This is the last weekend that this art exhibition will be open, so I strongly recommend that you go. The show includes contemporary sculpture made in the last 60 years, inspired by movement, fluidity, and growth, and it’s one of the best exhibitions I’ve seen at the Hayward Gallery in years. It’s open until Monday, bank holiday in the UK.
In contrast to traditional sculpture, the works on display in this exhibition are organic and appear to be undergoing a process of transformation. It’s as if art has partnered with science to bring you a new perspective of the world on a grander scale.
Exploring the gallery space was a delight, with each room revealing new artworks and surprises. The curating is brilliant, in terms of the works selected, the space allocated to each of them, and in between them. This allows you to navigate the show and see yourself in relation to these artworks.
As you enter the main gallery space downstairs, you can see the work by Dutch duo Studio Drift, where little silk flowers move open and close as they go up and down in an absorbing dance.
Adjacent to this, you’ll find the striking installation by Michel Blazy, crafted from white foam. Like other forms of ephemeral art, the works evolve and move as you stand in front of them, gaining interesting spiralling shapes that you’d like to be able to touch for their softness and fluidity, as if wanting to be part of that flow. See The art blackberry next to it.
Then, up the ramp, you see the towers created out of discarded junk by Seoul-based sculptor Choi Jeong-hwa. The stuff of everyday life is combined here in surprising towers of rusty nails, gas rings, shells, etc., called by him “holobionts”, little microcosms of symbiotic organisms.
This takes us into a room with the artworks created by Spanish artist Teresa Solar Abboud, in which a mix of clay, resin, metal, and acrylic develop into hybrids between biology, geology, and engineering. These ‘Three tunnel boring machines’ combine industrial and organic material in such a magical way that they seem to be presenting you with huge craps elevating their arms to the sky in dynamic and mysterious ways. I was mesmerized by these works. See below The art blueberry interacting with them.
The following artwork is probably one of the most aesthetically exciting in this art show. The work created by the American artist, Tara Donovan, of shiny molecular forms proliferating to fill a whole space. All made of Mylar, a metallic polyester film, which was folded, glued, and massed into spheres of various sizes that resemble huge molecular structures. The little art strawberry posed holding a small part of it fallen from the artwork and offered to her by the gallery attendant. We loved this artwork!
The next amazing installation was by the French artist Marguerite Humeau, and it was made with beeswax, walnut wood, and microcrystalline wax to recreate forms that exist in nature like a tree that spreads flat into clusters of tiered honeycombs and releases a scent, while you can listen to a soft buzz that makes you feel as if you were in the presence of a form that’s still alive. These three pieces of art are mesmerizing and atemporal and are central to the theme of this exhibition.
French art continues to captivate in the following room with another French artist, Jean-Luc Meulene. His works are placed on top of white tables and capture your imagination with vibrant colors and organic shapes with surrealist touches. See the pictures below to get an idea.
While the artworks in the upstairs gallery are equally impressive, they didn’t leave quite the same impact on me as those downstairs. Nevertheless, there are standout pieces worth mentioning, such as Ruth Asawa’s intricate wire sculptures, which draw inspiration from natural forms.
I found captivating the work by American artist Senga Nengudi, who presented a water-filled form that reminds us of the malleable character of human flesh and how our bodies are formed mostly by water. It makes me think of the fragility and endurance of human bodies.
Then, I liked the artwork on Lichen made by London artist Holly Hendry. She brings to life the theme of this exhibition quite perfectly. She works with scale, taking microscopic images of lichen, water, algae, and fungi and transforming them into a sculpture made of stainless steel, glass, canvas, timber, and paint to reveal unexpected connections between natural and architectural forms. She invites us to see the building for this gallery as part of a larger ecosystem.
And finally, I must mention that this exhibition also includes works by other renowned artists such as Phyllida Barlow and Franz West, whom I also found interesting and well-integrated in this exhibition. However, since I have previously covered their works in this blog, I won’t delve into them on this occasion, but you can see two photos below.
The artworks in this exhibition invoke shifting realms of experience and reminded me that everything is in a continuous state of fluxing and change. In these times in which we are somehow disembodied because of the profusion of digital devices around us, these artworks invite us to be present and enjoy our senses. I feel that art is so close to science when you look at this works that could have been inspired by the microscopic images taken from a laboratory and recreated in color and exciting materials. You cannot miss this exhibition if you’re in London and free until Monday.
Esculturas orgánicas que despiertan tu imaginación
When Forms Come Alive
7 de febrero de 2024 – 6 de mayo de 2024
Hayward gallery, Southbank Centre, Londres, Reino Unido.
Este es el último fin de semana en que esta exposición de arte estará abierta, así que te recomiendo encarecidamente que vayas. La muestra incluye escultura contemporánea realizada en los últimos 60 años, inspirada en el movimiento, la fluidez y el crecimiento, y es una de las mejores exposiciones que he visto en la Hayward gallery en años. Está abierta hasta el lunes, día festivo en el Reino Unido.
En contraste con la escultura tradicional, las obras expuestas en esta exposición son orgánicas y parecen estar experimentando un proceso de transformación. Es como si el arte se hubiera aliado con la ciencia para ofrecerte una nueva perspectiva del mundo en una escala más amplia.
Explorar el espacio de la galería fue un placer, con cada sala revelando nuevas obras de arte y sorpresas. El comisariado es brillante, tanto en relación a las obras seleccionadas, el espacio asignado a cada una de ellas y entre ellas. Esto te permite navegar por la muestra y verte en relación con estas obras de arte.
Al entrar en el espacio principal de la galería en la planta baja, puedes ver la obra del dúo holandés Studio Drift, donde pequeñas flores de seda se abren y se cierran mientras suben y bajan en una danza absorbente.
Adyacente a esto, encontrarás la impresionante instalación de Michel Blazy, elaborada con espuma blanca. Al igual que otras formas de arte efímero, la obra evoluciona y se mueve mientras estás parado frente a ella, adquiriendo interesantes formas espirales que te gustaría poder tocar por su suavidad y fluidez, como si quisieras ser parte de ese flujo. Puedes ver a The art blackberry junto a ella.
Luego, subiendo por la rampa, verás las torres creadas con objetos desechados por el escultor con sede en Seúl, Choi Jeong-hwa. Los objetos de la vida cotidiana se combinan aquí en sorprendentes torres de clavos oxidados, anillos de gas, conchas, etc., llamadas por él “holobionts”, pequeños microcosmos de organismos simbióticos.
Esto nos lleva a una sala con las obras creadas por la artista española Teresa Solar Abboud, en las que una mezcla de arcilla, resina, metal y acrílico se convierte en híbridos entre la biología, la geología y la ingeniería. Estas ‘Tres máquinas perforadoras de túneles’ combinan material industrial y orgánico de una manera mágica que parece presentarte enormes formas elevando sus brazos al cielo de manera dinámica y misteriosa. Quedé hipnotizado por estas obras. Ver abajo The art blueberry interactuando con ellas.
La siguiente obra de arte es probablemente una de las más emocionantes estéticamente en esta exposición de arte. El trabajo creado por la artista estadounidense, Tara Donovan, de brillantes formas moleculares que proliferan para llenar todo un espacio. Todas hechas de Mylar, una película de poliéster metálico, que fue doblada, pegada y amasada en esferas de varios tamaños que se asemejan a enormes estructuras moleculares. The little art strawberry posa sosteniendo una pequeña parte parte desprendida de la obra ofrecida por el asistente de la galería. Nos encantó este trabajo.
La siguiente instalación asombrosa fue realizada por la artista francesa Marguerite Humeau, y fue hecha con cera de abejas, madera de nogal y cera microcristalina para recrear formas que existen en la naturaleza, como un árbol que se extiende planamente en racimos de panal escalonados y libera un aroma, mientras puedes escuchar un suave zumbido que te hace sentir como si estuvieras en presencia de una forma que todavía está viva. Estas tres piezas de arte son hipnotizantes y atemporales y son centrales para el tema de esta exposición.
El arte francés parece revitalizado al visitar la sala pasada que es seguida por otro artista francés, Jean-Luc Meulene, cuyo trabajo está colocado sobre mesas blancas y captura tu imaginación con colores vibrantes y formas orgánicas con toques surrealistas. Ver las imágenes a continuación para tener una idea.
Aunque las obras en la galería de arriba son igualmente impresionantes, no me impactaron tanto como las de abajo. Sin embargo, hay piezas destacadas que vale la pena mencionar, como las intrincadas esculturas de alambre de Ruth Asawa, que se inspiran en formas naturales.
La obra de Senga Nengudi below, que evoca la maleabilidad de la carne humana, me resultó cautivadora, lo que me lleva a reflexionar sobre la fragilidad y la resistencia del cuerpo humano.
Luego, me gustó la obra sobre el líquen realizada por la artista londinense Holly Hendry. Ella da vida al tema de esta exposición de manera perfecta. Trabaja con la escala, tomando imágenes microscópicas de líquenes, agua, algas y hongos y transformándolas en una escultura hecha de acero inoxidable, vidrio, lienzo, madera y pintura para revelar conexiones inesperadas entre formas naturales y arquitectónicas. Nos invita a ver el edificio de esta galería como parte de un ecosistema más grande.
Y por último, debo mencionar que esta exposición incluye obras de otros artistas reconocidos como Phyllida Barlow y Franz West, que también me parecieron muy interesantes y bien integradas en el conjunto. Sin embargo, dado que ya he cubierto sus obras anteriormente en este blog, no profundizaré en ellas en esta ocasión pero se puedes ver varias fotos a continuación .
Phyllida Barlow
Las obras de arte en esta exposición evocan reinos de experiencia en constante cambio, recordándome que todo está en un estado continuo de flujo y cambio. En estos tiempos en los que a menudo nos sentimos desconectados debido a la proliferación de dispositivos digitales a nuestro alrededor, estas obras de arte nos animan a estar completamente presentes y a disfrutar de nuestros sentidos. Encuentro que el arte y la ciencia están íntimamente entrelazados, especialmente al considerar cómo estas piezas podrían haber sido inspiradas por imágenes microscópicas capturadas en un laboratorio y luego recreadas con colores vibrantes y materiales interesantes. Si te encuentras en Londres y tienes la oportunidad, no te pierdas esta exposición.
The art berries 