art installations – The art berries

Fibrous structures

Magdalena Abakanowicz
Every tangle of threat and rope
21 May 2023
Tate Modern, London, UK

This is the last weekend of this art exhibition at Tate Modern. If you haven’t seen it and you haven’t got other plans for the weekend, I encourage you to go. So far, it’s been my favourite art show this year, and certainly an interesting experience getting to know the work of this artist.

Magdalena Abakanowicz (1930-2017) was a Polish sculpture and fiber artist, known for her use of textiles as sculptural medium. Today she’s highly regarded as one of Poland’s most internationally acclaimed artists. She was born to an aristocratic family and lived in the countryside during her childhood, until the Second World War and subsequently the communist regime reversed their life.

Luckily the forest of her childhood used as an inspiration for her artworks was quite neutral, so the censorship to her work was milder than for other artists. An early show of her work, however, was shut down by the authorities for not actively engaging with the building of socialism. Individual expression had to be in service of the common good at the time. On the other side, the state encouraged cooperation between designers, craftspeople and artisans, which was used by Abakanowicz in her advatange. She became the pioneer of fiber-based sculpture and installation in the 1960s.

Abakanowicz was a weaver of sculptures. But what she did was so radical that it keeps amazing us today. She took the conventional flat tapestry woven for thousands of years and remade it in three dimensions. Her weavings are huge works suspended from the ceiling of organic quality. The artist takes you in a journey that showcases her ideas about nature’s power and our place in it as human beings.

As you enter the art show, you’re presented to smaller works that give you an overview of her beginnings as an artist, including naturalistic abstraction, geometric compositions filled with organic forms, some in paper, other in canvas. Her early tapestries are big, sombre abstracts of brown, beige and tan wool. Some parts are ragged, others braided. The resemble old carpets worn and tattered by lot of use.

Abakanowicz saw fibre, “as the basic element constructing the organic world… the tissue of plants, leaves and ourselves, our nerves, our genetic codes… We are fibrous structures.” she said.

Soon she outgrew the idea of making rectangular works and let the tapestries take a freer form hanging from the ceiling. She started by making them with curved, perforated and wavy shapes. Her works hanging from the ceiling are fibrous, twisted, knotted, and have ropes dangling nearby or animal horns, so that they seem to take on a life of their own. Its material warmth and earthy organic scent is comforting to the viewer.

The central room showcases a collection of dark works as described above; it was like encountering nature in its most basic, original state with its strength and comforting power. As you move along the show you start coming across the human body deconstructed in pieces. You’ll be arrested by the depictions of the female body, of opened labia, the body’s orifices and protuberances, breasts, pregnant bellies and so on.

One of the difficulties facing critics of Abakanowicz’s work through the 1960s and 70s was how to place the varied and multiform things she made. Were her wall-hangings and suspended woven works art at all? Was it craft or “applied art” or “fibre art”? Was it sculpture? Critics called her a “painter at the looms”, and described her works as “carpet creatures”. They even received the name of Abakans, coming from her surname.

This art exhibition at the Tate Modern is like a primal experience. As you move through the artworks a forest seem to emerge around you. Some dark works of art seem to be branching out like trees, others tangled like vines, others are like trunks opened to protect you from a storm. An ancient forest, primal and mysterious – all created from wool develops around you. And subsequently, a deconstruction of the human body, only to remember us that we are part of nature. Let’s not forget that!

Estructuras fibrosas

Magdalena Abakanowicz
Every tangle of threat and rope
21 mayo 2023
Tate Modern, Londres, Reino Unido

Este es el último fin de semana de esta exposición de arte en la Tate Modern. Si no la has visto y no tienes otros planes para el fin de semana, te animo a que vayas. Hasta ahora, ha sido mi exhibición de arte favorita este año, y sin duda una experiencia interesante conocer el trabajo de esta artista.

Magdalena Abakanowicz (1930-2017) fue una artista polaca de escultura y fibra, conocida por su uso de textiles como medio escultórico. Hoy en día es considerada como una de las artistas polacas más aclamadas internacionalmente. Nació en una familia aristocrática y vivió en el campo durante su infancia, hasta que la Segunda Guerra Mundial y posteriormente el régimen comunista cambiaron su vida.

Afortunadamente, el bosque de su infancia que usó como inspiración para su arte fue bastante neutral, por lo que la censura a su trabajo fue más leve que para otros artistas. Sin embargo, las autoridades cerraron una muestra temprana de su trabajo por no participar activamente en la construcción del socialismo. La expresión individual tenía que estar al servicio del bien común de la época. Por otro lado, el estado fomentó la cooperación entre diseñadores y artesanos, lo que fue aprovechado por Abakanowicz en su beneficio. Se convirtió en pionera de la escultura e instalaciones a base de fibra en la década de 1960.

Abakanowicz era tejedora de esculturas. Pero lo que hizo fue tan radical que hoy nos sigue sorprendiendo. Tomó el tapiz plano convencional tejido durante miles de años y lo rehízo en tres dimensiones. Sus tejidos son obras gigantescas suspendidas del techo de calidad orgánica. La artista te lleva en un viaje que muestra sus ideas sobre el poder de la naturaleza y nuestro lugar en ella como seres humanos.

Al entrar en la exposición de arte, se presentan obras más pequeñas que te brindan una descripción general de sus inicios como artista, incluida la abstracción naturalista, composiciones geométricas llenas de formas orgánicas, algunas en papel, otras en lienzo. Sus primeros tapices son resúmenes grandes y sombríos de lana marrón, beige y canela. Algunas partes están rotas, otras trenzadas. Se parecen a alfombras viejas gastadas y rotas por mucho uso.

Abakanowicz veía la fibra, “como el elemento básico que construye el mundo orgánico… el tejido de las plantas, las hojas y nosotros mismos, nuestros nervios, nuestros códigos genéticos… Somos estructuras fibrosas” dijo ella.

Pronto superó la idea de hacer obras rectangulares y dejó que los tapices tomaran una forma más libre colgando del techo. Empezó haciéndolas con formas curvas, perforadas y onduladas. Sus obras colgadas del techo son fibrosas, retorcidas, anudadas y tienen cuerdas colgando cerca o cuernos de animales de manera que parecen cobrar vida propia. Su calidez material y olor orgánico terroso es reconfortante para el espectador.

La sala central exhibe una colección de obras oscuras como he descrito arriba; fue como encontrarse con la naturaleza en su estado primigenio con toda su fuerza y poder reconfortante. A medida que avanzas en la muestra, comienzas a encontrarte con el cuerpo humano deconstruido en pedazos. Te cautivarán las representaciones del cuerpo femenino, de los labios abiertos, los orificios y protuberancias del cuerpo, los senos, las barrigas de embarazo, etc.

Una de las dificultades que enfrentaron los críticos del trabajo de Abakanowicz durante las décadas de 1960 y 1970 fue cómo ubicar las cosas variadas y multiformes que hizo. ¿Sus tapices y tejidos suspendidos eran arte en absoluto? ¿O era artesanía o “arte aplicado” o “arte de la fibra”? ¿Era escultura? Los críticos la llamaron “pintora de los telares”, y describieron sus obras como “criaturas de alfombra” e incluso recibieron el nombre de Abakans, proveniente de su apellido.

Esta exposición de arte en la Tate Modern es como una experiencia primaria. A medida que avanzas por la muestra, parece que un bosque emerge a tu alrededor. Algunas obras de arte oscuras parecen ramificarse como árboles, otras se enredan como vides, otras son como troncos abiertos para protegerte de una tormenta. Un bosque antiguo, primitivo y misterioso, todo creado a partir de lana se despliega a tu alrededor. Y luego, una deconstrucción del cuerpo humano a continuación, solo para recordarnos que somos parte de la naturaleza. ¡No olvidemos eso!

Disquieting apocalyptic visions

Mike Nelson
Extinction Beckons
22 Feb – 7 May 2023
Hayward Gallery, London, UK

I only found out about this exhibition when it had been open for over a month and it closes soon. But since it’s the first Mike Nelson survey exhibition to date, I didn’t want to miss it. In my opinion, he is one of the most notable British artists working today, whom I covered previously on this other post about his art show at the Duveen gallery in Tate Britain in 2019.

‘Extinction Beckons’ brings together many installations taken from different places, many of which are presented here for the first time since they were initially exhibited. For this survey, rather than rebuild past works, Nelson has reimagined them, breaking them up and recontextualising them.

Nelson draws on science fiction for its narrative construction and is not tied to representations of the real world. He combines different architectural spaces with no clear relation to one another. We can only find this in a novel or in film, or in virtual reality, but we cannot find this in the real world. What’s more, he adds such a level of detail that it feels real.

Constructed with materials rummaged from salvage yards, junk shops, auctions and flea markets, his installations have some sort of disquieting life-like quality, in which past, present and future are hard to pin down. Highlighting his interest on the idea of time as a fluid concept. Often the abandoned-looking spaces Nelson creates contain traces of past activities and people, but their uncanny atmosphere makes them appear like visions of a dystopian future.

The first room you encounter as you enter the art show is a red and dim-lit room that seemed to resemble a photographic dark room with shelves full of the sort of material you would find in a shed in your garden. That light and the set up bring you into a time-lagged alternative dimension.

The next big installation is a complex labyrinth made of wood, which makes you go from one room to another with the sound of screeching doors and flickering lights in some of them, a phone that doesn’t ring and an old fan in motion. This messed my sense of orientation, and I couldn’t avoid feeling anxious as I moved from one room to the next. I must say that I have an aversion to claustrophobic spaces. I wasn’t sure whether I had travelled back in time or this was part of an apocalyptic view of the future.

As you climb up the stairs, you encounter a room full of sand and burnt-out tyres that includes a half-burying shed with a photographic lab inside filled with red light. This is Nelson’s vision of an abandoned woodshed ‘drowned in a desert’, which references the iconic work by American artist Robert Smithson ‘Partially buried woodshed’. A hint to a sci-fi portrayal of a post-apocalyptic world. Making his work during the Iraq war, Nelson substituted sand for Smithson’s earth and added the oil barrels to evoke a Middle Eastern landscape.

The following room includes some of the pieces he used through “The Asset Strippers” at Tate Britain a few years ago to reflect on the death of the manufacturing industry in the UK with the lost jobs and the impact it had in many lives. Nelson’s sculpture alludes to the industrial functions of metal. He allows his objects to be relics first, sculptures second, and machines again with a mysterious appearance that makes you look at them in a new light. See the new version I’m including of the ‘Magical thinking and twisted logic…’ in comparison to the one we made at Tate Britain with The art blackberry on it.

The art blueberry interacting with Mike Nelson’s installation ‘Magical thinking and twisted logic…’.

With all his references to sci-fi, failed political movements, dark histories, countercultures, while also using references to capitalism, colonialism, war and the environment, he seems to bring us to alternative ways of living and thinking in an increasingly homogenised and globalised world. He has been particularly inspired by authors such as William Burroughs, Arkady and Boris Strugatsky, J.G. Ballard and Stanislaw Lemr.

The sequence of installations recreated for this survey exhibition immerse the viewer in a psychologically charge space that manages to disorient and encapsulate you. His work is highly emotional and disquieting, but also a good view into the artist’s complex thought process.

The little art gooseberry interacting with Mike Nelson’s installation at the Hayward gallery.

Inquietantes visiones apocalípticas

Mike Nelson
Señales de extinción
22 de febrero – 7 de mayo de 2023
Hayward Gallery, Londres, Reino Unido

Sólo supe de esta exposición cuando llevaba abierta más de un mes y cierra pronto. Pero dado que es la primera retrospectiva de Mike Nelson hasta la fecha, no quería perdérmela. En mi opinión, es uno de los artistas británicos más notables que hay en la actualidad, a quien cubrí anteriormente en este post sobre su exposición de arte en la galería Duveen en Tate Britain en 2019.

‘Extinction Beckons’ reúne muchas instalaciones tomadas de diferentes lugares, muchas de las cuales se presentan aquí por primera vez desde que se exhibieron inicialmente. Para esta retrospectiva, en lugar de reconstruir obras anteriores, Nelson las ha vuelto a imaginar, dividiéndolas y recontextualizándolas.

Nelson se inspira en ciencia ficción para su construcción narrativa y no se ata a representaciones del mundo real. Combina diferentes espacios arquitectónicos sin una clara relación entre ellos. Solo podemos encontrar esto en una novela o en una película, o incluso en la realidad virtual, pero no podemos encontrarlo en el mundo real. Además, agrega tal nivel de detalle que parece real.

Construidas con materiales extraídos de chatarrerías, subastas y mercadillos, sus instalaciones tienen una especie de inquietante parecido a la realidad, en las que el pasado, el presente y el futuro son difíciles de precisar. Esto destaca su interés por la idea del tiempo como un concepto fluido. A menudo, los espacios de aspecto abandonado que crea Nelson contienen rastros de actividades y personas pasadas, pero su extraña atmósfera los hace parecer visiones de un futuro distópico.

La primera habitación con la que te encuentras al entrar en la exposición de arte es una habitación roja y tenuemente iluminada que parece una habitación oscura fotográfica con estantes llenos de todo tipo de material que encontrarías en un cobertizo en tu jardín. Esa luz y la configuración te llevan a una dimensión alternativa en el tiempo en la que pudiera haber un retraso entre causa y efecto.

La siguiente gran instalación es un complejo laberinto de madera, que te hace ir de una habitación a otra con el sonido de puertas chirriando y luces parpadeantes en algunas, un teléfono que no suena y un viejo ventilador en movimiento. Esto confundió mi sentido de la orientación y no pude evitar un sentimiento de ansiedad mientras me movía de una habitación a la siguiente. Debo decir que tengo aversión a los espacios claustrofóbicos. No estaba segura de si había viajado en el tiempo o si esto era parte de una visión apocalíptica del futuro.

A medida que subes las escaleras, te encuentras con una habitación llena de arena y llantas quemadas que incluye un cobertizo semienterrado con un laboratorio fotográfico lleno de luz roja. Esta es la visión de Nelson de la icónica obra del artista estadounidense Robert Smithson ‘Partially buried woodshed’. Una pista para una representación de ciencia ficción de un mundo postapocalíptico. Al realizar su trabajo durante la guerra de Irak, Nelson sustituyó la arena por la tierra de Smithson y agregó los barriles de petróleo para evocar un paisaje de Oriente Medio.

La siguiente sala incluye algunas de las piezas que usó para la muestra “The Asset Strippers” en Tate Britain hace unos años para reflexionar sobre la muerte de la industria manufacturera en el Reino Unido con la pérdida de empleos y el impacto que tuvo en muchas vidas. Las esculturas de Nelson aluden a las funciones industriales del metal. Permite que sus objetos sean primero reliquias, luego esculturas y máquinas nuevamente con una apariencia misteriosa que te hace mirarlos bajo una nueva luz. Podéis ver la nueva versión que incluyo del ‘Pensamiento mágico y lógica retorcida…’ en comparación con la que hicimos en la Tate Britain con The art blackberry en ella.

Con todas sus referencias a la ciencia ficción, los movimientos políticos fallidos, las historias oscuras, la contracultura, así como las referencias que hace al capitalismo, el colonialismo, la guerra y el medio ambiente, parece llevarnos a formas alternativas de vivir y pensar en un mundo cada vez más homogeneizado y globalizado. Nelson parece haber sido particularmente inspirado por autores como William Burroughs, Arkady y Boris Strugatsky, J.G. Ballard y Stanislaw Lemr.

La secuencia de instalaciones recreadas para esta retrospectiva sumerge al espectador en un espacio de carga psicológica que logra desorientarlo/a y encapsularlo/a. Su trabajo es muy emotivo e inquietante, pero también una buena visión del complejo proceso de pensamiento del artista.

Rethinking the world

Lubaina Himid
25 November 2021 – 2 October 2022
Tate Modern, London, UK

The art exhibition I’ve selected in this occasion is one by Lubaina Himid, currently on show at Tate Modern, London. She is a British artist and curator known for being one of the first artists involved in the UK’s Black Art movement in the 1980s, and for becoming the first black woman to win the Tuner Prize in 2017. Born in Zanzibar to a white English mother and a black African father, she was brought to London soon after her dad’s premature death.

Himid was trained in theather design and received her master’s degree in Cultural History from the Royal College of Art in London, both training very relevant to understand her art practice. Over the last decade, she has earned international recognition for her figurative paintings, which explore overlooked and invisible aspects of history and of contemporary everyday life.

As I entered the art show, I was surrounded by bright colours with painted questions across the walls, such as: ‘what does love sound like?’, ‘what are monuments for?’, and most importantly ‘we live in clothes, we live in buildings – do they fit us?’ It may be a bit early on the show to be confronted with those questions. But, it forces you to rethink about the world we live in from the very beginning, which is in my opinion one of the strongest points of this art show.

Along the exhibition, she presents what life would be like if she could build it herself as opposed to accepting what’s already created for us. A wagon painted with fish (see below), a jelly moulds covered in African patterns, paintings representing buildings that twist, etc. Like a proposal for a new world architecture.

What least convinced me about this art show was her attempt to make you feel like an actor within a theatre stage with various sound installations across the show. It wasn’t something I felt related to. I prefer her bright, flat-perspective paintings. They are conceptually and aesthetically interesting . However, I didn’t see that this exhibition represents very well who was once one of the first artists involved in the UK’s Black Art movemen. It was a bit light from that perspective.

Having said that, it was interesting for me to see what one of the most relevant British artist have been working on most recently, and I appreciate her interest to make you rethink about the world in a new way; particularly relevant to design students, but to all of us as well. Let’s not accept everything that’s given to us. Let’s try to apply changes and build a better world; more caring, more imaginative and ultimately more exciting.

Repensar el mundo

Lubaina Himid
25 noviembre 2021 – 2 octubre 2022
Tate Modern, Londres, Reino Unido

La exposición de arte que he seleccionado en esta ocasión es una de Lubaina Himid, actualmente expuesta en la Tate Modern de Londres. Es una artista y comisaria de arte británica conocida por ser una de las primeras artistas involucradas en el movimiento Black Art del Reino Unido en la década de 1980 y por ser la primera mujer negra en ganar el Premio Tuner en 2017. Nacida en Zanzíbar de madre blanca inglesa y de padre negro africano, la trajeron a Londres poco después de la muerte prematura de su padre.

Himid se formó en diseño teatral y recibió su master en Historia Cultural del Royal College of Art de Londres, ambas titulaciones muy relevantes para comprender su práctica artística. Durante la última década, se ha ganado el reconocimiento internacional por sus pinturas figurativas, que exploran aspectos invisibles de la historia y de la vida cotidiana contemporánea.

Cuando entré en la exposición de arte, me ví rodeada de colores brillantes con preguntas pintadas en las paredes, como: “¿cómo suena el amor?”, “¿para qué son los monumentos?” y, lo que es más importante, “vivimos vestidos, vivimos en edificios, ¿se adaptan a nosotros?” Puede ser un poco temprano en la muestra para enfrentar al visitante a esas preguntas. Pero, te fuerza a repensar el mundo en el que vivimos desde el principio, que es en mi opinión uno de los puntos fuertes de esta muestra de arte.

A lo largo de la exposición, presenta cómo sería la vida si pudiera construirla ella misma en lugar de aceptar lo que ya está creado para nosotros. Una carreta pintada con peces (ver más abajo), unos moldes de gelatina cubiertos de motivos africanos, cuadros que representan edificios que se retuercen, etc. Como propuesta de una nueva arquitectura mundial.

Lo que menos me convenció de esta muestra de arte fue su intento de hacerte sentir como un actor dentro del escenario de un teatro con varias instalaciones de sonido a lo largo de la muestra. No fue algo con lo que me sintiera relacionada. Prefiero sus pinturas brillantes y de perspectiva plana. Son conceptual y estéticamente interesantes. Aunque, no me pareció que esta exhibición represente muy bien a quien alguna vez fue una de los primeras artistas involucrados en el movimiento Black Art del Reino Unido. Era un poco suave desde esa perspectiva.

Habiendo dicho eso, fue interesante para mí ver en qué ha estado trabajando recientemente una de las artistas británicas más relevantes, y aprecio su interés por hacerte repensar el mundo de una manera nueva; particularmente relevante para estudiantes de diseño, pero también para cualquiera de nosotros. No aceptemos todo lo que nos viene dado. Tratemos de aplicar cambios y construir un mundo mejor; más solidario, más imaginativo y en definitiva más emocionante.

Sewing dark memories

Louise Bourgeois
The Woven Child
9 February 2022 – 15 May 2022
Hayward Gallery, Southbank Centre, London, UK

If you’re looking for things to do during the Easter break, and you happen to be in London, I recommend you to go to see the Louise Bougeois art exhibition there is currently at the Hayward gallery. It’s a good opportunity to immerse yourself in Bougeois’ personal universe with good doses of eerie darkness, intimacy and creativity.

I normally enjoy entering the individual universe of an artist, looking at different sources of inspiration and forms of expression. And when it comes to this show, I’d say that the characteristics of this gallery and the set up of the show both contribute to immerse visitors into the personal universe of the artist quite effectively, so I found it was an interesting experience.

The exhibition called “The Woven Child” is the first retrospective focused on the works she made with fabrics and textiles during the last 20 years of her career, between the mid-1990s and her death in 2010. Bourgeois decided to break with traditional sculptural materials and return to her roots. Most of the works included are figurative sculptures, made from household textiles, including clothing, linens, and tapestry fragments that she obtained from her own family and personal history.

Her connection to the fabric began very early and was part of her identity. The artist helped in her family’s tapestry restoration workshop in France, and we know that growing up was traumatic with an oppressive father. The actions of creating these works -cutting, tearing, sewing, joining- relate them to notions of reparation and to the trauma of separation and abandonment in metaphorical terms. The exhibition explores what the artist, in her own words, called “the magical power of the needle… to repair the damage” and to offer “a claim for forgiveness.”

Part of the selection of figurative sculptures was a selection of the artist’s fabric heads displayed with their different misterious and unsettling portraits, and a comprehensive range of missing limbs and bodies intertwined and presented in vitrines or hanging from the ceiling. Most of them were downstairs, where you can experience her work in a more dramatic and intimate way, perhaps because of the dim lighting that is predominant there.

The art show includes also some of Bourgeois’s monumental Cells, such as “The imposing installation Spider” (1997) and displayed on the top floor, and the related Cell piece “Lady in Waiting” (2003). In these installations, she hanged old dresses, slips and nightwear, and included fragments of antique tapestry, as well as a huge spider sculpture made of steel.

The spider was for Bourgeois both a protector and a predator, and she associated it with her mother, who was a weaver and a tapestry restorer. The spider’s ability to weave a web from its own body was a metaphor Bourgeois also used to describe her own artistic process. While you’re peeping through the cells you find yourself getting closer to the artist intimacy and part of the storytelling she skillfully had sewn around you.

In addition to these art installations, we could see a selection of fabric drawings, books, prints and collages upstairs, as well as several of the artist’s non-figurative sculptures called “progressions”, columns of stacked textile blocks of lozenges, organised in ascending and descending order – a return to the vertical works she did in the 1940s and 1950s. These non-figurative works were very evocative of her childhood and had less of a dark overtone as the figurative ones.

Going through this exhibition was like penetrating the artist’s mind and exploring her concerns, such as identity, sexuality, family, reparation, the subconscious and memory. All these themes expressed by the artist very effectively thanks to the use of fabrics mostly, a material that was so close to her personal history. I hope you enjoy the photos of the interactions we made with the artworks.

Cosiendo recuerdos oscuros

Louise Bourgeois
The Woven Child
9 Febrero 2022 – 15 Mayo 2022
Hayward Gallery, Southbank Centre, Londres, Reino Unido

Si estás buscando cosas que hacer durante las vacaciones de Semana Santa y te encuentras en Londres, te recomiendo que vayas a ver la exposición de arte de Louise Bougeois que hay actualmente en la galería Hayward. Es una buena oportunidad para sumergirse en el universo personal de Bougeois con buenas dosis de misteriosa oscuridad, intimidad y creatividad.

Normalmente disfruto adentrándome en el universo individual de un artista, mirando diferentes fuentes de inspiración y formas de expresión. Y en lo que respecta a esta muestra, diría que las características de esta galería y la configuración de la exposición contribuyen a sumergir a los visitantes en el universo personal de la artista bastante eficazmente, por lo que me pareció interesante la experiencia.

La muestra denominada “The Woven Child” es la primera retrospectiva centrada en las obras que realizó con telas y textiles durante los últimos 20 años de su carrera, entre mediados de la década de 1990 y su muerte en 2010. Bourgeois decidió romper con los materiales escultóricos tradicionales y volver a sus raíces. La mayoría de las obras incluidas son esculturas figurativas, elaboradas con textiles domésticos, incluidas prendas de vestir, ropa de cama y fragmentos de tapices que obtuvo de su propia historia familiar y personal.

Su conexión con la tela comenzó muy temprano y era parte de su identidad. La artista ayudaba en el taller de restauración de tapices de su familia en Francia, y sabemos que su crecimiento fue traumático con un padre opresivo. Las acciones de crear estas obras -cortar, rasgar, coser, unir- las relaciona con las nociones de reparación y con el trauma de la separación y el abandono en términos metafóricos. La muestra explora lo que la artista, en sus propias palabras, llamó “el poder mágico de la aguja… para reparar el daño” y para ofrecer “un reclamo de perdón”.

Parte de la selección de esculturas figurativas fue una selección de cabezas de tela de la artista expuestas con sus diferentes retratos misteriosos e inquietantes, y una amplia gama de miembros perdidos y cuerpos entrelazados y presentados en vitrinas o colgados del techo. La mayoría estaban en la planta baja, donde se puede vivir su obra de una forma más dramática e íntima, quizás por la tenue iluminación que allí predomina.

La muestra de arte incluye también algunas de las Celdas monumentales de Bourgeois, como “La imponente instalación Araña” (1997) y expuesta en la planta de arriba, y la pieza de Celda relacionada “La dama de espera” (2003). En estas instalaciones, colgó viejos vestidos, combinaciones y ropa de dormir, e incluyó fragmentos de tapices antiguos, así como una enorme escultura de araña hecha de acero.

La araña era para Bourgeois tanto protectora como depredadora, y la asociaba con su madre, que era tejedora y restauradora de tapices. La habilidad de la araña para tejer una telaraña con su propio cuerpo fue una metáfora que Bourgeois también usó para describir su propio proceso artístico. Mientras miras a través de las celdas, te encuentras acercándote a la intimidad de la artista y parte de la narración que hábilmente ha tejido a tu alrededor.

Además de estas instalaciones artísticas, en el piso de arriba pudimos ver una selección de dibujos en tela, libros, grabados y collages, así como varias de las esculturas no figurativas de la artista llamadas “progresiones”, columnas de bloques textiles apilados de rombos, organizadas de forma ascendente y orden descendente – un regreso a las obras verticales que hizo en los años 40 y 50. Estas obras no figurativas evocaban mucho su infancia y tenían un matiz menos oscuro que las figurativas.

Recorrer esta exposición fue como penetrar en la mente de la artista y explorar sus inquietudes, tales como la identidad, la sexualidad, la familia, la reparación, el subsconsciente y la memoria. Todas estos temas expresados por la artista de forma muy efectiva gracias al uso de las telas mayoritariamente, un material que para ella era tan cercano a su historia personal. Espero que os gusten las fotos de las interacciones que hicimos con las obras de arte.

Relics of a lost era

Mike Nelson
The asset stripper
18 March – 6 October 2019
Tate Britain, London, UK

The art berries visited Tate Britain recently and came across the installation there is currently at the Duveen Galleries by Mike Nelson. He’s turned this space, originally conceived as the first purpose-built sculpture galleries in England, into an objects strippers’ warehouse using numerous recent industrial relics.

Nelson has chosen to gather objects from post-war Britain that he used to see in his childhood such as big knitting machines and doors from the NHS and display them along the large central corridor at the Tate known as Duveen galleries. Somehow it looks like a monument to a lost era and the vision of society they represent. The art installation has cultural as well as social allusions that go from a local to a national perspective.

The artist has been buying this metal objects at asset-stripping auctions for years. Some machines are the kind of equipment used in textile factories where Nelson’s parents and grandparents worked. However, they now seem to be mysterious objects taken from a distant culture. I thought initially that they had been taken from a different country, like an old British colony. They make me think of the hard work that is needed to manufacture the clothes we wear; years ago from people who worked in those jobs in western countries and now mostly from people based overseas. Is this a sustainable production model? I do believe that we need to start doing much more up-cycling within the fashion industry. Below you can see a photo of the knitting machine below with me on it.

Then we come across swing doors with porthole windows through which we can enter from an old London hospital, like the living and the dead, which adds to the feeling of a surreal experience. Not only that, some of Nelson’s works speak directly to the museum’s collection. Like the one of those hay rakes that whirl like sunflowers in the early surrealism of Joan Miró. You can see The art blackberry interacting with this art piece. Is she surrendering to sleep and dreaming with those massive sunflower wheels?

Nelson’s sculpture alludes to the industrial functions of metal. He allows his objects to be relics first, sculptures second, and machines again with a mysterious appearance that makes you look at them in a new light.

Mike Nelson is a contemporary British artist who creates large-scale architectural installations. He has been shortlisted twice for the Turner prize and has represented Britain at the 2011 Venice Biennale.

Reliquias de una era perdida

Mike Nelson
The asset stripper
18 de marzo – 6 de octubre de 2019
Tate Britain, Londres, Reino Unido

The art berries visitamos Tate Britain recientemente y nos encontramos con la instalación que hay de Mike Nelson en las Duveen galleries. El artista ha convertido este espacio, originalmente concebido como la primera galería de esculturas especialmente diseñada en Inglaterra, en un almacén de objetos que utiliza numerosas reliquias industriales recientes.

Nelson eligió recoger objetos del período de posguerra en Gran Bretaña que él solía ver en su infancia, como grandes máquinas de tejer y las puertas del NHS y exponerlas a lo largo del pasillo central de la galería conocido como Duveen galleries. De alguna manera, parece un monumento a una era perdida y la visión de la sociedad que representan. La instalación de arte tiene alusiones culturales y sociales que van desde una perspectiva local a otra nacional.

El artista ha estado comprando estos objetos de metal en subastas de desmonte de activos durante años. Algunas máquinas son el tipo de equipo utilizado en las fábricas textiles donde trabajaban sus padres y abuelos. Sin embargo, ahora parecen ser objetos misteriosos tomados de una cultura lejana. Al principio pensé que habían sido tomadas de un país diferente, como una antigua colonia británica. Me hacen pensar en el trabajo duro que se necesita para fabricar la ropa que usamos; años atrás procedente de personas que trabajaban en países occidentales y ahora principalmente de personas que viven en otros países más pobres. ¿Es éste un modelo de producción sostenible? Creo que debemos comenzar a hacer mucho más reciclaje o up-cycling dentro de la industria de la moda. A continuación puedes ver una foto de la máquina de tejer conmigo dentro.

Luego nos encontramos con puertas batientes con ventanillas a través de las cuales podemos entrar en un antiguo hospital de Londres, como los vivos y los muertos, lo que se suma a la sensación de una experiencia surrealista. No sólo eso, algunas de las obras de Nelson hablan directamente de la colección del museo. Como el de esos rastrillos de heno que giran como girasoles en el surrealismo temprano de Joan Miró. Puedes ver a The art blackberry interactuando con esta pieza de arte. ¿Está durmiendo y soñando con esas enormes ruedas de girasol?

La escultura de Nelson alude a las funciones industriales del metal. Él permite que sus objetos sean reliquias primero, esculturas en segundo lugar, y máquinas de nuevo con una apariencia misteriosa que te hace mirarlos desde una nueva perspectiva.

Mike Nelson es un artista británico contemporáneo que crea instalaciones arquitectónicas a gran escala. Ha sido pre-seleccionado dos veces para el premio Turner y ha representado a Gran Bretaña en la Bienal de Venecia 2011.

Exploring space with sculpture

Phyllida Barlow
cul-de-sac
23 February – 23 June 2019
Royal Academy of Arts, London, UK

After nearly two months without posting anything here, I’m finally back! I have a good excuse for being so quiet since January. My son Samuel was born on the 9th February and I have been really busy and enjoying his company since then.

Nevertheless, there’s a good art show now in London that I wanted to share with you. British sculptor Phyllida Barlow has currently an art exhibition at the contemporary galleries of the Royal Academy of Arts, which will be on until the end of the spring. The art berries went to visit it and I’m sharing it with you here, so you don’t miss one of the best art shows in London this season.

The photos you can see from The art berries below have been taken as usual with an iPhone. We’ve interacted with the artworks and bring you an intimate and personal approach of the art pieces we found more interesting.

As we entered the gallery space, we came across two huge sculptures. One of them is a vertical structure formed by various colourful canvases. A playful and intriguing art piece that traps your attention from the very beginning of the exhibition. From the photos below, you can see The art blackberry next to this piece. She appears to be in conversation with a colourful group of individuals.

As we moved along the art show, a new interesting sculpture is revealed. It reminds me of an amphitheatre with a semicircular seating gallery space sustained by multiple beams that go in different directions. You can see how we blend with the sculpture and contribute to this perception.

Finally, a series of pictures are presented below with The art blackberry amid a forest of inclined beams. In this pictures, her fragility is accentuated by the the menacing beams above her.

In February, Barlow created this exhibition that brings her own interpretation of a residential cul-de-sac. By closing the exit door in the final room, Barlow forced the viewer to turn around and revisit each sculpture anew from the other side. She created forests of seemingly precarious structures and uses them to explore the full height of the gallery space with looming beams, blocks and canvases.

Thresholds, the artist has said, are fascinating places, where you pass through from one space to another. Always seeking the surprise, Barlow expects the work to take her into a journey, rather than her deciding upon that journey.

Her source of inspiration is in the everyday from a farm to an industrial state. Because of that, Barlow uses everyday materials such as plywood, expanding foam, polystyrene, plaster, cement, plastic piping, Polyfilla, tape, etc. and remind us to look at them in a new context with a new light. They are so common in our world that we’ve stopped even seeing them.

Barlow studied at Chelsea College of Art (1960 – 1963) and the Slade School of Art (1963 – 1966). She later taught at both schools and was Professor of Fine Art and Director of Undergraduate Studies at the latter until 2009.

Explorando el espacio con escultura

Phyllida Barlow
Callejón sin salida
23 de febrero – 23 de junio de 2019
Royal Academy of Arts, London, UK

Después de casi dos meses sin publicar nada aquí, ¡por fin estoy de vuelta! Tengo una buena excusa para estar tan callada desde enero. Mi hijo Samuel nació el 9 de febrero y he estado muy liada y disfrutando de su compañía desde entonces.

De cualquier manera, hay una buena exposición de arte ahora en Londres que quería compartir contigo. La escultora británica Phyllida Barlow tiene desde febrero una exposición en las galerías contemporáneas de la Royal Academy of Arts, que estará abierta hasta el final de la primavera. The art berries fuimos a visitarla y la comparto aquí contigo para que no te pierdas una de las mejores muestras de arte en Londres esta temporada.

Las fotos que puedes ver a continuación en The art berries se han tomado como siempre con un iPhone. Hemos interactuado con las obras de arte y te brindamos un enfoque intimo y personal de las piezas que encontramos más interesantes.

Cuando entramos en el espacio de la galería, nos encontramos con dos esculturas enormes. Una de ellas es una estructura vertical formada por varios lienzos de colores. Una escultura divertida e intrigante que capta tu atención desde el principio de la exposición. En las fotos que capturamos debajo, puedes ver a The art blackberry junto a esta pieza. Parece estar en conversación con un grupo colorido de individuos.

A medida que avanzamos en la muestra de arte, aparece una nueva e interesante escultura. Me recuerda a un anfiteatro con un espacio semicircular en la galería de asientos sostenido por múltiples vigas que van en distintas direcciones. Puedes ver como nos mezclamos con la escultura y contribuimos a esta percepción.

Finalmente, a continuación se puede ver una serie de imágenes con The art blackberry en medio de un bosque de vigas inclinadas. En estas imágenes, su fragilidad se ve acentuada por las vigas que hay sobre ella.

En febrero, Barlow creó esta exposición que trae su propia interpretación de un callejón sin salida residencial. Al cerrar la puerta de salida en la sala final, Barlow obligó al espectador a darse la vuelta y volver a visitar cada escultura desde el otro lado. Creó bosques de estructuras aparentemente precarias y las utiliza para explorar la altura completa del espacio de la galería con vigas, bloques y lienzos que parece que se van a caer de un moment a otro.

Los umbrales, ha dicho la artista, son lugares fascinantes, donde se pasa de un espacio a otro. Siempre buscando la sorpresa, Barlow espera que el trabajo la lleve a un viaje, en lugar de que ella decida sobre ese viaje.

Su fuente de inspiración está en lo cotidiano, desde una granja hasta un estado industrial. Debido a eso, Barlow utiliza materiales cotidianos como madera contrachapada, espuma expandida, poliestireno, yeso, cemento, tuberías de plástico, Polyfilla, cinta, etc. y nos recuerdan mirarlos en un nuevo contexto, con una nueva luz. Son tan comunes en nuestro mundo que hemos dejado de verlos.

Barlow estudió en el Chelsea College of Art (1960 – 1963) y en la Slade School of Art (1963 – 1966). Más tarde enseñó en ambas escuelas y fue profesora de Bellas Artes y Directora de Estudios de Pre-grado en esta última hasta el 2009.

Skinning past memories

Heidi Bucher
19 September – 9 December 2018
Parasol Unit gallery, London, UK

The art berries were visiting a couple of weeks ago the Parasol Unit in London, and discovered the work made by Heidi Bucher (1926-1993), a Swiss artist who was interested in exploring architectural space and the body through sculpture. This is apparently the first time her work is displayed in a public gallery 25 years after her death.

I really enjoyed to see the various pieces presented on both floors of this gallery, which may sound very much in tune with what I say about most art exhibitions we visit, but it must be because we choose to see good art exhibitions to bring you the best art on show.

Heidi Bücher was born in Winterthur, Switzerland, and attended the School for the Applied Arts in Zurich. She collaborated in the early 1970’s with her husband and sculptor Carl Bucher. Her early early work was mainly focused on the body and we can see some of these pieces on the screenings of films documenting her work. One of the art pieces showed on the screening is “Bodyshells” that was showcased in an exhibition at the Museum of Contemporary Crafts, now known as the Museum of Art and Design in NYC. This 8mm footage shows various figures covered in big foam costumes and moving slowly across the beach in LA. Their interaction with the surroundings changed completely when dressing like that.

However, the most impressive artworks on shows at this exhibition are the series of Bucher’s large-scale latex “Skinnings”, as she liked to call them. Bucher became more interested in the body’s relationship to space in her later work. In the mid-70s she started experimenting with a new technique, consisting in soaking gauze sheets in latex rubber and using them to cast room interiors, objects, clothing and the human body. We can see on the film projected on the small room downstairs that the peeling-off process from the original surfaces was like a performance on its own because of the physical strength required and the meaning implied.

These works present a haunting imprint of an architectural surface and the peeling-off process seems to represent a liberation from these memories.

In contrast, the works displayed on the first-floor of the gallery are more related to impermanence and fragility. The artist reflected on concepts such as ephemerality, transformation and metamorphosis. We could see latex costume-objects such as the wings of a dragonfly on “Libellenkleid” (1976), next to which we can see The art blackberry on one of our photos below, as well as various examples of beautiful dresses that can potentially transform the wearer into someone else. Likewise the water related artwork on show on the terrace and on the ground-floor seem to be more in consonance with these notions of ephemerality.

It is great to see her artistic process on the videos and the different avenues she used to explore the ideas that concerned her the most. All of them embodied of superb aesthetic power.

Despellejando recuerdos del pasado
Heidi Bucher
19 de septiembre – 9 de diciembre de 2018
Parasol Unit gallery, Londres, Reino Unido

The art berries estuvimos hace un par de semanas visitando la galería Parasol Unit en Londres, donde descubrimos la obra de Heidi Bucher (1926-1993), una artista suiza que estaba interesada en explorar el espacio arquitectónico y el cuerpo a través de la escultura. Aparentemente, esta es la primera vez que su trabajo se exhibe en una galería pública 25 años después de su muerte.

Me encantó ver las diversas piezas presentadas en ambos pisos de esta galería, que pueden sonar muy en sintonía con lo que digo acerca de la mayoría de las exposiciones de arte que visito, pero debe ser porque elegimos ver buenas muestras de arte para brindarte el mejor arte en exposición.

Heidi Bücher nació en Winterthur, Suiza, y asistió a la Escuela de Artes Aplicadas de Zurich. Colaboró a principios de la década de 1970 con su esposo y escultor Carl Bucher. Sus primeros trabajos tempranos se centraron principalmente en el cuerpo y podemos ver algunas de estas piezas en las proyecciones de películas que documentan su trabajo. Una de las piezas de arte que se muestran en la proyección es “Bodyshells” que se exhibió en una exposición en el Museo de Artesanía Contemporánea, ahora conocido como el Museo de Arte y Diseño en Nueva York. Este video de 8 mm muestra varias figuras cubiertas con grandes disfraces de espuma y avanzando lentamente por la playa en Los Ángeles. Su interacción con el entorno circundante cambiaba por completo al ir así vestidos.

Sin embargo, las obras de arte más impresionantes de esta exhibición son las series de látex a gran escala “Skinnings”, como a Bucher le gustaba llamarlas. Bucher se interesó más en la relación del cuerpo con el espacio en su trabajo posterior. A mediados de los años 70, comenzó a experimentar con una nueva técnica, que consistía en remojar láminas de gasa en látex y usarlas para moldear interiores de interiores, objetos, ropa y el cuerpo humano. Podemos ver en la película que se muestran en una pequeña habitación en la planta baja que el proceso de desprendimiento fue como una performance en sí misma debido a la fuerza física requerida y el significado implícito.

Estas obras se presentan como una huella evocativa de una superficie arquitectónica y el proceso de desprendimiento parece representar una liberación de estos recuerdos.

En contraste, las obras que se muestran en el primer piso de la galería están más relacionadas con impermanencia y fragilidad. La artista reflexionó sobre conceptos como transformación y metamorfosis. Podríamos ver los disfraces de látex, como las alas de una libélula en “Libellenkleid” (1976), junto al cual podemos ver El arte blackberry en una de nuestras fotos de abajo, así como varios ejemplos de hermosos vestidos que pueden transformar el portador en otra persona. Del mismo modo, las obras de arte relacionadas con el agua que se muestran en la terraza y en la planta baja parecen estar más en consonancia con esas nociones de arte efímero.

Es genial ver su proceso artístico en los videos y las diferentes vías que utilizó para explorar las ideas que más le interesaban. Todos ellas poseedoras de excelente poder estético.

The stories that resonate with us

Joan Jonas
Tate Modern, London, UK
14 March – 5 August

If you’re interested in performance art, you’re in luck, because there’s now an art exhibition at Tate Modern focused on the work of Joan Jonas, a pioneer of performance, video and installation and one of the most important female artists to emerge in the late 1960s and early 1970s.

Jonas was born in 1936 in New York City and after finishing her degree in Art History, she went to specialise in sculpture. But, immersed in the New York’s downtown art scene of the 1960s she began experimenting with performance, video and props after studying with influential choreographer Trisha Brown for two years, and working with choreographers Yvonne Rainer and Steve Paxton in the 1960s.

This art exhibition at Tate Modern showcases Joan Jonas’s great contribution to art over the last five decades, uniting some of her most important pieces. The exhibition is curated by Andrea Lissoni in close collaboration with the artist.

The show is ordered by subject, as we can see how Jonas sometimes revisited topics various times throughout her career. She takes inspiration from different cultures and sources, from fairy tales to myths and local folklore, adapting them to relate to contemporary life. Using props, mirrors and video screens she creates a complex layering of images that serve her to convey her interest in music, female identity, the environment, as well as natural and urban landscapes.

As we came into the show we could see a range of objects from Jonas’ personal collections, such as masks, wooden animals and items collected on her travels, and the following text in a caption: “one object next to another is like making a visual poem”. It was certainly like entering the individual universe of the artist, something I particularly enjoy.

The second room gave us a selections of the different art performances Jonas had done throughout the years in collaboration with other artists listed here: Benjamin Blackwell, David Crossley, Babette Mangolte, Richard Landry, Gwen Thomas, Gianfranco Gorgoni, Peter Moore, Larry Bell, Roberta Neiman, Beatrice Heyligers and Giorgio Colombo. This room gave us a view of two of her earliest performances such as “Mirror Pieces” (1968-71), in which she alters the audience perception of space using mirror as the central motif, and “Organic Honey Visual Telepaphy” (1972), where Jonas scans her own fragmented image onto a video screen.

The next room of the exhibition was “The Juniper Tree” an installation created in 1994 that evolved from performances staged in 1976 and 1978. I was mesmerised by this installation and intrigued by the story in which it was based. It refers to the Brothers Grimm fairy tale about a little boy who was beheaded by his stepmother and eaten by his father, before being reincarnated as a bird with the help of this stepsister. The juniper tree is where the boy’s mother had been buried and where he was buried by his stepmother before a beautiful bird flied out from it. The bird kills his stepmother by dropping a stone on her head and turned back into a boy to live happily ever after with his father and stepsister. Joan Jonas performed with this installation in various places, alone and collaboratively, and the version conserved here is the last one from 1978.

The art raspberry used her own intuition to perform next to “The Juniper Tree”, adding a new interpretation to the artwork. She saw herself as the tree that was present and muted throughout the story, and somehow an ally to the boy.

Jonas’ passion of story-telling was evident also in “Lines in the Sand” (2002), an installation and performance created for Documenta 11, in which Jonas reworks the myth of Helen of Troy to explore contemporary political events. And by the end of exhibition, we could see “Double Lunar Rabbits” (2010) in which she draws inspiration from the story of a rabbit on the moon, both a Japanese myth and Aztec fable.

However, some of my favourite pieces in this show were contained in a room with multiples references to birds. We could see them projected on screens, hanging from the ceiling, painted on canvas. I remembered how I used to dream that I could fly when I was little and I felt tempted to become one of them once again.

Finally, we saw some of her latest pieces in a different room downstair, with not much lighting and a really strong ritualistic feeling. There Jonas touches issues of climate change and animal extinction, subjects that are central to the artist’s current practice.

Las historias que resuenan con nosotros

Joan Jonas
Tate Modern, Londres, Reino Unido
Del 14 de marzo al 5 de agosto

Si te interesa el arte del ‘performance’, estás de suerte, porque ahora hay una exposición de arte en Tate Modern (Londres) centrada en el trabajo de Joan Jonas, pionera del arte del ‘performance’, video e instalación y una de las artistas femeninas más importantes que surgieron a finales de la década de 1960 y principios de la de 1970.

Jonas nació en 1936 en la ciudad de Nueva York y después de terminar sus estudios en Historia del Arte, se especializó en escultura. Pero, inmersa en la escena artística del centro de la ciudad de Nueva York de la década de 1960, comenzó a experimentar con performance, video y accesorios después de estudiar con la influyente coreógrafa Trisha Brown durante dos años y trabajar con los coreógrafos Yvonne Rainer y Steve Paxton en la década de 1960.

Esta exposición en Tate Modern muestra la gran contribución de Joan Jonas al arte en las últimas cinco décadas, uniendo algunas de sus piezas más importantes. La exposición está comisariada por Andrea Lissoni en estrecha colaboración con la artista.

La muestra está ordenada por temas, ya que Jonas vuelve a tocar los mismos temas varias veces a lo largo de su carrera. Se inspira en diferentes culturas y fuentes, pasando por cuentos de hadas, mitos y folclore local, y adaptándolos para relacionarlos con la vida contemporánea. Utilizando accesorios, espejos y pantallas de video crea una compleja colección de imágenes que le sirven para transmitir su interés en la música, la identidad femenina, el medio ambiente, así como en paisajes naturales y urbanos.

Cuando entramos a la exposición pudimos ver una variedad de objetos de la colección personal de Jonas, como máscaras, animales de madera y objetos recogidos en sus viajes junto con el siguiente mensaje escrito en una leyenda: “un objeto al lado del otro es como hacer un poema visual “. Ciertamente fue como entrar en el universo individual del artista, algo que disfruto particularmente.

La segunda sala ofrece una selección de las diferentes representaciones artísticas que Jonas hizo a lo largo de los años en colaboración con otros artistas incluidos aquí: Benjamin Blackwell, David Crossley, Babette Mangolte, Richard Landry, Gwen Thomas, Gianfranco Gorgoni, Peter Moore, Larry Bell, Roberta Neiman, Beatrice Heyligers y Giorgio Colombo. Esta sala presenta dos de sus primeras actuaciones como: “Mirror Pieces” (1968-71), en la que altera la percepción del espacio en el público utilizando el espejo como motivo central, y “Organic Honey Visual Telepaphy” (1972) , donde Jonas proyecta su propia imagen fragmentada en una pantalla de video.

La siguiente sala de la exposición es “The Juniper Tree”, una instalación creada en 1994 que evolucionó a partir de las ‘performances’ realizadas en 1976 y 1978. Me cautivó esta instalación y me intrigó la historia en la que se basaba. Se refiere al cuento de hadas de los hermanos Grimm sobre un niño que fue decapitado por su madrastra y comido por su padre, antes de reencarnarse en un pájaro con la ayuda de su hermanastra. El árbol de enebro es donde la madre del niño había sido enterrada y donde el niño fué enterrado por su madrastra antes de que un hermoso pájaro volara desde allí. El pájaro mata a su madrastra arrojándole una piedra en la cabeza y se vuelve a convertir en un niño que vive feliz para siempre con su padre y su hermanastra. Joan Jonas actuó con esta instalación en varios lugares, sóla y en colaboración, y la versión que se presenta aquí es la última de 1978.

‘The art raspberry’ usó su propia intuición con esta obra de “The Juniper Tree” para el ‘performance’ y añadió una nueva interpretación a la obra de arte. Ella es el árbol de enebro que esta presente y en silencio a lo largo de la historia, y es de alguna manera un aliado del niño.

La pasión de Jonas por contar historias también se hizo evidente en “Lines in the Sand” (2002), una instalación y performance creada para Documenta 11, en la que Jonas recrea el mito de Helena de Troya para explorar eventos políticos contemporáneos. Y al final de la exposición, pudimos ver “Double Lunar Rabbits” (2010) en el que se inspira en la historia de un conejo en la luna, un mito japonés y una fábula azteca.

Sin embargo, algunas de mis piezas favoritas en esta muestra de arte están en una sala con múltiples referencias a pájaros. Se pueden ver proyectados en pantallas, colgando del techo, pintados sobre lienzo. Recordé cómo solía soñar que podía volar cuando era niña y me sentí tentada a volver a ser uno de ellos.

Finalmente, vimos algunas de sus últimas piezas en una habitación inferior, sin demasiada iluminación y con un fuerte sentimiento ritual. Allí Jonas toca los problemas del cambio climático y la extinción de los animales, temas que son fundamentales para la práctica actual de la artista.