art gallery – The art berries

Nature always survives

Rachel Whiteread
Internal Objects
April 12 – June 6, 2021
Gagosian gallery, Grosvenor Hill, London, UK

This is an art exhibition I saw months ago, but nonetheless I’d like to talk about it briefly here, since it’s from one of my favourite British artists, Rachel Whiteread. I’ve covered an art show she had at Tate Britain a few years ago. See here.

For the past forty years, Whiteread has made artworks using the method of casting with different materials and at different scales to explore traces of corporeal presence and reveal the negative spaces of common objects. However, for her major artworks in this exhibition (see Photo 1 below), Whiteread has replaced casting in favour of building original objects out of found wood and metal, which she over paints in white. The result was interesting to see, but to me it was as if these works had lost the essence of what she used to make with the recreation of negative spaces, the inner world of objects.

Having said that, I appreciate when artists explore new avenues to express themselves and communicate with their audiences. That’s what I understood about her artistic trajectory after watching the video available on the Gagosian gallery website, in which she talks about her work for this art exhibition with Iwona Blazwick, director of the Whitechapel Gallery in London. Both ladies reflect on the different qualities of Whiteread’s work. Her previous works were solid and impermeable, whereas her new ones are permeable and seem to be taken out of a catastrophic event. For the latest artworks, Whiteread has been using rubbish, different found objects, pieces of wood, etc. and has repurposed them. Her new structures have resilience.

We could also see other artworks in the exhibition more in consonance with her previous working process, like the pink and blue flags made out of papier-mâché, cast from corrugated iron (see Photo 2 below). The papier-mâché obtained from her children’s school books. Again re-purposing things from detritus and giving them a new life. I really liked the aesthetic qualities of these works as well as the other impressions on cardboard (see Photo 4 below), where she used first cardboard, then wax and finally bronze; the former pieces showed what’s left behind after a flood.

It seems that the contrast between her old and new works is well represented by the foundational works discussed on the video. “The baptism of Christ” by Piero della Francesca, and “The raft of the Medussa” by Théodore Géricault. The first one offers a view of serenity and calmness like the feeling I get from Whiteread’s previous works casting objects, while the second one offers a view of the sublime and catastrophe, more in relation to her latest works that appear to be overtaken by a sense of violence. Despite all our attempts to destroy nature as human beings, it always survive. It is humble and yet it survives, which gives me a feeling of hope.

Finally, just to mention that on the video we can also listen to Mark Waldron reciting his poem “In a wayward place,” and Max Richter performing “Origins (Solo)”, and original composition for solo piano from his 2021 album. Both performances worth to be listened to.

La naturaleza siempre sobrevive
Rachel Whiteread
Internal Objects
12 de abril – 6 de junio de 2021
Galería Gagosian, Grosvenor Hill, Londres, Reino Unido.

Esta es una exposición de arte que ví hace meses, pero no obstante, me gustaría hablar de ella brevemente aquí por ser una de mis artistas británicas favoritas, Rachel Whiteread. Cubrí una exposición de arte que tuvo en la Tate Britain hace unos años. Mira aquí.

Durante los últimos cuarenta años, Whiteread ha realizado obras de arte utilizando el método de fundición con diferentes materiales y a diferentes escalas para explorar rastros de presencia corporal y revelar los espacios negativos de objetos comunes. Sin embargo, para sus principales obras de arte en esta exposición (mira Photo 1 debajo), Whiteread ha reemplazado la fundición a favor de construir objetos originales de madera y metal encontrados que pinta en blanco. El resultado fue interesante de ver, pero para mí fue como si estas obras hubieran perdido la esencia de lo que ella solía hacer con la recreación de espacios negativos, el mundo interior de los objetos.

Habiendo dicho eso, aprecio cuando los artistas exploran nuevas vías de expresión y comunicación con su público. Eso es lo que entendí de su trayectoria artística tras ver el vídeo disponible en la web de la galería Gagosian, en la que habla de su trabajo para esta exposición de arte con Iwona Blazwick, directora de la Whitechapel Gallery de Londres. Ambas mujeres reflexionan sobre las diferentes cualidades del trabajo de Whiteread. Sus trabajos anteriores eran sólidos e impermeables, mientras que los nuevos son permeables y parecen sacados de un evento catastrófico. Para las últimas obras de arte, Whiteread ha estado usando basura, diferentes objetos encontrados, trozos de madera, etc. y los ha reutilizado. Sus nuevas estructuras tienen resiliencia.

También pudimos ver otras obras de arte en la exposición más en consonancia con el proceso de trabajo anterior, como las banderas rosa y azul hechas de papel maché (mira Photo 2 debajo), fundido en hierro corrugado. El papel maché obtenido de los libros escolares de sus hijos. Nuevamente reutilizando las cosas de los detritos y dándoles una nueva vida. Me gustaron mucho las cualidades estéticas de estas obras así como las demás impresiones sobre cartón (mira Photo 4 debajo), donde utilizó primero cartón, luego cera y finalmente bronce; las primeras piezas mostraban lo que quedaba tras una inundación.

Parece que el contraste entre sus obras antiguas y nuevas está bien representado por las obras fundamentales discutidas en el video. “El bautismo de Cristo” de Piero della Francesca, y “La balsa de la Medussa” de Théodore Géricault. La primera ofrece una mirada de serenidad y tranquilidad como la mostrada en sus anteriores trabajos de fundición de objetos, y la segunda ofrece una visión de lo sublime y de catástrofe, más en relación con sus últimos trabajos que parecen estar poseídos por un sentimiento de violencia. A pesar de todos nuestros intentos de destruir la naturaleza como seres humanos, ella siempre sobrevive. Es humilde y, sin embargo, sobrevive, lo cual me aporta un sentimiento de esperanza.

Finalmente, solo mencionar que en el video también podemos escuchar a Mark Waldron recitando su poema “In a wayward place” y Max Richter interpretando “Origins (Solo)”, y composición original para piano solo de su álbum de 2021. Ambas actuaciones merecen ser escuchadas.

The art of resilience in life

María Berrío
Flowered Songs and Broken Currents
6 October – 18 December 2020
Victoria Miro gallery, London, UK

This is an art exhibition I saw at Victoria Miro gallery and is still available to view on Vortic Collect until 18 December 2020. As I came in, the upper galleries were filled with light and colour coming from the artworks created by María Berrío, a Colombian artist based in Brooklyn, NYC. Her works are mostly made with Japanese print paper and reflect on cross-cultural connections and global migration seen through the prism of her own history.

Latin American folklore may come to your mind when you see the colour brightness of these artworks, as well as an uneasy feeling because of the gaze and loneliness of the women represented. In 2019 the artist started researching small fishing villages in Colombia – the country where she was born and raised- and became intrigued by the stories of these villages and their inhabitants. These stories inspired her to imagine her own fishing village in the language of magical realism, a style of fiction that paints a realistic view of the modern world while also adding magical elements. Berrío created this series of artworks to explore the modes of resilience and adaptation that arise out of loss. They depict the women and children that are left behind.

A sense of loss can be perceived out of these artworks, but also a sense of rebirth. For instance, one of my favourite works in this show is ‘Clouded infinity’, 2020, showing a woman about four months pregnant, sitting lonely in a big classical armchair . On one side of the armchair there is a plant and flowers on the window, symbols of rebirth. The sky is blue outside. Children are still being born; there is still hope for the human race. See photos of the artworks below.

Another work from Berrío ‘There Is No Sky for Ground Spirits’, 2020, was a bit worrying at first sight. “This nods to our attempts to categorise and frame events, to contain them in a way that enables us to understand them”, says the artist. The two birds in this artwork represent the past and the present. “She grabs the present in her hand, but her past remains beside her, impossible to leave behind.”

My favourite artwork in this art show has no figure on it though. It depicts only a tree ‘Miracles of Ordinary Light’, 2020. According to the artist “The beauty and glory of nature is figure enough…By distancing ourselves mentally, technologically, and materially from nature, we not only fail to see nature’s wonder but also our own place in that wonder. We react in shock and horror to discover that we, too, are but one fragment of something far grander than our laughter and sadness. This tree, like all trees – as well as all birds, mountains, stars, and people – will live, die, and be reborn again.” I chose to interact with this artwork because I love trees; they are a symbol of life for me.

I really like the artist’s cyclical perception of the universe, and the way in which she focuses on female strength. This show is like a homage to Latin American women for the endurance and strength they demonstrate on a daily basis. How they are able to overcome all kind of political and sociological events such as migration, poverty and loss and reinvent themselves again.

El arte de la fortaleza humana
María Berrío
Flowered Songs and Broken Currents
6 de octubre – 18 de diciembre de 2020
Galería Victoria Miro, Londres, Reino Unido

Esta es una exposición de arte que ví en la galería Victoria Miro y todavía está disponible para ver en Vortic Collect hasta el 18 de diciembre del 2020. Al entrar, las galerías superiores estaban llenas de luz y color procedente de las obras de arte creadas por María Berrío, artista colombiana ubicada en Brooklyn, Nueva York. Sus obras están hechas en su mayoría con papel japonés y reflejan las conexiones interculturales y la migración global vistas a través del prisma de su propia historia.

El folklore latinoamericano puede venir a tu mente cuando ves la abundancia de colores de estas obras de arte, así como un sentimiento de inquietud por la mirada de soledad de las mujeres representadas. En 2019, la artista comenzó a investigar pequeños pueblos de pescadores en Colombia -el país donde nació y se crió- y se sintió intrigada por las historias de estos pueblos y sus habitantes. Estas historias la inspiraron a imaginar su propio pueblo de pescadores impregnado del lenguaje del realismo mágico, un estilo de ficción que pinta una visión realista del mundo y al mismo tiempo agrega elementos mágicos. Berrío creó esta serie de obras de arte para explorar los modos de resistencia humana y adaptación que surgen de la pérdida. Representan a las mujeres y los niños que se quedan atrás.

Se puede percibir una sensación de pérdida en estas obras de arte, pero también una sensación de renacimiento. Por ejemplo, una de mis obras favoritas es ‘Clouded infinity’, 2020, que muestra a una mujer embarazada de unos cuatro meses, sentada sola en un gran sofa de diseño clásico. A un lado del sillón hay una planta y flores en la ventana, símbolos de renacimiento. Fuera el cielo es azul. Todavía están naciendo niños; todavía hay esperanza para la raza humana. Puedes ver las fotos de las obras de arte más abajo.

Otro trabajo de Berrío ‘There Is No Sky for Ground Spirits’, 2020, me pareció un poco inquietante a primera vista. “Esto hace referencia a nuestros intentos de categorizar y enmarcar los eventos, de contenerlos de una manera que nos permita comprenderlos”, dice la artista. Los dos pájaros de esta obra de arte representan el pasado y el presente. “Agarra el presente en su mano, pero su pasado permanece a su lado, imposible de dejar atrás”.

Sin embargo, mi obra preferida en esta muestra no tiene figura. Representa sólo un árbol ‘Miracles of Ordinary Light’, 2020. Según la artista “La belleza y la gloria de la naturaleza es figura suficiente … Al distanciarnos mental, tecnológica y materialmente de la naturaleza, no solo dejamos de ver la maravilla de la naturaleza, sino también nuestro propio lugar en esa maravilla. Reaccionamos conmocionados y horrorizados al descubrir que también nosotros somos un fragmento de algo mucho más grandioso que nuestra risa y tristeza. Este árbol, como todos los árboles, así como todos los pájaros, montañas, estrellas y personas, vivirán, morirán y renacerán de nuevo “. Elegí interactuar con esta obra de arte porque me encantan los árboles; son un símbolo de vida para mí.

Me gusta mucho la percepción cíclica del universo que tiene la artista y la forma en que se enfoca en la fortaleza femenina. Esta muestra es como un homenaje a las mujeres latinoamericanas por la resistencia y la fuerza que muestran en el día a día. Cómo son capaces de superar todo tipo de eventos políticos y sociológicos como la migración, la pobreza y la pérdida, y son capaces de reinventarse de nuevo.

*María Berrío,* ‘Clouded infinity’, 2020

María Berrío, ‘Clouded Infinity’, (Detail) 2020

*María Berrío,*‘There Is No Sky for Ground Spirits’, 2020

*María Berrío,*‘Miracles of Ordinary Light’, 2020

Exploring space with sculpture

Phyllida Barlow
cul-de-sac
23 February – 23 June 2019
Royal Academy of Arts, London, UK

After nearly two months without posting anything here, I’m finally back! I have a good excuse for being so quiet since January. My son Samuel was born on the 9th February and I have been really busy and enjoying his company since then.

Nevertheless, there’s a good art show now in London that I wanted to share with you. British sculptor Phyllida Barlow has currently an art exhibition at the contemporary galleries of the Royal Academy of Arts, which will be on until the end of the spring. The art berries went to visit it and I’m sharing it with you here, so you don’t miss one of the best art shows in London this season.

The photos you can see from The art berries below have been taken as usual with an iPhone. We’ve interacted with the artworks and bring you an intimate and personal approach of the art pieces we found more interesting.

As we entered the gallery space, we came across two huge sculptures. One of them is a vertical structure formed by various colourful canvases. A playful and intriguing art piece that traps your attention from the very beginning of the exhibition. From the photos below, you can see The art blackberry next to this piece. She appears to be in conversation with a colourful group of individuals.

As we moved along the art show, a new interesting sculpture is revealed. It reminds me of an amphitheatre with a semicircular seating gallery space sustained by multiple beams that go in different directions. You can see how we blend with the sculpture and contribute to this perception.

Finally, a series of pictures are presented below with The art blackberry amid a forest of inclined beams. In this pictures, her fragility is accentuated by the the menacing beams above her.

In February, Barlow created this exhibition that brings her own interpretation of a residential cul-de-sac. By closing the exit door in the final room, Barlow forced the viewer to turn around and revisit each sculpture anew from the other side. She created forests of seemingly precarious structures and uses them to explore the full height of the gallery space with looming beams, blocks and canvases.

Thresholds, the artist has said, are fascinating places, where you pass through from one space to another. Always seeking the surprise, Barlow expects the work to take her into a journey, rather than her deciding upon that journey.

Her source of inspiration is in the everyday from a farm to an industrial state. Because of that, Barlow uses everyday materials such as plywood, expanding foam, polystyrene, plaster, cement, plastic piping, Polyfilla, tape, etc. and remind us to look at them in a new context with a new light. They are so common in our world that we’ve stopped even seeing them.

Barlow studied at Chelsea College of Art (1960 – 1963) and the Slade School of Art (1963 – 1966). She later taught at both schools and was Professor of Fine Art and Director of Undergraduate Studies at the latter until 2009.

Explorando el espacio con escultura

Phyllida Barlow
Callejón sin salida
23 de febrero – 23 de junio de 2019
Royal Academy of Arts, London, UK

Después de casi dos meses sin publicar nada aquí, ¡por fin estoy de vuelta! Tengo una buena excusa para estar tan callada desde enero. Mi hijo Samuel nació el 9 de febrero y he estado muy liada y disfrutando de su compañía desde entonces.

De cualquier manera, hay una buena exposición de arte ahora en Londres que quería compartir contigo. La escultora británica Phyllida Barlow tiene desde febrero una exposición en las galerías contemporáneas de la Royal Academy of Arts, que estará abierta hasta el final de la primavera. The art berries fuimos a visitarla y la comparto aquí contigo para que no te pierdas una de las mejores muestras de arte en Londres esta temporada.

Las fotos que puedes ver a continuación en The art berries se han tomado como siempre con un iPhone. Hemos interactuado con las obras de arte y te brindamos un enfoque intimo y personal de las piezas que encontramos más interesantes.

Cuando entramos en el espacio de la galería, nos encontramos con dos esculturas enormes. Una de ellas es una estructura vertical formada por varios lienzos de colores. Una escultura divertida e intrigante que capta tu atención desde el principio de la exposición. En las fotos que capturamos debajo, puedes ver a The art blackberry junto a esta pieza. Parece estar en conversación con un grupo colorido de individuos.

A medida que avanzamos en la muestra de arte, aparece una nueva e interesante escultura. Me recuerda a un anfiteatro con un espacio semicircular en la galería de asientos sostenido por múltiples vigas que van en distintas direcciones. Puedes ver como nos mezclamos con la escultura y contribuimos a esta percepción.

Finalmente, a continuación se puede ver una serie de imágenes con The art blackberry en medio de un bosque de vigas inclinadas. En estas imágenes, su fragilidad se ve acentuada por las vigas que hay sobre ella.

En febrero, Barlow creó esta exposición que trae su propia interpretación de un callejón sin salida residencial. Al cerrar la puerta de salida en la sala final, Barlow obligó al espectador a darse la vuelta y volver a visitar cada escultura desde el otro lado. Creó bosques de estructuras aparentemente precarias y las utiliza para explorar la altura completa del espacio de la galería con vigas, bloques y lienzos que parece que se van a caer de un moment a otro.

Los umbrales, ha dicho la artista, son lugares fascinantes, donde se pasa de un espacio a otro. Siempre buscando la sorpresa, Barlow espera que el trabajo la lleve a un viaje, en lugar de que ella decida sobre ese viaje.

Su fuente de inspiración está en lo cotidiano, desde una granja hasta un estado industrial. Debido a eso, Barlow utiliza materiales cotidianos como madera contrachapada, espuma expandida, poliestireno, yeso, cemento, tuberías de plástico, Polyfilla, cinta, etc. y nos recuerdan mirarlos en un nuevo contexto, con una nueva luz. Son tan comunes en nuestro mundo que hemos dejado de verlos.

Barlow estudió en el Chelsea College of Art (1960 – 1963) y en la Slade School of Art (1963 – 1966). Más tarde enseñó en ambas escuelas y fue profesora de Bellas Artes y Directora de Estudios de Pre-grado en esta última hasta el 2009.