art interaction – The art berries

The richness of Latin American art

TERRITORIES: Contemporary Latin American Art in the Jorge M. Perez Collection
2 March – 1 September 2024
CAAC, Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, Seville, Spain.

During my visit to Seville last week, I went to a temporary art exhibition titled: TERRITORIES – Latin American Art in the Jorge M. Pérez Collection, at the CAAC, Centro Andaluz de Arte Contemporaneo, based at the Monastery of the Cartuja (Charterhouse).

The venue has historical relevance on its own. Built as a monastery in the 15th century, it was vacated in the 19th century and acquired by an Englishman, Charles Pickman, to be used as a ceramics factory until late in the 20th century. In 1997, the Carthusian Monastery became the headquarters of the Centro Andaluz de Arte Contemporaneo, or CAAC. However, despite the fantastic venue where the exhibition is based, the museum could benefit from clearer signage or directions for visitors. After purchasing tickets, we had to explore the building to find the entrance to the exhibition. Unfortunately, there were no signs or banners to guide us.

Seville’s historical significance as a river port and its role in transatlantic trade bring valuable context to the exhibition’s location. This exhibition contributes to the cultural landscape of Seville and its historical connections with Latin America.

The exhibition showcases a selection of works by more than 50 contemporary Latin American artists. Curated by the topics on which these artists choose to focus with their work, it highlights the socio-cultural plurality of Latin America and their concerns in relation to politics, borders, inequality, ethnicity, and integration with nature, among others. Including an abstract art room that is a bit more difficult to categorize in relation to these themes.

The collection on display belongs to Jorge M. Pérez (1949), known for his association with one of the most prestigious art institutions in the United States, the Pérez Art Museum Miami (PAMM). Pérez was born in Argentina to Cuban parents and raised in Colombia. A resident of Miami since 1968, he is an entrepreneur and philanthropist who began collecting art at a young age to maintain a connection with his Hispanic American roots and cultural heritage.

Upon entering the art show, the first artworks that greeted us were from ‘Colour is my business, 2012-2016’ by Alexander Apostol (Venezuela, 1969), a series of 12 photographs identifying the colours of Venezuelan political parties. It reminded me of the vibrant works of Brazilian artists like Hélio Oiticica – a joyful way to start an art show.

The art blueberry next to ‘Colour is my business, 2012-2016’ by Alexander Apostol

In the first room, there is also a floor art installation by Maria Nepomuceno (Brazil, 1973), incorporating weaving, ceramics, wood, and glass. It establishes a relationship between the body and nature, reflecting on memory and promoting an encounter between past, present, and future.

Another piece that caught my attention was ‘Dead Rats Don’t Open Their Mouths, 2014’ by MORIS (Israel Meza Moreno) (Mexico, 1978). His work offers a glimpse into everyday urban culture, integrating diverse social codes of the street.

The little art gooseberry next to ‘Dead rats don’t open their mouth’ by MORIS

Another room titled ‘Cartographies of the Spirit’ explores territorial intersection and socio-political boundaries, with works like Mateo Lopez’s (Bogota, Colombia, 1978) blackboard ‘Board, 2014,’ reflecting on identity and memory.

In the central corridor, ‘Vertical 19’ by Claudia Andujar (Switzerland, 1931) portrays the Yanomamis in the Catrimani River basin in Brazil, showing their integration with nature.

A separate room showcases ‘Eu, mestizo, 2017’ by Jonathas de Andrade (Brazil, 1982), exploring mestizaje, ethnicity, and class in Latin America. Andrade dismantles the myth of racial democracy in Brazil with series of pictures of men and women in contrast with the adjectives extracted from the book ‘Race and Class in Rural Brazil’ published in the 1950s by Columbia University and the UNESCO, placing racial issues in a historical perspective that is far from being resolved.

The room titled “Me, Myself and I” was dedicated to gender and identity, two intertwined themes as well as objects of activism and discussion in Latin America. Herman Bas (Miami, 1978), for instance, addresses issues of identity and belonging. Bas challenges conventional gender expectations and decontextualizes objects to provoke reflection.

‘Panorama Catatumbo, 2018’ by Nohemi Perez (Colombia, 1964), a charcoal-on-fabric work, depicts territories affected by unequal development and internal conflicts.

The art blueberry next to ‘Panorama Catatumbo, 2018’ by Nohemi Perez

Another artwork that caught my attention was ‘Mantle I’ by Alice Wagner (Lima, Peru, 1974) that focuses on power and colonization where she combines different medium and techniques as a reflection and a confrontation between indigenous and European cultures and how these interactions have influenced Peruvian identity. In the same room, I found also outstanding the work by Claudia Coca (Lima, 1970) where she uses drawings simulating National Geographic covers, which from the artist’s point of view addresses scientific, cultural and historic topics that insist on the wild, exotic and distant in contrast to the West. The myth of the Other and its alien nature is clearly reflected here.

In one of the final rooms titled ‘Memory and Resistance,’ I encountered the works of some of the most renowned artists featured in this exhibition. Doris Salcedo (Bogota, Colombia, 1958) gives voice to the lives lost and forgotten due to the war on drug trafficking, ensuring they remain in collective memory by displacing everyday objects. In this instance, I observed a chair laden with cement.

Ana Mendieta (Cuba, 1948 – USA, 1985) presents a series of photographs exploring the connection between the body and nature through her performances and sculptures, drawing attention to violence against women in the USA. Meanwhile, Tania Bruguera (Cuba, 1968) addresses the lack of expression and freedom with two pieces showcased in this exhibition, which can also be viewed below.

‘The weight of guilt’ and ‘The body of silence’ (1998) by Tania Bruguera

Finally, ‘Statue of Liberty falling, 1983’ by Argentinian artist Marta Minujin (Buenos Aires, 1943) was created to commemorate the restoration of democracy in Argentina.

The little art gooseberry next to ‘Statue of liberty falling, 1983’ by Marta Minujín

The exhibition effectively organizes artworks around key themes concerning Latin American artists, exploring issues such as racism, ethnicity, class, and borders. It showcases brilliant works by highly recognized artists, shedding light on important cultural and political issues affecting Latin America.

Furthermore, in the 16th century, Seville was the main gateway to the transatlantic trade of the Spanish Empire, thanks to its position as the only river port in Spain and being one of the largest cities in Western Europe. Therefore, I consider choosing to host this exhibition in Seville meaningful, as it revitalizes the historical role of the city as a point of connection and highlights the deep cultural ties between Spain and Latin America.

La riqueza del arte latinoamericano

TERRITORIOS: Arte Latinoamericano Contemporáneo en la Colección de Jorge M. Pérez
2 de marzo – 1 de septiembre de 2024
CAAC, Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, Sevilla, España

Durante mi visita a Sevilla la semana pasada, existí a una exposición de arte temporal titulada TERRITORIOS – Arte Latinoamericano en la Colección de Jorge M. Pérez, en el CAAC, Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, ubicado en el Monasterio de la Cartuja (Monasterio de Santa María de las Cuevas).

El lugar tiene relevancia histórica por sí solo. Construido como monasterio en el siglo XV, fue desamortizado por Mendizábal en el siglo XIX y adquirido por un inglés, Charles Pickman, para ser utilizado como fábrica de cerámica hasta finales del siglo XX. En 1997, el Monasterio Cartujo se convirtió en la sede del Centro Andaluz de Arte Contemporáneo o CAAC. Sin embargo, a pesar del fantástico lugar donde se basa la exposición, el museo podría beneficiarse de una señalización o indicaciones más claras para los visitantes. Después de comprar las entradas, tuvimos que explorar el edificio para encontrar la entrada a la exposición. Desafortunadamente, no había señales ni pancartas que nos guiaran.

La relevancia histórica de Sevilla como puerto fluvial y su papel en el comercio transatlántico aportan un contexto valioso a la ubicación de la exposición. Esta exposición contribuye al paisaje cultural de Sevilla y sus conexiones históricas con América Latina.

La exposición presenta una selección de obras de más de 50 artistas latinoamericanos contemporáneos. Comisariada por los temas en los que estos artistas eligen enfocarse con su trabajo. Resalta la pluralidad sociocultural de América Latina y sus preocupaciones en relación con la política, las fronteras, la desigualdad, la etnicidad y la integración con la naturaleza, entre otros. Incluyendo una sala de arte abstracto un poco más difícil de categorizar en relación con estos temas.

La colección que se muestra pertenece a Jorge M. Pérez (1949), conocido por su asociación con una de las instituciones de arte más prestigiosas de los Estados Unidos, el Museo de Arte Pérez de Miami (PAMM). Pérez nació en Argentina de padres cubanos y se crió en Colombia. Residente de Miami desde 1968, es un empresario y filántropo que comenzó a coleccionar arte a una edad temprana para mantener una conexión con sus raíces hispanoamericanas y su herencia cultural.

Al ingresar a la exposición de arte, las primeras obras que nos recibieron fueron de ‘Colour is my business, 2012-2016’ de Alexander Apostol (Venezuela, 1969), una serie de 12 fotografías que identifican los colores de los partidos políticos venezolanos. Me recordó a las obras vibrantes de artistas brasileños como Hélio Oiticica, una forma alegre de comenzar una muestra de arte.

The art blueberry junto a ‘El color es mi negocio, 2012-2016’ de Alexander Apostol

En la primera sala, también hay una instalación de arte en el suelo de María Nepomuceno (Brasil, 1973), que incorpora tejidos, cerámica, madera y vidrio. Establece una relación entre el cuerpo y la naturaleza, reflexionando sobre la memoria y promoviendo un encuentro entre pasado, presente y futuro.

Otra pieza que llamó mi atención fue ‘Las ratas muertas no abren la boca, 2014’ de MORIS (Israel Meza Moreno) (México, 1978). Su trabajo ofrece una visión de la cultura urbana cotidiana, integrando diversos códigos sociales de la calle.

The little art gooseberry junto a ‘Las ratas muertas no abren la boca’ de MORIS

Otra sala titulada ‘Cartografías del Espíritu’ explora la intersección territorial y los límites socio-políticos, con obras como ‘Tablero, 2014,’ de Mateo López (Bogotá, Colombia, 1978), reflexionando sobre la identidad y la memoria.

En el pasillo central, ‘Vertical 19 – da serie Marcados, 1983’ de Claudia Andujar (Suiza, 1931) retrata a los Yanomamis en la cuenca del río Catrimani en Brasil, mostrando su integración con la naturaleza.

Una sala aparte presenta ‘Eu, mestizo, 2017’ de Jonathas de Andrade (Brasil, 1982), explorando el mestizaje, la etnicidad y la clase en América Latina. Andrade desmonta el mito de la democracia racial en Brasil con una serie de imágenes de hombres y mujeres en contraste con los adjetivos extraídos del libro ‘Raza y Clase en Brasil Rural’, publicado en la década de 1950 por la Universidad de Columbia y la UNESCO, situando los problemas raciales en una perspectiva histórica que está lejos de ser resuelta.

La sala titulada “Yo, mi, me, conmigo” estuvo dedicada al género y la identidad, dos temas entrelazados y objetos de activismo y discusión en América Latina. Herman Bas (Miami, 1978), por ejemplo, aborda temas de identidad y pertenencia. Bas desafía las expectativas de género convencionales y descontextualiza objetos para provocar reflexión.

‘Panorama Catatumbo, 2018’ de Nohemi Pérez (Colombia, 1964), una obra de carbón sobre tela, representa territorios afectados por un desarrollo desigual y conflictos internos.

The art blueberry junto a ‘Panorama Catatumbo, 2018’ de Nohemi Pérez

Otra obra que llamó mi atención fue ‘Manto I’ de Alice Wagner (Lima, Perú, 1974), que se centra en el poder y la colonización, donde combina diferentes medios y técnicas como reflejo y confrontación entre las culturas indígenas y europeas y cómo estas interacciones han influenciado la identidad peruana. En la misma sala, también encontré destacado el trabajo de Claudia Coca (Lima, 1970), donde utiliza dibujos que simulan portadas de National Geographic, que desde el punto de vista del artista abordan temas científicos, culturales e históricos que insisten en lo salvaje, exótico y distante en contraste con Occidente. El mito del Otro y su naturaleza ajena se refleja claramente aquí.

En una de las últimas salas titulada ‘Memoria y resistencia’, me encontré con las obras de algunas de los artistas más reconocidas de esta exposición. Doris Salcedo (Bogotá, Colombia, 1958) da voz a las vidas perdidas y olvidadas debido a la guerra contra el narcotráfico, asegurando que permanezcan en la memoria colectiva mediante la displaciaón de objetos cotidianos. En este caso, observé una silla cargada de cemento.

Ana Mendieta (Cuba, 1948 – EE. UU., 1985) presenta una serie de fotografías que exploran la conexión entre el cuerpo y la naturaleza a través de sus performances y esculturas, llamando la atención sobre la violencia contra las mujeres en Estados Unidos. Mientras tanto, Tania Bruguera (Cuba, 1968) aborda la falta de expresión y libertad con dos piezas presentadas en esta exposición, que también se pueden ver a continuación.

‘El peso de la culpa’ y ‘El cuerpo del silencio’ (1998) de Tania Bruguera

Finalmente, ‘Estátua de la Libertad cayendo, 1983’ de la artista argentina Marta Minujín (Buenos Aires, 1943) fue creada para conmemorar la restauración de la democracia en Argentina.

The little art gooseberry junto a ‘Estátua de la Libertad cayendo, 1983’ de Marta Minujín

La exposición organiza eficazmente las obras de arte en torno a temas clave relacionados con los artistas latinoamericanos, explorando temas como el racismo, la etnicidad, la clase y las fronteras. Muestra obras brillantes de artistas altamente reconocidos, arrojando luz sobre importantes problemas culturales y políticos que afectan a América Latina.

En el siglo XVI, Sevilla era el principal punto de acceso al comercio transatlántico del Imperio Español, gracias a su posición como el único puerto fluvial de España y por ser una de las ciudades más grandes de Europa Occidental. Por ello, considero que la elección de Sevilla como sede de esta exposición es significativa, ya que revitaliza el papel histórico de la ciudad como punto de conexión y destaca los profundos lazos culturales entre España y América Latina.

Ten timber sculptures

Georg Baselitz: Sculptures 2011-2015
5 October 2023 – 7 January 2024
Serpentine Gallery, London, UK

The Serpentine South gallery currently showcases German artist Georg Baselitz’s work, available for viewing until tomorrow. Hurry to discover some of his latest pieces – created between 2011 and 2015 – reflecting on history, personal life, and childhood memories, modeled on himself and his wife Elke.

The visit felt to me like a visit to the artist’s studio, especially if you know that the ten timber sculptures in this art exhibition were not originally intended for public view. They were made as models, in preparation for bronze works. Each wooden sculpture is made from a single tree trunk, which Baselitz carved down using power saws, axes, and chisels. His solid, impactful figures retain the texture of timber, with distinctive incisions and notches across their surfaces.

Surrounded by the trees of Kensington Gardens, the venue complements the sculptures, evoking their original living forms in the forests of Saxony. The exhibition invites you into a forest of raw, timber sculptures, offering insights into Baselitz’s process and highlighting connections between his drawings and sculptures across different mediums. The accompanying drawings are not preparatory sketches but were created during the sculpting process.

There’s enough space within the gallery for visitors to walk freely around the huge artworks and engage with the performative side of sculpture, as we enjoyed doing, and you can see in the photos below. One of the most memorable works in this exhibition is “Zero Mobil”, a big timber sculpture suspended from the ceiling with a skull motif exploring themes of time, mortality, and the fragility of life.

Georg Baselitz (b. 1938, Saxony, Germany) first came to prominence in post-war Germany as a painter. From 1969 onwards, he has been known for turning upside down human forms and other motifs in an attempt to disrupt pictorial conventions. Turning figures upside down also invites abstraction and offers a fresh perspective on the world.

With a career spanning over six decades, Baselitz is one of the most prolific artists of his generation. He has also been one of the most controversial, with his early background fundamental to understanding his artwork. Born Hans-Georg Kern in Deutschbaselitz in 1938 in what later became East Germany (in 1958, he fashioned his name after his birthplace), the young Baselitz grew up in the immediate aftermath of World War II. According to the curator of the exhibition, Tamsin Hong, Baselitz doesn’t want to forget memories even if they are challenging.

Baselitz focused on form, color, and texture, bringing new perspectives to the tradition of German Expressionism. He turned to sculpture in 1979, continuing to explore tensions between the figurative and the abstract through crude approximations of figures and body parts carved from wood. Baselitz says of his creations: “My carvings are best described by Immanuel Kant: ‘Out of the crooked wood of humanity, nothing entirely straight can be built. It is only the approximation of this idea that nature imposes upon us.’”

Entering the South Serpentine gallery with this exhibition on display was like entering the artist’s studio and discovering the intricacies of his thought and creative process. The somehow primal shape of these huge sculptures, and the smell of the wood and the knowledge of being surrounded by trees outside the gallery contributes to make the experience grounded and authentic.

Diez esculturas de madera

Georg Baselitz: Esculturas 2011-2015
5 de octubre de 2023 – 7 de enero de 2024
Serpentine Gallery, Londres, Reino Unido

La galería Serpentine South exhibe actualmente la obra del artista alemán Georg Baselitz, abierta hasta mañana. Date prisa para descubrir algunas de sus últimas piezas, creadas entre 2011 y 2015, que reflejan la historia, la vida personal y los recuerdos de su infancia; inspiradas en él y su esposa Elke.

La visita me pareció como una visita al estudio del artista, especialmente si sabes que las diez esculturas de madera en esta exposición de arte no estaban originalmente destinadas a ser expuestas al público. Fueron hechas como maquetas o modelos, en preparación para trabajos en bronce. Cada escultura de madera está hecha de un solo tronco de árbol, que Baselitz talló con sierras eléctricas, hachas y cinceles. Sus figuras sólidas e impactantes conservan la textura de la madera, con incisiones y mellas distintivas en sus superficies.

Rodeado por los árboles de los jardines de Kensington, el lugar complementa las esculturas, evocando sus formas de vida originales en los bosques de Sajonia. La exposición te invita a adentrarte en un bosque de esculturas de madera en bruto, ofreciendo información sobre el proceso de Baselitz y destacando las conexiones entre sus dibujos y esculturas en diferentes medios. Los dibujos adjuntos no son bocetos preparatorios, sino que fueron creados durante el proceso de escultura.

Hay suficiente espacio dentro de la galería para que los visitantes caminen libremente entre las enormes obras de arte y se involucren con el lado performativo de la escultura, como hicimos nosotras y puedes ver en las fotos a continuación. Una de las obras más memorables de esta exposición es “Zero Mobil”, una gran escultura de madera suspendida del techo con un motivo de calavera que explora temas como el tiempo, la mortalidad y la fragilidad de la vida.

Georg Baselitz (n. 1938, Sajonia, Alemania) saltó a la fama por primera vez en la Alemania de la posguerra como pintor. A partir de 1969, se destacó por poner boca abajo formas humanas y otros motivos en un intento de alterar las convenciones pictóricas. Poner las figuras boca abajo también invita a la abstracción y ofrece una nueva perspectiva del mundo.

Con una carrera que abarca más de seis décadas, Baselitz es uno de los artistas más prolíficos de su generación. También ha sido uno de los más controvertidos, y sus antecedentes iniciales son fundamentales para comprender su obra de arte. Nacido como Hans-Georg Kern en Deutschbaselitz en 1938, en lo que más tarde se convirtió en Alemania Oriental (en 1958, adoptó su nombre en honor a su lugar de nacimiento), el joven Baselitz creció inmediatamente después de la Segunda Guerra Mundial. Según la comisaria de la exposición, Tamsin Hong, Baselitz no quiere olvidar los recuerdos, aunque sean desafiantes.

Baselitz se centró en la forma, el color y la textura, aportando nuevas perspectivas a la tradición del expresionismo alemán. Se dedicó a la escultura en 1979 y continuó explorando las tensiones entre lo figurativo y lo abstracto a través de crudas aproximaciones de figuras y partes del cuerpo talladas en madera. Baselitz dice de sus creaciones: “Immanuel Kant describe mejor mis tallas: ‘A partir de la madera torcida de la humanidad, no se puede construir nada completamente recto’. Es sólo la aproximación a esta idea lo que la naturaleza nos impone”.

Entrar a la galería South Serpentine con esta exposición fue como entrar al estudio del artista y descubrir las complejidades de su pensamiento y proceso creativo. La forma primitiva de estas enormes esculturas, el olor de la madera y el estar rodeado de árboles fuera de la galería contribuyen a que la experiencia sea sólida y auténtica.

One step more for post-structuralism

maquinaciones
21 junio – 28 agosto, 2023
Museo Reina Sofia, Madrid, Spain

In August, I was at the Reina Sofia Museum in Madrid and saw an art exhibition that I would like to talk about here, even though it has already ended. To develop this exhibition, the museum maintained an open collaborative research model with professionals from different backgrounds, generating synergies with other projects, activities and publications inside and outside the museum. It seems like a starting point for further research. For this reason, I reckon that it is still relevant to talk about it.

The theme of the exhibition takes shape around the two-volume work ‘Anti-Oedipus’ (1972) and ‘A Thousand Plateaus’ (1980) of “Capitalism and Schizophrenia” published by Gilles Deleuze, French philosopher, and Félix Guattari, psychoanalyst and French political activist. This work had an influential success; and with its critique of psychoanalytic conformism, it marked a significant step in the evolution of post-structuralism – a philosophical movement that emerged in France during the 1960s.

According to Félix Guattari and Gilles Deleuze, the idea of the machine undergoes a paradigm shift with respect to Marxist analyses of the industrial society. Until that point, it had been regarded simply as a technical instrument which alienated the individual, turning them into one more piece of machinery in capitalist production. After 1968, this judgement was reformulated into an abstract nucleus capable of containing infinite human and non-human relations.

Under this premise, a machine is the result of a series of connections between different components which respond to the demands of a series of circumstances and is prepared to the rhythm of its cuts and flows, ultimately disintegrating in the same manner as it was built.

This displacement from the static to the dynamic, from the individual to the collective, from the technological to the socio-political, highlights the opposition of the temporary and multiple nature of the machinic in facing the claim for eternity and uniformness of the structural. Therefore, the primordial role of the machine is “to machinate”; namely, to conspire against established power, to imagine new possible assemblages to invent the necessary means for radical transformation.

In accordance with this theoretical framework, the exhibition machinations explored different forms of resistance, coalition and creativity that materialises in the present with around fifty artists, most of them from the Mediterranean area and African continent and reflect on the historical and present-day circumstances of such territories. The works were presented across a broad array of formats and techniques that included drawing, painting, comic books, sculpture, theatre, dance, performance, installation, film, video and animation from a critical perspective.

If you have read my previous post, you know that I am interested in Post-modernism from the perspective of irreverence and skepticism to the “grand narratives” of modernism. Both Post-structuralism and Post-modernism focus on the question of representation and explore the ways in which dominant framings of world politics produce and reproduce relations of power: how they legitimate certain forms of action while marginalizing other ways of being.

I consider this exhibition as a good example within a field of research that has much more to bring about for the arts and many other disciplines, and I look forward to seeing other art shows evolving around this topic in future.

Un paso más para el postestructuralismo

maquinaciones
21 junio – 28 agosto, 2023
Museo Reina Sofía, Madrid, España

En agosto estuve en el museo Reina Sofia en Madrid y vi una exposición de arte de la que me gustaría hablar aquí a pesar de que ya ha terminado. Para desarrollar esta muestra el museo mantuvo un modelo abierto de investigación colaborativa con profesionales de distintos bagajes generando sinergias con otros proyectos, actividades y publicaciones dentro y fuera del museo. Parece un punto de partida para futuras investigaciones. Por eso considero que todavía es relevante hablar de ella.

El tema de la exposición toma forma a partir del trabajo en dos volúmenes ‘Anti-Oedipus’ (1972) and ‘A Thousand Plateaus’ (1980) de ‘Capitalismo y esquizofrenia’ publicados por Gilles Deleuze, filósofo francés, y Félix Guattari, psicoanalista y activista político francés. Dicha obra tuvo un éxito influyente; y con su crítica del conformismo psicoanalítico, marcó un paso significativo en la evolución del posestructuralismo – movimiento filosófico que surgió en Francia durante la década de 1960.

En el pensamiento de Félix Guattari y Gilles Deleuze, la idea de máquina experimenta un cambio de paradigma decisivo respecto a los análisis marxistas de la sociedad industrial. Hasta entonces había sido considerada como un simple instrumento técnico que alienaba al individuo para convertirlo en una pieza más del engranaje de la producción capitalista. A partir de 1968 este juicio se reformula como un núcleo abstracto capaz de contener una infinidad de relaciones humanas y no humanas.

Bajo esta premisa, una máquina es el resultado de una serie de acoplamientos entre distintos componentes que responde a las exigencias de una determinada coyuntura y se moviliza al ritmo de sus flujos o cortes internos, pudiendo llegar a desintegrarse del mismo modo que se constituyó.

Este desplazamiento de lo estático a lo dinámico, de lo individual a lo colectivo, de lo tecnológico a lo sociopolítico, incide en la oposición del carácter temporal y múltiple de lo maquínico frente a la pretensión de eternidad y uniformidad de lo estructural. En este sentido, “maquinar” supone la función primordial de la máquina, es decir, conspirar contra el poder establecido, imaginar nuevos agenciamientos posibles, inventar los medios necesarios para una transformación radical.

De acuerdo con este marco teórico, la exposición maquinaciones explora distintas formas de resistencia, coalición y creatividad que se dan en el presente a través de casi medio centenar de artistas. Estos proceden, en su mayoría, del área mediterránea y del continente africano, y reflexionan sobre las circunstancias históricas y actuales de dichos territorios. Las propuestas presentadas incluían una amplia variedad de formatos y técnicas como el dibujo, la pintura, el cómic, la escultura, el teatro, la danza, la performance, la instalación, el cine, el video o la animación desde una perspectiva crítica.

Si has leído mi post anterior, sabrás que estoy interesada en el posmodernismo desde la perspectiva de irreverencia y escepticismo hacia las “grandes narrativas” del modernismo. Tanto el posestructuralismo como el posmodernismo se centran en la cuestión de la representación y exploran las formas en que los marcos dominantes de la política mundial producen y reproducen relaciones de poder: cómo legitiman ciertas formas de acción mientras marginan otras formas de ser.

Considero esta exposición como un buen ejemplo dentro de un campo de investigación que tiene mucho más que lograr para las artes y muchas otras disciplinas, y espero ver similares muestras de arte que giren en torno a este tema en el futuro.

Sources: Reina Sofia website and Wikipedia.

Fibrous structures

Magdalena Abakanowicz
Every tangle of threat and rope
21 May 2023
Tate Modern, London, UK

This is the last weekend of this art exhibition at Tate Modern. If you haven’t seen it and you haven’t got other plans for the weekend, I encourage you to go. So far, it’s been my favourite art show this year, and certainly an interesting experience getting to know the work of this artist.

Magdalena Abakanowicz (1930-2017) was a Polish sculpture and fiber artist, known for her use of textiles as sculptural medium. Today she’s highly regarded as one of Poland’s most internationally acclaimed artists. She was born to an aristocratic family and lived in the countryside during her childhood, until the Second World War and subsequently the communist regime reversed their life.

Luckily the forest of her childhood used as an inspiration for her artworks was quite neutral, so the censorship to her work was milder than for other artists. An early show of her work, however, was shut down by the authorities for not actively engaging with the building of socialism. Individual expression had to be in service of the common good at the time. On the other side, the state encouraged cooperation between designers, craftspeople and artisans, which was used by Abakanowicz in her advatange. She became the pioneer of fiber-based sculpture and installation in the 1960s.

Abakanowicz was a weaver of sculptures. But what she did was so radical that it keeps amazing us today. She took the conventional flat tapestry woven for thousands of years and remade it in three dimensions. Her weavings are huge works suspended from the ceiling of organic quality. The artist takes you in a journey that showcases her ideas about nature’s power and our place in it as human beings.

As you enter the art show, you’re presented to smaller works that give you an overview of her beginnings as an artist, including naturalistic abstraction, geometric compositions filled with organic forms, some in paper, other in canvas. Her early tapestries are big, sombre abstracts of brown, beige and tan wool. Some parts are ragged, others braided. The resemble old carpets worn and tattered by lot of use.

Abakanowicz saw fibre, “as the basic element constructing the organic world… the tissue of plants, leaves and ourselves, our nerves, our genetic codes… We are fibrous structures.” she said.

Soon she outgrew the idea of making rectangular works and let the tapestries take a freer form hanging from the ceiling. She started by making them with curved, perforated and wavy shapes. Her works hanging from the ceiling are fibrous, twisted, knotted, and have ropes dangling nearby or animal horns, so that they seem to take on a life of their own. Its material warmth and earthy organic scent is comforting to the viewer.

The central room showcases a collection of dark works as described above; it was like encountering nature in its most basic, original state with its strength and comforting power. As you move along the show you start coming across the human body deconstructed in pieces. You’ll be arrested by the depictions of the female body, of opened labia, the body’s orifices and protuberances, breasts, pregnant bellies and so on.

One of the difficulties facing critics of Abakanowicz’s work through the 1960s and 70s was how to place the varied and multiform things she made. Were her wall-hangings and suspended woven works art at all? Was it craft or “applied art” or “fibre art”? Was it sculpture? Critics called her a “painter at the looms”, and described her works as “carpet creatures”. They even received the name of Abakans, coming from her surname.

This art exhibition at the Tate Modern is like a primal experience. As you move through the artworks a forest seem to emerge around you. Some dark works of art seem to be branching out like trees, others tangled like vines, others are like trunks opened to protect you from a storm. An ancient forest, primal and mysterious – all created from wool develops around you. And subsequently, a deconstruction of the human body, only to remember us that we are part of nature. Let’s not forget that!

Estructuras fibrosas

Magdalena Abakanowicz
Every tangle of threat and rope
21 mayo 2023
Tate Modern, Londres, Reino Unido

Este es el último fin de semana de esta exposición de arte en la Tate Modern. Si no la has visto y no tienes otros planes para el fin de semana, te animo a que vayas. Hasta ahora, ha sido mi exhibición de arte favorita este año, y sin duda una experiencia interesante conocer el trabajo de esta artista.

Magdalena Abakanowicz (1930-2017) fue una artista polaca de escultura y fibra, conocida por su uso de textiles como medio escultórico. Hoy en día es considerada como una de las artistas polacas más aclamadas internacionalmente. Nació en una familia aristocrática y vivió en el campo durante su infancia, hasta que la Segunda Guerra Mundial y posteriormente el régimen comunista cambiaron su vida.

Afortunadamente, el bosque de su infancia que usó como inspiración para su arte fue bastante neutral, por lo que la censura a su trabajo fue más leve que para otros artistas. Sin embargo, las autoridades cerraron una muestra temprana de su trabajo por no participar activamente en la construcción del socialismo. La expresión individual tenía que estar al servicio del bien común de la época. Por otro lado, el estado fomentó la cooperación entre diseñadores y artesanos, lo que fue aprovechado por Abakanowicz en su beneficio. Se convirtió en pionera de la escultura e instalaciones a base de fibra en la década de 1960.

Abakanowicz era tejedora de esculturas. Pero lo que hizo fue tan radical que hoy nos sigue sorprendiendo. Tomó el tapiz plano convencional tejido durante miles de años y lo rehízo en tres dimensiones. Sus tejidos son obras gigantescas suspendidas del techo de calidad orgánica. La artista te lleva en un viaje que muestra sus ideas sobre el poder de la naturaleza y nuestro lugar en ella como seres humanos.

Al entrar en la exposición de arte, se presentan obras más pequeñas que te brindan una descripción general de sus inicios como artista, incluida la abstracción naturalista, composiciones geométricas llenas de formas orgánicas, algunas en papel, otras en lienzo. Sus primeros tapices son resúmenes grandes y sombríos de lana marrón, beige y canela. Algunas partes están rotas, otras trenzadas. Se parecen a alfombras viejas gastadas y rotas por mucho uso.

Abakanowicz veía la fibra, “como el elemento básico que construye el mundo orgánico… el tejido de las plantas, las hojas y nosotros mismos, nuestros nervios, nuestros códigos genéticos… Somos estructuras fibrosas” dijo ella.

Pronto superó la idea de hacer obras rectangulares y dejó que los tapices tomaran una forma más libre colgando del techo. Empezó haciéndolas con formas curvas, perforadas y onduladas. Sus obras colgadas del techo son fibrosas, retorcidas, anudadas y tienen cuerdas colgando cerca o cuernos de animales de manera que parecen cobrar vida propia. Su calidez material y olor orgánico terroso es reconfortante para el espectador.

La sala central exhibe una colección de obras oscuras como he descrito arriba; fue como encontrarse con la naturaleza en su estado primigenio con toda su fuerza y poder reconfortante. A medida que avanzas en la muestra, comienzas a encontrarte con el cuerpo humano deconstruido en pedazos. Te cautivarán las representaciones del cuerpo femenino, de los labios abiertos, los orificios y protuberancias del cuerpo, los senos, las barrigas de embarazo, etc.

Una de las dificultades que enfrentaron los críticos del trabajo de Abakanowicz durante las décadas de 1960 y 1970 fue cómo ubicar las cosas variadas y multiformes que hizo. ¿Sus tapices y tejidos suspendidos eran arte en absoluto? ¿O era artesanía o “arte aplicado” o “arte de la fibra”? ¿Era escultura? Los críticos la llamaron “pintora de los telares”, y describieron sus obras como “criaturas de alfombra” e incluso recibieron el nombre de Abakans, proveniente de su apellido.

Esta exposición de arte en la Tate Modern es como una experiencia primaria. A medida que avanzas por la muestra, parece que un bosque emerge a tu alrededor. Algunas obras de arte oscuras parecen ramificarse como árboles, otras se enredan como vides, otras son como troncos abiertos para protegerte de una tormenta. Un bosque antiguo, primitivo y misterioso, todo creado a partir de lana se despliega a tu alrededor. Y luego, una deconstrucción del cuerpo humano a continuación, solo para recordarnos que somos parte de la naturaleza. ¡No olvidemos eso!

Shaping a better world

Theaster Gates
A Clay Sermon
29 September 2021 – 9 January 2022
Whitechapel Gallery, London, UK

It’s always good to discover new artists and new lines of creative expression. So, it was interesting to visit the Theaster Gates ceramic art show at Whitechapel Gallery early this year. The name of the exhibition, “A Clay Sermon”, conveys effectively the significance of clay, as well as its material and spiritual legacies.

Clay and religion are foundational to the artistic practice of the Chicago based artist, who has received international acclaim for his community and cultural interventions in Black Space. The relationship between God and humanity is similar to the potter working with clay. According to Theaster Gates, ‘As a potter you learn how to shape the world’. Art as activism. Activism as art. That’s what he proposes.

Gates studied urban planning and ceramics. The latter with traditional artisans more than 20 years ago in Tokoname, Japan. But he was also urged to develop his own style. Gradually he homed in on the concept of Afro-Mingei, fusing Japanese philosophy and folk traditions with African American culture. In fact, many of his early projects addressed the shared significance of pottery in Japanese and African American cultures.

The art exhibition we refer to here was split on two floors. The ground floor provided all the contextual material with loans from various museums like the Victoria and Albert Museum in London. It showcased works from China, Iran and more specifically historic works from some of his ceramic heroes. It was mainly informative for me seeing all those works from different artists next to each other.

One of his inspirations was David Drake, AKA Dave the Potter, a enslaved man who gained his freedom at the end of the civil war. He worked in potteries in South Carolina and was able to make vast, bold vessels often inscribed with lines of poetry, when it was illegal for enslaved people to write. Drake was an exploited black man, who saved his dignity through his work and creative gifts.

Another big reference for Gates’s own work is the Greek-American ceramicist Peter Voulkos (1924-2002), known as a radical ceramic artist. His works in fired clay are related to abstract expressionism, Zen and, later, to pop art. Gates pairs one of his own works with a large wood-fired stoneware ceramic by Voulkos, his 1994 Pinatubo, borrowed from the V&A. The two stand together, sharing a plinth. Gates has made several works in homage to Voulkos, as an act of what is called in Japanese Utsushi, or “replication as a spiritual practice”.

The top exhibition floor purely included Theaster Gates’ works with his big sculptures displayed on and framed by wood and stone, evoking Brancusi, and fusing all the references that inspire his work. I really liked the combination of all these works, including some big organic pieces like a spiky tall vessel, a big Asian-inspired glazed stoneware vessel, very Afro-Mingei; a chair inspired in African tradition and and a couple of Afro-Mingei faces framed in wood. See our art interaction with the artworks below. We are like clay.

The use of clay in building communities of knowledge, its role in colonialism and global trade and the ceremonial and ritual use of ceramics was very well explored throughout the whole exhibition, as well as other themes like craft and racial identity. Gates is not only talented creating his body of work but also very committed with community at large.

I can’t wait to see the design called ‘Black Chapel’ that he’ll create for the 2022 Serpentine Pavilion this summer . This year will be the first that a non-architect curates the pavilion. It “will pay homage to British craft and manufacturing traditions” and will open to the public on Friday 10 June 2022, next to the Serpentine Gallery.

Dando forma a un mundo mejor
Theaster Gates
A Clay Sermon
29 septiembre 2021 – 9 enero 2022
Galería Whitechapel, Londres, Reino Unido

Siempre es bueno descubrir nuevos artistas y nuevas líneas de expresión creativa. Por lo que fue interesante visitar la exposición de cerámica de Theaster Gates en la galería Whitechapel a principios de este año. El nombre de la exposición, “A Clay Sermon” o “Un sermón de barro”, transmite con eficacia el significado y la importancia de la arcilla, así como sus legados materiales y espirituales.

La arcilla y la religión son fundamentales para la práctica artística del artista con sede en Chicago, que ha recibido reconocimiento internacional por sus intervenciones comunitarias y culturales en ‘Black Space’. La relación entre Dios y la humanidad es similar a la del alfarero trabajando con arcilla. Según Theaster Gates, “Como alfarero, aprendes a dar forma al mundo”. El arte como activismo. El activismo como arte. Esa es su propuesta.

Gates estudió urbanismo y cerámica. Este último con artesanos tradicionales hace más de 20 años en Tokoname, Japón. Pero también se le instó a desarrollar su propio estilo. Gradualmente se centró en el concepto de Afro-Mingei, fusionando la filosofía japonesa y las tradiciones populares con la cultura afroamericana. De hecho, muchos de sus primeros proyectos abordaron el significado compartido de la cerámica en las culturas japonesa y afroamericana.

La exposición a la que nos referimos aquí se dividía en dos plantas. La planta baja proporcionaba todo el material contextual con préstamos de varios museos como el Victoria and Albert Museum de Londres, mostrando obras de China, Irán y, más específicamente, obras históricas de algunos de sus héroes de cerámica. Fue principalmente informativo para mí ver todos esos trabajos de diferentes artistas uno al lado del otro.

Una de sus fuentes de inspiración fue David Drake, también conocido como Dave the Potter, el hombre esclavizado que obtuvo su libertad al final de la guerra civil american. Trabajó en alfarerías en Carolina del Sur y pudo hacer vasijas grandes y audaces, a menudo inscritas con líneas de poesía, cuando era ilegal que las personas esclavizadas escribieran. Drake fue un hombre negro explotado, que salvó su dignidad a través de su trabajo y talentos creativos.

Otra gran referencia para el propio trabajo de Gates es el ceramista greco-estadounidense Peter Voulkos (1924-2002), conocido como un ceramista radical. Sus obras en barro cocido se relacionan con el expresionismo abstracto, el zen y, posteriormente, con el arte pop. Gates combina una de sus propias obras con una gran cerámica de gres cocida al horno de leña de Voulkos, su Pinatubo de 1994, que tomó prestada del V&A. Los dos estaban juntos, compartiendo un pedestal. Gates ha realizado varias obras en homenaje a Voulkos, como un acto de lo que se denomina en japonés Utsushi, o “emulación como práctica espiritual”.

La planta superior de la exposición incluía exclusivamente las obras de Theaster Gates, con sus grandes esculturas expuestas y enmarcadas en madera y piedra, evocando a Brancusi y fusionando todas las referencias que inspiran su obra. Me gustó mucho la combinación de todos estos trabajos, incluyendo algunas grandes piezas orgánicas como una vasija de pinchos; una gran vasija de gres vidriado de inspiración asiática, muy afro-mingei; una silla inspirada en la tradición africana y un par de rostros Afro-Mingei enmarcados en madera. Vea nuestra interacción artística con estas obras a continuación. Parece que somos como la arcilla.

El uso de la arcilla en la construcción de comunidades de conocimiento, su papel en el colonialismo y el comercio global y el uso ceremonial y ritual de la cerámica fue muy bien explorado a lo largo de toda la exposición, así como otros temas como la artesanía y la identidad racial. Gates no solo tiene talento para crear su cuerpo de trabajo, sino que también está muy comprometido con la comunidad en general.

No puedo esperar a ver el diseño que creará para el Serpentine Pavilion 2022 este verano llamado ‘Black Chapel’. Este año será el primero que un no-arquitecto comisariará el pabellón. “Rendirá homenaje a las tradiciones artesanales y manufactureras británicas” y se abrirá al público el viernes 10 de junio de 2022, junto a la Serpentine Gallery.

Theaster Gates, top floor of “A Clay Sermon”, Whitechapel Gallery.

The language of cities

Sarah Morris
17 April 2019 – 30 June 2019
White Cube Bermondsey, London, UK

This is one of the last exhibitions I’ve seen and I wanted to share a few comments and photos that we took there with you here.

White Cube Bermondsey is now displaying the work of Sarah Morris (1967), an artist born in the UK, who lives in New York City (US). The art show, formed mostly by abstract paintings, reflects on the artist’s interest in networks, typologies, architecture, language and the city. Morris plays with the viewer’s sense of visual recognition, often referencing elements of architecture, but also the graphic identity of multinational corporations, the iconography of maps, GPS technology, as well as the movement of people within urban environments.

For instance, her new series of ‘Sound Graph’ paintings use the language of American abstraction, minimalism and pop art, while the forms are derived from the artist’s sound files, using the speech from audio recordings as a starting point for the compositions. You can see me (the art blueberry) interacting with one of these paintings ‘Reality is its own ideology (Sound Graph)’ below. The inherent movement in these pictures responds to the theme of the painting that comes from an audio recording.

There’s also an artwork that occupies a separate room and includes Morris’s first sculpture, titled ‘What can be explained can also be predicted (2019)’. It’s made of modular, glass tubes of various heights and colours over a colourful plinth that reminded me of city skyscrapers, but they are also like a musical instrument. It’s a phallic and architectonic sculpture at the same time.

Morris’ work is full references to the cities we inhabit these days. A constantly evolving network of visual, social and political connections that make cities full of vibrancy and energy, always opening space for change and innovation.

El lenguaje de las ciudades

Sarah Morris
17 de abril de 2019 – 30 de junio de 2019
White Cube Bermondsey, Londres, Reino Unido

Esta es una de las últimas exposiciones de arte que he visto y quería compartir algunos comentarios y fotos que hicimos allí con vosotros.

White Cube Bermondsey muestra ahora el trabajo de Sarah Morris (1967), una artista nacida en el Reino Unido que vive en Nueva York (USA). La muestra de arte, formada principalmente por pinturas abstractas, refleja el interés de la artista en las redes, las tipologías, la arquitectura, el idioma y la ciudad. Morris juega con el reconocimiento visual del espectador, haciendo referencia a menudo a elementos de la arquitectura, pero también a la identidad gráfica de corporaciones multinacionales, a la iconografía de los mapas, a la tecnología GPS, así como al movimiento de personas en entornos urbanos.

Por ejemplo, su nueva serie de pinturas ‘Sound Graph’ utiliza el lenguaje de la abstracción estadounidense, el minimalismo y el arte pop, mientras que las formas se derivan de los archivos de sonido de la artista, utilizando grabaciones de audio como punto de partida para las composiciones. Puedes verme (The art blueberry) interactuar con una de estas pinturas “Realidad es su propia ideología (Sound Graph)” a continuación. El movimiento inherente en estas imágenes responde al tema de esta pintura que se deriva de una grabación de audio.

También hay una obra de arte que ocupa una habitación separada e incluye la primera escultura de Morris, titulada “Lo que se puede explicar también se puede predecir (2019)”. Está hecha de tubos de vidrio modulares de varias alturas y colores sobre un colorido zócalo que me recuerda a los rascacielos de muchas ciudades, pero también es como un instrumento musical. Es una escultura fálica y arquitectónica a la vez.

La obra de Morris está llena de referencias a las ciudades que habitamos en estos días. Una red en constante evolución de conexiones visuales, sociales y políticas que hacen que las ciudades estén llenas de vitalidad y energía, siempre abriendo espacio para el cambio y la innovación.

The rat king with monkeys

NS Harsha
11 April – 18 May
Victoria Miro Gallery I, London

The art berries visited this art exhibition at the Victoria Miro gallery and we’d like to share a few photos here despite the show is now finished. I’m sure you’ll be able to see more work from NS Harsha in another big city sometime soon.

The artwork we focused on is “Tamasha” (2013), an installation of larger-than-life size monkeys that appear onto a scaffolding structure. The monkeys are pointing upwards to the heavens while their tails are intertwined and tied to each other. The word Tamasha can refer to political upheaval or even human folly. Moreover, Harsha refers to the phenomenon of the rat king and its appearance in northern folklore traditions since the sixteenth century, where rat kings are associated with various superstitions and were often seen as a bad omen for being associated with plagues.

See The art blackberry below interacting with this artwork pointing to the heavens and placing herself next to the scaffolding, where the monkeys are suspended and tether to each other. Since monkeys are our ancestors, it seems plausible to me to take part on this installation :-P.

NS Harsha (born 1969) is an Indian artist born and based in Mysore. He works in many media including painting, sculpture, site-specific installation, and public works. His works “depict daily experiences in Mysore, southern India, where he is based, but also reflect wider cultural, political and economic globalization issues” and explore the “absurdity of the real world, representation and abstraction, and repeating images”. His practice has been inspired by Indian popular and miniature painting. (Source: Wikipedia).

El rey de las ratas con monos

NS Harsha
11 de abril – 18 de mayo
Victoria Miro Gallery I, Londres

The art berries visitamos esta exposición de arte en la galería Victoria Miró y nos gustaría compartir algunas fotos aquí a pesar de que la muestra ya ha terminado. Estoy segura de que pronto podrás ver más trabajos de NS Harsha en otra gran ciudad dentro de poco.

La obra de arte en la que nos enfocamos es “Tamasha” (2013), una instalación de monos de tamaño más grande que en la realidad que aparecen en una estructura de andamios. Los monos apuntan hacia el cielo mientras que sus colas están entrelazadas y unidas entre sí. La palabra Tamasha puede referirse a agitación política o incluso locura humana. Además, Harsha se refiere al fenómeno del rey de las ratas y su aparición en las tradiciones populares del norte desde el siglo XVI, donde los reyes de las ratas se asocian con varias supersticiones y se consideran a menudo como un mal presagio por estar asociados con plagas.

Debajo puedes ver a The art blackberry interactuando con esta obra de arte y apuntando al cielo, mientras se pega a los andamios donde los monos están suspendidos y atados entre sí. Dado que los monos son nuestros antepasados, me parece plausible participar en esta instalación :-P.

NS Harsha (nacido en 1969) es un artista indio nacido y residente en Mysore. Trabaja en muchos medios, como pintura, escultura, instalación específica del sitio y obras públicas. Sus trabajos “representan experiencias cotidianas en Mysore, en el sur de la India, donde se basa, pero también reflejan temas más amplios de globalización cultural, política y económica” y exploran el “absurdo del mundo real, la representación y la abstracción, y la repetición de imágenes”. Su práctica se ha inspirado en la pintura popular y en miniatura de la India. (Fuente: Wikipedia).

A master of serious play

Franz West
20 February – 2 June 2019
Tate Modern, London, UK

Tate Modern is currently hosting an art exhibition of Franz West that The art berries visited recently and I would like to share with you, our pictures and my views on the show.

I have previously covered on this blog an exhibition about Franz West that was at the Gagosian art gallery in Davies street last summer. And as I mentioned previously, West’s unconventional sculptures often look for an involvement from the audience. Hence, his artworks are the best example of art we like to interact with, and artists we admire with regards to his approach to art. Read more about West on “The struggle in all artistic pursuits” post.

As you enter the art exhibition, you come across the “Passstücke” or “Adaptives”, plaster sculptures with embedded found objects that could be picked and interact with, just as he did with his friends as you can see nearby on videos. I took my chance to play with them and enjoyed the go. Take a look at the photos below in which I dress in black and interact with white sculptures in imaginary fitting rooms where you can even close the curtains and gain more privacy. I didn’t feel the need to hide though 😉

Further down the show, we came across his “Legitimate Sculptures”, papier-mâché clumps made with everyday objects like a hat or a broom, and painted in some areas but raw in others. They were evocative of bodies, but more abstract than figurative in my view. He even played with furniture, as we can appreciate with the carpet-covered settees. Art to be sat on and have a space for conversation.

In his final years apparently he created large, brightly coloured sculptures both for galleries and public spaces, some of which can be seen outside the Tate gallery.

I like Franz West’ irreverent and playful approach to art. His sculptures were a turning point in the relationship between art and its audience, and I wish there were more artist like him.

Un maestro del juego serio

Franz West
20 de febrero – 2 de junio de 2019.
Tate Modern, Londres, Reino Unido

Tate Modern está mostrando ahora una exposición de arte de Franz West que The art berries visitamos recientemente y me gustaría compartir aquí; nuestras fotos y mis opiniones sobre la muestra.

Ya cubrí en este blog una exposición sobre Franz West que estuvo en la galería de arte de Gagosian en Davies Street el verano pasado. Y como mencioné anteriormente, las esculturas no convencionales de West a menudo buscan una participación de la audiencia. Por lo tanto, sus obras de arte son el mejor ejemplo de arte con el que nos gusta interactuar y de artistas que admiramos con respecto al enfoque de su trabajo. Lee más sobre West en la publicación “La lucha en todas las actividades artísticas“.

Al entrar en la exposición de arte, te encuentras con los “Passstücke” o “Adaptives”, esculturas de yeso con objetos encontrados incrustados con los que puedes interactuar, tal como hizo el artista con sus amigos como puedes ver en videos cercanos. Aproveché la oportunidad para jugar con ellos y disfruté haciéndolo. Echa un vistazo a las fotos a continuación en las que voy vestida de negro e interactúo con esculturas blancas en espacios separados por cortinas, donde incluso puede cerrarlas y obtener más privacidad. Aunque yo no sentí la necesidad de esconderme 😉

Más abajo en la exposición, encontramos sus “Esculturas legítimas”, grupos de papel-maché hechos con objetos cotidianos como un sombrero o una escoba, y pintados en algunas áreas, pero crudos en otras. Eran evocadores de cuerpos, pero más abstractos que figurativos desde mi punto de vista. West jugaba incluso con los muebles, como podemos apreciar con los divanes cubiertos de alfombras. El arte para sentarse y tener un espacio para conversar.

Al parecer, en sus últimos años creó grandes esculturas de colores brillantes tanto para galerías como para espacios públicos, algunas de las cuales se pueden ver fuera de la galería Tate.

Me gusta el enfoque irreverente y juguetón de Franz West en el arte. Sus esculturas fueron un punto de inflexión en la relación entre el arte y su público, y desearía que hubiera más artistas como él.