obra de “The Juniper Tree” para el ‘performance’ y añadió una nueva interpretación a la obra de arte. Ella es el árbol de enebro que esta presente y en silencio a lo largo de la historia, y es de alguna manera un aliado del niño.

La pasión de Jonas por contar historias también se hizo evidente en “Lines in the Sand” (2002), una instalación y performance creada para Documenta 11, en la que Jonas recrea el mito de Helena de Troya para explorar eventos políticos contemporáneos. Y al final de la exposición, pudimos ver “Double Lunar Rabbits” (2010) en el que se inspira en la historia de un conejo en la luna, un mito japonés y una fábula azteca.

Sin embargo, algunas de mis piezas favoritas en esta muestra de arte están en una sala con múltiples referencias a pájaros. Se pueden ver proyectados en pantallas, colgando del techo, pintados sobre lienzo. Recordé cómo solía soñar que podía volar cuando era niña y me sentí tentada a volver a ser uno de ellos.

Finalmente, vimos algunas de sus últimas piezas en una habitación inferior, sin demasiada iluminación y con un fuerte sentimiento ritual. Allí Jonas toca los problemas del cambio climático y la extinción de los animales, temas que son fundamentales para la práctica actual de la artista.

Joan Jonas-Juniper Tree1

Joan Jonas-Juniper Tree3

Joan Jonas-climbing

Joan Jonas-Birds1

Joan Jonas-Bird2