art photography – The art berries

Shaping a better world

Theaster Gates
A Clay Sermon
29 September 2021 – 9 January 2022
Whitechapel Gallery, London, UK

It’s always good to discover new artists and new lines of creative expression. So, it was interesting to visit the Theaster Gates ceramic art show at Whitechapel Gallery early this year. The name of the exhibition, “A Clay Sermon”, conveys effectively the significance of clay, as well as its material and spiritual legacies.

Clay and religion are foundational to the artistic practice of the Chicago based artist, who has received international acclaim for his community and cultural interventions in Black Space. The relationship between God and humanity is similar to the potter working with clay. According to Theaster Gates, ‘As a potter you learn how to shape the world’. Art as activism. Activism as art. That’s what he proposes.

Gates studied urban planning and ceramics. The latter with traditional artisans more than 20 years ago in Tokoname, Japan. But he was also urged to develop his own style. Gradually he homed in on the concept of Afro-Mingei, fusing Japanese philosophy and folk traditions with African American culture. In fact, many of his early projects addressed the shared significance of pottery in Japanese and African American cultures.

The art exhibition we refer to here was split on two floors. The ground floor provided all the contextual material with loans from various museums like the Victoria and Albert Museum in London. It showcased works from China, Iran and more specifically historic works from some of his ceramic heroes. It was mainly informative for me seeing all those works from different artists next to each other.

One of his inspirations was David Drake, AKA Dave the Potter, a enslaved man who gained his freedom at the end of the civil war. He worked in potteries in South Carolina and was able to make vast, bold vessels often inscribed with lines of poetry, when it was illegal for enslaved people to write. Drake was an exploited black man, who saved his dignity through his work and creative gifts.

Another big reference for Gates’s own work is the Greek-American ceramicist Peter Voulkos (1924-2002), known as a radical ceramic artist. His works in fired clay are related to abstract expressionism, Zen and, later, to pop art. Gates pairs one of his own works with a large wood-fired stoneware ceramic by Voulkos, his 1994 Pinatubo, borrowed from the V&A. The two stand together, sharing a plinth. Gates has made several works in homage to Voulkos, as an act of what is called in Japanese Utsushi, or “replication as a spiritual practice”.

The top exhibition floor purely included Theaster Gates’ works with his big sculptures displayed on and framed by wood and stone, evoking Brancusi, and fusing all the references that inspire his work. I really liked the combination of all these works, including some big organic pieces like a spiky tall vessel, a big Asian-inspired glazed stoneware vessel, very Afro-Mingei; a chair inspired in African tradition and and a couple of Afro-Mingei faces framed in wood. See our art interaction with the artworks below. We are like clay.

The use of clay in building communities of knowledge, its role in colonialism and global trade and the ceremonial and ritual use of ceramics was very well explored throughout the whole exhibition, as well as other themes like craft and racial identity. Gates is not only talented creating his body of work but also very committed with community at large.

I can’t wait to see the design called ‘Black Chapel’ that he’ll create for the 2022 Serpentine Pavilion this summer . This year will be the first that a non-architect curates the pavilion. It “will pay homage to British craft and manufacturing traditions” and will open to the public on Friday 10 June 2022, next to the Serpentine Gallery.

Dando forma a un mundo mejor
Theaster Gates
A Clay Sermon
29 septiembre 2021 – 9 enero 2022
Galería Whitechapel, Londres, Reino Unido

Siempre es bueno descubrir nuevos artistas y nuevas líneas de expresión creativa. Por lo que fue interesante visitar la exposición de cerámica de Theaster Gates en la galería Whitechapel a principios de este año. El nombre de la exposición, “A Clay Sermon” o “Un sermón de barro”, transmite con eficacia el significado y la importancia de la arcilla, así como sus legados materiales y espirituales.

La arcilla y la religión son fundamentales para la práctica artística del artista con sede en Chicago, que ha recibido reconocimiento internacional por sus intervenciones comunitarias y culturales en ‘Black Space’. La relación entre Dios y la humanidad es similar a la del alfarero trabajando con arcilla. Según Theaster Gates, “Como alfarero, aprendes a dar forma al mundo”. El arte como activismo. El activismo como arte. Esa es su propuesta.

Gates estudió urbanismo y cerámica. Este último con artesanos tradicionales hace más de 20 años en Tokoname, Japón. Pero también se le instó a desarrollar su propio estilo. Gradualmente se centró en el concepto de Afro-Mingei, fusionando la filosofía japonesa y las tradiciones populares con la cultura afroamericana. De hecho, muchos de sus primeros proyectos abordaron el significado compartido de la cerámica en las culturas japonesa y afroamericana.

La exposición a la que nos referimos aquí se dividía en dos plantas. La planta baja proporcionaba todo el material contextual con préstamos de varios museos como el Victoria and Albert Museum de Londres, mostrando obras de China, Irán y, más específicamente, obras históricas de algunos de sus héroes de cerámica. Fue principalmente informativo para mí ver todos esos trabajos de diferentes artistas uno al lado del otro.

Una de sus fuentes de inspiración fue David Drake, también conocido como Dave the Potter, el hombre esclavizado que obtuvo su libertad al final de la guerra civil american. Trabajó en alfarerías en Carolina del Sur y pudo hacer vasijas grandes y audaces, a menudo inscritas con líneas de poesía, cuando era ilegal que las personas esclavizadas escribieran. Drake fue un hombre negro explotado, que salvó su dignidad a través de su trabajo y talentos creativos.

Otra gran referencia para el propio trabajo de Gates es el ceramista greco-estadounidense Peter Voulkos (1924-2002), conocido como un ceramista radical. Sus obras en barro cocido se relacionan con el expresionismo abstracto, el zen y, posteriormente, con el arte pop. Gates combina una de sus propias obras con una gran cerámica de gres cocida al horno de leña de Voulkos, su Pinatubo de 1994, que tomó prestada del V&A. Los dos estaban juntos, compartiendo un pedestal. Gates ha realizado varias obras en homenaje a Voulkos, como un acto de lo que se denomina en japonés Utsushi, o “emulación como práctica espiritual”.

La planta superior de la exposición incluía exclusivamente las obras de Theaster Gates, con sus grandes esculturas expuestas y enmarcadas en madera y piedra, evocando a Brancusi y fusionando todas las referencias que inspiran su obra. Me gustó mucho la combinación de todos estos trabajos, incluyendo algunas grandes piezas orgánicas como una vasija de pinchos; una gran vasija de gres vidriado de inspiración asiática, muy afro-mingei; una silla inspirada en la tradición africana y un par de rostros Afro-Mingei enmarcados en madera. Vea nuestra interacción artística con estas obras a continuación. Parece que somos como la arcilla.

El uso de la arcilla en la construcción de comunidades de conocimiento, su papel en el colonialismo y el comercio global y el uso ceremonial y ritual de la cerámica fue muy bien explorado a lo largo de toda la exposición, así como otros temas como la artesanía y la identidad racial. Gates no solo tiene talento para crear su cuerpo de trabajo, sino que también está muy comprometido con la comunidad en general.

No puedo esperar a ver el diseño que creará para el Serpentine Pavilion 2022 este verano llamado ‘Black Chapel’. Este año será el primero que un no-arquitecto comisariará el pabellón. “Rendirá homenaje a las tradiciones artesanales y manufactureras británicas” y se abrirá al público el viernes 10 de junio de 2022, junto a la Serpentine Gallery.

Theaster Gates, top floor of “A Clay Sermon”, Whitechapel Gallery.

Looking for the real self

Doug Aitken
Return to the Real
2 October – 20 December 2019
Victoria Miro I, London, UK

Back to the art world and back on form. Not to say that I haven’t seen art exhibitions since my last post, but I’ve been busy with other things and I couldn’t find the time to post. Apologies to my readers. Here I am again and hopefully back on track every other week.

One of the last exhibitions seen by The art berries was “Return to the Real” by Doug Aitken, which I found interesting from both an aesthetic and an spiritual perspective.

As you enter the art show, the space downstairs is a dark room where you can see a translucent young woman resting on a table with her mobile phone out of reach and other elements with the same shiny appearance. Her groceries still on the plastic bag next to her. She hasn’t had a chance to put them in place. She’s surrounded by light boxes, illuminated dreamscapes, swimming pools, aeroplanes images, unmade white lovely beds and all sort of references to the life we lead in the contemporary world. A world dominated by technology that keep us distracted with images of how to scape from our daily routine and travel far away. Perhaps for just a week, maximum a month, but enough to keep us working towards that goal. Will our heroine find herself amid all these?

The response could lie upstairs. When you climb up the stairs you can see a female form in the middle of a scene dominated by moving sonic sculptures. The scene is like a contemplative scene. The moving sculptures are circular steel wind chimes that rotate in front of a flickering screen. Our heroine is carved in marble, Aitken, says, with ‘deep geological time’ and is bisected in two parts to reveal a mirrored interior. I wonder whether this is the same girl from downstairs who’s managed to find her real self. I do hope so!

Dough Aitken is an an American artist and filmmaker whose work has been featured in multiple places around the world.

Buscando el verdadero yo

Doug Aitken
Return to the Real
2 de octubre – 20 de diciembre de 2019
Victoria Miro I, Londres, Reino Unido

De vuelta al mundo del arte y de vuelta en forma. No quiere decir que no haya visto exposiciones de arte desde mi último post, pero he estado ocupada con otras cosas y no he podido encontrar tiempo para publicar. Disculpas a mis lectores. Aquí estoy de nuevo y espero estar de vuelta cada dos semanas.

Una de las últimas exhibiciones vistas por The art berries fue “Return to the Real” de Doug Aitken, la cual me pareció interesante tanto desde una perspectiva estética como espiritual. Al entrar en la exposición de arte, el espacio de abajo es una habitación oscura donde puedes ver a una joven translúcida descansando sobre una mesa con su teléfono móvil fuera del alcance y otros elementos con la misma apariencia brillante. Su compra todavía en una bolsa de plástico a su lado. No ha tenido la oportunidad de ponerla en su sitio. Está rodeada de cajas de luz, paisajes oníricos iluminados, piscinas, imágenes de aviones, camas blancas sin hacer y todo tipo de referencias a la vida que llevamos en el mundo contemporáneo. Un mundo dominado por la tecnología que nos mantiene distraídos con imágenes de cómo escapar de nuestra rutina diaria y viajar lejos. Tal vez solo por una semana, un máximo de un mes, pero lo suficiente como para mantenernos trabajando hacia ese objetivo. Conseguirá nuestra heroína encontrarse a si misma en medio de todo esto?

La respuesta podría estar arriba. Cuando subes las escaleras puedes ver una forma femenina en medio de una escena dominada por esculturas sonoras en movimiento. La escena es como una escena contemplativa. Las esculturas en movimiento son campanillas de viento circulares de acero que giran frente a una pantalla parpadeante. Nuestra heroína está tallada en mármol, dice Aitken, con “tiempo geológico profundo” y está dividida en dos partes para revelar un interior de espejo. Me pregunto si esta es la misma chica de abajo que ha logrado encontrar su verdadero yo. ¡Espero que sí!

Dough Aitken es un artista y cineasta estadounidense cuyo trabajo se ha presentado en múltiples lugares del mundo.

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The sacredness and vulnerability of all living forms

Current art exhibition: Paloma Varga Weisz
Wild Bunch
Sadie Coles HQ, London, UK
9 June – 24 August 2018

It was a real pleasure to see the work of Paloma Varga Weisz recently at the Sadie Coles gallery in London. I enjoy discovering artists with such a high level of craftsmanship and precision on their work, who manage to inspire the audience so much by bringing them into their private micro-universes.

As we went into the gallery space, the first thing that came into view was a puppet made of limewood hanging from the ceiling. A life-sized naked body that hangs helplessly on ropes in the air. He has an expression of abandonment and vulnerability.

The central piece described above is surrounded by smaller figures displayed in a rather traditional manner on top of small plinths attached to the wall. This allows you to appreciate the works at closer distance and see how textured and tactile they are. It’s even possible to smell the wood, as if they had been recently cast by the artist. The space invite you to silence and reflection.

The experience resembles that of entering a medieval church where all the sacred figures are displayed on little plinths for pilgrims to worship; only that in this case all figures are pagan. In a close inspection we can appreciate some of them are like magical anthropomorphic figures, odd hybrid forms usually loaded with personal and collective motifs. We seem to venerate here the sacredness in all living forms.

Varga Weisz is a sculptor and draughtswoman who was trained in traditional techniques of woodcarving, modelling and casting in Bavaria before attending art school in Düsseldorf in the 1990s. She lives and works in Düsseldorf, Germany.

For this art exhibition at Sadie Coles, we only present one photo with The art berries merging with the artworks. The art blackberry further enhances the air of vulnerability and abandonment of the central figure by joining it on the floor like if we were contemplating a group of artworks, well composed.

Interested in craftsmanship? Read the art review and see the photos I did a few months ago on the latest art show of Martin Puryear at Parasol Unit, London.

La sacralidad y vulnerabilidad de todas las formas de vida
Paloma Varga Weisz
Wild Bunch
Sadie Coles HQ, Londres, Reino Unido
9 de junio – 24 de agosto de 2018

Fue un verdadero placer ver recientemente el trabajo de Paloma Varga Weisz en la galería Sadie Coles en Londres. Me encanta descubrir artistas con un alto nivel de artesanía y precisión en su trabajo, que logran llevar al público a su micro-universo e inspirar a su audiencia.

Según entramos en el espacio de la galería, lo primero que se ve es una marioneta hecha de tilo colgando del techo. Un cuerpo desnudo de tamaño natural que cuelga impotente de cuerdas en el aire con expresión de abandono y vulnerabilidad.

La pieza central descrita arriba está rodeada por figuras más pequeñas que se muestran de manera bastante tradicional sobre pequeños pedestals pegados a la pared. Esto te permite apreciar los trabajos a una distancia más cercana y apreciar su textura y tactilidad. Incluso es posible oler la madera, como si hubieran sido esculpidos recientemente por el artista. El espacio te invita al silencio y la reflexión.

La experiencia se asemeja a la de entrar en una iglesia medieval donde todas las figuras sagradas se muestran en pequeños pedestales para ser adoradas por sus peregrinos; solo que en este caso todas las figuras son paganas. En una inspección minuciosa podemos apreciar que algunos de ellos son como figuras antropomórficas mágicas, extrañas formas híbridas generalmente cargadas de motivos personales y colectivos. Parece que veneramos aquí lo sagrado en todas las formas de vida.

Varga Weisz es una escultora y dibujante que se entrenó en técnicas tradicionales de tallado en madera, modelado y fundición en Baviera antes de asistir a la escuela de arte en Düsseldorf en la década de 1990. Vive y trabaja en Düsseldorf, Alemania.

Para esta exposición de arte en Sadie Coles, sólo presentamos una foto de The art berries fusionándonos con las obras de arte. The art blackberry realza aún más el aire de vulnerabilidad y abandono de la figura central uniéndose en el suelo. Parece que estuviéramos contemplando un grupo de obras de arte, bien compuesto.

Interesado en la artesanía? Lee la reseña de arte y mira las fotos que hice hace unos meses en la última muestra de arte de Martin Puryear en Parasol Unit, Londres.

Democratic testimony of a past time

August Sanders
Men Without Masks
Hauser & Wirth, London, UK
18 May – 28 July 2018

This is the first time I cover an art show without including us, The art berries, on the photos. When I saw this art exhibition I realised that it was worth sharing it, but it’s not the type of exhibition where an art performance would be pertinent. The pictures of August Sander speak for themselves.

I first discovered the work of this German photographer at Tate Modern and I became immediately interested on his work. Hence, I was glad to see that the gallery Hauser & Wirth London is showing this summer an art exhibition of August Sander’s work called ‘Men Without Masks’, which comprises images made from 1910 to 1931.

Sander was born in the German mining town of Herdorf and discovered photography while working at a local slagheap. He went to assist a landscape photographer working there for a mining company, and by 1909 he had opened his own studio in Cologne. By 1910, he had already established himself as a successful photographer in a profession that had only recently become a viable form of work.

Sander discarded the then prevalent pictorialist approach in favour of recording as many details of his subjects as possible. Enlarging a photograph using smooth, glossy paper typically reserved for technical images, he created a portrait that was extraordinarily detailed. This technically exact approach, enhanced by a straightforward perspective and the use of natural light became Sander’s personal signature, as he started cataloging Weimar Germany and his citizens.

As Sander explained: “Nothing seemed to me more appropriate than to project an image of our time with absolute fidelity to nature by means of photography… Let me speak the truth in all honesty about our age and the people of our age.”

Sander’s conceptual approach started from the idea of the ‘home album’, with which the artist photographed the peasants of his native village and proceeded to sort them according to their essential archetype. He produced the iconic 12-photo ‘Portfolio of Archetypes’ that features stoic farming men and women in single, double, and group portraits.

This work evolved into his decades-long project ‘People of the 20th Century’, now considered a seminal photographic work. Falling into seven distinct groups, People of the 20th Century shows ‘The Farmer’, ‘The Skilled Tradesman’, ‘The Woman’, ‘Classes and Professions’, ‘The Artists’, ‘The City’ and ‘The Last People’.

The individuals captured by Sander’s lens went from farmers to industrialists, secretaries, aristocrats and even homeless and disabled people. All were photographed in the same objective manner regardless of occupation or social class. He set out to depict the faces of his world with eloquence and empathy.

When we look at these portraits we seem to be travelling back in time, as we can appreciate the unrepeatable details and the sitter’s idiosyncrasies. The people in his portraits told their stories through their clothing, accessories as well as through their expressions, gestures and poses. Sander’s uses his lens as a way to classify the reality that surrounded him at the time and allow us now to discover Germany’s ethnic and class diversity from that period in time.

In 1942, after World War Two, Sander left Cologne and moved to the countryside, where he did very little photographic work. He died in Cologne in 1964.

Testimonio democrático de un tiempo pasado

August Sanders
Men Without Masks
Hauser & Wirth, London, UK
18 May – 28 July 2018

Esta es la primera vez que cubro una exposición de arte sin incluirnos a The art berries en las fotos. Cuando vi esta exposición de arte me di cuenta de que merecía la pena compartirla, pero no es el tipo de exposición en la que un art performance sería pertinente. Las fotos de August Sander hablan por sí mismas.

Descubrí el trabajo de este fotógrafo alemán por primera vez en Tate Modern y de inmediato me interesé por su trabajo. Por eso, me alegré de ver que la galería Hauser & Wirth London está mostrando este verano una exposición de arte de la obra de August Sander llamada ‘Men Without Masks’ que comprende imágenes realizadas desde 1910 hasta 1931.

Sander nació en la ciudad minera alemana de Herdorf y descubrió la fotografía mientras trabajaba en un escorial minero local. Fue a ayudar a un fotógrafo de paisajes que trabajaba allí para una empresa minera, y en 1909 había abierto su propio estudio en Colonia. En 1910, ya se había establecido como un fotógrafo de éxito en una profesión que recientemente se había convertido en una forma de trabajo viable.

Sander descartó el enfoque pictorialista entonces predominante por otro en favor de registrar tantos detalles de sus sujetos como fuera posible. Ampliando una fotografía con papel liso y brillante, normalmente reservado para imágenes técnicas, creó un retrato extraordinariamente detallado. Este enfoque técnicamente exacto, realzado por una perspectiva directa y el uso de la luz natural se convirtió en la firma personal de Sander cuando comenzó a catalogar a la Alemania de Weimar y sus ciudadanos.

Como explicó Sander: “Nada me pareció más apropiado que proyectar una imagen de nuestro tiempo con absoluta fidelidad a la naturaleza por medio de la fotografía … Permítanme decir la verdad con toda honestidad sobre nuestra tiempo y la gente de nuestra tiempo”.

El enfoque conceptual de Sander partió de la idea del ‘álbum raíz’, con el que el artista fotografió a los campesinos de su pueblo natal y procedió a clasificarlos según su arquetipo esencial. Produjo la icónica ‘Portfolio of Archetypes’ de 12 fotografías que presenta a hombres y mujeres granjeros de apariencia estoica en retratos individuales, dobles y en grupo.

Este trabajo se convirtió en un proyecto que le llevó décadas llamado ‘People of the 20th Century’, ahora considerado un trabajo fotográfico seminal. People of the 20th Century se divide en siete grupos distintos: ‘El granjero’, ‘El hábil comerciante’, ‘La mujer’, ‘Clases y profesiones’, ‘Los artistas’, ‘La ciudad’ y ‘Los últimos’.

Los individuos capturados por la lente de Sander pasaron de agricultores a industriales, secretarias, aristócratas e incluso personas sin hogar y discapacitadas. Todos fueron fotografiados de la misma manera objetiva independientemente de la ocupación o clase social. Se dispuso a representar las caras de su mundo con elocuencia y empatía.

Cuando miramos estos retratos parece que estamos retrocediendo en el tiempo al apreciar los detalles irrepetibles y la idiosincracia de los modelos. La gente retratada contaba sus historias a través de su ropa, accesorios y sus expresiones, gestos y poses. Sander usa su lente como una manera de clasificar la realidad que le rodeaba en ese momento y nos permite ahora descubrir la diversidad étnica y de clase de Alemania de ese período en el tiempo.

En 1942, después de la Segunda Guerra Mundial, Sander dejó Colonia y se mudó al campo donde hizo muy poco trabajo fotográfico. Murió en Colonia en 1964.