Retelling stories through found objects

Rayyane Tabet
Encounters
24 September – 14 December 2019
Parasol Unit foundation for contemporary art, London, UK
Free entry

The current art show at Parasol Unit that finishes this week is by Beirut-born and based artist Rayyane Tabet, who presents here 8 works from the past 13 years, installed together for the first time. I didn’t know this artist previously, but I was pleasantly surprised by his work. The minimalist quality of his artworks comes along with historial and cultural references to his birthplace of Lebanon that he combines sometimes with personal stories.

The artist appears to be interested in communicating an alternative view of the main political and economic events that have taken place in his country in recent years. Not only that, with his artwork he wants to contribute to the outside world’s understanding of this complex place.

All of the above, helps the visitor to connect better with his work. Tabet takes inspiration from overlooked objects that he wraps with personal anecdotes and supranational histories. According to Tabet, how Lebanon is perceived by the outside world and even by Lebaneses has no common version in history textbooks. Children in different communities are taught different versions of history.

“I’m interested in the question of whether we could create a history told by objects and materials. A lot of the time those last longer than people and are able to overcome moments of violence and marginalisation in a way that people cannot.” the artist says. 

On the ground floor, at the back of the gallery The art berries found a big red star hanging from the ceiling together with a red horse among other objects. We liked the star for some art interaction. See some photos below.

Another artwork very relevant in the show is a couple of oars of a rowing boat. The artist’s father was going to use that boat to escape their home country for Cyprus. The operation was aborted and long after that attempt of fleeting the family re-encounter the same boat by accident. The artist purchased it and decided to use as one of his artworks.

And finally, our favourite artwork on this exhibition was “Steel Rings” (2013–), a sequence of 28 rolled-steel rings arranged in a line. We liked this work for its minimalist simplicity and because it was a good art piece to interact with. Not particularly novel at first sight. But, when you pay a closer look at it and read about why the artist has chosen to display this work, you’ll be much more intrigued. Each of these rings is engraved with a distance and location in longitude and latitude, marking a specific place along the now defund Trans-Arabian Pipeline (TAPline). Built in 1947 by an alliance of US oil companies, and once the world’s largest long-distance oil pipeline, is still the only physical structure that crosses the borders of Saudi Arabia, Jordan, Syria, the Golan, and Lebanon. When the American TAPline company finally closed down after decades of regional conflict, they abandoned the pipeline in situ.

The rings can be seen as a witness to that period of history. Tapline did not survive the first Gulf War (1990–91), at the onset of which it was abandoned as a result of Saudi Arabia’s opposition to Jordan’s support of Iraq. Although largely untold, this story remains part of popular consciousness and memory, and I believe that Tabet brings up the subject elegantly and skillfully inside the gallery.


 

Volver a contar historias a través de objetos encontrados

Rayyane Tabet
Encuentros
24 de septiembre – 14 de diciembre de 2019
Parasol Unit, Londres, Reino Unido.
Entrada libre

La exposición de arte que hay ahora en Parasol Unit y que termina esta semana es de Rayyane Tabet, un artista nacido y ubicado en Beirut que presenta aquí 8 obras de los últimos 13 años, instaladas juntas por primera vez. No conocía a este artista anteriormente, pero su trabajo me sorprendió gratamente. La calidad minimalista de sus obras de arte se acompaña de referencias históricas y culturales a su lugar de nacimiento del Líbano que a veces combina con historias personales.

El artista parece estar interesado en comunicar una visión alternativa de los principales acontecimientos políticos y económicos que han tenido lugar en su país en los últimos años. No solo eso, con sus obras de arte quiere contribuir a la comprensión externa de este complejo lugar. 

Todo lo anterior, ayuda al visitante a conectar mejor con su trabajo. Tabet se inspira en objetos pasados ​​por alto, que envuelve en anécdotas personales e historias supranacionales. Según Tabet, cómo el Líbano es percibido por el mundo exterior e incluso por los libaneses no tiene una versión común en los libros de texto de historia. A los niños de diferentes comunidades se les enseñan diferentes versiones de la historia.

“Me interesa la cuestión de si podríamos crear una historia contada por objetos y materiales. Muchas veces duran más que las personas y son capaces de superar los momentos de violencia y marginación de una manera que la gente no puede “, dice el artista. 

En la parte posterior de la planta baja de la galería, The art berries encontramos una gran estrella roja colgando del techo junto con un caballo rojo entre otros objetos. Nos gustó la estrella para interactuar y tomar alguna foto. Podrás ver algunas fotos a continuación.

Otra obra de arte muy relevante en la exposición es un par de remos de un bote. El padre del artista iba a usar ese bote para escapar de su país de origen hacia Chipre. La operación fue abortada y mucho después de ese intento de huir de la familia se reencontró con el mismo bote  por accidente. El artista lo compró y decidió usarlo como una de sus obras de arte.

Y finalmente, nuestra obra de arte favorita en esta exposición fue Steel Rings (2013–), una secuencia de 28 anillos de acero laminado dispuestos en una línea. Nos gusto esta obra estéticamente por su simplicidad minimalista y como pieza de arte con la cual interactuar. No es particularmente novedosa a primera vista. Sin embargo, cuando echas un vistazo más de cerca y lees sobre por qué el artista ha elegido mostrar este trabajo, estarás mucho más intrigado. Cada uno de estos anillos está grabado con una distancia y ubicación en longitud y latitud, marcando un lugar específico a lo largo de la tubería Trans-Arabian (TAPline). Construido en 1947 por una alianza de compañías petroleras estadounidenses, y que una vez fue el oleoducto de larga distancia más grande del mundo, sigue siendo la única estructura física que cruza las fronteras de Arabia Saudita, Jordania, Siria, el Golán y el Líbano. Cuando la compañía estadounidense TAPline finalmente cerró después de décadas de conflicto regional, abandonaron la tubería in situ.

Los anillos pueden ser vistos como testigos de ese período de la historia. TAPline no sobrevivió a la primera Guerra del Golfo (1990-1991), al comienzo de la cual fue abandonada como resultado de la oposición de Arabia Saudita al apoyo de Jordania a Irak. Aunque en gran parte no contada, esta historia sigue siendo parte de la conciencia y la memoria popular, y creo que Tabet emplea este tema con elegancia y habilidad dentro de la galería.

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Exploring space with sculpture

Phyllida Barlow
cul-de-sac
23 February – 23 June 2019
Royal Academy of Arts, London, UK

After nearly two months without posting anything here, I’m finally back! I have a good excuse for being so quiet since January. My son Samuel was born on the 9th February and I have been really busy and enjoying his company since then.

Nevertheless, there’s a good art show now in London that I wanted to share with you. British sculptor Phyllida Barlow has currently an art exhibition at the contemporary galleries of the Royal Academy of Arts, which will be on until the end of the spring. The art berries went to visit it and I’m sharing it with you here, so you don’t miss one of the best art shows in London this season.

The photos you can see from The art berries below have been taken as usual with an iPhone. We’ve interacted with the artworks and bring you an intimate and personal approach of the art pieces we found more interesting.

As we entered the gallery space, we came across two huge sculptures. One of them is a vertical structure formed by various colourful canvases. A playful and intriguing art piece that traps your attention from the very beginning of the exhibition. From the photos below, you can see The art blackberry next to this piece. She appears to be in conversation with a colourful group of individuals.

As we moved along the art show, a new interesting sculpture is revealed. It reminds me of an amphitheatre with a semicircular seating gallery space sustained by multiple beams that go in different directions. You can see how we blend with the sculpture and contribute to this perception.

Finally, a series of pictures are presented below with The art blackberry amid a forest of inclined beams. In this pictures, her fragility is accentuated by the the menacing beams above her.

In February, Barlow created this exhibition that brings her own interpretation of a residential cul-de-sac. By closing the exit door in the final room, Barlow forced the viewer to turn around and revisit each sculpture anew from the other side. She created forests of seemingly precarious structures and uses them to explore the full height of the gallery space with looming beams, blocks and canvases.

Thresholds, the artist has said, are fascinating places, where you pass through from one space to another. Always seeking the surprise, Barlow expects the work to take her into a  journey, rather than her deciding upon that journey.

Her source of inspiration is in the everyday from a farm to an industrial state. Because of that, Barlow uses everyday materials such as plywood, expanding foam, polystyrene, plaster, cement, plastic piping, Polyfilla, tape, etc. and remind us to look at them in a new context with a new light. They are so common in our world that we’ve stopped even seeing them.

Barlow studied at Chelsea College of Art (1960 – 1963) and the Slade School of Art (1963 – 1966). She later taught at both schools and was Professor of Fine Art and Director of Undergraduate Studies at the latter until 2009.


Explorando el espacio con escultura

Phyllida Barlow
Callejón sin salida
23 de febrero – 23 de junio de 2019
Royal Academy of Arts, London, UK

Después de casi dos meses sin publicar nada aquí, ¡por fin estoy de vuelta! Tengo una buena excusa para estar tan callada desde enero. Mi hijo Samuel nació el 9 de febrero y he estado muy liada y disfrutando de su compañía desde entonces.

De cualquier manera, hay una buena exposición de arte ahora en Londres que quería compartir contigo. La escultora británica Phyllida Barlow tiene desde febrero una exposición en las galerías contemporáneas de la Royal Academy of Arts, que estará abierta hasta el final de la primavera. The art berries fuimos a visitarla y la comparto aquí contigo para que no te pierdas una de las mejores muestras de arte en Londres esta temporada.

Las fotos que puedes ver a continuación en The art berries  se han tomado como siempre con un iPhone. Hemos interactuado con las obras de arte y te brindamos un enfoque intimo y personal de las piezas que encontramos más interesantes.

Cuando entramos en el espacio de la galería, nos encontramos con dos esculturas enormes. Una de ellas es una estructura vertical formada por varios lienzos de colores. Una escultura divertida e intrigante que capta tu atención desde el principio de la exposición. En las fotos que capturamos debajo, puedes ver a The art blackberry junto a esta pieza. Parece estar en conversación con un grupo colorido de individuos.

 

A medida que avanzamos en la muestra de arte, aparece una nueva e interesante escultura. Me recuerda a un anfiteatro con un espacio semicircular en la galería de asientos sostenido por múltiples vigas que van en distintas direcciones. Puedes ver como nos mezclamos con la escultura y contribuimos a esta percepción.

Finalmente, a continuación se puede ver una serie de imágenes con The art blackberry en medio de un bosque de vigas inclinadas. En estas imágenes, su fragilidad se ve acentuada por las vigas que hay sobre ella.

En febrero, Barlow creó esta exposición que trae su propia interpretación de un callejón sin salida residencial. Al cerrar la puerta de salida en la sala final, Barlow obligó al espectador a darse la vuelta y volver a visitar cada escultura desde el otro lado. Creó bosques de estructuras aparentemente precarias y las utiliza para explorar la altura completa del espacio de la galería con vigas, bloques y lienzos que parece que se van a caer de un moment a otro.

Los umbrales, ha dicho la artista, son lugares fascinantes, donde se pasa de un espacio a otro. Siempre buscando la sorpresa, Barlow espera que el trabajo la lleve a un viaje, en lugar de que ella decida sobre ese viaje.

Su fuente de inspiración está en lo cotidiano, desde una granja hasta un estado industrial. Debido a eso, Barlow utiliza materiales cotidianos como madera contrachapada, espuma expandida, poliestireno, yeso, cemento, tuberías de plástico, Polyfilla, cinta, etc. y nos recuerdan mirarlos en un nuevo contexto, con una nueva luz. Son tan comunes en nuestro mundo que hemos dejado de verlos.

Barlow estudió en el Chelsea College of Art (1960 – 1963) y en la Slade School of Art (1963 – 1966). Más tarde enseñó en ambas escuelas y fue profesora de Bellas Artes y Directora de Estudios de Pre-grado en esta última hasta el 2009.

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Intricate pretty art pieces

Anni Albers
11 October 2018 – 27 January 2019
Tate Modern, London, UK

We were at Tate Modern last week visiting the art exhibition of Anni Albers (1899-1994), an artist who combined the art of hand-weaving with the language of modern art and what I believe is one the best art shows in London at the moment. Do not miss it, because it’s finishing soon.

Featuring over 350 objects from small-scale pieces and studies to large wall-hangings, jewellery and textiles designed for mass production, the show explores the intersection between art and craft, hand-weaving and machine production, ancient and modern art. It opened ahead of the centenary of the Bauhaus in 2019 and recognises Albers contribution to modern art and design.

I believe that the hand-weaving pieces presented at the art show are really diverse in shape, colour and size. It seems to me that she kept experimenting with design, techniques and materials all her life, yet keeping a very personal style.

Each artwork is like a little treasure made with great care and deep thinking. For instance, she turned everyday objects into precious jewellery pieces, and explored the use of many textures and materials for different and interesting results.

I liked the large wall-hangings with abstract patterns as well as the small-scale pieces that show a great attention to detail. In addition, there’s a central big room in the exhibition that displays various wall-hangings similar to blinds of Japanese inspiration that we decided to use for our photos, as they are good to reflect about the contemporary art space and the interaction of the body within that space.

Born in Berlin at the turn of the century, Annelise Else Frieda Fleischmann became a student at the Bauhaus in 1922, where she met her husband Josef Albers and other key modernist figures like Paul Klee.

The Bauhaus was a German art school that was opened from 1919 to 1933 and had a profound influence upon subsequent developments in art, architecture, graphic design, interior design, industrial design and typography. Although, the Bauhaus aspired to gender equality, women were still discouraged from learning certain disciplines including painting. Anni Albers began weaving by default, but it was in textiles that she found her means of expression, dedicating herself to the medium for the majority of her career. 

With the rise of Nazism and the closure of the Bauhaus, Albers left Germany in 1933 for the USA where she taught at the experimental Black Mountain College for over 15 years. She made frequent visits to Mexico, Chile and Peru, where she bought an extensive collection of ancient Pre-Columbian textiles.  In both her work and her writing, she presents a vastly expanded geography of modern art, drawing on sources from Africa, Asia and the Americas.

Visiting the show was a very stimulating experience and I feeI that it would be so for those of you who like modern art, crafts and design as much as I do.


Piezas de arte intrincadas y bonitas

Anni Albers
11 de octubre de 2018 – 27 de enero de 2019
Tate Modern, Londres, Reino Unido

Estuvimos en Tate Modern la semana pasada visitando la exposición de arte de Anni Albers (1899-1994), una artista que combinó el arte del tejido a mano con el lenguaje del arte moderno y la que en mi opinión es una de los mejores muestras de arte que hay ahora en Londres. No te lo pierdas, porque termina pronto.

Con más de 350 objetos, desde piezas a pequeña escala y estudios hasta grandes tapices, joyas y textiles diseñados para la producción en masa, la muestra explora la intersección entre arte y artesanía, tejido a mano y producción de maquinaria, arte antiguo y moderno. Se inauguró antes del centenario de la Bauhaus en 2019 y reconoce la contribución de Anni Albers al arte y diseño modernos.

Creo que las piezas de tejido a mano presentadas en la muestra de arte son muy diversas en forma, color y tamaño. Me parece que Albers siguió experimentando con el diseño, las técnicas y los materiales durante toda su vida, pero manteniendo un estilo muy personal.

Cada obra de arte es como un pequeño tesoro hecho con gran cuidado y pensamiento profundo. Por ejemplo, convirtió objetos cotidianos en preciosas piezas de joyería, y exploró el uso de muchas texturas y materiales para obtener resultados diferentes e interesantes.

 

Me gustaron los obras mas grandes con diseños abstractos, así como las piezas a pequeña escala que muestran una gran atención al detalle. Además, hay una gran sala central en la exposición que muestra varias obras similares a estores o cortinas de inspiración japonesa que decidimos usar para algunas de nuestras fotos, ya que nos parecieron buenas para reflexionar sobre el espacio contemporáneo y la interacción del cuerpo dentro de ese espacio.

Nacida en Berlín a principios de siglo, Annelise Else Frieda Fleischmann se convirtió en estudiante de la Bauhaus en 1922, donde conoció a su esposo Josef Albers y otras figuras modernistas clave como Paul Klee.

La Bauhaus fue una escuela de arte alemana que se abrió de 1919 a 1933 y tuvo una profunda influencia en los desarrollos posteriores en arte, arquitectura, diseño gráfico, diseño de interiores, diseño industrial y tipografía. Aunque, la Bauhaus aspiraba a la igualdad de genero, las mujeres fueron desanimadas a aprender ciertas disciplinas, incluida la pintura. Anni Albers comenzó a tejer por defecto, pero fue en los textiles donde encontró su medio de expresión, dedicándose a ello durante la mayor parte de su carrera.

Con el auge del nazismo y el cierre de la Bauhaus, Albers abandonó Alemania en 1933 para ir a los Estados Unidos, donde enseñó en el experimental Black Mountain College durante más de 15 años. Hizo visitas frecuentes a México, Chile y Perú, donde compró una extensa colección de textiles antiguos precolombinos. Tanto en su trabajo como en su escritura, presenta una geografía muy amplia del arte moderno, basándose en fuentes de África, Asia y América.

Visitar la exposición fue una experiencia muy estimulante y creo que lo sería para aquellos de vosotros a los que os guste el arte moderno, la artesanía y el diseño tanto como a mi.

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Challenging South African local histories

Kemang Wa Lehulere
Not even the departed stay grounded
Marian Goodman gallery, London, UK
September 13 – October 20, 2018

We visited this art exhibition a couple of weeks ago at the Marian Goodman gallery in London and it’s now gone. But, nevertheless, I wanted to cover it to introduce you to this artist who is emerging as one of South Africa’s most prominent artistic exports.

As we entered the gallery, I encountered various installations and drawings on the wall made of various materials: wood, metal, chalk, glass and robe; all of them in black and white or the original material. It can be appreciated that the art show has a strong social message, but the artist hasn’t neglected the aesthetical aspects of it. Not only that, he used those aspects to enhance the message, which is something I strongly value. I like art exhibitions with a socio-political message, specially these days in which artists seem to have really strong tools to make us reflect about the society we live in, but I have a preference for the artworks that on top of that are aesthetically interesting.

Kemang Wa Lehulere was born in Cape-town and initially rose to prominence in 2006 with Gugulective, a community-engaged collective co-founded with childhood artistic associate, Unathi Sigenu and based in the former township of Gugulethu, Cape Town. He devoted himself at the time to community engaged performative actions such as creating pamphlets to challenge local histories or setting up interventionist pirate radio stations. Only after years of social activism, he started creating sculptural objects and drawings as a residue or remanent of performance. And he went into formal art education, graduating in 2011.

Drawing on these years of social activism, Wa Lehulere conveys feelings of post-apartheid unrest and other socio-political issues with his artworks, re-enacting what he considers to be ‘deleted scenes’ from South African history.

Some of the elements characteristic of his artistic practice include messages in bottles, sphinx-like ceramic dogs and bird houses that are symbols of the forced removals under apartheid. In addition, there were big boards covered with chalk drawings and various objects suspended by shoelaces from floor to ceiling. However, his most prominent pieces are reconfigured salvaged school desks in wood and metal or just in metal, as we can see on various images below, all of them referring to the 1976 student demonstrations.

Finally, his interest in the Dogon people of Mali and their indigenous astrological knowledge will be reflected in many of the new works, as well as the controversy surrounding his knowledge of the existence of Sirius, a dwarf moon invisible to the naked eye orbiting the Dog Star, despite not having access to astronomical instruments. Kemang used laces to form star constellations, referring not only to the racist repudiation, but also to the repeated negation of opportunities for contemporary young black South Africans.

This art show tells me that art is a powerful tool to express our concerns about the world we live in and not only that, artists like Wa Lehuler manage to do that using a very personal style and effective visual elements.


Desafiando las historias locales de Sudáfrica
Kemang Wa Lehulere
Ni siquiera los difuntos se quedan en tierra.
Galería Marian Goodman, Londres, Reino Unido
13 de septiembre – 20 de octubre de 2018

Visitamos esta exposición de arte hace un par de semanas en la galería Marian Goodman en Londres y ahora ya no está. Pero, he querido cubrirla para presentaros a este artista que se está emergiendo como una de las figuras artísticas más destacadas de Sudáfrica.

Cuando entramos en la galería, encontré varias instalaciones y dibujos en la pared hechos de varios materiales: madera, metal, tiza, vidrio, etc; todos ellos en blanco y negro o en el material original. Se puede apreciar que la muestra de arte tiene un fuerte mensaje social, pero el artista no ha descuidado sus aspectos estéticos. No solo eso, utiliza esos aspectos para ensalzar el mensaje, lo cual valoro ciertamente. Me gustan las muestras de arte con un mensaje socio-político, especialmente en estos días en los que los artistas parecen tener herramientas realmente efectivas para hacernos reflexionar sobre la sociedad en que vivimos, pero tengo preferencia por las obras de arte que, además de eso, son estéticamente interesantes.

Kemang Wa Lehulere nació en Ciudad del Cabo e inicialmente se destacó en 2006 con Gugulective, un colectivo comprometido con la comunidad y cofundado con su socio artístico de la infancia, Unathi Sigenu, y residente en la antigua ciudad de Gugulethu, Ciudad del Cabo. En ese momento se dedicó a hacer demostraciones comprometidas con la comunidad, como crear folletos para desafiar las historias locales o establecer estaciones de radio piratas intervencionistas. Solo después de años de activismo social, comenzó a crear objetos escultóricos y dibujos como un residuo o remanente de su lucha social. Y obtuvo formación artística académica al graduarse en 2011.

Haciendo uso de estos años de activismo social, Wa Lehulere transmite sentimientos de inquietud posterior al apartheid y otros problemas sociopolíticos con sus obras de arte, recreando lo que él considera “escenas borradas” de la historia de Sudáfrica.

Algunos de los elementos característicos de su práctica artística incluyen mensajes en botellas, perros de cerámica con forma de esfinge y casas de aves que simbolizan los retiros forzosos bajo el apartheid. Además, hay tablas grandes cubiertas con dibujos de tiza y varios objetos suspendidos por cordones desde el suelo hasta el techo. Sin embargo, sus piezas más prominentes se reconfiguran como escritorios escolares recuperados en madera y metal o simplemente en metal, como podemos ver en varias imágenes a continuación, todas ellas en referencia a las demostraciones estudiantiles de 1976.

Finalmente, su interés en la gente Dogon de Mali y su conocimiento astrológico indígena se reflejará en muchas de las nuevas obras, así como en la controversia que rodea su conocimiento de la existencia de Sirio, una luna enana invisible a simple vista que orbita alrededor de Dog Star, a pesar de no tener acceso a instrumentos astronómicos. Kemang usó cordones para formar constelaciones de estrellas, refiriéndose no solo al repudio racista, sino también a la negación repetida de oportunidades para los jóvenes sudafricanos negros contemporáneos.

Esta muestra de arte me dice que el arte es una herramienta poderosa para expresar nuestras preocupaciones sobre el mundo en que vivimos, y no solo eso, artistas como Wa Lehuler logran hacerlo usando un estilo muy personal y elementos visuales realmente interesantes y efectivos.

Wa Lehulere - The art blackberryWa lehulere - The art blueberryWa Lehulere - 3 sisters

Breaking moulds in art and in life

Russian Dada 1914–1924
Museo Reina Sofia, Madrid, Spain
6 June – 22 October 2018

I was pleased to visit this art show a month ago in Madrid, Spain, at the Reina Sofia Museum; the first one I cover out of the UK.

Although the art exhibition felt a bit long because of the number of works on show, about 250, it was really comprehensive and I found it interesting to gain a good perspective of the art created by Russian avant-garde artists during this period, from 1914 to 1924. The show includes paintings, collages, illustrations, sculptures, film projections and publications, and it’s divided in three parts.

Dada or Dadaism was an art movement of the European avant-garde that developed in the early 20th century in reaction to World War I and had an early centre in Zurich. The Dada movement rejected the logic, reason and aestheticism of modern capitalist society, expressing irrationality and nonsense protest in their works.

When it comes to Russian Dada, the artworks on show here were produced at the height of Dada’s flourishing, between World War I and the death of Vladimir Lenin, who happened to be a frequent visitor to Cabaret Voltaire in Zurich, where this art movement originated. The Russian avant-gardists on show, as well as the rest of Dadaists, supported internationalism and engaged in eccentric practices and pacifist demonstrations.

The first part of the show, and also my favourite, focuses on ‘alogical’ abstraction. As I came into the show I saw photos of some of the Russian Dadaists, in a rather irreverent and playful pose. They were followed by some film projections in black and white, of which I took a snapshot and it’s on show below. One of the sculptures created in this period includes Vladimir Tatlin’s “Complex Corner-Relief” (1915), next to which you can see myself performing for the photo.

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The Art Blueberry performing next to Vladimir Tatlin’s, “Complex Corner-Relief”/”Relieve de esquina complejo” (1915).

One of the hits of this exhibition for me was to see the designs for a stage curtain of the futurist opera “Victory over the Sun” produced by Malevich in 1913 which led him to create his well know “Black Square” in 1915. We cannot see the “Black Square” here, but we can see a design for the curtain for the opera Victory over the Sun and some other variants of it including white squares that are brilliant too.

Kasimir Malevich, “Design for the curtain of the opera Victory over the Sun”/ “Diseño para el telón de la ópera Victoria sobre el Sol” – left/izq.
The Art Blueberry performing next to Malevich’s work.

Aleksei Morgunov was quoted within the show saying: “In 1914-15 Malevich and I decided that practically all forms of development of the painterly principles that had gone along the trajectory of negation of the created forms, logically brought us to a blank canvas. Our task then to create new forms that have a character of elementary geometric forms. One of such forms was a square.”

Olga Rozanova, “In the Street”/ “En la calle” (1915) – left/izquierda
Aleksei Morgunov, “Composition no. 1″/ “Composición n. 1” – right/derecha.

In collaboration with the musician Mikhail Matyushin and the poet Aleksei Kruchenykh, Malevich did a manifesto calling for the rejection of rational thought. They wanted to change the established systems of Western society. In the opera Victory over the Sun, the characters aimed to abolish reason by capturing the sun and destroying time. Malevich called this Suprematism, and this new movement is all about the supremacy of colour and shape in painting. 

The second section spans the period from 1917 to 1924, from the victory of the Russian Revolution to the death of Vladímir Lenin, touching notions like Internationalism. Malevich’s Suprematism had a strong influence in his contemporaries.  

As such, Sofia Dymshits-Tolstaia said on a testimony: “I came to Vitebsk after the October celebrations, but the city still glowed from Malevich’s decorations- of circles, squares, dots, lines of different colours…I felt like I was in a bewitched city, at the time everything was powerful and wonderful.”

We can see Malevich’s influence on Morgunov’s design for the cover of the journal ‘The International of Art’, and on “The New Man” from Litsitzki on show below.

Aleksei Morgunov, Unpublished cover of the journal The International of Art, 1919 / Portada inedita de la revista Internacional de arte – left/izq.
El Lisitzski, “The New Man”/ “El hombre nuevo” (1920-1923) – right/dcha.

The final section explores the connections between Russia and two of the main Dada centres, Paris and Berlin, with works from Russian artists in those two cities and the presence of artists like Lissitsky in Berlin, and Sergei Sharshun and Ilia Zdanevich in Paris.

The nihilistic zeitgeist that followed the Great War originated Dada, and the Marxism of the Russian Revolution agreed in principle with their ideals. The artists often pushed the Dadaesque into Russian mass culture, in the form of absurdist and chance-based designs. Their goal was to cause the death of art. But, failing to do that, they mostly became artists who managed to break moulds and created great works of art.


Rompiendo moldes en la vida y el arte
Dada ruso 1914-1924
Museo Reina Sofia, Madrid, España
6 de junio – 22 de octubre de 2018

Me gustó visitar esta exposición de arte hace un mes en Madrid, España, en el Museo Reina Sofía; el primero que cubro fuera del Reino Unido.

Aunque la exposición me pareció un poco larga debido a la cantidad de obras expuestas, alrededor de 250, fue bastante exhaustiva y me pareció interesante lograr una buena perspectiva del arte creado por los artistas vanguardistas rusos durante este período, de 1914 a 1924. La muestra incluye pinturas, collages, ilustraciones, esculturas, proyecciones de películas y publicaciones, y está dividido en tres partes.

Dada o Dadaism fue un movimiento de arte de la vanguardia europea que se desarrolló a principios del siglo XX en reacción a la Primera Guerra Mundial y tuvo un centro temprano en Zurich. El movimiento Dada rechazó la lógica, la razón y el esteticismo de la sociedad capitalista moderna, expresando irracionalidad y protestas absurdas en sus obras.

En lo que respecta al Dada ruso, las obras expuestas aquí se produjeron en el apogeo del florecimiento de Dada, entre la Primera Guerra Mundial y la muerte de Vladimir Lenin, que solía frecuentar el Cabaret Voltaire en Zurich, donde se originó este movimiento artístico.  Los dadaístas rusos en exposición, así como el resto de los dadaístas, apoyaron el internacionalismo y se involucraron en prácticas excéntricas y manifestaciones pacifistas.

La primera parte de la exposición, y también mi favorita, se centra en la abstracción ‘alógica’. Al entrar en la muestra, se pueden ver fotos de algunos de los dadaístas rusos, en una actitud bastante irreverente. En la siguiente sala hay algunas proyecciones de películas en blanco y negro, de las cuales también tomé una instantánea que se muestra a continuación. Una de las esculturas creadas en este período incluye “Relieve de esquina complejo“ de Vladimir Tatlin (1915), junto a la cual puedes verme posando para la foto.

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The Art Blueberry performing next to Vladimir Tatlin’s, “Complex Corner-Relief”/”Relieve de esquina complejo” (1915).

Uno de los éxitos de esta exposición para mí fue ver los diseños del telón de escenario de la ópera futurista “Victoria sobre el sol”, producida por Malevich en 1913, que le llevó a crear su bien conocido “Black Square“ en 1915. No podemos ver la obra “Black Square” aquí, pero podemos ver un diseño para el telón de la ópera Victoria sobre el Sol y algunas otras variantes, incluyendo cuadros blancos y negros que me parecen estupendos. Se me puede ver posando junto a uno de ellos a continuación.

Kasimir Malevich, “Design for the curtain of the opera Victory over the Sun”/ “Diseño para el telón de la ópera Victoria sobre el Sol” – left/izq.
The Art Blueberry performing next to Malevich’s work.

Aleksei Morgunov fue citado dentro de la exposición diciendo: “En 1914-15, Malevich y yo decidimos que prácticamente todas los principios pictóricos que habían evolucionado a través de la negación de las formas anteriores nos conducían necesariamente al lienzo vacío. Nuestra tarea entonces consistía en crear formas nuevas que conservaran el carácter de las formas geométricas elementales. Una de esas formas era el cuadrado “.

Olga Rozanova, “In the Street”/ “En la calle” (1915) – left/izquierda
Aleksei Morgunov, “Composition no. 1″/ “Composición n. 1” – right/derecha.

En colaboración con el músico Mikhail Matyushin y el poeta Aleksei Kruchenykh, Malevich hizo un manifiesto llamando al rechazo del pensamiento racional. Querían cambiar los sistemas establecidos de la sociedad occidental. En la ópera “Victoria sobre el Sol”, los personajes intentaron abolir la razón capturando el sol y destruyendo el tiempo. Malevich llamó a esto Suprematismo, y este nuevo movimiento tiene que ver con la supremacía del color y la forma en la pintura.

La segunda sección abarca el período comprendido entre 1917 y 1924, desde la victoria de la Revolución Rusa hasta la muerte de Vladímir Lenin, que frecuentó Cabaret Voltaire en Zurich, tocando nociones como el internacionalismo. El suprematismo de Malevich tuvo una fuerte influencia en sus contemporáneos.

Como tal, Sofia Dymshits-Tolstaia dijo en un testimonio: “Llegué a Vitebsk después de las celebraciones de Octubre, pero la ciudad aún brillaba por las decoraciones de Malevich: círculos, cuadrados, puntos y líneas de diferentes colores … Sentí que me encontraba en una ciudad embrujada, en ese momento todo era posible y maravilloso.”

Podemos ver esta influencia de Malevich en el diseño de Morgunov para la portada de la revista ‘The International of Art’, y en ‘The New Man’ de Litsitzki que se muestra a continuación.

Aleksei Morgunov, Unpublished cover of the journal The International of Art, 1919 / Portada inedita de la revista Internacional de arte – left/izq.
El Lisitzski, “The New Man”/ “El hombre nuevo” (1920-1923) – right/dcha.

La sección final explora las conexiones entre Rusia y dos de los principales centros Dada, París y Berlín, con obras de artistas rusos en esas dos ciudades y la presencia de artistas como Lissitsky en Berlín y Sergei Sharshun e Ilia Zdanevich en París.

El espíritu de la época nihilista que siguió a la Gran Guerra originó a Dadá y el marxismo de la Revolución rusa comulgaba en principio con sus ideales. Los artistas a menudo empujaban al dadaismo hacia la cultura de masas rusa, con forma de diseños absurdos y basados ​​en el azar. Su objetivo era causar la muerte del arte. Pero, al no hacer eso, en su mayoría se convirtieron en artistas que consiguieron romper moldes y crear grandes obras de arte.

The struggle in all artistic pursuits

Franz West
Sisyphos sculptures
Gagosian, Davies Street, London, UK
June 8 – July 27, 2018

In Greek mythology Sisyphus or Sisyphos was the first king of Ephyra, who was punished by Zeus for his deceitfulness and proudness and forced to roll a heavy boulder up a steep hill, only for it to roll down when it nears the top, repeating this action for eternity.

The last art exhibition there was at the Gagosian in Davies Street, London, by Franz West (Vienna, 1947 – Vienna, 2012) referred to the myth told above. The show ended last week, so you’ll have to see these artworks somewhere else they travel to. But, I wanted to share them with you nevertheless, because I think that the sculptures are beautiful and I like the photos we did when we performed at the art space.

Belonging to a generation of artists exposed to the Actionist and Performance Art of the 1960s and 70s, Franz West rejected the idea of a passive relationship between artwork and viewer. He investigated the dichotomy between private and public, action and reaction, both in and outside the gallery, and used everyday materials and imagery to examine art’s relation to social experience.

The Sisyphus myth the artist referred to with this show at the Gagosian gallery is an exploration of the unrelenting frustration of the creative process, the struggle involved in all artistic pursuits that artists and creative people in general are so familiar with.

Franz West unconventional sculpures often require an involvement of the audience, so they are the perfect example of artworks The art berries like to perform with. The ones where the artist encourages the interaction and don’t see our performance as an interference in their work. Having said that, I do believe that everyone should be free to interact with art and enjoy the arts as they please, as long as the artworks are respected. And that is indeed one of the missions of The art berries project.

For the photos displayed here we played with the notions of hide and exposure frequently touched by the artist in his career. Also by lying on the floor, we seem to be resting from the Sisyphean creative struggle. Only for a moment!


La lucha en todas las actividades artísticas

Franz West
Esculturas de Sísifo
Gagosian, Davies Street, Londres, Reino Unido
8 de junio – 27 de julio de 2018

En la mitología griega, Sísifo o Sisyphos fue el primer rey de Ephyra, que fue castigado por Zeus por su comportamiento engañoso y su orgullo, y obligado a rodar una pesada roca por una colina empinada, solo para que ruede cuando se acerca a la cima, repitiendo esta acción por toda la eternidad.

La última exposición de arte que hubo en la galería Gagosian de Londres del artista Franz West (Viena, 1947 – Viena, 2012) se refería al mito mencionado anteriormente. La muestra terminó la semana pasada, por lo que tendrás que ver estas obras de arte en otra galería o museo al que viajen. Pero, quería compartirlas contigo, porque creo que las esculturas son bonitas y me gustan las fotos resultantes de la interacción con las esculturas en este espacio.

Perteneciente a una generación de artistas expuestos al Actionist y Performance Art de los años 60 y 70, Franz West rechazó la idea de una relación pasiva entre obra de arte y espectador. Investigó la dicotomía entre lo privado y lo público, la acción y la reacción, tanto dentro como fuera de la galería, y utilizó materiales e imágenes cotidianas para examinar la relación del arte con la experiencia social.

El mito de Sísifo al que el artista se refirió con esta exposición en la galería Gagosian es una exploración de la frustración del proceso creativo, la lucha permanente que rodea a todas las actividades artísticas con las que los artistas y las personas creativas en general estamos tan familiarizados.

 

Las esculturas no convencionales de Franz West a menudo requieren la participación de la audiencia, por lo que son el ejemplo perfecto de obras de arte con las que nos gusta hacer un ‘performance’ a The art berries. Aquellas en los que el artista fomenta la interacción y no ve nuestro ‘perfomance’ como una interferencia en su trabajo. Habiendo dicho eso, creo que el público debería ser libre de interactuar con el arte y disfrutar del arte como le plazca, siempre y cuando se respeten las obras de arte. Y esa es de echo una de las misiones del proyecto The art berries.

Para las fotos que se muestran aquí, jugamos con las nociones de ocultar y mostrar que con frecuencia tocó el artista en su carrera. También al tumbarnos en el suelo parece que descansamos de la lucha creativa de Sísifo. Sólo por un momento!

Franz West - TheartblueberryFranz West - big sculpure

Democratic testimony of a past time

August Sanders
Men Without Masks
Hauser & Wirth, London, UK
18 May – 28 July 2018

This is the first time I cover an art show without including us, The art berries, on the photos. When I saw this art exhibition I realised that it was worth sharing it, but it’s not the type of exhibition where an art performance would be pertinent. The pictures of August Sander speak for themselves.

I first discovered the work of this German photographer at Tate Modern and I became immediately interested on his work. Hence, I was glad to see that the gallery Hauser & Wirth London is showing this summer an art exhibition of August Sander’s work called ‘Men Without Masks’, which comprises images made from 1910 to 1931.

Sander was born in the German mining town of Herdorf and discovered photography while working at a local slagheap. He went to assist a landscape photographer working there for a mining company, and by 1909 he had opened his own studio in Cologne. By 1910, he had already established himself as a successful photographer in a profession that had only recently become a viable form of work.

Sander discarded the then prevalent pictorialist approach in favour of recording as many details of his subjects as possible. Enlarging a photograph using smooth, glossy paper typically reserved for technical images, he created a portrait that was extraordinarily detailed. This technically exact approach, enhanced by a straightforward perspective and the use of natural light became Sander’s personal signature, as he started cataloging Weimar Germany and his citizens.

As Sander explained: “Nothing seemed to me more appropriate than to project an image of our time with absolute fidelity to nature by means of photography… Let me speak the truth in all honesty about our age and the people of our age.”

Sander’s conceptual approach started from the idea of the ‘home album’, with which the artist photographed the peasants of his native village and proceeded to sort them according to their essential archetype. He produced the iconic 12-photo ‘Portfolio of Archetypes’ that features stoic farming men and women in single, double, and group portraits.

This work evolved into his decades-long project ‘People of the 20th Century’, now considered a seminal photographic work. Falling into seven distinct groups, People of the 20th Century shows ‘The Farmer’, ‘The Skilled Tradesman’, ‘The Woman’, ‘Classes and Professions’, ‘The Artists’, ‘The City’ and ‘The Last People’.

The individuals captured by Sander’s lens went from farmers to industrialists, secretaries, aristocrats and even homeless and disabled people. All were photographed in the same objective manner regardless of occupation or social class. He set out to depict the faces of his world with eloquence and empathy.

When we look at these portraits we seem to be travelling back in time, as we can appreciate the unrepeatable details and the sitter’s idiosyncrasies. The people in his portraits told their stories through their clothing, accessories as well as through their expressions, gestures and poses. Sander’s uses his lens as a way to classify the reality that surrounded him at the time and allow us now to discover Germany’s ethnic and class diversity from that period in time.

In 1942, after World War Two, Sander left Cologne and moved to the countryside, where he did very little photographic work. He died in Cologne in 1964.


Testimonio democrático de un tiempo pasado

August Sanders
Men Without Masks
Hauser & Wirth, London, UK
18 May – 28 July 2018

Esta es la primera vez que cubro una exposición de arte sin incluirnos a The art berries en las fotos. Cuando vi esta exposición de arte me di cuenta de que merecía la pena compartirla, pero no es el tipo de exposición en la que un art performance sería pertinente. Las fotos de August Sander hablan por sí mismas.

Descubrí el trabajo de este fotógrafo alemán por primera vez en Tate Modern y de inmediato me interesé por su trabajo. Por eso, me alegré de ver que la galería Hauser & Wirth London está mostrando este verano una exposición de arte de la obra de August Sander llamada ‘Men Without Masks’ que comprende imágenes realizadas desde 1910 hasta 1931.

Sander nació en la ciudad minera alemana de Herdorf y descubrió la fotografía mientras trabajaba en un escorial minero local. Fue a ayudar a un fotógrafo de paisajes que trabajaba allí para una empresa minera, y en 1909 había abierto su propio estudio en Colonia. En 1910, ya se había establecido como un fotógrafo de éxito en una profesión que recientemente se había convertido en una forma de trabajo viable.

Sander descartó el enfoque pictorialista entonces predominante por otro en favor de registrar tantos detalles de sus sujetos como fuera posible. Ampliando una fotografía con papel liso y brillante, normalmente reservado para imágenes técnicas, creó un retrato extraordinariamente detallado. Este enfoque técnicamente exacto, realzado por una perspectiva directa y el uso de la luz natural se convirtió en la firma personal de Sander cuando comenzó a catalogar a la Alemania de Weimar y sus ciudadanos.

Como explicó Sander: “Nada me pareció más apropiado que proyectar una imagen de nuestro tiempo con absoluta fidelidad a la naturaleza por medio de la fotografía … Permítanme decir la verdad con toda honestidad sobre nuestra tiempo y la gente de nuestra tiempo”.

El enfoque conceptual de Sander partió de la idea del ‘álbum raíz’, con el que el artista fotografió a los campesinos de su pueblo natal y procedió a clasificarlos según su arquetipo esencial. Produjo la icónica ‘Portfolio of Archetypes’ de 12 fotografías que presenta a hombres y mujeres granjeros de apariencia estoica en retratos individuales, dobles y en grupo.

Este trabajo se convirtió en un proyecto que le llevó décadas llamado ‘People of the 20th Century’, ahora considerado un trabajo fotográfico seminal. People of the 20th Century se divide en siete grupos distintos: ‘El granjero’, ‘El hábil comerciante’, ‘La mujer’, ‘Clases y profesiones’, ‘Los artistas’, ‘La ciudad’ y ‘Los últimos’.

Los individuos capturados por la lente de Sander pasaron de agricultores a industriales, secretarias, aristócratas e incluso personas sin hogar y discapacitadas. Todos fueron fotografiados de la misma manera objetiva independientemente de la ocupación o clase social. Se dispuso a representar las caras de su mundo con elocuencia y empatía.

Cuando miramos estos retratos parece que estamos retrocediendo en el tiempo al apreciar los detalles irrepetibles y la idiosincracia de los modelos. La gente retratada contaba sus historias a través de su ropa, accesorios y sus expresiones, gestos y poses. Sander usa su lente como una manera de clasificar la realidad que le rodeaba en ese momento y nos permite ahora descubrir la diversidad étnica y de clase de Alemania de ese período en el tiempo.

En 1942, después de la Segunda Guerra Mundial, Sander dejó Colonia y se mudó al campo donde hizo muy poco trabajo fotográfico. Murió en Colonia en 1964.

August Sander-entrance

August Sander-old ladies

August Sander-corner view

August Sander - artist