It’s always good to discover new artists and new lines of creative expression. So, it was interesting to visit the Theaster Gates ceramic art show at Whitechapel Gallery early this year. The name of the exhibition, “A Clay Sermon”, conveys effectively the significance of clay, as well as its material and spiritual legacies.
Clay and religion are foundational to the artistic practice of the Chicago based artist, who has received international acclaim for his community and cultural interventions in Black Space. The relationship between God and humanity is similar to the potter working with clay. According to Theaster Gates, ‘As a potter you learn how to shape the world’. Art as activism. Activism as art. That’s what he proposes.
Gates studied urban planning and ceramics. The latter with traditional artisans more than 20 years ago in Tokoname, Japan. But he was also urged to develop his own style. Gradually he homed in on the concept of Afro-Mingei, fusing Japanese philosophy and folk traditions with African American culture. In fact, many of his early projects addressed the shared significance of pottery in Japanese and African American cultures.
The art exhibition we refer to here was split on two floors. The ground floor provided all the contextual material with loans from various museums like the Victoria and Albert Museum in London. It showcased works from China, Iran and more specifically historic works from some of his ceramic heroes. It was mainly informative for me seeing all those works from different artists next to each other.
One of his inspirations was David Drake, AKA Dave the Potter, a enslaved man who gained his freedom at the end of the civil war. He worked in potteries in South Carolina and was able to make vast, bold vessels often inscribed with lines of poetry, when it was illegal for enslaved people to write. Drake was an exploited black man, who saved his dignity through his work and creative gifts.
Another big reference for Gates’s own work is the Greek-American ceramicist Peter Voulkos (1924-2002), known as a radical ceramic artist. His works in fired clay are related to abstract expressionism, Zen and, later, to pop art. Gates pairs one of his own works with a large wood-fired stoneware ceramic by Voulkos, his 1994 Pinatubo, borrowed from the V&A. The two stand together, sharing a plinth. Gates has made several works in homage to Voulkos, as an act of what is called in Japanese Utsushi, or “replication as a spiritual practice”.
The top exhibition floor purely included Theaster Gates’ works with his big sculptures displayed on and framed by wood and stone, evoking Brancusi, and fusing all the references that inspire his work. I really liked the combination of all these works, including some big organic pieces like a spiky tall vessel, a big Asian-inspired glazed stoneware vessel, very Afro-Mingei; a chair inspired in African tradition and and a couple of Afro-Mingei faces framed in wood. See our art interaction with the artworks below. We are like clay.
The use of clay in building communities of knowledge, its role in colonialism and global trade and the ceremonial and ritual use of ceramics was very well explored throughout the whole exhibition, as well as other themes like craft and racial identity. Gates is not only talented creating his body of work but also very committed with community at large.
I can’t wait to see the design called ‘Black Chapel’ that he’ll create for the 2022 Serpentine Pavilion this summer . This year will be the first that a non-architect curates the pavilion. It “will pay homage to British craft and manufacturing traditions” and will open to the public on Friday 10 June 2022, next to the Serpentine Gallery.
Dando forma a un mundo mejor
Theaster Gates
A Clay Sermon
29 septiembre 2021 – 9 enero 2022
Galería Whitechapel, Londres, Reino Unido
Siempre es bueno descubrir nuevos artistas y nuevas líneas de expresión creativa. Por lo que fue interesante visitar la exposición de cerámica de Theaster Gates en la galería Whitechapel a principios de este año. El nombre de la exposición, “A Clay Sermon” o “Un sermón de barro”, transmite con eficacia el significado y la importancia de la arcilla, así como sus legados materiales y espirituales.
La arcilla y la religión son fundamentales para la práctica artística del artista con sede en Chicago, que ha recibido reconocimiento internacional por sus intervenciones comunitarias y culturales en ‘Black Space’. La relación entre Dios y la humanidad es similar a la del alfarero trabajando con arcilla. Según Theaster Gates, “Como alfarero, aprendes a dar forma al mundo”. El arte como activismo. El activismo como arte. Esa es su propuesta.
Gates estudió urbanismo y cerámica. Este último con artesanos tradicionales hace más de 20 años en Tokoname, Japón. Pero también se le instó a desarrollar su propio estilo. Gradualmente se centró en el concepto de Afro-Mingei, fusionando la filosofía japonesa y las tradiciones populares con la cultura afroamericana. De hecho, muchos de sus primeros proyectos abordaron el significado compartido de la cerámica en las culturas japonesa y afroamericana.
La exposición a la que nos referimos aquí se dividía en dos plantas. La planta baja proporcionaba todo el material contextual con préstamos de varios museos como el Victoria and Albert Museum de Londres, mostrando obras de China, Irán y, más específicamente, obras históricas de algunos de sus héroes de cerámica. Fue principalmente informativo para mí ver todos esos trabajos de diferentes artistas uno al lado del otro.
Una de sus fuentes de inspiración fue David Drake, también conocido como Dave the Potter, el hombre esclavizado que obtuvo su libertad al final de la guerra civil american. Trabajó en alfarerías en Carolina del Sur y pudo hacer vasijas grandes y audaces, a menudo inscritas con líneas de poesía, cuando era ilegal que las personas esclavizadas escribieran. Drake fue un hombre negro explotado, que salvó su dignidad a través de su trabajo y talentos creativos.
Otra gran referencia para el propio trabajo de Gates es el ceramista greco-estadounidense Peter Voulkos (1924-2002), conocido como un ceramista radical. Sus obras en barro cocido se relacionan con el expresionismo abstracto, el zen y, posteriormente, con el arte pop. Gates combina una de sus propias obras con una gran cerámica de gres cocida al horno de leña de Voulkos, su Pinatubo de 1994, que tomó prestada del V&A. Los dos estaban juntos, compartiendo un pedestal. Gates ha realizado varias obras en homenaje a Voulkos, como un acto de lo que se denomina en japonés Utsushi, o “emulación como práctica espiritual”.
La planta superior de la exposición incluía exclusivamente las obras de Theaster Gates, con sus grandes esculturas expuestas y enmarcadas en madera y piedra, evocando a Brancusi y fusionando todas las referencias que inspiran su obra. Me gustó mucho la combinación de todos estos trabajos, incluyendo algunas grandes piezas orgánicas como una vasija de pinchos; una gran vasija de gres vidriado de inspiración asiática, muy afro-mingei; una silla inspirada en la tradición africana y un par de rostros Afro-Mingei enmarcados en madera. Vea nuestra interacción artística con estas obras a continuación. Parece que somos como la arcilla.
El uso de la arcilla en la construcción de comunidades de conocimiento, su papel en el colonialismo y el comercio global y el uso ceremonial y ritual de la cerámica fue muy bien explorado a lo largo de toda la exposición, así como otros temas como la artesanía y la identidad racial. Gates no solo tiene talento para crear su cuerpo de trabajo, sino que también está muy comprometido con la comunidad en general.
No puedo esperar a ver el diseño que creará para el Serpentine Pavilion 2022 este verano llamado ‘Black Chapel’. Este año será el primero que un no-arquitecto comisariará el pabellón. “Rendirá homenaje a las tradiciones artesanales y manufactureras británicas” y se abrirá al público el viernes 10 de junio de 2022, junto a la Serpentine Gallery.
The art berries 