Capturing the mood of the moment

Turner Prize
26 September 2018 – 6 January 2019
Tate Britain, London, UK

If you’re in London this Xmas and would like to see an art exhibition, the Turner Prize can be an idea. This year it’s formed entirely by film, video and moving image, so if you want to see the four art pieces presented in full you’d have to count on over 4,5 hours. But, I must say we didn’t spend that long seeing this exhibition. This type of medium allow you to be flexible with how you experience it, and it doesn’t have to be as lineal as when we go to the cinema.

I was not surprised about finding the same type of work this year. It does captures the mood of the present moment by using moving image for a political purpose.

As it is presented, there are four rooms connected by a central space filled in with sofas and printed material that reminds you a bit of a dentist waiting room. Nevertheless, I liked this set up; considering that you have to enter the darkness to watch each of the art pieces, I appreciate you can go back to a well lit space in between them.

On one hand we have the multidisciplinary collective Forensic Architecture based at Goldsmith University that includes architects, filmmakers, lawyers and scientists. All combine their skills to investigate allegations of state violence. They don’t consider themselves an art group as such, and like looking at real events. In the work presented they use different patient techniques to uncover what happened on a night of 2017, when Israeli police  attempted to clear a Bedouin village, an action that resulted in two deaths. It was an stressful film for the watcher and for the film makers, who even put her life at risk to do it.

Then, Naeem Mohaiemen separates from real events to present a fictional piece in which a solitary man wanders through the ruins of an abandoned airport, like a character from JG Ballard. He bases this piece on his dad’s experience years ago when he had to spend 9 days at a Greek airport. Using films, installations and essays, his practice make sense of political events in the 70s, while he investigate the legacies of decolonisation among others. A rather surreal film.

Thirdly, we saw Luke Willis Thompson’s piece, who works across film, performance, installations and sculpture to explore cases of institutional violence, race, class and social inequality among others. He presented a controversial film in 35mm of Diamond Reynolds, a lady who used her mobile phone in 2016 to lifestream the killing of her partner by police in the US state of Minnesota. We liked this silent piece, and The art blackberry interacted with it as you can see below adding another layer to the piece. The use of a 35mm projector contributed to making this piece more organic and real, and as a consequence very effective emotionally speaking.

Finally, we saw the work of this year’s winner, Charlotte Prodder, who was not announced as a winner when we saw the art show, but last week. She works with moving image, sculpture and printed image to explore queer identity, landscape, language technology and time. Recently chose to represent Scotland at the Venice Biennale, the work she presents filmed on an iPhone is quite poetic and captivating, and also enjoyed watching it.

The last two works were my favourite. Luke Willis Thompson because of the controversial message he presents with the use of 35mm, a great medium. And Charlotte Prodder because her film with a common medium like the iPhone is very personal and poetic and many people will identify with it.


Capturando el estado de ánimo del momento

Turner Prize
26 de septiembre de 2018 – 6 de enero de 2019
Tate Britain, Londres, Reino Unido

Si estás en Londres esta Navidad y te apetece ver una exposición de arte, el Turner Prize podría ser una idea. Este año esta constituido completamente por película, video e imagen en movimiento, por lo que si quieres ver las cuatro obras de arte presentadas en su totalidad, tendrás que contar con más de 4 horas y media. Pero debo decir que nosotras no pasamos tanto tiempo viendo esta exposición. Este tipo de medio te permite ser flexible con la forma en que lo experimentas, y no tiene que ser tan lineal como cuando vamos al cine.

No me sorprendió encontrar el mismo tipo de trabajo este año. Captura el estado de ánimo que vivimos actualmente gracias al uso de imágenes en movimiento para un propósito político.

Tal como se presenta, hay cuatro habitaciones conectadas por un espacio central con sofás y material impreso que recuerda un poco a la sala de espera de un dentista. Sin embargo, me gusta esta presentación; teniendo en cuenta que debes entrar en la oscuridad para ver cada una de las piezas de arte, agradezco que puedas volver a un espacio bien iluminado entre ellas.

Por un lado, tenemos el colectivo multidisciplinario de Arquitectura Forense con sede en la Universidad de Goldsmith, que incluye arquitectos, cineastas, abogados y científicos. Todos combinan sus habilidades para investigar denuncias de violencia estatal. No se consideran un grupo de arte como tal, y les gusta explorar eventos reales. En el trabajo presentado, utilizan diferentes técnicas pacientes para descubrir lo que sucedió una noche de 2017, cuando la policía israelí intentó despejar una aldea beduina, una acción que resultó en dos muertes. Fue una película estresante tanto para el espectador, como para los cineastas, que incluso puso su vida en riesgo para hacerla.

En segundo lugar, Naeem Mohaiemen se separa de los eventos reales para presentar una pieza ficticia en la que un hombre solitario recorre las ruinas de un aeropuerto abandonado, como un personaje de JG Ballard. El artista basa esta pieza en la experiencia de su padre hace años cuando tuvo que pasar 9 días en un aeropuerto griego. Utilizando películas, instalaciones y ensayos, su práctica da sentido a los acontecimientos políticos de los años 70, mientras investiga los legados de la descolonización entre otros. Una película bastante surrealista.

En tercer lugar, vimos la pieza de Luke Willis Thompson, que trabaja en cine, performance, instalaciones y esculturas para explorar casos de violencia institucional, raza, clase y desigualdad social, entre otros. Presentó una controvertida película en 35 mm de Diamond Reynolds, una mujer que usó su teléfono móvil en 2016 para hacer realidad el asesinato de su compañero por parte de la policía en el estado de Minnesota, EE. UU. Nos gustó esta pieza silenciosa, y The art blackberry interactua con ella como se puede ver a continuación, añadiendo otra capa a la pieza. El uso de un proyector de 35 mm contribuye a hacer que esta pieza sea más orgánica y real y, en consecuencia, muy efectiva emocionalmente hablando.

Finalmente, vimos el trabajo de la ganadora de este año, Charlotte Prodder, quien no fue anunciada como ganadora cuando vimos la exhibición de arte, sino la semana pasada. Trabaja con imágenes en movimiento, esculturas e imágenes impresas para explorar la identidad de colectivos homosexuales, el paisaje, la tecnología del lenguaje y el tiempo. Habiendo sido elegida recientemente para representar a Escocia en la Bienal de Venecia, el trabajo que presenta filmado en un iPhone es bastante poético y cautivador, y también disfrutamos viéndolo.

Los dos últimos trabajos fueron mis favoritos. Luke Willis Thompson por el mensaje de gran controversia que presenta con el uso de 35 mm, un gran medio. Y Charlotte Prodder porque su película hecha con un medio común como el iPhone es muy personal y poética y muchas personas se identificarán con ella.

Turner Prize 2018-The art blackberry

A modern archeological discovery

Daniel Silver
Frith Street Gallery – Golden Square
14 September 2018 – 3 November 2018

We didn’t plan to visit this art show, we just passed by chance. However, I’ve decided to cover it here because it was a good surprise. But, be aware that this is a past art exhibition. 

As we entered the Frith Street Gallery in Golden Square, we bumped with the first part of the art show; an installation comprised of five sculptures with Hemp-like forms (hemp-like forms are a squared stone pillar with a carved head on top, typically of Hermes, used in ancient Greece as a boundary marker or a signpost, according to the Oxford dictionary) and carved in marble and onyx from Serravezza and Pietrasanta stone yards in Italy. They looked like classical sculpture, but were dressed like mannequins with clothes on and grouped in a very still and quiet attitude, just as classical sculptures usually are. Their clothed, armless bodies remind you of Rodin’s “Monument to Balzac”. Surrounded by these figures I paid attention to the material they were made of, marble, that transmitted a sense of luxury, and their calmed poses seemed to invite me to reflexion.

As we moved ahead, the stillness with which we were welcomed into the gallery turned into a more expansive and energetic scene. The main space of the gallery was filled with actual mannequins made by Rootstein, the world’s leading manufacturer. They are made of plastic and are mostly white, as if the skin colour had worn out and left only some blue and brown touches of colour. They all seem to be dancing or engaged in some physical exercise, like on Degas’ painting “Young Spartans Exercising”, and as they are in a human scale, the scene invites to take part and dance with them; why not? Check out the photos from The art berries below.

Lastly, to wrap up the previous two figure groups there were various wall hangings made of cut-outs from clothing fabrics and created by Silver while observing a dancer in his studio, being the shapes a response to a body moving in time and space.

This art exhibition spread out into another gallery space from Frith Gallery at Soho Square, but unfortunately we didn’t get to see that one on the same day. However, you can visit this link of the gallery for some pictures of it. That part was formed by artworks in a completely change of scale, in a smaller size, with the works carved in marble or modelled in clay and some of them presented on top of a fabric draped table. 

Daniel Silver is a London-based artist best known for his figurative sculptures. His practice is deeply influenced by the art of ancient Greece, Modernist sculpture, and Freudian psychoanalytic theory. Silver’s works use concrete, bronze, marble, stone, wood and clay, and often appear as monuments or totems, as if belonging to an archeological excavation. His figures seem to speak of the intimacy of touch and the memories inherited through material. Silver’s sculptures explore and manipulate the human figure, sometimes with brutality, at other times with the utmost sensitivity. An analyst, an archeologist and an artist, he moves constantly between styles, examining the physical and emotional impact of the body and its representation.


 

Un descubrimiento arqueológico moderno.
Daniel Silver
Frith Street Gallery – Golden Square
14 de septiembre de 2018 – 3 de noviembre de 2018

No planeamos visitar esta exposición de arte, solo pasamos por casualidad, pero he decidido cubrirla aquí porque fue una grata sorpresa. Sin embargo, ten en cuenta que esta es una exposición de arte pasada.

Según entramos en la Galería Frith Street en Golden Square, nos topamos con la primera parte de la muestra; una instalación compuesta por cinco esculturas con forma de busto y tallados en mármol y ónix de los astilleros de piedra de Serravezza y Pietrasanta en Italia. Parecían esculturas clásicas, pero iban vestidas como maniquíes con la ropa puesta y se agrupaban en una actitud inmóvil y tranquila, como suele ser presentadas las esculturas clásicas. Sus cuerpos vestidos y sin brazos te recuerdan el “Monumento a Balzac” de Rodin y parecen invitarte a reflexionar. Rodeado por estas figuras, presté atención al mármol del que estaban hechas que transmitía una sensación de lujo, y sus posturas tranquilas parecían invitarme a reflexionar.

A medida que avanzábamos, la quietud con la que fuimos recibidas en la galería se convirtió en una escena más expansiva y enérgica. El espacio principal de la galería estaba lleno de maniquíes reales hechos por Rootstein, el fabricante líder mundial. Son de plástico y de color blanco en su mayoría, como si el color de la piel se hubiera desgastado y solo quedaran algunos toques de color azul y marrón. Todos parecen estar bailando o realizando algún ejercicio físico, como en el cuadro de Degas “Jóvenes Espartanos haciendo ejercicio”, y como están hechas a escala humana, la escena invita a participar y bailar con ellos; por que no? Mira las fotos de The art berries abajo.

Por último, para concluir los dos grupos de figuras anteriores, pudimos ver varios tapices de pared hechos de recortes de telas de ropa y creados por Silver mientras observaba a un bailarín en su estudio, siendo las formas una respuesta a un cuerpo en movimiento en el tiempo y el espacio.

Esta exposición de arte se extendió a otro espacio de Frith Gallery en Soho Square, pero desafortunadamente no tuvimos la oportunidad de verlo el mismo día. Sin embargo, puedes visitar este enlace de la galería para ver algunas fotos de la misma. Esa parte estaba formada por obras de arte hechas a escala distinta, mas pequeñas, con las obras talladas en mármol o modeladas en arcilla y algunas de ellas expuestas sobre una mesa cubierta con una tela.

Daniel Silver es un artista londinense conocido por sus esculturas figurativas. Su práctica está profundamente influenciada por el arte de la antigua Grecia, la escultura modernista y la teoría psicoanalítica freudiana. Las obras de Silver utilizan hormigón, bronce, mármol, piedra, madera y barro, y aparecen a menudo como monumentos o tótems, como si pertenecieran a una excavación arqueológica. Sus figuras parecen hablar de la intimidad del tacto y de los recuerdos heredados a través del material. Las esculturas de Silver exploran y manipulan la figura humana, a veces con brutalidad, otras con la mayor sensibilidad. Analista, arqueólogo y artista, se mueve constantemente entre estilos, examinando el impacto físico y emocional del cuerpo y su representación.

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Challenging South African local histories

Kemang Wa Lehulere
Not even the departed stay grounded
Marian Goodman gallery, London, UK
September 13 – October 20, 2018

We visited this art exhibition a couple of weeks ago at the Marian Goodman gallery in London and it’s now gone. But, nevertheless, I wanted to cover it to introduce you to this artist who is emerging as one of South Africa’s most prominent artistic exports.

As we entered the gallery, I encountered various installations and drawings on the wall made of various materials: wood, metal, chalk, glass and robe; all of them in black and white or the original material. It can be appreciated that the art show has a strong social message, but the artist hasn’t neglected the aesthetical aspects of it. Not only that, he used those aspects to enhance the message, which is something I strongly value. I like art exhibitions with a socio-political message, specially these days in which artists seem to have really strong tools to make us reflect about the society we live in, but I have a preference for the artworks that on top of that are aesthetically interesting.

Kemang Wa Lehulere was born in Cape-town and initially rose to prominence in 2006 with Gugulective, a community-engaged collective co-founded with childhood artistic associate, Unathi Sigenu and based in the former township of Gugulethu, Cape Town. He devoted himself at the time to community engaged performative actions such as creating pamphlets to challenge local histories or setting up interventionist pirate radio stations. Only after years of social activism, he started creating sculptural objects and drawings as a residue or remanent of performance. And he went into formal art education, graduating in 2011.

Drawing on these years of social activism, Wa Lehulere conveys feelings of post-apartheid unrest and other socio-political issues with his artworks, re-enacting what he considers to be ‘deleted scenes’ from South African history.

Some of the elements characteristic of his artistic practice include messages in bottles, sphinx-like ceramic dogs and bird houses that are symbols of the forced removals under apartheid. In addition, there were big boards covered with chalk drawings and various objects suspended by shoelaces from floor to ceiling. However, his most prominent pieces are reconfigured salvaged school desks in wood and metal or just in metal, as we can see on various images below, all of them referring to the 1976 student demonstrations.

Finally, his interest in the Dogon people of Mali and their indigenous astrological knowledge will be reflected in many of the new works, as well as the controversy surrounding his knowledge of the existence of Sirius, a dwarf moon invisible to the naked eye orbiting the Dog Star, despite not having access to astronomical instruments. Kemang used laces to form star constellations, referring not only to the racist repudiation, but also to the repeated negation of opportunities for contemporary young black South Africans.

This art show tells me that art is a powerful tool to express our concerns about the world we live in and not only that, artists like Wa Lehuler manage to do that using a very personal style and effective visual elements.


Desafiando las historias locales de Sudáfrica
Kemang Wa Lehulere
Ni siquiera los difuntos se quedan en tierra.
Galería Marian Goodman, Londres, Reino Unido
13 de septiembre – 20 de octubre de 2018

Visitamos esta exposición de arte hace un par de semanas en la galería Marian Goodman en Londres y ahora ya no está. Pero, he querido cubrirla para presentaros a este artista que se está emergiendo como una de las figuras artísticas más destacadas de Sudáfrica.

Cuando entramos en la galería, encontré varias instalaciones y dibujos en la pared hechos de varios materiales: madera, metal, tiza, vidrio, etc; todos ellos en blanco y negro o en el material original. Se puede apreciar que la muestra de arte tiene un fuerte mensaje social, pero el artista no ha descuidado sus aspectos estéticos. No solo eso, utiliza esos aspectos para ensalzar el mensaje, lo cual valoro ciertamente. Me gustan las muestras de arte con un mensaje socio-político, especialmente en estos días en los que los artistas parecen tener herramientas realmente efectivas para hacernos reflexionar sobre la sociedad en que vivimos, pero tengo preferencia por las obras de arte que, además de eso, son estéticamente interesantes.

Kemang Wa Lehulere nació en Ciudad del Cabo e inicialmente se destacó en 2006 con Gugulective, un colectivo comprometido con la comunidad y cofundado con su socio artístico de la infancia, Unathi Sigenu, y residente en la antigua ciudad de Gugulethu, Ciudad del Cabo. En ese momento se dedicó a hacer demostraciones comprometidas con la comunidad, como crear folletos para desafiar las historias locales o establecer estaciones de radio piratas intervencionistas. Solo después de años de activismo social, comenzó a crear objetos escultóricos y dibujos como un residuo o remanente de su lucha social. Y obtuvo formación artística académica al graduarse en 2011.

Haciendo uso de estos años de activismo social, Wa Lehulere transmite sentimientos de inquietud posterior al apartheid y otros problemas sociopolíticos con sus obras de arte, recreando lo que él considera “escenas borradas” de la historia de Sudáfrica.

Algunos de los elementos característicos de su práctica artística incluyen mensajes en botellas, perros de cerámica con forma de esfinge y casas de aves que simbolizan los retiros forzosos bajo el apartheid. Además, hay tablas grandes cubiertas con dibujos de tiza y varios objetos suspendidos por cordones desde el suelo hasta el techo. Sin embargo, sus piezas más prominentes se reconfiguran como escritorios escolares recuperados en madera y metal o simplemente en metal, como podemos ver en varias imágenes a continuación, todas ellas en referencia a las demostraciones estudiantiles de 1976.

Finalmente, su interés en la gente Dogon de Mali y su conocimiento astrológico indígena se reflejará en muchas de las nuevas obras, así como en la controversia que rodea su conocimiento de la existencia de Sirio, una luna enana invisible a simple vista que orbita alrededor de Dog Star, a pesar de no tener acceso a instrumentos astronómicos. Kemang usó cordones para formar constelaciones de estrellas, refiriéndose no solo al repudio racista, sino también a la negación repetida de oportunidades para los jóvenes sudafricanos negros contemporáneos.

Esta muestra de arte me dice que el arte es una herramienta poderosa para expresar nuestras preocupaciones sobre el mundo en que vivimos, y no solo eso, artistas como Wa Lehuler logran hacerlo usando un estilo muy personal y elementos visuales realmente interesantes y efectivos.

Wa Lehulere - The art blackberryWa lehulere - The art blueberryWa Lehulere - 3 sisters

Skinning past memories

Heidi Bucher
19 September – 9 December 2018
Parasol Unit gallery, London, UK

The art berries were visiting a couple of weeks ago the Parasol Unit in London, and discovered the work made by Heidi Bucher (1926-1993), a Swiss artist who was interested in exploring architectural space and the body through sculpture. This is apparently the first time her work is displayed in a public gallery 25 years after her death.

I really enjoyed to see the various pieces presented on both floors of this gallery, which may sound very much in tune with what I say about most art exhibitions we visit, but it must be because we choose to see good art exhibitions to bring you the best art on show.

Heidi Bücher was born in Winterthur, Switzerland, and attended the School for the Applied Arts in Zurich. She collaborated in the early 1970’s with her husband and sculptor Carl Bucher. Her early early work was mainly focused on the body and we can see some of these pieces on the screenings of films documenting her work. One of the art pieces showed on the screening is “Bodyshells” that was showcased in an exhibition at the Museum of Contemporary Crafts, now known as the Museum of Art and Design in NYC. This 8mm footage shows various figures covered in big foam costumes and moving slowly across the beach in LA. Their interaction with the surroundings changed completely when dressing like that.

However, the most impressive artworks on shows at this exhibition are the series of Bucher’s large-scale latex “Skinnings”, as she liked to call them. Bucher became more interested in the body’s relationship to space in her later work. In the mid-70s she started experimenting with a new technique, consisting in soaking gauze sheets in latex rubber and using them to cast room interiors, objects, clothing and the human body. We can see on the film projected on the small room downstairs that the peeling-off process from the original surfaces was like a performance on its own because of the physical strength required and the meaning implied.

These works present a haunting imprint of an architectural surface and the peeling-off process seems to represent a liberation from these memories.

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In contrast, the works displayed on the first-floor of the gallery are more related to impermanence and fragility. The artist reflected on concepts such as ephemerality, transformation and metamorphosis. We could see latex costume-objects such as the wings of a dragonfly on “Libellenkleid” (1976), next to which we can see The art blackberry on one of our photos below, as well as various examples of beautiful dresses that can potentially transform the wearer into someone else. Likewise the water related artwork on show on the terrace and on the ground-floor seem to be more in consonance with these notions of ephemerality.

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It is great to see her artistic process on the videos and the different avenues she used to explore the ideas that concerned her the most. All of them embodied of superb aesthetic power.


Despellejando recuerdos del pasado
Heidi Bucher
19 de septiembre – 9 de diciembre de 2018
Parasol Unit gallery, Londres, Reino Unido

The art berries estuvimos hace un par de semanas visitando la galería Parasol Unit en Londres, donde descubrimos la obra de Heidi Bucher (1926-1993), una artista suiza que estaba interesada en explorar el espacio arquitectónico y el cuerpo a través de la escultura. Aparentemente, esta es la primera vez que su trabajo se exhibe en una galería pública 25 años después de su muerte.

Me encantó ver las diversas piezas presentadas en ambos pisos de esta galería, que pueden sonar muy en sintonía con lo que digo acerca de la mayoría de las exposiciones de arte que visito, pero debe ser porque elegimos ver buenas muestras de arte para brindarte el mejor arte en exposición.

Heidi Bücher nació en Winterthur, Suiza, y asistió a la Escuela de Artes Aplicadas de Zurich. Colaboró ​​a principios de la década de 1970 con su esposo y escultor Carl Bucher. Sus primeros trabajos tempranos se centraron principalmente en el cuerpo y podemos ver algunas de estas piezas en las proyecciones de películas que documentan su trabajo.  Una de las piezas de arte que se muestran en la proyección es “Bodyshells” que se exhibió en una exposición en el Museo de Artesanía Contemporánea, ahora conocido como el Museo de Arte y Diseño en Nueva York. Este video de 8 mm muestra varias figuras cubiertas con grandes disfraces de espuma y avanzando lentamente por la playa en Los Ángeles. Su interacción con el entorno circundante cambiaba por completo al ir así vestidos.

Sin embargo, las obras de arte más impresionantes de esta exhibición son las series de látex a gran escala “Skinnings”, como a Bucher le gustaba llamarlas. Bucher se interesó más en la relación del cuerpo con el espacio en su trabajo posterior. A mediados de los años 70, comenzó a experimentar con una nueva técnica, que consistía en remojar láminas de gasa en látex y usarlas para moldear interiores de interiores, objetos, ropa y el cuerpo humano. Podemos ver en la película que se muestran en una pequeña habitación en la planta baja que el proceso de desprendimiento fue como una performance en sí misma debido a la fuerza física requerida y el significado implícito.

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Estas obras se presentan como una huella evocativa de una superficie arquitectónica y el proceso de desprendimiento parece representar una liberación de estos recuerdos.

 

 

En contraste, las obras que se muestran en el primer piso de la galería están más relacionadas con impermanencia y fragilidad. La artista reflexionó sobre conceptos como transformación y metamorfosis. Podríamos ver los disfraces de látex, como las alas de una libélula en “Libellenkleid” (1976), junto al cual podemos ver El arte blackberry en una de nuestras fotos de abajo, así como varios ejemplos de hermosos vestidos que pueden transformar el portador en otra persona. Del mismo modo, las obras de arte relacionadas con el agua que se muestran en la terraza y en la planta baja parecen estar más en consonancia con esas nociones de arte efímero.

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Es genial ver su proceso artístico en los videos y las diferentes vías que utilizó para explorar las ideas que más le interesaban. Todos ellas poseedoras de excelente poder estético.

The struggle in all artistic pursuits

Franz West
Sisyphos sculptures
Gagosian, Davies Street, London, UK
June 8 – July 27, 2018

In Greek mythology Sisyphus or Sisyphos was the first king of Ephyra, who was punished by Zeus for his deceitfulness and proudness and forced to roll a heavy boulder up a steep hill, only for it to roll down when it nears the top, repeating this action for eternity.

The last art exhibition there was at the Gagosian in Davies Street, London, by Franz West (Vienna, 1947 – Vienna, 2012) referred to the myth told above. The show ended last week, so you’ll have to see these artworks somewhere else they travel to. But, I wanted to share them with you nevertheless, because I think that the sculptures are beautiful and I like the photos we did when we performed at the art space.

Belonging to a generation of artists exposed to the Actionist and Performance Art of the 1960s and 70s, Franz West rejected the idea of a passive relationship between artwork and viewer. He investigated the dichotomy between private and public, action and reaction, both in and outside the gallery, and used everyday materials and imagery to examine art’s relation to social experience.

The Sisyphus myth the artist referred to with this show at the Gagosian gallery is an exploration of the unrelenting frustration of the creative process, the struggle involved in all artistic pursuits that artists and creative people in general are so familiar with.

Franz West unconventional sculpures often require an involvement of the audience, so they are the perfect example of artworks The art berries like to perform with. The ones where the artist encourages the interaction and don’t see our performance as an interference in their work. Having said that, I do believe that everyone should be free to interact with art and enjoy the arts as they please, as long as the artworks are respected. And that is indeed one of the missions of The art berries project.

For the photos displayed here we played with the notions of hide and exposure frequently touched by the artist in his career. Also by lying on the floor, we seem to be resting from the Sisyphean creative struggle. Only for a moment!


La lucha en todas las actividades artísticas

Franz West
Esculturas de Sísifo
Gagosian, Davies Street, Londres, Reino Unido
8 de junio – 27 de julio de 2018

En la mitología griega, Sísifo o Sisyphos fue el primer rey de Ephyra, que fue castigado por Zeus por su comportamiento engañoso y su orgullo, y obligado a rodar una pesada roca por una colina empinada, solo para que ruede cuando se acerca a la cima, repitiendo esta acción por toda la eternidad.

La última exposición de arte que hubo en la galería Gagosian de Londres del artista Franz West (Viena, 1947 – Viena, 2012) se refería al mito mencionado anteriormente. La muestra terminó la semana pasada, por lo que tendrás que ver estas obras de arte en otra galería o museo al que viajen. Pero, quería compartirlas contigo, porque creo que las esculturas son bonitas y me gustan las fotos resultantes de la interacción con las esculturas en este espacio.

Perteneciente a una generación de artistas expuestos al Actionist y Performance Art de los años 60 y 70, Franz West rechazó la idea de una relación pasiva entre obra de arte y espectador. Investigó la dicotomía entre lo privado y lo público, la acción y la reacción, tanto dentro como fuera de la galería, y utilizó materiales e imágenes cotidianas para examinar la relación del arte con la experiencia social.

El mito de Sísifo al que el artista se refirió con esta exposición en la galería Gagosian es una exploración de la frustración del proceso creativo, la lucha permanente que rodea a todas las actividades artísticas con las que los artistas y las personas creativas en general estamos tan familiarizados.

 

Las esculturas no convencionales de Franz West a menudo requieren la participación de la audiencia, por lo que son el ejemplo perfecto de obras de arte con las que nos gusta hacer un ‘performance’ a The art berries. Aquellas en los que el artista fomenta la interacción y no ve nuestro ‘perfomance’ como una interferencia en su trabajo. Habiendo dicho eso, creo que el público debería ser libre de interactuar con el arte y disfrutar del arte como le plazca, siempre y cuando se respeten las obras de arte. Y esa es de echo una de las misiones del proyecto The art berries.

Para las fotos que se muestran aquí, jugamos con las nociones de ocultar y mostrar que con frecuencia tocó el artista en su carrera. También al tumbarnos en el suelo parece que descansamos de la lucha creativa de Sísifo. Sólo por un momento!

Franz West - TheartblueberryFranz West - big sculpure

Shared memories in colour

Howard Hodgkin
Last Paintings
Gagosian, Grovenor Hill, London
June 1 – July 28, 2018

The Gagosian gallery at Grosvenor Hill is now showing a show of Howard Hodgkin, a widely known British contemporary painter I first discovered with an exhibition there was at Tate Britain, London, in 2006. That show spanned his entire career from the 1950s, despite he wasn’t celebrated as a major figure in British art until the 1970s, but it revealed the early development of his visual language. The memory I keep of it is that it was a fest for the senses due to the vibrancy of the colours and expressiveness of the artworks.

The current exhibition at the Gagosian gallery showcases the final six paintings he completed in India before he died in March 2017, including more than twenty other paintings never displayed before in Europe. I was pleased to see his work again, and the final evolution of it as a gold brooch to the show I saw at Tate more than ten years ago.

Despite his work seems abstract at first sight, Hodgkin stated clearly that he wasn’t an abstract painter. The artist did a a continuos exploration of the representation of emotions, personal encounters and above all, memories of specific experiences that the viewer can relate with going back to his/her own experiences.

In an interview with Kenneth Baker in the Summer of 2016 Hodgkin said: “I can’t control the viewer. But I tell them what the picture’s about, always. I’ve never painted an abstract picture in my life. I can’t.”

He showed a passionate commitment to subject and said also in this interview that it’s when the physical reality is established that the subject can begin to show itself. But, he lamented that people didn’t usually see that his pictures where made of shape, drawing and composition.

Shared memories are a key part in his work. And it was very insightful to read the title of the works to know what he had in mind when he made a new painting. That reading was very evocative to me with some works. Like the painting titled “Portrait of the artist listening to music” displayed below, or the one titled “Darkness at noon” where The art raspberry performs as if she were a sculpture in the shadow.

Although we both liked most paintings, my favourite paintings didn’t necessarily coincide with the ones loved by The art raspberry. And, therefore, each of us performed with the ones we liked the most. In some cases, adding a new interpretation. Like with the work titled “Don’t tell a soul”, where mi position in front of the green brushstrokes over yellow seem to suggest “The birth of an idea” or “A moment of inspiration”. Finally, with the painting “Love song” I felt like a butterfly over some flowers and I truly felt connected to it.

Hodgkin represented Britain at the Venice Biennale in 1984 and received the Turner Prize in 1985. In addition, he was included by the newspaper The Independent in a list of the 100 most influential gay people in Britain.


Recuerdos compartidos en color
Howard Hodgkin
Últimas pinturas
Gagosian, Grovenor Hill, Londres
1 de junio – 28 de julio de 2018

La galería Gagosian en Grosvenor Hill, Londres, muestra ahora una exposición de Howard Hodgkin, un pintor británico ampliamente conocido que discubrí por primera vez con una exposición en Tate Britain, Londres, en 2006. Esa muestra abarcaba toda su carrera desde la década de 1950, a pesar de que no fue celebrado como una figura importante en el arte británico hasta la década de 1970, pero revelaba el desarrollo temprano de su lenguaje visual. El recuerdo que guardo de esta muestra es que fue un festival para los sentidos gracias a la vitalidad de los colores y la expresividad de las obras de arte.

La muestra que hay ahora en la galería Gagosian expone las últimas seis pinturas que completó en la India antes de morir en marzo de 2017, incluyendo más de veinte pinturas que nunca antes se habían expuesto en Europa. Me gustó ver su trabajo de nuevo, y la evolución final de este como un broche de oro para la exposición que vi en Tate hace más de diez años.

A pesar de que su trabajo parece abstracto a primera vista, Hodgkin afirmó claramente que no era un pintor abstracto. El artista realizó una exploración continua de la representación de emociones, encuentros personales y, sobre todo, recuerdos de experiencias con las que el espectador puede identificarse fijándose en sus propias experiencias.

En una entrevista con Kenneth Baker en el verano de 2016, Hodgkin dijo: “No puedo controlar al espectador. Pero les digo de qué se trata la imagen, siempre. Nunca he pintado una imagen abstracta en mi vida. No puedo “.

Mostró un compromiso apasionado con el sujeto pictórico y dijo también en esta entrevista que cuando se establece la realidad física es cuando dicho sujeto puede comenzar a mostrarse. Pero, se lamentó de que la gente no suele ver que sus imágenes están hechas de forma, dibujo y composición.

Los recuerdos compartidos son una parte clave de su trabajo. Y fue muy interesante leer el título de las obras para saber lo que él tenía en mente cuando hizo una nueva pintura. Esa lectura fue muy evocadora para mí con algunas obras. Como la pintura titulada “Retrato del artista que escucha música” que se muestra abajo, o la que se titula “Oscuridad al mediodía” donde The art raspberry actúa como si fuera una escultura en la sombra.

Aunque a los dos nos gustaron la mayoría de las pinturas, mis pinturas preferidas no coincidieron necesariamente con las que le gustaron a ella. Cada una hizo su ‘peformance’ con la obras con las que mas conectó en aquel momento. En algunos casos, añadiendo una nueva interpretación. Al igual que con el trabajo titulado “No le digas a un alma”, donde mi posición delante de las pinceladas verdes sobre amarillo parecen sugerir “El nacimiento de una idea” o “Un momento de inspiración”. Finalmente, con la pintura “Canción de amor” me sentí como una mariposa sobre algunas flores y me sentí conectada con la pintura.

Hodgkin representó a Gran Bretaña en la Bienal de Venecia en 1984 y recibió el Premio Turner en 1985. Además, fue incluido por el periódico The Independent en una lista de los 100 gays más influyentes en Gran Bretaña.

Howard Hodgkins-The art raspberry

The art raspberry performing next to “Darkness at noon” (2015-2016).

Howard Hodgkin-The art blueberry2Howard Hodgkin-The art blueberry1Howard Hodgkin-The art blueberry3

The art blueberry performing next to “Love song” (2015).

Howard Hodgkin-Red sky at night

Painting above: “Red sky at night” (2001-2011).

Howard Hodgkin-red sky in the morning

Painting above: “Red sky in the morning” (2016).

Howard Hodgkin-Darkness at noon

Painting above: “Darkness at noon” (2015-2016).

Howard Hodgkin-Indian veg

Painting above: “Indian veg” (2013 – 2014).

Democratic testimony of a past time

August Sanders
Men Without Masks
Hauser & Wirth, London, UK
18 May – 28 July 2018

This is the first time I cover an art show without including us, The art berries, on the photos. When I saw this art exhibition I realised that it was worth sharing it, but it’s not the type of exhibition where an art performance would be pertinent. The pictures of August Sander speak for themselves.

I first discovered the work of this German photographer at Tate Modern and I became immediately interested on his work. Hence, I was glad to see that the gallery Hauser & Wirth London is showing this summer an art exhibition of August Sander’s work called ‘Men Without Masks’, which comprises images made from 1910 to 1931.

Sander was born in the German mining town of Herdorf and discovered photography while working at a local slagheap. He went to assist a landscape photographer working there for a mining company, and by 1909 he had opened his own studio in Cologne. By 1910, he had already established himself as a successful photographer in a profession that had only recently become a viable form of work.

Sander discarded the then prevalent pictorialist approach in favour of recording as many details of his subjects as possible. Enlarging a photograph using smooth, glossy paper typically reserved for technical images, he created a portrait that was extraordinarily detailed. This technically exact approach, enhanced by a straightforward perspective and the use of natural light became Sander’s personal signature, as he started cataloging Weimar Germany and his citizens.

As Sander explained: “Nothing seemed to me more appropriate than to project an image of our time with absolute fidelity to nature by means of photography… Let me speak the truth in all honesty about our age and the people of our age.”

Sander’s conceptual approach started from the idea of the ‘home album’, with which the artist photographed the peasants of his native village and proceeded to sort them according to their essential archetype. He produced the iconic 12-photo ‘Portfolio of Archetypes’ that features stoic farming men and women in single, double, and group portraits.

This work evolved into his decades-long project ‘People of the 20th Century’, now considered a seminal photographic work. Falling into seven distinct groups, People of the 20th Century shows ‘The Farmer’, ‘The Skilled Tradesman’, ‘The Woman’, ‘Classes and Professions’, ‘The Artists’, ‘The City’ and ‘The Last People’.

The individuals captured by Sander’s lens went from farmers to industrialists, secretaries, aristocrats and even homeless and disabled people. All were photographed in the same objective manner regardless of occupation or social class. He set out to depict the faces of his world with eloquence and empathy.

When we look at these portraits we seem to be travelling back in time, as we can appreciate the unrepeatable details and the sitter’s idiosyncrasies. The people in his portraits told their stories through their clothing, accessories as well as through their expressions, gestures and poses. Sander’s uses his lens as a way to classify the reality that surrounded him at the time and allow us now to discover Germany’s ethnic and class diversity from that period in time.

In 1942, after World War Two, Sander left Cologne and moved to the countryside, where he did very little photographic work. He died in Cologne in 1964.


Testimonio democrático de un tiempo pasado

August Sanders
Men Without Masks
Hauser & Wirth, London, UK
18 May – 28 July 2018

Esta es la primera vez que cubro una exposición de arte sin incluirnos a The art berries en las fotos. Cuando vi esta exposición de arte me di cuenta de que merecía la pena compartirla, pero no es el tipo de exposición en la que un art performance sería pertinente. Las fotos de August Sander hablan por sí mismas.

Descubrí el trabajo de este fotógrafo alemán por primera vez en Tate Modern y de inmediato me interesé por su trabajo. Por eso, me alegré de ver que la galería Hauser & Wirth London está mostrando este verano una exposición de arte de la obra de August Sander llamada ‘Men Without Masks’ que comprende imágenes realizadas desde 1910 hasta 1931.

Sander nació en la ciudad minera alemana de Herdorf y descubrió la fotografía mientras trabajaba en un escorial minero local. Fue a ayudar a un fotógrafo de paisajes que trabajaba allí para una empresa minera, y en 1909 había abierto su propio estudio en Colonia. En 1910, ya se había establecido como un fotógrafo de éxito en una profesión que recientemente se había convertido en una forma de trabajo viable.

Sander descartó el enfoque pictorialista entonces predominante por otro en favor de registrar tantos detalles de sus sujetos como fuera posible. Ampliando una fotografía con papel liso y brillante, normalmente reservado para imágenes técnicas, creó un retrato extraordinariamente detallado. Este enfoque técnicamente exacto, realzado por una perspectiva directa y el uso de la luz natural se convirtió en la firma personal de Sander cuando comenzó a catalogar a la Alemania de Weimar y sus ciudadanos.

Como explicó Sander: “Nada me pareció más apropiado que proyectar una imagen de nuestro tiempo con absoluta fidelidad a la naturaleza por medio de la fotografía … Permítanme decir la verdad con toda honestidad sobre nuestra tiempo y la gente de nuestra tiempo”.

El enfoque conceptual de Sander partió de la idea del ‘álbum raíz’, con el que el artista fotografió a los campesinos de su pueblo natal y procedió a clasificarlos según su arquetipo esencial. Produjo la icónica ‘Portfolio of Archetypes’ de 12 fotografías que presenta a hombres y mujeres granjeros de apariencia estoica en retratos individuales, dobles y en grupo.

Este trabajo se convirtió en un proyecto que le llevó décadas llamado ‘People of the 20th Century’, ahora considerado un trabajo fotográfico seminal. People of the 20th Century se divide en siete grupos distintos: ‘El granjero’, ‘El hábil comerciante’, ‘La mujer’, ‘Clases y profesiones’, ‘Los artistas’, ‘La ciudad’ y ‘Los últimos’.

Los individuos capturados por la lente de Sander pasaron de agricultores a industriales, secretarias, aristócratas e incluso personas sin hogar y discapacitadas. Todos fueron fotografiados de la misma manera objetiva independientemente de la ocupación o clase social. Se dispuso a representar las caras de su mundo con elocuencia y empatía.

Cuando miramos estos retratos parece que estamos retrocediendo en el tiempo al apreciar los detalles irrepetibles y la idiosincracia de los modelos. La gente retratada contaba sus historias a través de su ropa, accesorios y sus expresiones, gestos y poses. Sander usa su lente como una manera de clasificar la realidad que le rodeaba en ese momento y nos permite ahora descubrir la diversidad étnica y de clase de Alemania de ese período en el tiempo.

En 1942, después de la Segunda Guerra Mundial, Sander dejó Colonia y se mudó al campo donde hizo muy poco trabajo fotográfico. Murió en Colonia en 1964.

August Sander-entrance

August Sander-old ladies

August Sander-corner view

August Sander - artist