collage – The art berries

Handwritten juxtaposition

Grayson Perry
The MOST Specialest Relationship
15 September – 18 December 2020
Victoria Miro, London, UK

The art exhibiton I’ve chosen to review this time is “The MOST Specialest Relationship” by Grayson Perry. A nod to the famous term describing relations between Britain and the United States. Perry -for those who don’t know him yet – is an English contemporary artist, writer and broadcaster. However, what’s made him a pop culture icon is his transvestite alter ego, Claire.

As I found out when I read about the exhibition, the art show was inspired by the artist’s three-part documentary “Grayson Perry’s Big American Roadtrip” broadcasted in Channel 4 in the UK in September 2020, after doing the trip in 2019. I haven’t seen the documentary, although it’s on my to-do list. The artist travelled across the US on a custom-built motorbike designed by himself and explored some of the biggest cultural and political issues dividing the country. Scroll down to see the pictures I took at the art show; I interact with one of the artworks in real life.

“If I think of American cultural power, the image that pops into my head is a huge Abstract Expressionist painting, a Cold War symbol of a self-confident land of the free.” said Grayson Perry.

And in fact, the background of the exhibition was a big tapestry displayed along the longest wall and used by Perry to reflect on the multiple layers that constitute the cultural and social archaelogy of Manhattan. The deepest layer made of historic textiles from the many cultures that make up the modern city: rugs, blankets, flags, sacks… On top of this is splurged a Jackson Pollock style abstract painting -a symbol of macho cultural dominance – the outline map of Manhattan and pasted collage labels part of a liberal economic system that prevail in this city. I’d consider these labels very much within the style employed by the artist on his ceramics.

The juxtaposition of elements is the main characteristic of Perry’s ceramics. Covered in hand written text, drawings, stenciled lettering, photographs and satirical messages. Perry challenges the idea implicit in the craft tradition that pottery is merely decorative or utilitarian and cannot express ideas.

In addition to the pottery and tapestry, easily recognizable as Perry’s works of art, the exhibit also housed the large map of the United States with Facebook CEO Mark Zuckerburg as a divine figure at the top. I found this work of art particularly interesting and I would not have immediately associated it to him. However, upon careful inspection his ingenuity and understanding of social and economic issues surface.

“I chose him because he is the best known face of social media power. Social media is mainly financed by advertising so those in charge want users to stay online as long as possible. The algorithms make this happen by encouraging conflict and outrage. The red arrows represent this feeding of negative emotion that keeps people scrolling. All the ships, planes and other combatants are labelled with the issues that swirl around this artificially polarised struggle. In the centre of the map is the presidential plane Airforce One colliding with a Russian bomber labelled “Climate Change”.” said the artist. I’d say that at least now the US Administration is not in the hands of a person who has called Climate Change a hoax in numerous occassions.

To finish with, I wouldn’t place Perry on the list of my favourite artists, but I like his originality and will to dissect social and economic topics like race, inequality, child abuse and sexuality through his art.

Grayson Perry
La relación MAS especial
15 de septiembre – 18 de diciembre de 2020
Victoria Miro, Londres, Reino Unido

La exposición de arte que he elegido reseñar esta vez es “The MOST Specialest Relationship” de Grayson Perry. Un guiño al famoso término que describe las relaciones entre Gran Bretaña y Estados Unidos. Grayson Perry – para aquellos que no le conozcáis – es un artista, escritor y comunicador contemporáneo inglés. Sin embargo, lo que le convirtió en un icono de la cultura pop británica es su alter ego travesti, Claire.

Como descubrí al leer sobre la exposición, para esta muestra se inspiró en el documental de tres partes del artista “Grayson Perry’s Big American Roadtrip” transmitido en Channel 4 en el Reino Unido en septiembre de 2020, después de hacer el viaje en 2019. No he visto el documental todavía, aunque está en mi lista de tareas pendientes. El artista viajó por los Estados Unidos en una motocicleta hecha a medida y diseñada por él mismo, donde exploró algunos de los problemas culturales y políticos más importantes que dividen al país. Desplácese hacia abajo para ver las fotos que tomé en la exposición de arte; interactúo con una de las obras de arte en tiempo real.

“Si pienso en el poder cultural estadounidense, la imagen que me viene a la cabeza es una enorme pintura expresionista abstracta, un símbolo de la Guerra Fría de una tierra que se siente libre y segura de sí misma”. Grayson Perry.

Y de hecho, el fondo de la exposición era un gran tapiz que se extendía a lo largo de la pared más larga y le servía al artista para reflexionar sobre las múltiples capas que constituyen la arqueología cultural y social de Manhattan. La capa más profunda hecha de tejidos históricos de las muchas culturas que componen la ciudad moderna: alfombras, mantas, banderas, sacos … Encima de esto salpicó una pintura abstracta estilo Jackson Pollock -un símbolo del dominio cultural machista-, a lo que adjuntó el mapa de Manhattan y etiquetas de collage pegadas que reflejan el sistema económico liberal que impera en esta ciudad. Estas etiquetas me parecen en consonancia con el estilo utilizado por el artista en sus cerámicas.

La yuxtaposición de elementos es la principal característica de las ceramicas de Perry. Cubiertas de texto, dibujos escritos a mano, letras estarcidas, fotografías y mensajes satíricos. Perry desafía la idea implícita en la tradición artesanal de que la cerámica es meramente decorativa o utilitaria y no puede expresar ideas.

En adiccion a las obras de cerámica y el tapiz, fácilmente reconocibles como obras de arte del artista, la exposición albergaba también el gran mapa de los Estados Unidos con Mark Zuckerburg, director ejecutivo de Facebook, como una figura divina en la parte superior. Me pareció particularmente interesante esta obra de arte que no habría asociado inmediatamente con él. Sin embargo, tras una inspeccion cuidada su ingenio y comprensión de los asuntos sociales y económicos salen a la superficie.

“Lo elegí porque es la cara más conocida del poder de las redes sociales. Las redes sociales se financian principalmente con publicidad, por lo que los responsables quieren que los usuarios permanezcan conectados el mayor tiempo posible. Los algoritmos hacen que esto suceda fomentando el conflicto y la indignación. Las flechas representan esta alimentación de emoción negativa que mantiene a la gente desplazándose. Todos los barcos, aviones y otros combatientes están etiquetados con los problemas que giran en torno a esta lucha polarizada artificialmente. En el centro del mapa está el avión presidencial Airforce One chocando con un bombardero ruso denominada ‘Cambio climático’.” dice el artista. Yo diría que al menos ahora la Administración de los Estados Unidos no está en manos de una persona que ha calificado al cambio climático como un engaño en numerosas ocasiones.

Para terminar, no colocaría a Perry en la lista de mis artistas favoritos, pero me gusta su originalidad y su voluntad de diseccionar temas sociales y económicos como raza, desigualdad, abuso infantil y sexualidad a través de su arte.

The art of resilience in life

María Berrío
Flowered Songs and Broken Currents
6 October – 18 December 2020
Victoria Miro gallery, London, UK

This is an art exhibition I saw at Victoria Miro gallery and is still available to view on Vortic Collect until 18 December 2020. As I came in, the upper galleries were filled with light and colour coming from the artworks created by María Berrío, a Colombian artist based in Brooklyn, NYC. Her works are mostly made with Japanese print paper and reflect on cross-cultural connections and global migration seen through the prism of her own history.

Latin American folklore may come to your mind when you see the colour brightness of these artworks, as well as an uneasy feeling because of the gaze and loneliness of the women represented. In 2019 the artist started researching small fishing villages in Colombia – the country where she was born and raised- and became intrigued by the stories of these villages and their inhabitants. These stories inspired her to imagine her own fishing village in the language of magical realism, a style of fiction that paints a realistic view of the modern world while also adding magical elements. Berrío created this series of artworks to explore the modes of resilience and adaptation that arise out of loss. They depict the women and children that are left behind.

A sense of loss can be perceived out of these artworks, but also a sense of rebirth. For instance, one of my favourite works in this show is ‘Clouded infinity’, 2020, showing a woman about four months pregnant, sitting lonely in a big classical armchair . On one side of the armchair there is a plant and flowers on the window, symbols of rebirth. The sky is blue outside. Children are still being born; there is still hope for the human race. See photos of the artworks below.

Another work from Berrío ‘There Is No Sky for Ground Spirits’, 2020, was a bit worrying at first sight. “This nods to our attempts to categorise and frame events, to contain them in a way that enables us to understand them”, says the artist. The two birds in this artwork represent the past and the present. “She grabs the present in her hand, but her past remains beside her, impossible to leave behind.”

My favourite artwork in this art show has no figure on it though. It depicts only a tree ‘Miracles of Ordinary Light’, 2020. According to the artist “The beauty and glory of nature is figure enough…By distancing ourselves mentally, technologically, and materially from nature, we not only fail to see nature’s wonder but also our own place in that wonder. We react in shock and horror to discover that we, too, are but one fragment of something far grander than our laughter and sadness. This tree, like all trees – as well as all birds, mountains, stars, and people – will live, die, and be reborn again.” I chose to interact with this artwork because I love trees; they are a symbol of life for me.

I really like the artist’s cyclical perception of the universe, and the way in which she focuses on female strength. This show is like a homage to Latin American women for the endurance and strength they demonstrate on a daily basis. How they are able to overcome all kind of political and sociological events such as migration, poverty and loss and reinvent themselves again.

El arte de la fortaleza humana
María Berrío
Flowered Songs and Broken Currents
6 de octubre – 18 de diciembre de 2020
Galería Victoria Miro, Londres, Reino Unido

Esta es una exposición de arte que ví en la galería Victoria Miro y todavía está disponible para ver en Vortic Collect hasta el 18 de diciembre del 2020. Al entrar, las galerías superiores estaban llenas de luz y color procedente de las obras de arte creadas por María Berrío, artista colombiana ubicada en Brooklyn, Nueva York. Sus obras están hechas en su mayoría con papel japonés y reflejan las conexiones interculturales y la migración global vistas a través del prisma de su propia historia.

El folklore latinoamericano puede venir a tu mente cuando ves la abundancia de colores de estas obras de arte, así como un sentimiento de inquietud por la mirada de soledad de las mujeres representadas. En 2019, la artista comenzó a investigar pequeños pueblos de pescadores en Colombia -el país donde nació y se crió- y se sintió intrigada por las historias de estos pueblos y sus habitantes. Estas historias la inspiraron a imaginar su propio pueblo de pescadores impregnado del lenguaje del realismo mágico, un estilo de ficción que pinta una visión realista del mundo y al mismo tiempo agrega elementos mágicos. Berrío creó esta serie de obras de arte para explorar los modos de resistencia humana y adaptación que surgen de la pérdida. Representan a las mujeres y los niños que se quedan atrás.

Se puede percibir una sensación de pérdida en estas obras de arte, pero también una sensación de renacimiento. Por ejemplo, una de mis obras favoritas es ‘Clouded infinity’, 2020, que muestra a una mujer embarazada de unos cuatro meses, sentada sola en un gran sofa de diseño clásico. A un lado del sillón hay una planta y flores en la ventana, símbolos de renacimiento. Fuera el cielo es azul. Todavía están naciendo niños; todavía hay esperanza para la raza humana. Puedes ver las fotos de las obras de arte más abajo.

Otro trabajo de Berrío ‘There Is No Sky for Ground Spirits’, 2020, me pareció un poco inquietante a primera vista. “Esto hace referencia a nuestros intentos de categorizar y enmarcar los eventos, de contenerlos de una manera que nos permita comprenderlos”, dice la artista. Los dos pájaros de esta obra de arte representan el pasado y el presente. “Agarra el presente en su mano, pero su pasado permanece a su lado, imposible de dejar atrás”.

Sin embargo, mi obra preferida en esta muestra no tiene figura. Representa sólo un árbol ‘Miracles of Ordinary Light’, 2020. Según la artista “La belleza y la gloria de la naturaleza es figura suficiente … Al distanciarnos mental, tecnológica y materialmente de la naturaleza, no solo dejamos de ver la maravilla de la naturaleza, sino también nuestro propio lugar en esa maravilla. Reaccionamos conmocionados y horrorizados al descubrir que también nosotros somos un fragmento de algo mucho más grandioso que nuestra risa y tristeza. Este árbol, como todos los árboles, así como todos los pájaros, montañas, estrellas y personas, vivirán, morirán y renacerán de nuevo “. Elegí interactuar con esta obra de arte porque me encantan los árboles; son un símbolo de vida para mí.

Me gusta mucho la percepción cíclica del universo que tiene la artista y la forma en que se enfoca en la fortaleza femenina. Esta muestra es como un homenaje a las mujeres latinoamericanas por la resistencia y la fuerza que muestran en el día a día. Cómo son capaces de superar todo tipo de eventos políticos y sociológicos como la migración, la pobreza y la pérdida, y son capaces de reinventarse de nuevo.

*María Berrío,* ‘Clouded infinity’, 2020

María Berrío, ‘Clouded Infinity’, (Detail) 2020

*María Berrío,*‘There Is No Sky for Ground Spirits’, 2020

*María Berrío,*‘Miracles of Ordinary Light’, 2020

A modern archeological discovery

Daniel Silver
Frith Street Gallery – Golden Square
14 September 2018 – 3 November 2018

We didn’t plan to visit this art show, we just passed by chance. However, I’ve decided to cover it here because it was a good surprise. But, be aware that this is a past art exhibition.

As we entered the Frith Street Gallery in Golden Square, we bumped with the first part of the art show; an installation comprised of five sculptures with Hemp-like forms (hemp-like forms are a squared stone pillar with a carved head on top, typically of Hermes, used in ancient Greece as a boundary marker or a signpost, according to the Oxford dictionary) and carved in marble and onyx from Serravezza and Pietrasanta stone yards in Italy. They looked like classical sculpture, but were dressed like mannequins with clothes on and grouped in a very still and quiet attitude, just as classical sculptures usually are. Their clothed, armless bodies remind you of Rodin’s “Monument to Balzac”. Surrounded by these figures I paid attention to the material they were made of, marble, that transmitted a sense of luxury, and their calmed poses seemed to invite me to reflexion.

As we moved ahead, the stillness with which we were welcomed into the gallery turned into a more expansive and energetic scene. The main space of the gallery was filled with actual mannequins made by Rootstein, the world’s leading manufacturer. They are made of plastic and are mostly white, as if the skin colour had worn out and left only some blue and brown touches of colour. They all seem to be dancing or engaged in some physical exercise, like on Degas’ painting “Young Spartans Exercising”, and as they are in a human scale, the scene invites to take part and dance with them; why not? Check out the photos from The art berries below.

Lastly, to wrap up the previous two figure groups there were various wall hangings made of cut-outs from clothing fabrics and created by Silver while observing a dancer in his studio, being the shapes a response to a body moving in time and space.

This art exhibition spread out into another gallery space from Frith Gallery at Soho Square, but unfortunately we didn’t get to see that one on the same day. However, you can visit this link of the gallery for some pictures of it. That part was formed by artworks in a completely change of scale, in a smaller size, with the works carved in marble or modelled in clay and some of them presented on top of a fabric draped table.

Daniel Silver is a London-based artist best known for his figurative sculptures. His practice is deeply influenced by the art of ancient Greece, Modernist sculpture, and Freudian psychoanalytic theory. Silver’s works use concrete, bronze, marble, stone, wood and clay, and often appear as monuments or totems, as if belonging to an archeological excavation. His figures seem to speak of the intimacy of touch and the memories inherited through material. Silver’s sculptures explore and manipulate the human figure, sometimes with brutality, at other times with the utmost sensitivity. An analyst, an archeologist and an artist, he moves constantly between styles, examining the physical and emotional impact of the body and its representation.

Un descubrimiento arqueológico moderno.
Daniel Silver
Frith Street Gallery – Golden Square
14 de septiembre de 2018 – 3 de noviembre de 2018

No planeamos visitar esta exposición de arte, solo pasamos por casualidad, pero he decidido cubrirla aquí porque fue una grata sorpresa. Sin embargo, ten en cuenta que esta es una exposición de arte pasada.

Según entramos en la Galería Frith Street en Golden Square, nos topamos con la primera parte de la muestra; una instalación compuesta por cinco esculturas con forma de busto y tallados en mármol y ónix de los astilleros de piedra de Serravezza y Pietrasanta en Italia. Parecían esculturas clásicas, pero iban vestidas como maniquíes con la ropa puesta y se agrupaban en una actitud inmóvil y tranquila, como suele ser presentadas las esculturas clásicas. Sus cuerpos vestidos y sin brazos te recuerdan el “Monumento a Balzac” de Rodin y parecen invitarte a reflexionar. Rodeado por estas figuras, presté atención al mármol del que estaban hechas que transmitía una sensación de lujo, y sus posturas tranquilas parecían invitarme a reflexionar.

A medida que avanzábamos, la quietud con la que fuimos recibidas en la galería se convirtió en una escena más expansiva y enérgica. El espacio principal de la galería estaba lleno de maniquíes reales hechos por Rootstein, el fabricante líder mundial. Son de plástico y de color blanco en su mayoría, como si el color de la piel se hubiera desgastado y solo quedaran algunos toques de color azul y marrón. Todos parecen estar bailando o realizando algún ejercicio físico, como en el cuadro de Degas “Jóvenes Espartanos haciendo ejercicio”, y como están hechas a escala humana, la escena invita a participar y bailar con ellos; por que no? Mira las fotos de The art berries abajo.

Por último, para concluir los dos grupos de figuras anteriores, pudimos ver varios tapices de pared hechos de recortes de telas de ropa y creados por Silver mientras observaba a un bailarín en su estudio, siendo las formas una respuesta a un cuerpo en movimiento en el tiempo y el espacio.

Esta exposición de arte se extendió a otro espacio de Frith Gallery en Soho Square, pero desafortunadamente no tuvimos la oportunidad de verlo el mismo día. Sin embargo, puedes visitar este enlace de la galería para ver algunas fotos de la misma. Esa parte estaba formada por obras de arte hechas a escala distinta, mas pequeñas, con las obras talladas en mármol o modeladas en arcilla y algunas de ellas expuestas sobre una mesa cubierta con una tela.

Daniel Silver es un artista londinense conocido por sus esculturas figurativas. Su práctica está profundamente influenciada por el arte de la antigua Grecia, la escultura modernista y la teoría psicoanalítica freudiana. Las obras de Silver utilizan hormigón, bronce, mármol, piedra, madera y barro, y aparecen a menudo como monumentos o tótems, como si pertenecieran a una excavación arqueológica. Sus figuras parecen hablar de la intimidad del tacto y de los recuerdos heredados a través del material. Las esculturas de Silver exploran y manipulan la figura humana, a veces con brutalidad, otras con la mayor sensibilidad. Analista, arqueólogo y artista, se mueve constantemente entre estilos, examinando el impacto físico y emocional del cuerpo y su representación.