contemporary art – The art berries

Contained horizons

Ugo Rondinone
a sky . a sea . distant mountains . horses . spring .
12 April – 22 May 2021
Sadie Coles, London, UK

The last art exhibition I saw that resonated with me was Ugo Rondinone’s at Sadie Coles this spring. I know it’s been been more than two months since I saw this show, but I hope you find his artworks as visually and conceptually exciting as I did.

Ugo Rondinone (born 1964) is a Swiss-born mixed-media artist based in New York. He studied at Hochschule für Angewandte Kunst, Vienna (1986-90), and has exhibited widely internationally. He’s particularly known for his temporary, large-scale land art sculptures such as Seven Magic Mountains (2016–2021), with its seven fluorescently-painted totems of large, car-size stones stacked 32 feet (9.8 m) high.

For this art exhibition I’m covering here, he showed a new version of Seven Magic Mountains at Davies Street (one of the venues at Sadie Coles), but in two dimensions. Each shaped canvas representing a painted rock stacked on top of each other and arranged vertically as you can see below.

I liked the reinvention of the totem with these paintings, but the artworks that I mostly enjoyed were the ones displayed at Kingly Street (Sadie Coles HQ venue), where Rondinone presented fifteen horses cast from blue glass. You could appreciate how they had been bisected horizontally to suggest a seascape or landscape into the boundaries of a body in order to imply a microcosmic world, while reversing the traditional formula of a body in a landscape. By multiplying the concept across fifteen foal-sized sculptures, he also created a landscape of repeated forms, to somehow close the circle.

The artist embodies ideas of space, time and nature with the horse sculptures that have recurred throughout his work over the time. Each object suggests a compound of the four elements – water, air, earth (connoted by the body of the horse), and fire, crystallised in the substance of the fired glass.

And finally, at the back of the gallery in a smaller room we could see the conjunction of see and sky in a big canvas, in which the sun is depicted beyond a horizontal line. As an echo of previous works he combined horizontal lines and suns of concentric circles. Rondinone’s framed it as a mental space that I dared to enter for the sake of the pictures below. I do hope that you enjoy the artworks and my interaction with them!

Horizontes contenidos
Ugo Rondinone
un cielo. un mar . montañas distantes. caballos . primavera .
12 de abril – 22 de mayo de 2021
Sadie Coles, Londres, Reino Unido

La última exposición de arte que vi que conectó conmigo fue la de Ugo Rondinone en Sadie Coles esta primavera. Sé que han pasado más de dos meses desde que la vi, pero espero que encuentres sus obras de arte tan visual y conceptualmente interesantes como yo.

Ugo Rondinone (nacido en 1964) es un artista de técnica mixta nacido en Suiza que vive en Nueva York. Estudió en la Hochschule für Angewandte Kunst de Viena (1986-90), y ha expuesto ampliamente a escala internacional. Es particularmente conocido por sus esculturas de ‘land art’ temporales y a gran escala como ‘Seven Magic Mountains’ (2016-2021), formada con siete tótems de piedras grandes del tamaño de un automóvil pintadas con colores fluor y apiladas a 32 pies (9,8 m) de altura.

Para la exposición de arte que cubro aquí, mostró una nueva versión de ‘Seven Magic Mountains’ en Davies Street (una de las galerías de Sadie Coles), pero en dos dimensiones. Cada lienzo de puntas redondas representa una roca pintada y apilada encima de la otra; todas dispuestas verticalmente como puedes ver a continuación.

Me gustó la reinvención del tótem con estas pinturas, pero las obras de arte que más me gustaron en esta muestra fueron las que se exhibieron en Kingly Street (galería principal de Sadie Coles HQ), donde Rondinone presentó quince caballos moldeados en vidrio azul. Cada escultura era un poco más pequeña que el tamaño real de un caballo y estaba formada por dos tonos distintos de azul transparente. Se podía apreciar cómo se habían dividido horizontalmente para sugerir un paisaje marino en los límites de un cuerpo con el fin de implicar un mundo microcósmico, mientras se invierte la fórmula tradicional de un cuerpo en un paisaje. Al multiplicar el concepto en quince esculturas del tamaño de un potrillo, también crea un paisaje de formas repetidas, para cerrar de alguna manera el círculo.

El artista encarna las ideas del espacio, el tiempo y la naturaleza con las esculturas de caballos que se han repetido a lo largo de su obra durante décadas. Cada objeto sugiere un compuesto de los cuatro elementos: agua, aire, tierra (connotada por el cuerpo del caballo) y fuego, cristalizados en la sustancia del vidrio cocido.

Y finalmente, al fondo de la galería en una sala más pequeña pudimos ver la conjunción de mar y cielo en un gran lienzo, en el que se representa al sol más allá de una línea horizontal. Como eco de trabajos anteriores combinó líneas horizontales y soles de círculos concéntricos. Rondinone lo enmarcó como un espacio mental en el que me atreví a entrar para tomar las imágenes que te muestro a continuación. ¡Espero que disfrutes de las obras de arte y de mi interacción con las mismas!

Photos taken at Davies Street (Sadie Coles) below.

Photos taken at Kingly Street (Sadie Coles) below.

In search of infinity

Lynette Yiadom-Boakye
Fly in league with the night
18 November 2020 – 31 May 2021
Tate Britain, London, UK.

I was pleased to go to this art exhibition soon after it opened at Tate. Mainly because after Christmas the UK went in lockdown for COVID-19 and all art galleries closed. But, you are still in time to visit it if you’re in London because Tate Britain is now open and this show is on until the 31st May.

The artist is Lynette Yiadom-Boakye, a British painter and writer born in London in 1977 to Ghanaian parents, and one of the most aclaimed painters working today. Not surprisingly, as she’s had many years of academic training. She learned to paint from life and changed her approach to painting at an early stage, while studying at Falmouth School of Art, on the Cornish coast. Yiadom-Boakye realised she was less interested in making portraits of people and more in the act of painting itself.

Yiadom-Boakye paints black people, in the most traditional European art form: oil painting on canvas. The painters she admires include: Velázquez, Manet, Degas, Sickert. And her high level of execution has led her to win prizes such as the prestigious Carnegie Prize in 2018, and to be shortlisted for the Turner Prize in 2013.

Yiadom-Boakye is well-know for her enigmatic portraits of fictitious people, who live in private worlds. Both familiar and mysterious, they invite viewers to project their own interpretations, and raise important questions of identity and representation. She mentioned in an interview recently that she keeps coming back to the idea of “infinity”.

She takes inspiration from found images, memories, literature and the history of painting. Each painting is an exploration of a different mood, movement and pose, worked out on the surface of the canvas. I see why the artist says her figures aren’t real people, although her source of inspiration seems to be real people. She likes to place the role of narrative in the viewer, and let our imaginations go free when we encounter her works, and that’s not what happens when you see a portrait of someone.

“I write about the things I can’t paint and paint the things I can’t write about.”
Lynette Yiadom-Boakye

A writer of prose and poetry as well as a painter, the artist sees both forms of creativity as separate but intertwined, and gives her paintings poetic titles, which she describes as as ‘an extra brush-mark’. However she doesn’t see the titles as an explanation or description, just a way to release our imagination.

We both of The art berries enjoyed this exhibition. The figures on these paintings command your attention, either because of their gaze or the mysteriousness behind the scenes. They were like part of a dream or an old memory that transcends time. The subdued colours at first sight are in some paintings very vibrant, like the things or elements that appear in your dreams.

The artist uses timeless elements in her search for infinity. The enigmatic subjects and sensuality of most of the artworks on display, and the use of only black people on her paintings make them very contemporary, despite the references for her style are so classic.

En busca del infinito
Lynette Yiadom-Boakye
Vuela en liga con la noche
18 de noviembre de 2020-9 de mayo de 2021
Tate Britain, Londres, Reino Unido.

Me gustó ir a esta exposición de arte poco después de su inauguración en la Tate. Principalmente porque después de Navidad el Reino Unido quedó cerrado for el COVID-19 y todas las galerías de arte cerraron. Pero aún estás a tiempo de visitarla si estás en Londres porque la Tate Britain ya está abierta y esta exposición no cierra hasta el 31 de mayo.

La artista es Lynette Yiadom-Boakye, una pintora y escritora británica nacida en Londres en 1977 de padres ghaneses, y una de las pintoras más aclamadas en la actualidad. No es de extrañar, ya que ha tenido muchos años de formación académica. Aprendió a pintar en vivo y cambió su enfoque de la pintura en una etapa temprana, mientras estudiaba en Falmouth School of Art, en la costa de Cornualles. Yiadom-Boakye se dio cuenta de que estaba menos interesada en hacer retratos de personas y más en el acto de pintar en sí.

Yiadom-Boakye pinta personas de raza negra, en la técnica de pintura europea más tradicional: pintura al óleo sobre lienzo. Los pintores que admira son: Velázquez, Manet, Degas, Sickert. Y su alto grado de ejecución la ha llevado a ganar premios como el prestigioso Carnegie Prize en 2018, y a ser preseleccionada para el Turner Prize en 2013.

Yiadom-Boakye es conocida por sus enigmáticos retratos de personas ficticias que viven en mundos privados. Tanto familiares como misteriosos, invitan a los espectadores a proyectar sus propias interpretaciones y plantean importantes cuestiones de identidad y representación. Recientemente, mencionó en una entrevista que continua volviendo a la idea de “infinito”.

Se inspira en imágenes encontradas, recuerdos, literatura e historia de la pintura. Cada pintura es una exploración de un estado de ánimo, movimiento y pose diferente, elaborado en la superficie del lienzo. Entiendo por qué la artista dice que sus figuras no son personas reales, aunque parezca que su fuente de inspiración son personas de carne y hueso. Le gusta colocar el papel de la narrativa en el espectador y dejar que nuestra imaginación se libere cuando nos encontramos con sus obras, y eso no es lo que sucede cuando ves un retrato de alguien.

“Escribo sobre las cosas que no puedo pintar y pinto las cosas sobre las que no puedo escribir”.
Lynette Yiadom-Boakye

Escritora de prosa y poesía, además de pintora, la artista ve ambas formas de creatividad como separadas pero entrelazadas, y le da a sus pinturas títulos poéticos, que describe como “una marca de pincel adicional”. Sin embargo, ella no ve los títulos como una explicación o descripción, solo una forma de liberar nuestra imaginación.

Las dos integrantes de The art berries disfrutamos bastante de esta exposición. Las figuras de estas pinturas llaman tu atención, bien sea por cómo te miran o por el misterio detrás de cada escena. Son como parte de un sueño o un viejo recuerdo que trasciende el tiempo. Los colores tenues a primera vista son en algunas pinturas muy vibrantes, como las cosas o elementos que aparecen en los sueños.

La artista utiliza elementos atemporales en su búsqueda del infinito. Lo cual combinado con el misterio y la sensualidad de la mayoría de las obras de arte expuestas, y el uso únicamente de personas de raza negra en sus pinturas las hacen muy contemporáneas, a pesar de que las referencias de su estilo sean tan clásicas.

Marvellous evocative sculptures

Cy Twombly
Sculpture
30 September – 21 December, 2019
Gagosian, Grosvenor Hill, London

This is a past art exhibition there was at the Gagosian art gallery in London at the end of last year. I’d like to talk about it here because I didn’t have the time to do it while it was on and I really like this artist.

As we came into the gallery, we were surrounded by multiple sculpture pieces spread all over the two main gallery spaces. Many of Twombly’s sculptures are coated in white paint and are evocative of classical sculptures, where white is his “marble”. Some of them allude to architecture, geometry, and Egyptian and Mesopotamian statuary, as in the rectangular pedestals and circular structures.

Twombly made these sculptures on show out of found materials such as plaster, wood and iron. They are mostly modest in scale and can be easily associated to his paintings. The white paint over these materials gives them a very interesting texture that even tempted me to touch them.

As well as his paintings, the sculptures evoke narratives from antiquity and fragments of literature and poetry. However, as the artist said in an interview with David Sylvester for his exhibition at Kunstmuseum Basel in 2000, the demands of making sculpture were very different from those of painting. “[Sculpture is] a whole other state. And it’s a building thing. Whereas the painting is more fusing—fusing of ideas, fusing of feelings, fusing projected on atmosphere.” It seems to me that he envisioned sculpture more like a LEGO figure, whereas painting was more like a recipe in which you mix different ingredients to create a new dish.

Apart from the white sculptures, we came across others colours. A few of the sculptures were pink and we found that it was the perfect tone of pink for my colleague, The art blackberry, to interact with the artworks because she was wearing a coat with the same pink. The aesthetical qualities of these pictures can be appreciated below.

I hope we get to see a new art show on Cy Twombly’s painting or sculpture soon. I enjoyed looking at his sculptures, but I always enjoy his paintings more because they have more readings to me. But, of course, this is a personal preference you may not agree with. The last Twombly’s art show I really enjoyed was back in 2011 at the Dulwich Picture Gallery, where he was exhibited alongside Poussin, an artist deeply admired by him.

Maravillosas esculturas evocadoras

Cy Twombly
Escultura
30 de septiembre – 21 de diciembre de 2019
Gagosian, Grosvenor Hill, Londres

Esta es una exposición de arte pasada que hubo en la galería Gagosian en Londres a finales del año pasado. Me gustaría hablar sobre ella aquí, porque no tuve tiempo de hacerlo mientras estaba abierta, y me gusta este artista.

Según entramos en la galería, nos sentimos rodeadas de múltiples piezas de escultura repartidas por los dos espacios principales de la galería. Muchas de las esculturas de Twombly están recubiertas de pintura blanca, y evocan esculturas clásicas donde el blanco es su “mármol”. Algunas de ellas aluden a la arquitectura, la geometría y las estatuas egipcias y mesopotámicas, como en los pedestales rectangulares y las estructuras circulares.

Twombly hizo estas esculturas en exposición con materiales encontrados como yeso, madera y hierro. En su mayoría son de escala modesta y se pueden asociar fácilmente a sus pinturas. La pintura blanca sobre estos materiales les da una textura muy interesante que parece invitarnos a tocarlas.

Además de sus pinturas, las esculturas evocan narrativas de la antigüedad y fragmentos de literatura y poesía. Sin embargo, como dijo el artista en una entrevista con David Sylvester para su exposición en el Kunstmuseum Basel en 2000, las demandas de hacer esculturas eran muy diferentes de las de la pintura. “[La escultura es] un estado completamente diferente. Tiene que ver con construcción. Mientras que la pintura se fusiona más: fusión de ideas, fusión de sentimientos, fusión proyectada en la atmósfera “. Parece que imaginó la escultura más como una figura de LEGO, mientras que la pintura era más como una receta donde se mezclan diferentes ingredientes para crear un nuevo plato.

Además de las esculturas blancas, encontramos otros colores. Algunas de las esculturas eran de color rosa y descubrimos que era el tono rosado perfecto para mi colega, The art blackberry, para interactuar con las obras de arte porque llevaba un abrigo del mismo color rosa. Las cualidades estéticas de estas imágenes se pueden apreciar a continuación.

Espero que podamos ver una nueva muestra de arte de pintura o escultura de Cy Twombly pronto. Disfruté viendo sus esculturas, pero siempre disfruto más de sus pinturas porque tienen más lecturas para mí. Por supuesto, esto es una preferencia personal con la que puedes no estar de acuerdo. La última muestra de arte de Twombly que realmente disfruté fue en 2011 en la Dulwich Picture Gallery, donde fue expuesto junto a Poussin, un artista profundamente admirado por Twombly.

Looking for the real self

Doug Aitken
Return to the Real
2 October – 20 December 2019
Victoria Miro I, London, UK

Back to the art world and back on form. Not to say that I haven’t seen art exhibitions since my last post, but I’ve been busy with other things and I couldn’t find the time to post. Apologies to my readers. Here I am again and hopefully back on track every other week.

One of the last exhibitions seen by The art berries was “Return to the Real” by Doug Aitken, which I found interesting from both an aesthetic and an spiritual perspective.

As you enter the art show, the space downstairs is a dark room where you can see a translucent young woman resting on a table with her mobile phone out of reach and other elements with the same shiny appearance. Her groceries still on the plastic bag next to her. She hasn’t had a chance to put them in place. She’s surrounded by light boxes, illuminated dreamscapes, swimming pools, aeroplanes images, unmade white lovely beds and all sort of references to the life we lead in the contemporary world. A world dominated by technology that keep us distracted with images of how to scape from our daily routine and travel far away. Perhaps for just a week, maximum a month, but enough to keep us working towards that goal. Will our heroine find herself amid all these?

The response could lie upstairs. When you climb up the stairs you can see a female form in the middle of a scene dominated by moving sonic sculptures. The scene is like a contemplative scene. The moving sculptures are circular steel wind chimes that rotate in front of a flickering screen. Our heroine is carved in marble, Aitken, says, with ‘deep geological time’ and is bisected in two parts to reveal a mirrored interior. I wonder whether this is the same girl from downstairs who’s managed to find her real self. I do hope so!

Dough Aitken is an an American artist and filmmaker whose work has been featured in multiple places around the world.

Buscando el verdadero yo

Doug Aitken
Return to the Real
2 de octubre – 20 de diciembre de 2019
Victoria Miro I, Londres, Reino Unido

De vuelta al mundo del arte y de vuelta en forma. No quiere decir que no haya visto exposiciones de arte desde mi último post, pero he estado ocupada con otras cosas y no he podido encontrar tiempo para publicar. Disculpas a mis lectores. Aquí estoy de nuevo y espero estar de vuelta cada dos semanas.

Una de las últimas exhibiciones vistas por The art berries fue “Return to the Real” de Doug Aitken, la cual me pareció interesante tanto desde una perspectiva estética como espiritual. Al entrar en la exposición de arte, el espacio de abajo es una habitación oscura donde puedes ver a una joven translúcida descansando sobre una mesa con su teléfono móvil fuera del alcance y otros elementos con la misma apariencia brillante. Su compra todavía en una bolsa de plástico a su lado. No ha tenido la oportunidad de ponerla en su sitio. Está rodeada de cajas de luz, paisajes oníricos iluminados, piscinas, imágenes de aviones, camas blancas sin hacer y todo tipo de referencias a la vida que llevamos en el mundo contemporáneo. Un mundo dominado por la tecnología que nos mantiene distraídos con imágenes de cómo escapar de nuestra rutina diaria y viajar lejos. Tal vez solo por una semana, un máximo de un mes, pero lo suficiente como para mantenernos trabajando hacia ese objetivo. Conseguirá nuestra heroína encontrarse a si misma en medio de todo esto?

La respuesta podría estar arriba. Cuando subes las escaleras puedes ver una forma femenina en medio de una escena dominada por esculturas sonoras en movimiento. La escena es como una escena contemplativa. Las esculturas en movimiento son campanillas de viento circulares de acero que giran frente a una pantalla parpadeante. Nuestra heroína está tallada en mármol, dice Aitken, con “tiempo geológico profundo” y está dividida en dos partes para revelar un interior de espejo. Me pregunto si esta es la misma chica de abajo que ha logrado encontrar su verdadero yo. ¡Espero que sí!

Dough Aitken es un artista y cineasta estadounidense cuyo trabajo se ha presentado en múltiples lugares del mundo.

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The language of cities

Sarah Morris
17 April 2019 – 30 June 2019
White Cube Bermondsey, London, UK

This is one of the last exhibitions I’ve seen and I wanted to share a few comments and photos that we took there with you here.

White Cube Bermondsey is now displaying the work of Sarah Morris (1967), an artist born in the UK, who lives in New York City (US). The art show, formed mostly by abstract paintings, reflects on the artist’s interest in networks, typologies, architecture, language and the city. Morris plays with the viewer’s sense of visual recognition, often referencing elements of architecture, but also the graphic identity of multinational corporations, the iconography of maps, GPS technology, as well as the movement of people within urban environments.

For instance, her new series of ‘Sound Graph’ paintings use the language of American abstraction, minimalism and pop art, while the forms are derived from the artist’s sound files, using the speech from audio recordings as a starting point for the compositions. You can see me (the art blueberry) interacting with one of these paintings ‘Reality is its own ideology (Sound Graph)’ below. The inherent movement in these pictures responds to the theme of the painting that comes from an audio recording.

There’s also an artwork that occupies a separate room and includes Morris’s first sculpture, titled ‘What can be explained can also be predicted (2019)’. It’s made of modular, glass tubes of various heights and colours over a colourful plinth that reminded me of city skyscrapers, but they are also like a musical instrument. It’s a phallic and architectonic sculpture at the same time.

Morris’ work is full references to the cities we inhabit these days. A constantly evolving network of visual, social and political connections that make cities full of vibrancy and energy, always opening space for change and innovation.

El lenguaje de las ciudades

Sarah Morris
17 de abril de 2019 – 30 de junio de 2019
White Cube Bermondsey, Londres, Reino Unido

Esta es una de las últimas exposiciones de arte que he visto y quería compartir algunos comentarios y fotos que hicimos allí con vosotros.

White Cube Bermondsey muestra ahora el trabajo de Sarah Morris (1967), una artista nacida en el Reino Unido que vive en Nueva York (USA). La muestra de arte, formada principalmente por pinturas abstractas, refleja el interés de la artista en las redes, las tipologías, la arquitectura, el idioma y la ciudad. Morris juega con el reconocimiento visual del espectador, haciendo referencia a menudo a elementos de la arquitectura, pero también a la identidad gráfica de corporaciones multinacionales, a la iconografía de los mapas, a la tecnología GPS, así como al movimiento de personas en entornos urbanos.

Por ejemplo, su nueva serie de pinturas ‘Sound Graph’ utiliza el lenguaje de la abstracción estadounidense, el minimalismo y el arte pop, mientras que las formas se derivan de los archivos de sonido de la artista, utilizando grabaciones de audio como punto de partida para las composiciones. Puedes verme (The art blueberry) interactuar con una de estas pinturas “Realidad es su propia ideología (Sound Graph)” a continuación. El movimiento inherente en estas imágenes responde al tema de esta pintura que se deriva de una grabación de audio.

También hay una obra de arte que ocupa una habitación separada e incluye la primera escultura de Morris, titulada “Lo que se puede explicar también se puede predecir (2019)”. Está hecha de tubos de vidrio modulares de varias alturas y colores sobre un colorido zócalo que me recuerda a los rascacielos de muchas ciudades, pero también es como un instrumento musical. Es una escultura fálica y arquitectónica a la vez.

La obra de Morris está llena de referencias a las ciudades que habitamos en estos días. Una red en constante evolución de conexiones visuales, sociales y políticas que hacen que las ciudades estén llenas de vitalidad y energía, siempre abriendo espacio para el cambio y la innovación.

The rat king with monkeys

NS Harsha
11 April – 18 May
Victoria Miro Gallery I, London

The art berries visited this art exhibition at the Victoria Miro gallery and we’d like to share a few photos here despite the show is now finished. I’m sure you’ll be able to see more work from NS Harsha in another big city sometime soon.

The artwork we focused on is “Tamasha” (2013), an installation of larger-than-life size monkeys that appear onto a scaffolding structure. The monkeys are pointing upwards to the heavens while their tails are intertwined and tied to each other. The word Tamasha can refer to political upheaval or even human folly. Moreover, Harsha refers to the phenomenon of the rat king and its appearance in northern folklore traditions since the sixteenth century, where rat kings are associated with various superstitions and were often seen as a bad omen for being associated with plagues.

See The art blackberry below interacting with this artwork pointing to the heavens and placing herself next to the scaffolding, where the monkeys are suspended and tether to each other. Since monkeys are our ancestors, it seems plausible to me to take part on this installation :-P.

NS Harsha (born 1969) is an Indian artist born and based in Mysore. He works in many media including painting, sculpture, site-specific installation, and public works. His works “depict daily experiences in Mysore, southern India, where he is based, but also reflect wider cultural, political and economic globalization issues” and explore the “absurdity of the real world, representation and abstraction, and repeating images”. His practice has been inspired by Indian popular and miniature painting. (Source: Wikipedia).

El rey de las ratas con monos

NS Harsha
11 de abril – 18 de mayo
Victoria Miro Gallery I, Londres

The art berries visitamos esta exposición de arte en la galería Victoria Miró y nos gustaría compartir algunas fotos aquí a pesar de que la muestra ya ha terminado. Estoy segura de que pronto podrás ver más trabajos de NS Harsha en otra gran ciudad dentro de poco.

La obra de arte en la que nos enfocamos es “Tamasha” (2013), una instalación de monos de tamaño más grande que en la realidad que aparecen en una estructura de andamios. Los monos apuntan hacia el cielo mientras que sus colas están entrelazadas y unidas entre sí. La palabra Tamasha puede referirse a agitación política o incluso locura humana. Además, Harsha se refiere al fenómeno del rey de las ratas y su aparición en las tradiciones populares del norte desde el siglo XVI, donde los reyes de las ratas se asocian con varias supersticiones y se consideran a menudo como un mal presagio por estar asociados con plagas.

Debajo puedes ver a The art blackberry interactuando con esta obra de arte y apuntando al cielo, mientras se pega a los andamios donde los monos están suspendidos y atados entre sí. Dado que los monos son nuestros antepasados, me parece plausible participar en esta instalación :-P.

NS Harsha (nacido en 1969) es un artista indio nacido y residente en Mysore. Trabaja en muchos medios, como pintura, escultura, instalación específica del sitio y obras públicas. Sus trabajos “representan experiencias cotidianas en Mysore, en el sur de la India, donde se basa, pero también reflejan temas más amplios de globalización cultural, política y económica” y exploran el “absurdo del mundo real, la representación y la abstracción, y la repetición de imágenes”. Su práctica se ha inspirado en la pintura popular y en miniatura de la India. (Fuente: Wikipedia).

A master of serious play

Franz West
20 February – 2 June 2019
Tate Modern, London, UK

Tate Modern is currently hosting an art exhibition of Franz West that The art berries visited recently and I would like to share with you, our pictures and my views on the show.

I have previously covered on this blog an exhibition about Franz West that was at the Gagosian art gallery in Davies street last summer. And as I mentioned previously, West’s unconventional sculptures often look for an involvement from the audience. Hence, his artworks are the best example of art we like to interact with, and artists we admire with regards to his approach to art. Read more about West on “The struggle in all artistic pursuits” post.

As you enter the art exhibition, you come across the “Passstücke” or “Adaptives”, plaster sculptures with embedded found objects that could be picked and interact with, just as he did with his friends as you can see nearby on videos. I took my chance to play with them and enjoyed the go. Take a look at the photos below in which I dress in black and interact with white sculptures in imaginary fitting rooms where you can even close the curtains and gain more privacy. I didn’t feel the need to hide though 😉

Further down the show, we came across his “Legitimate Sculptures”, papier-mâché clumps made with everyday objects like a hat or a broom, and painted in some areas but raw in others. They were evocative of bodies, but more abstract than figurative in my view. He even played with furniture, as we can appreciate with the carpet-covered settees. Art to be sat on and have a space for conversation.

In his final years apparently he created large, brightly coloured sculptures both for galleries and public spaces, some of which can be seen outside the Tate gallery.

I like Franz West’ irreverent and playful approach to art. His sculptures were a turning point in the relationship between art and its audience, and I wish there were more artist like him.

Un maestro del juego serio

Franz West
20 de febrero – 2 de junio de 2019.
Tate Modern, Londres, Reino Unido

Tate Modern está mostrando ahora una exposición de arte de Franz West que The art berries visitamos recientemente y me gustaría compartir aquí; nuestras fotos y mis opiniones sobre la muestra.

Ya cubrí en este blog una exposición sobre Franz West que estuvo en la galería de arte de Gagosian en Davies Street el verano pasado. Y como mencioné anteriormente, las esculturas no convencionales de West a menudo buscan una participación de la audiencia. Por lo tanto, sus obras de arte son el mejor ejemplo de arte con el que nos gusta interactuar y de artistas que admiramos con respecto al enfoque de su trabajo. Lee más sobre West en la publicación “La lucha en todas las actividades artísticas“.

Al entrar en la exposición de arte, te encuentras con los “Passstücke” o “Adaptives”, esculturas de yeso con objetos encontrados incrustados con los que puedes interactuar, tal como hizo el artista con sus amigos como puedes ver en videos cercanos. Aproveché la oportunidad para jugar con ellos y disfruté haciéndolo. Echa un vistazo a las fotos a continuación en las que voy vestida de negro e interactúo con esculturas blancas en espacios separados por cortinas, donde incluso puede cerrarlas y obtener más privacidad. Aunque yo no sentí la necesidad de esconderme 😉

Más abajo en la exposición, encontramos sus “Esculturas legítimas”, grupos de papel-maché hechos con objetos cotidianos como un sombrero o una escoba, y pintados en algunas áreas, pero crudos en otras. Eran evocadores de cuerpos, pero más abstractos que figurativos desde mi punto de vista. West jugaba incluso con los muebles, como podemos apreciar con los divanes cubiertos de alfombras. El arte para sentarse y tener un espacio para conversar.

Al parecer, en sus últimos años creó grandes esculturas de colores brillantes tanto para galerías como para espacios públicos, algunas de las cuales se pueden ver fuera de la galería Tate.

Me gusta el enfoque irreverente y juguetón de Franz West en el arte. Sus esculturas fueron un punto de inflexión en la relación entre el arte y su público, y desearía que hubiera más artistas como él.

Exploring space with sculpture

Phyllida Barlow
cul-de-sac
23 February – 23 June 2019
Royal Academy of Arts, London, UK

After nearly two months without posting anything here, I’m finally back! I have a good excuse for being so quiet since January. My son Samuel was born on the 9th February and I have been really busy and enjoying his company since then.

Nevertheless, there’s a good art show now in London that I wanted to share with you. British sculptor Phyllida Barlow has currently an art exhibition at the contemporary galleries of the Royal Academy of Arts, which will be on until the end of the spring. The art berries went to visit it and I’m sharing it with you here, so you don’t miss one of the best art shows in London this season.

The photos you can see from The art berries below have been taken as usual with an iPhone. We’ve interacted with the artworks and bring you an intimate and personal approach of the art pieces we found more interesting.

As we entered the gallery space, we came across two huge sculptures. One of them is a vertical structure formed by various colourful canvases. A playful and intriguing art piece that traps your attention from the very beginning of the exhibition. From the photos below, you can see The art blackberry next to this piece. She appears to be in conversation with a colourful group of individuals.

As we moved along the art show, a new interesting sculpture is revealed. It reminds me of an amphitheatre with a semicircular seating gallery space sustained by multiple beams that go in different directions. You can see how we blend with the sculpture and contribute to this perception.

Finally, a series of pictures are presented below with The art blackberry amid a forest of inclined beams. In this pictures, her fragility is accentuated by the the menacing beams above her.

In February, Barlow created this exhibition that brings her own interpretation of a residential cul-de-sac. By closing the exit door in the final room, Barlow forced the viewer to turn around and revisit each sculpture anew from the other side. She created forests of seemingly precarious structures and uses them to explore the full height of the gallery space with looming beams, blocks and canvases.

Thresholds, the artist has said, are fascinating places, where you pass through from one space to another. Always seeking the surprise, Barlow expects the work to take her into a journey, rather than her deciding upon that journey.

Her source of inspiration is in the everyday from a farm to an industrial state. Because of that, Barlow uses everyday materials such as plywood, expanding foam, polystyrene, plaster, cement, plastic piping, Polyfilla, tape, etc. and remind us to look at them in a new context with a new light. They are so common in our world that we’ve stopped even seeing them.

Barlow studied at Chelsea College of Art (1960 – 1963) and the Slade School of Art (1963 – 1966). She later taught at both schools and was Professor of Fine Art and Director of Undergraduate Studies at the latter until 2009.

Explorando el espacio con escultura

Phyllida Barlow
Callejón sin salida
23 de febrero – 23 de junio de 2019
Royal Academy of Arts, London, UK

Después de casi dos meses sin publicar nada aquí, ¡por fin estoy de vuelta! Tengo una buena excusa para estar tan callada desde enero. Mi hijo Samuel nació el 9 de febrero y he estado muy liada y disfrutando de su compañía desde entonces.

De cualquier manera, hay una buena exposición de arte ahora en Londres que quería compartir contigo. La escultora británica Phyllida Barlow tiene desde febrero una exposición en las galerías contemporáneas de la Royal Academy of Arts, que estará abierta hasta el final de la primavera. The art berries fuimos a visitarla y la comparto aquí contigo para que no te pierdas una de las mejores muestras de arte en Londres esta temporada.

Las fotos que puedes ver a continuación en The art berries se han tomado como siempre con un iPhone. Hemos interactuado con las obras de arte y te brindamos un enfoque intimo y personal de las piezas que encontramos más interesantes.

Cuando entramos en el espacio de la galería, nos encontramos con dos esculturas enormes. Una de ellas es una estructura vertical formada por varios lienzos de colores. Una escultura divertida e intrigante que capta tu atención desde el principio de la exposición. En las fotos que capturamos debajo, puedes ver a The art blackberry junto a esta pieza. Parece estar en conversación con un grupo colorido de individuos.

A medida que avanzamos en la muestra de arte, aparece una nueva e interesante escultura. Me recuerda a un anfiteatro con un espacio semicircular en la galería de asientos sostenido por múltiples vigas que van en distintas direcciones. Puedes ver como nos mezclamos con la escultura y contribuimos a esta percepción.

Finalmente, a continuación se puede ver una serie de imágenes con The art blackberry en medio de un bosque de vigas inclinadas. En estas imágenes, su fragilidad se ve acentuada por las vigas que hay sobre ella.

En febrero, Barlow creó esta exposición que trae su propia interpretación de un callejón sin salida residencial. Al cerrar la puerta de salida en la sala final, Barlow obligó al espectador a darse la vuelta y volver a visitar cada escultura desde el otro lado. Creó bosques de estructuras aparentemente precarias y las utiliza para explorar la altura completa del espacio de la galería con vigas, bloques y lienzos que parece que se van a caer de un moment a otro.

Los umbrales, ha dicho la artista, son lugares fascinantes, donde se pasa de un espacio a otro. Siempre buscando la sorpresa, Barlow espera que el trabajo la lleve a un viaje, en lugar de que ella decida sobre ese viaje.

Su fuente de inspiración está en lo cotidiano, desde una granja hasta un estado industrial. Debido a eso, Barlow utiliza materiales cotidianos como madera contrachapada, espuma expandida, poliestireno, yeso, cemento, tuberías de plástico, Polyfilla, cinta, etc. y nos recuerdan mirarlos en un nuevo contexto, con una nueva luz. Son tan comunes en nuestro mundo que hemos dejado de verlos.

Barlow estudió en el Chelsea College of Art (1960 – 1963) y en la Slade School of Art (1963 – 1966). Más tarde enseñó en ambas escuelas y fue profesora de Bellas Artes y Directora de Estudios de Pre-grado en esta última hasta el 2009.

A net of human connections

Chiharu Shiota
Me Somewhere Else
28 November 2018 – 19 January 2019
Blain Southern London gallery, London, UK

The art berries visited the art exhibition of Chiharu Shiota at the Blain|Southern London gallery and really enjoyed it. The gallery is nearby Regent’s Street and Oxford Street, so you may want to fit the visit in with your seasonal shopping or just go for it. I hope you like it too.

As you come into the gallery space, you’ll be surrounded by a mesmerising billowing net of red yarn that seems to rise from a pair of feet up to the ceiling from where the installation is suspended. The solid material of the feet, casted from the artist’s own feet, contrasts with the lightness and ephemerality of the net above. The big size of the installation and boldness of the red colour of the net makes you want to immerse yourself in the installation and be a part of it.

Red yarn is a strong symbol in Asia; is the red of blood and also a symbol for relationships between people. For Shiota, the red yarn alludes to the connectedness to each other, the interior of the body and the complex relationship between the body and the mind; a network of neural connections in the brain making the body to react.

With “Me Somewhere Else” the artist examines the idea that human consciousness could exist independently of the body, somewhere else beyond. She said: ‘I feel that my body is connected to the universe but is my consciousness as well? When my feet touch the earth, I feel connected to the world, to the universe that is spread like a net of human connections, but if I don’t feel my body anymore where do I go? Where do I go when my body is gone? When my feet do not touch the ground anymore.’

Finally, in the last room I liked another art piece consisting of a big white empty dress enfold by black threat. For Shiota, an empty dress is a lack of presence, yet it has its own imprint. The memory cannot be washed away. This work seemed to have like a haunting presence and was somewhat unsettling. In addition to this, we can see a few other geometrical sculptures and a couple of two dimensional canvas made also with threat, a medium widely used by Shiota on her work.

Based in Berlin, Shiota (b. 1972, Osaka, Japan) is best known for her immersive installations, such as “The Key in the Hand”, with which she represented Japan at the Venice Biennale in 2015. Using thread to ‘draw’ in three dimensions, she weaves intricate networks of yarn into and across spaces. Personal experiences are the starting points for her works, which explore the relationships between the body, memory, life and death.

Shiota studied painting early in her education but felt restricted by the use of canvas and paint, so she began using her own body in performance pieces, and later began to use thread as a mode for formal and conceptual expression. It allowed her to remove her physical presence yet still address the ideas that are central to her practice.

Una red de conexiones humanas

Chiharu Shiota
Me Somewhere Else (Yo en otro lugar)
28 de noviembre de 2018 – 19 de enero de 2019
Galería Blain Southern, Londres, Reino Unido

The art berries estuvimos en la exposición de arte de Chiharu Shiota que se encuentra ahora en la galería Blain | Southern en Londres y realmente la disfrutamos. La galería está muy cerca de Regent´s Street y Oxford Street, por lo que puede que quieras aprovechar para visitar la galería cuando hagas las compras de temporada o ir exclusivamente a verla. Espero que también te guste.

Al entrar en el espacio de la galería, te verás rodeado/a por una fascinante red de hilos rojos que parece elevarse desde un par de pies hasta el techo, donde se suspende la instalación. La solidez de los pies, replica de los pies de la artista, contrasta con la ligereza y transitoriedad de la red de arriba. El gran tamaño de la instalación y la audacia del color rojo de la red hacen que quieras sumergirte en la instalación y formar parte de ella.

El hilo rojo es un fuerte símbolo en Asia; es el rojo de la sangre y también un símbolo de las relaciones entre las personas. Para Shiota, el hilo rojo alude a la conexión entre nosotros, el interior del cuerpo y la compleja relación entre el cuerpo y la mente; una red de conexiones neuronales en el cerebro que hace que el cuerpo reaccione.

Con “Me Somewhere Else”, la artista examina la idea de que la conciencia humana podría existir independientemente del cuerpo, en otro lugar más allá. ‘Siento que mi cuerpo está conectado con el universo pero, ¿es mi conciencia también? Cuando mis pies tocan la tierra, me siento conectado al mundo, al universo que se extiende como una red de conexiones humanas, pero si ya no siento mi cuerpo, ¿a dónde voy? ¿A dónde voy cuando mi cuerpo se ha ido? Cuando mis pies ya no toquen el suelo’.

Finalmente, en la última habitación me gustó otra obra de arte que consiste en un gran vestido blanco vacío envuelto en hilo negro. Para Shiota, un vestido vacío es una falta de presencia, pero que tiene su propia huella. El recuerdo no puede ser borrado. Esta obra me pareció de aspecto inquietante. Además de esto, podemos ver algunas otras esculturas geométricas y un par de lienzos bidimensionales hechos también con hilo, un medio ampliamente utilizado por Shiota en su trabajo.

Con sede en Berlín, Shiota (n. 1972, Osaka, Japón) es mejor conocida por sus instalaciones inmersivas, como “The Key in the Hand”, con la que representó a Japón en la Bienal de Venecia en 2015. Utilizando el hilo para “dibujar” en tres Dimensiones, ella teje intrincadas redes de hilo en el espacio y a través de espacios. Las experiencias personales son los puntos de partida de sus trabajos, que exploran las relaciones entre el cuerpo, la memoria, la vida y la muerte.

Shiota estudió pintura al principio de su educación, pero se sintió restringida por el uso del lienzo y la pintura, por lo que comenzó a usar su propio cuerpo en piezas de performance, y más tarde comenzó a usar el hilo como modo de expresión formal y conceptual. Le permitió eliminar su presencia física y aún así abordar las ideas que son fundamentales para su práctica.

Skinning past memories

Heidi Bucher
19 September – 9 December 2018
Parasol Unit gallery, London, UK

The art berries were visiting a couple of weeks ago the Parasol Unit in London, and discovered the work made by Heidi Bucher (1926-1993), a Swiss artist who was interested in exploring architectural space and the body through sculpture. This is apparently the first time her work is displayed in a public gallery 25 years after her death.

I really enjoyed to see the various pieces presented on both floors of this gallery, which may sound very much in tune with what I say about most art exhibitions we visit, but it must be because we choose to see good art exhibitions to bring you the best art on show.

Heidi Bücher was born in Winterthur, Switzerland, and attended the School for the Applied Arts in Zurich. She collaborated in the early 1970’s with her husband and sculptor Carl Bucher. Her early early work was mainly focused on the body and we can see some of these pieces on the screenings of films documenting her work. One of the art pieces showed on the screening is “Bodyshells” that was showcased in an exhibition at the Museum of Contemporary Crafts, now known as the Museum of Art and Design in NYC. This 8mm footage shows various figures covered in big foam costumes and moving slowly across the beach in LA. Their interaction with the surroundings changed completely when dressing like that.

However, the most impressive artworks on shows at this exhibition are the series of Bucher’s large-scale latex “Skinnings”, as she liked to call them. Bucher became more interested in the body’s relationship to space in her later work. In the mid-70s she started experimenting with a new technique, consisting in soaking gauze sheets in latex rubber and using them to cast room interiors, objects, clothing and the human body. We can see on the film projected on the small room downstairs that the peeling-off process from the original surfaces was like a performance on its own because of the physical strength required and the meaning implied.

These works present a haunting imprint of an architectural surface and the peeling-off process seems to represent a liberation from these memories.

In contrast, the works displayed on the first-floor of the gallery are more related to impermanence and fragility. The artist reflected on concepts such as ephemerality, transformation and metamorphosis. We could see latex costume-objects such as the wings of a dragonfly on “Libellenkleid” (1976), next to which we can see The art blackberry on one of our photos below, as well as various examples of beautiful dresses that can potentially transform the wearer into someone else. Likewise the water related artwork on show on the terrace and on the ground-floor seem to be more in consonance with these notions of ephemerality.

It is great to see her artistic process on the videos and the different avenues she used to explore the ideas that concerned her the most. All of them embodied of superb aesthetic power.

Despellejando recuerdos del pasado
Heidi Bucher
19 de septiembre – 9 de diciembre de 2018
Parasol Unit gallery, Londres, Reino Unido

The art berries estuvimos hace un par de semanas visitando la galería Parasol Unit en Londres, donde descubrimos la obra de Heidi Bucher (1926-1993), una artista suiza que estaba interesada en explorar el espacio arquitectónico y el cuerpo a través de la escultura. Aparentemente, esta es la primera vez que su trabajo se exhibe en una galería pública 25 años después de su muerte.

Me encantó ver las diversas piezas presentadas en ambos pisos de esta galería, que pueden sonar muy en sintonía con lo que digo acerca de la mayoría de las exposiciones de arte que visito, pero debe ser porque elegimos ver buenas muestras de arte para brindarte el mejor arte en exposición.

Heidi Bücher nació en Winterthur, Suiza, y asistió a la Escuela de Artes Aplicadas de Zurich. Colaboró a principios de la década de 1970 con su esposo y escultor Carl Bucher. Sus primeros trabajos tempranos se centraron principalmente en el cuerpo y podemos ver algunas de estas piezas en las proyecciones de películas que documentan su trabajo. Una de las piezas de arte que se muestran en la proyección es “Bodyshells” que se exhibió en una exposición en el Museo de Artesanía Contemporánea, ahora conocido como el Museo de Arte y Diseño en Nueva York. Este video de 8 mm muestra varias figuras cubiertas con grandes disfraces de espuma y avanzando lentamente por la playa en Los Ángeles. Su interacción con el entorno circundante cambiaba por completo al ir así vestidos.

Sin embargo, las obras de arte más impresionantes de esta exhibición son las series de látex a gran escala “Skinnings”, como a Bucher le gustaba llamarlas. Bucher se interesó más en la relación del cuerpo con el espacio en su trabajo posterior. A mediados de los años 70, comenzó a experimentar con una nueva técnica, que consistía en remojar láminas de gasa en látex y usarlas para moldear interiores de interiores, objetos, ropa y el cuerpo humano. Podemos ver en la película que se muestran en una pequeña habitación en la planta baja que el proceso de desprendimiento fue como una performance en sí misma debido a la fuerza física requerida y el significado implícito.

Estas obras se presentan como una huella evocativa de una superficie arquitectónica y el proceso de desprendimiento parece representar una liberación de estos recuerdos.

En contraste, las obras que se muestran en el primer piso de la galería están más relacionadas con impermanencia y fragilidad. La artista reflexionó sobre conceptos como transformación y metamorfosis. Podríamos ver los disfraces de látex, como las alas de una libélula en “Libellenkleid” (1976), junto al cual podemos ver El arte blackberry en una de nuestras fotos de abajo, así como varios ejemplos de hermosos vestidos que pueden transformar el portador en otra persona. Del mismo modo, las obras de arte relacionadas con el agua que se muestran en la terraza y en la planta baja parecen estar más en consonancia con esas nociones de arte efímero.

Es genial ver su proceso artístico en los videos y las diferentes vías que utilizó para explorar las ideas que más le interesaban. Todos ellas poseedoras de excelente poder estético.