Tag: the art berries

Organic sculpture that captures your imagination

When Forms Come Alive
7 February 2024 – 6 May 2024
Hayward Gallery, Southbank Centre, London, UK.

This is the last weekend that this art exhibition will be open, so I strongly recommend that you go. The show includes contemporary sculpture made in the last 60 years, inspired by movement, fluidity, and growth, and it’s one of the best exhibitions I’ve seen at the Hayward Gallery in years. It’s open until Monday, bank holiday in the UK.

In contrast to traditional sculpture, the works on display in this exhibition are organic and appear to be undergoing a process of transformation. It’s as if art has partnered with science to bring you a new perspective of the world on a grander scale.

Exploring the gallery space was a delight, with each room revealing new artworks and surprises. The curating is brilliant, in terms of the works selected, the space allocated to each of them, and in between them. This allows you to navigate the show and see yourself in relation to these artworks.

As you enter the main gallery space downstairs, you can see the work by Dutch duo Studio Drift, where little silk flowers move open and close as they go up and down in an absorbing dance.

Adjacent to this, you’ll find the striking installation by Michel Blazy, crafted from white foam. Like other forms of ephemeral art, the works evolve and move as you stand in front of them, gaining interesting spiralling shapes that you’d like to be able to touch for their softness and fluidity, as if wanting to be part of that flow. See The art blackberry next to it.

The art blackberry next to ‘Bouquet Final’ by Michel Blazy

Then, up the ramp, you see the towers created out of discarded junk by Seoul-based sculptor Choi Jeong-hwa. The stuff of everyday life is combined here in surprising towers of rusty nails, gas rings, shells, etc., called by him “holobionts”, little microcosms of symbiotic organisms.

Blooming matrix by Choi Jeong Hwa

This takes us into a room with the artworks created by Spanish artist Teresa Solar Abboud, in which a mix of clay, resin, metal, and acrylic develop into hybrids between biology, geology, and engineering. These ‘Three tunnel boring machines’ combine industrial and organic material in such a magical way that they seem to be presenting you with huge craps elevating their arms to the sky in dynamic and mysterious ways. I was mesmerized by these works. See below The art blueberry interacting with them.

The art blueberry next to ‘Tunnel Boring Machine’ by Teresa Solar Abboud

The following artwork is probably one of the most aesthetically exciting in this art show. The work created by the American artist, Tara Donovan, of shiny molecular forms proliferating to fill a whole space. All made of Mylar, a metallic polyester film, which was folded, glued, and massed into spheres of various sizes that resemble huge molecular structures. The little art strawberry posed holding a small part of it fallen from the artwork and offered to her by the gallery attendant. We loved this artwork!

The little art strawberry next to ‘Untitled (Mylar)’ by Tara Donovan

The next amazing installation was by the French artist Marguerite Humeau, and it was made with beeswax, walnut wood, and microcrystalline wax to recreate forms that exist in nature like a tree that spreads flat into clusters of tiered honeycombs and releases a scent, while you can listen to a soft buzz that makes you feel as if you were in the presence of a form that’s still alive. These three pieces of art are mesmerizing and atemporal and are central to the theme of this exhibition.

The little art strawberry next to Marguerite Humeau’s artwork

French art continues to captivate in the following room with another French artist, Jean-Luc Meulene. His works are placed on top of white tables and capture your imagination with vibrant colors and organic shapes with surrealist touches. See the pictures below to get an idea.

While the artworks in the upstairs gallery are equally impressive, they didn’t leave quite the same impact on me as those downstairs. Nevertheless, there are standout pieces worth mentioning, such as Ruth Asawa’s intricate wire sculptures, which draw inspiration from natural forms.

I found captivating the work by American artist Senga Nengudi, who presented a water-filled form that reminds us of the malleable character of human flesh and how our bodies are formed mostly by water. It makes me think of the fragility and endurance of human bodies.

Then, I liked the artwork on Lichen made by London artist Holly Hendry. She brings to life the theme of this exhibition quite perfectly. She works with scale, taking microscopic images of lichen, water, algae, and fungi and transforming them into a sculpture made of stainless steel, glass, canvas, timber, and paint to reveal unexpected connections between natural and architectural forms. She invites us to see the building for this gallery as part of a larger ecosystem.

And finally, I must mention that this exhibition also includes works by other renowned artists such as Phyllida Barlow and Franz West, whom I also found interesting and well-integrated in this exhibition. However, since I have previously covered their works in this blog, I won’t delve into them on this occasion, but you can see two photos below.

Artwork by Phyllida Barlow
Artwork by Franz West

The artworks in this exhibition invoke shifting realms of experience and reminded me that everything is in a continuous state of fluxing and change. In these times in which we are somehow disembodied because of the profusion of digital devices around us, these artworks invite us to be present and enjoy our senses. I feel that art is so close to science when you look at this works that could have been inspired by the microscopic images taken from a laboratory and recreated in color and exciting materials. You cannot miss this exhibition if you’re in London and free until Monday.

Esculturas orgánicas que despiertan tu imaginación

When Forms Come Alive
7 de febrero de 2024 – 6 de mayo de 2024
Hayward gallery, Southbank Centre, Londres, Reino Unido.

Este es el último fin de semana en que esta exposición de arte estará abierta, así que te recomiendo encarecidamente que vayas. La muestra incluye escultura contemporánea realizada en los últimos 60 años, inspirada en el movimiento, la fluidez y el crecimiento, y es una de las mejores exposiciones que he visto en la Hayward gallery en años. Está abierta hasta el lunes, día festivo en el Reino Unido.

En contraste con la escultura tradicional, las obras expuestas en esta exposición son orgánicas y parecen estar experimentando un proceso de transformación. Es como si el arte se hubiera aliado con la ciencia para ofrecerte una nueva perspectiva del mundo en una escala más amplia.

Explorar el espacio de la galería fue un placer, con cada sala revelando nuevas obras de arte y sorpresas. El comisariado es brillante, tanto en relación a las obras seleccionadas, el espacio asignado a cada una de ellas y entre ellas. Esto te permite navegar por la muestra y verte en relación con estas obras de arte.

Al entrar en el espacio principal de la galería en la planta baja, puedes ver la obra del dúo holandés Studio Drift, donde pequeñas flores de seda se abren y se cierran mientras suben y bajan en una danza absorbente.

Adyacente a esto, encontrarás la impresionante instalación de Michel Blazy, elaborada con espuma blanca. Al igual que otras formas de arte efímero, la obra evoluciona y se mueve mientras estás parado frente a ella, adquiriendo interesantes formas espirales que te gustaría poder tocar por su suavidad y fluidez, como si quisieras ser parte de ese flujo. Puedes ver a The art blackberry junto a ella.

Luego, subiendo por la rampa, verás las torres creadas con objetos desechados por el escultor con sede en Seúl, Choi Jeong-hwa. Los objetos de la vida cotidiana se combinan aquí en sorprendentes torres de clavos oxidados, anillos de gas, conchas, etc., llamadas por él “holobionts”, pequeños microcosmos de organismos simbióticos.

Esto nos lleva a una sala con las obras creadas por la artista española Teresa Solar Abboud, en las que una mezcla de arcilla, resina, metal y acrílico se convierte en híbridos entre la biología, la geología y la ingeniería. Estas ‘Tres máquinas perforadoras de túneles’ combinan material industrial y orgánico de una manera mágica que parece presentarte enormes formas elevando sus brazos al cielo de manera dinámica y misteriosa. Quedé hipnotizado por estas obras. Ver abajo The art blueberry interactuando con ellas.

La siguiente obra de arte es probablemente una de las más emocionantes estéticamente en esta exposición de arte. El trabajo creado por la artista estadounidense, Tara Donovan, de brillantes formas moleculares que proliferan para llenar todo un espacio. Todas hechas de Mylar, una película de poliéster metálico, que fue doblada, pegada y amasada en esferas de varios tamaños que se asemejan a enormes estructuras moleculares. The little art strawberry posa sosteniendo una pequeña parte parte desprendida de la obra ofrecida por el asistente de la galería. Nos encantó este trabajo.

La siguiente instalación asombrosa fue realizada por la artista francesa Marguerite Humeau, y fue hecha con cera de abejas, madera de nogal y cera microcristalina para recrear formas que existen en la naturaleza, como un árbol que se extiende planamente en racimos de panal escalonados y libera un aroma, mientras puedes escuchar un suave zumbido que te hace sentir como si estuvieras en presencia de una forma que todavía está viva. Estas tres piezas de arte son hipnotizantes y atemporales y son centrales para el tema de esta exposición.

El arte francés parece revitalizado al visitar la sala pasada que es seguida por otro artista francés, Jean-Luc Meulene, cuyo trabajo está colocado sobre mesas blancas y captura tu imaginación con colores vibrantes y formas orgánicas con toques surrealistas. Ver las imágenes a continuación para tener una idea.

Aunque las obras en la galería de arriba son igualmente impresionantes, no me impactaron tanto como las de abajo. Sin embargo, hay piezas destacadas que vale la pena mencionar, como las intrincadas esculturas de alambre de Ruth Asawa, que se inspiran en formas naturales.

La obra de Senga Nengudi below, que evoca la maleabilidad de la carne humana, me resultó cautivadora, lo que me lleva a reflexionar sobre la fragilidad y la resistencia del cuerpo humano.

Luego, me gustó la obra sobre el líquen realizada por la artista londinense Holly Hendry. Ella da vida al tema de esta exposición de manera perfecta. Trabaja con la escala, tomando imágenes microscópicas de líquenes, agua, algas y hongos y transformándolas en una escultura hecha de acero inoxidable, vidrio, lienzo, madera y pintura para revelar conexiones inesperadas entre formas naturales y arquitectónicas. Nos invita a ver el edificio de esta galería como parte de un ecosistema más grande.

Y por último, debo mencionar que esta exposición incluye obras de otros artistas reconocidos como Phyllida Barlow y Franz West, que también me parecieron muy interesantes y bien integradas en el conjunto. Sin embargo, dado que ya he cubierto sus obras anteriormente en este blog, no profundizaré en ellas en esta ocasión pero se puedes ver varias fotos a continuación .

Obra de
Phyllida Barlow
Obra de Franz West

Las obras de arte en esta exposición evocan reinos de experiencia en constante cambio, recordándome que todo está en un estado continuo de flujo y cambio. En estos tiempos en los que a menudo nos sentimos desconectados debido a la proliferación de dispositivos digitales a nuestro alrededor, estas obras de arte nos animan a estar completamente presentes y a disfrutar de nuestros sentidos. Encuentro que el arte y la ciencia están íntimamente entrelazados, especialmente al considerar cómo estas piezas podrían haber sido inspiradas por imágenes microscópicas capturadas en un laboratorio y luego recreadas con colores vibrantes y materiales interesantes. Si te encuentras en Londres y tienes la oportunidad, no te pierdas esta exposición.

Art for emotional and spiritual transformation

Marina Abramović
23 September 2023 – 1 January 2024
Royal Academy of Arts, London, UK

Marina Abramovic’s long-awaited 50-year retrospective is finally at the Royal Academy of Arts in London after Covid forced the institution to postpone what is the first retrospective given to a female artist.

Marina Abramović has become the grandmother of performance art. By pushing the limits of her body and mind to extremes, she has risked her health and even her life while extending her practice to embrace collective experiences of intimacy between artist and audience.

The show features a re-enactment of her most famous performances, achieving different levels of engagement from the audience. Upon entering the first dark room, you encounter ‘The Artist is Present,’ a restaging of one of her most famous performances through archive footage. Several dozen images of some of the 1,545 members of the public who came and sat opposite her in silence during the 75 days of her performance at New York’s MoMA in 2010 are presented. On one side, the attendees to the show; on the other, Marina Abramovic as she sat there with the camera pointing at her and capturing her reactions. It’s not usual for an artist to sit with her audience in such a way. The whole scene of Marina sitting in front of another person and dressing in such a long red dress reminds me of religious paintings from the Flemish Renaissance.


In the next room, you are introduced to her first performances as a young artist, a phase I didn’t know that well previously. Arguably, in her most famous performance, ‘Rhythm 0’ of 1974, she presented an array of objects to participants, inviting them to do as they would with her (Yoko Ono had set a precedent a decade before in her ‘Cut Piece’). A replica table is laid out at the Royal Academy: chains, scissors, whips, a rose, an apple, a loaded gun, which one man held to Abramović’s neck. Her courage was unmatched. You can see her with cuts on her body and totally impassive like a martyr in acceptance of her punishment.

Screening of ‘Rhythm 0’ (1974)

The following room was a recreation of her ‘Balkan Baroque’ performance from 1997 at the Venice Biennale. Although the 1,500 bloody cattle bones she had washed then were faked up here. This and the following room where you can see Abramovich on top of a white stallion holding a giant white flag in ‘The hero’ (2001) offer a view of the artist’s background.

Coming from Serbia and growing up in a strict home environment, her parents had been partisan fighters during World War II, for which they were awarded the Order of the People’s Heroes. The artist lived with her maternal grandmother, who was deeply religious and spiritual, until she was 6 years old when she went to live with her parents after her brother was born. Her mother was a strict disciplinarian who also inflicted physical punishment, which sort of explains to me why she’s always so interested in subjecting the body to harshness. She was exposed to the arts from an early age through her mother’s job at the Cultural Ministry.

‘Balkan Baroque’ (1997)
‘The hero’ (2001)

In the vast central gallery, you’ll encounter black and white period films where you can see the artist’s performances in the 70s with her partner at the time, the artist Ulay. They’ll be slapping each other’s faces, screaming at one another, and kissing each other. One of these works stands out, ‘Rest Energy’, where you see them performing a dangerous balancing act with an archer’s bow and arrow. If either of them gave an inch, one of them would have died.

From this point of the exhibition, you can see performances re-enacted by a new generation of artists trained by Abramovic at the Mariana Abramovic Institute. The first performers create ‘A pair of human gateposts’, two naked models making a barrier for visitors to pass through. The work re-creates ‘Imponderabilia,’ first staged in 1977 by the artist and Ulay. The performers may disturb some visitors, but I suspect the effectiveness of this isn’t the same as the original in the 70s.

As you progress to the next part of the exhibition, the following rooms display her solo work with ‘Transitory Objects,’ where crystals and minerals are embedded and invite public participation. In this part of her trajectory, she had broken up with Ulay, choosing a performance walking along the Chinese Wall to say goodbye, and she shifted her interests to a healing approach. Energy therapy seems to become a big influence in her work from now on. And despite the criticism received for that, I did enjoy these works, more than others in fact, particularly entering the room with a batch full of chamomile; the smell of it and sounds of the waves were very soothing.


In one of the last rooms, ‘The Levitation of St. Therese’ (2009), in which the artist, dressed in black, hangs above a kitchen recreating a mystical experience in memory of the Spanish saint, was aesthetically interesting, and a clear evidence to me of the significant role spirituality has taken in her work. The influence of her grandmother seems to come afloat here.

Finally, the last room hosts the recreation of her work ‘The house with the Ocean View’ that saw the artist live in a house constructed for 12 days in the wake of the 9/11 terrorist attacks in New York. The performance invited audiences to witness and share in the simple act of living. This work didn’t resonate with me, simply because the works she does where there’s punishment or hardship inflicted to the body aren’t my favourites.

The influence of Abramović is undeniable; she has positioned herself as a pioneer in the use of the live body for art, leaving an impressive legacy. In her exploration of art as a means for emotional and spiritual transformation, she has constantly evolved, challenging her audience. Although the absence of herself in her performances in the present, given her age, may slightly diminish the impact of her works, the fascinating interest in discovering and observing her developments at each stage persists.

‘The Levitation of St. Therese’ (2009)

Arte para la transformación emocional y espiritual

Marina Abramović
23 de septiembre de 2023 – 1 de enero de 2024
Royal Academy of Arts, Londres, Reino Unido.

La tan esperada retrospectiva de 50 años de Marina Abramović ha llegado finalmente a la Royal Academy of Arts en Londres después de que el Covid obligara a la institución a posponer lo que es la primera retrospectiva dedicada a una artista femenina.

Marina Abramović se ha convertido en la abuela de la actuación artística. Al empujar los límites de su cuerpo y mente hasta extremos, ha arriesgado su salud e incluso su vida, al tiempo que ha ampliado su práctica para abrazar experiencias colectivas de intimidad entre artista y público.

La exposición presenta una recreación de sus actuaciones más famosas, logrando diferentes niveles de participación del público. Al entrar en la primera sala oscura, os encontraréis con ‘La artista está presente’, una reposición de una de sus actuaciones más conocidas a través de material de archivo. Se presentan varias docenas de imágenes de algunos de los 1.545 miembros del público que asistieron y se sentaron frente a ella en silencio durante los 75 días de su actuación en el MoMA de Nueva York en 2010. En un lado, los asistentes a la exposición; en el otro, Marina Abramović sentada allí con la cámara apuntando hacia ella y capturando sus reacciones. No es usual que un artista se siente con su público de esta manera. Toda la escena de Marina sentada frente a otra persona y vistiendo un vestido rojo tan largo me recuerda a algunas pinturas religiosa del Renacimiento flamenco.

En la siguiente sala, os introduciréis en sus primeras actuaciones como joven artista, una parte que no conocía muy bien anteriormente. En su actuación más famosa, ‘Rhythm 0’ de 1974, presentó una serie de objetos a los participantes, invitándolos a hacer lo que quisieran con ella (Yoko Ono había establecido un precedente una década antes en su ‘Cut Piece’). Una mesa replicada se dispone en la Royal Academy: cadenas, tijeras, látigos, una rosa, una manzana, una pistola cargada, que un hombre sostuvo en el cuello de Abramović. Su valentía era inigualable. Podéis verla con cortes en su cuerpo y totalmente impasible como una mártir aceptando su castigo.

La siguiente sala recrea su actuación ‘Balkan Baroque’ de 1997 en la Bienal de Venecia. Aunque los 1.500 huesos de ganado ensangrentados que había lavado entonces eran falsos aquí. Esta y la siguiente sala, donde podéis ver a Abramovic sobre un semental blanco sosteniendo una bandera blanca gigante en ‘El héroe’ (2001), ofrecen una visión del trasfondo de la artista.

Proveniente de Serbia y creciendo en un entorno hogareño estricto, sus padres fueron luchadores partisanos durante la Segunda Guerra Mundial, por lo que fueron galardonados con la Orden de los Héroes del Pueblo. La artista vivió con su abuela materna, quien era profundamente religiosa, hasta los 6 años en que se fue a vivir con sus padres después del nacimiento de su hermano. Su madre era una disciplinaria estricta que también infligía castigos físicos, lo que explica en cierta medida por qué Abramović siempre ha estado tan interesada en someter el cuerpo a la dureza. Estuvo expuesta a las artes desde temprana edad a través del trabajo de su madre en el Ministerio de Cultura.

En la amplia galería central, os encontraréis con películas en blanco y negro de la época en la que la artista realizaba actuaciones en los años 70 con su pareja en ese momento, el artista Ulay. Se abofetearán las caras, se gritarán mutuamente y se besarán. Pero una de estas obras destaca, que es ‘Rest Energy’, donde les veis realizando un peligroso acto de equilibrio con un arco y flechas. Si alguno de ellos cediera, uno de ellos habría muerto.

A partir de este punto de la exposición, podéis ver actuaciones recreadas por una nueva generación de artistas entrenados por Abramović en el Instituto Mariana Abramović. Los primeros artistas crean ‘Un par de postes de entrada humanos’, dos modelos desnudos creando una barrera para que los visitantes pasen a través. La obra recrea ‘Imponderabilia’, representada por primera vez en 1977 por la artista y Ulay. Los artistas pueden perturbar a algunos visitantes, pero sospecho que la efectividad de esto no es la misma que la original en los años 70.

Al avanzar a la siguiente parte de la exposición, las salas siguientes muestran su trabajo en solitario con ‘Objetos Transitorios’, donde se incorporan cristales y minerales e invitan a la participación del público. En esta etapa de su trayectoria, se había separado de Ulay, eligiendo una actuación caminando a lo largo de la Muralla China para despedirse, y cambió sus intereses hacia un enfoque curativo. La terapia de energía parece convertirse en una gran influencia en su trabajo a partir de entonces. Y a pesar de las críticas recibidas por ello, disfruté de estas obras, más que de otras, en realidad. Especialmente al entrar en la sala con un montón de manzanilla; el olor y los sonidos de las olas eran muy relajantes.

En una de las últimas salas, ‘La levitación de Santa Teresa’ (2009), en la que la artista, vestida de negro, cuelga sobre una cocina recreando una experiencia mística en memoria de la santa española, fue estéticamente interesante y una clara evidencia para mí del papel significativo que la espiritualidad ha tomado en su trabajo. La influencia de su abuela parece aflorar aquí.

Finalmente, la última sala acoge la recreación de su obra ‘La casa con vista al mar’, en la que la artista vivió en una casa construida durante 12 días tras los ataques terroristas del 11 de septiembre en Nueva York. La actuación invitó al público a presenciar y compartir el simple acto de vivir. Este trabajo no me impactó tanto, principalmente porque los trabajos que ella hace en los que se infligen castigos o dificultades al cuerpo no son mis preferidos.

Abramović ha creado un gran legado y se ha convertido en una pionera en el uso del cuerpo vivo para el arte. En su exploración del arte como vehículo para la transformación emocional y espiritual, ha seguido evolucionando a lo largo del tiempo y desafiando a su público. No verla ahora en las actuaciones, dada su edad, hace que sus obras sean un poco menos efectivas. Pero, aun así, creo que sigue siendo interesante saber y ver qué ha estado haciendo en cada momento.

La influencia de Abramović es innegable; se ha erigido como pionera en el uso del cuerpo en vivo para el arte, dejando un legado imponente. En su exploración del arte como medio para la transformación emocional y espiritual, ha evolucionado constantemente, desafiando a su audiencia. Aunque la ausencia de sus actuaciones en la actualidad, dada su edad, pueda restar un poco de impacto a sus obras, persiste el fascinante interés por descubrir y observar sus desarrollos en cada etapa.

Capturing the sacred essence of books in painting

Wen Wu
28 September – 1 October 2023
British Art Fair at Saatchi Gallery, London, UK

A month ago, I visited the British Art Fair at the Saatchi Gallery, where I had the opportunity to explore the artworks and meet some of the artists and their gallerists. For those familiar with the Saatchi Gallery, you’ll know that it’s located in one of London’s most affluent areas, and its gallery space spans three levels and two inter-levels, ensuring that even with a bustling crowd, it never felt overly crowded.

Art recently reclaimed the top spot in Knight Frank’s ‘Luxury Investment Index’, as the growth in other asset classes tracked by the index begins to slow down or reverse. This might explain the growing trend of people turning to the art world as a means to invest their savings.

Among the many talented artists I encountered at the fair, one in particular, caught my attention—Wen Wu. Originally from China and a London resident for over two decades, Wen Wu is a graduate of Tsinghua University in Beijing, where she received guidance from Chen Dan Qing, a highly influential art educator in China.

Wu has an exceptional ability to transport her audience into her idiosyncratic universe, where a sense of mystery and magic prevails. She masterfully encapsulates her subjects in aesthetic elegance on her canvases, skilfully using a play of shadows to bring both the background and foreground to life with the infusion of ochre and chilly cerise blue tones.

Diverging from the politically driven Social Realist approach that dominated between 1950 and 1970, Wu embraces a more lyrical and “literary” form of neo-realism, drawing inspiration from a wide range of Western influences. Her inspirations range from 19th-century French plein air romanticism to the English Pre-Raphaelites, the Dutch masters, and the Spanish Baroque painters of the 17th century, including Diego Velázquez.

Each of Wu’s creations maintains its figurative nature, yet they emanate an abstract and almost sacred essence. The execution of these images, characterized by instinctual and sensual brushwork, captures the forms of bodies and the language of the models posed on tabletop objects, radiating an ineffable sense of nostalgia. Books hold significant inspiration for Wu, as she is an avid bibliophile. For her, they represent a universal language, embodying the power of knowledge.

I had the pleasure of meeting Wen Wu at the gallery stand, and she graciously posed for us, merging and interacting with the artworks, as we often do. Thank you for that, Wen!

Sources: VirginaVisualArts.com and Wikipedia.

Capturando la esencia sagrada de los libros en la pintura

Wen Wu
28 de septiembre – 1 de octubre de 2023
Feria de Arte Británico en la Galería Saatchi, Londres, Reino Unido

Hace un mes, estuve en la Feria de Arte Británico en la Galería Saatchi, donde tuve la oportunidad de explorar las obras de arte y conocer a algunos de los artistas y sus galeristas. Si habéis estado en la Saatchi, sabréis que está ubicada en una de las zonas más pudientes de Londres y que su espacio de galería se extiende en tres niveles y dos intermedios, lo que significa que, incluso con un montón de gente, no llegara a parecerme abarrotada.

El arte ha recuperado recientemente el primer puesto en el ‘Índice de Inversión de Lujo’ de Knight Frank, ya que el crecimiento en otras clases de activos rastreadas por el índice empieza a desacelerarse o incluso a revertirse. Esto podría explicar por qué cada vez más gente se está fijando en el mundo del arte como una forma de invertir sus ahorros.

De entre los muchos artistas talentosos que vi en la feria, una en particular me llamó la atención: Wen Wu. Originaria de China y residente en Londres desde hace más de dos décadas, Wen Wu se graduó en la Universidad de Tsinghua en Pekín, donde recibió orientación de Chen Dan Qing, un educador artístico influyente en China.

Wu tiene una habilidad increíble para transportaros a su universo peculiar, donde predomina un aire de misterio y magia. En sus lienzos, logra encapsular a sus sujetos con gran elegancia estética, utilizando sombras de manera habilidosa para dar vida tanto al fondo como al primer plano, con la mezcla de tonos ocres y azules cerúleos fríos.

Alejándose del enfoque políticamente impulsado del Realismo Social que dominó entre 1950 y 1970, Wu abraza una forma más lírica y “literaria” de neo-realismo, inspirándose en una amplia gama de influencias occidentales. Sus inspiraciones abarcan desde el romanticismo al aire libre francés del siglo XIX, hasta los Prerrafaelitas ingleses, los maestros holandeses y los pintores barrocos españoles del siglo XVII, incluyendo a Diego Velázquez.

Cada creación de Wu conserva su naturaleza figurativa, pero desprende una esencia abstracta y casi sagrada. La ejecución de estas imágenes, caracterizada por pinceladas instintivas y sensuales, capta las formas de los cuerpos y el lenguaje de los modelos que reposan sobre objetos de mesa, irradiando un sentido de nostalgia inexpresable. Los libros son una fuente importante de inspiración para Wu, ya que es una apasionada bibliófila. Para ella, representan un lenguaje universal que encarna el poder del conocimiento.

Tuve el placer de conocer a Wen Wu en el stand de la galería, y amablemente posó para nosotras, fusionándose e interactuando con las obras de arte, como solemos hacer. ¡Gracias por eso, Wen!

Fuentes: VirginaVisualArts.com and Wikipedia.

Abstract art inspired by nature

Hilma af Klint & Piet Mondrian
Forms of Life
20th April – 3rd September 2023
Tate Modern, London, UK

The last art show I saw at Tate Modern was “Hilma af Klint & Piet Mondrian: Forms of Life”. Although they never met in real life, the Swedish and the Dutch artists come together in this exhibition to explore how their nature-inspired abstract art developed.

Despite their mutual interest in spirituality and in abstract form, I believe that the evolution experienced by both artists was very different. Nonetheless, I was pleased to discover af Klint’s work for the first time in this exhibition, and I was delighted to see many of the paintings created by both artists and displayed here.

Hilma af Klint (1862-1944) was a Swedish artist and mystic whose paintings are considered among the first abstract artworks in western art history. She belonged to a group called “The Five” – a circle of women inspired by Theosophy, who tried to contact the “high masters” by way of séances.

At her death, Af Klint left instructions for her works not to be shown in public for another 20 years. she believed audiences of the future might be more receptive to her esoteric paintings. And she was proved right, when the Guggenheim’s 2018 retrospective became more than seven decades later the biggest hit in the museum’s history.

Piet Mondrian (1872-1944) was a Dutch painter and art theoretician who is regarded as one of the greatest artists of the 20th century. He is known for being one of the pioneers of 20th-century abstract art, as he changed his artistic direction from figurative painting to an increasingly abstract style, until he reached a point where his artistic vocabulary was reduced to simple geometric elements. Mondrian’s art was highly utopian and was concerned with a search for universal values and aesthetics. 

He co-founded the De Stijl art movement with Theo van Doesburg and evolved a non-representational form which he termed Neoplasticism. This was the new ‘pure plastic art’ which he believed was necessary in order to create ‘universal beauty’. 

From the beginning of the exhibition, it’s easier to associate both artists since both appear to be thinking about art through nature. The juxtaposition of their work don’t seem to be competitive and their works are displayed on different walls. Af Klint’s botanical studies are grouped alone in all their delicate and prolific detail. Whereas, Mondrian paints the same apple tree many times, with an almost Japanese devotion.

However, the love that Mondrian shared with the De Stijl movement for primary colours and black lines is showcased minimally in this art show. Like the changes he experienced by encountering the various art movements of his time in Paris that led him to develop such a personal and iconic style.

The exhibition surprises you when it comes to getting to know Hilma af Klint’s work though. The artist was hardly known by her contemporaries and is frequently compared with 21st century artists since she was a lesbian, feminist, anti-establishment and a restless radical involved in women’s cooperatives.

In this art show, we seem to be confronting a modernist with a postmodernist artist. Although both lived almost at the same time (Mondrian was born 10 years later) and both died on the same year. Mondrian, like other modernists, focused on simplicity and elegance with colour, shape, and form, while promoting utopian ideals. By contrast, af Klint used her art to express her unique interpretation on spirituality based on experience.

Modern art is more associated with male artists, while Postmodern art features contributions from different genders, ethnicities, and classes. Modernist abstract painting in the 20th century found meaning in colours, logic in the lines and an internal coherence. Modernist artists worked towards an idealized version of artistic beauty. Postmodern art, however, rejects the idea that there is a right way to make art, is considered elaborate and decorative, and is based on chance.

In conclusion, the art show is interesting when it comes to confronting two different ways of understanding and creating art, both very related to the evolution of art in the last century. But their artistic journeys, from being inspired by nature to creating magnificent abstract paintings are very far from each other.

With Hilma af Klint, you see how she explores her beliefs through art. She channelled visions received from a spirit world to create exuberant and decorative works of art that have only started to be discovered and understood recently. With Piet Mondrian, you can perceive the evolution of art in the first half of last century. He went through inner and outer changes stimulated by mixing with the revolutionary art movements of his time, and ended up creating unique and iconic artworks that continue being an inspiration for generations of artists today.

Read the Spanish version below the pictures.

Mondrian
Mondrian
Mondrian
af Klint
af Klint
af Klint
af Klint

The little art gooseberry next to a painting by Piet Mondrian
Mondrian
Mondrian
The art blueberry next to a painting by Piet
Mondrian
Mondrian
af Klint
af Klint

Arte abstracto inspirado en la naturaleza

Hilma Af Klint y Piet Mondrian
Formas de vida
20 de abril – 3 de septiembre de 2023
Tate Modern, Londres, Reino Unido

La última muestra de arte que vi en la Tate Modern fue “Hilma af Klint & Piet Mondrian: Forms of Life”. Aunque nunca se conocieron en la vida real, la pintora sueca y el pintor holandés se reúnen en esta exposición para explorar cómo se desarrolló su arte abstracto inspirado en la naturaleza.

A pesar de su mutuo interés por la espiritualidad y la forma abstracta, la evolución experimentada por ambos artistas fue muy diferente. No obstante, me agradó descubrir el trabajo de af Klint por primera vez en esta exposición, y me encantó ver muchas de las obras expuestas de ambos artistas.

Hilma af Klint (1862-1944) fue una artista y mística sueca cuyas pinturas se consideran entre las primeras obras de arte abstractas en la historia del arte occidental. Pertenecía a un grupo llamado “Las Cinco”, un círculo de mujeres inspiradas en la Teosofía, que intentaban contactar a los llamados “maestros superiores” a través de sesiones de espiritismo.

Tras su muerte, af Klint dejó instrucciones para que sus obras no se mostraran en público durante otros 20 años. Creía que el público del futuro sería más receptivo a sus pinturas esotéricas. Y se demostró que tenía razón cuando la retrospectiva del Guggenheim de 2018 se convirtió más de siete décadas después en el mayor éxito en la historia del museo.

Piet Mondrian (1872-1944) fue un pintor y teórico del arte holandés, considerado uno de los más grandes artistas modernistas del siglo XX. Es conocido por ser uno de los pioneros del arte abstracto del siglo XX, que cambió su dirección artística de la pintura figurativa a un estilo cada vez más abstracto, hasta llegar a un punto en el que su vocabulario artístico se redujo a simples elementos geométricos. El arte de Mondrian era muy utópico y se preocupaba por la búsqueda de valores y estéticas universales.

Cofundó el movimiento artístico De Stijl con Theo van Doesburg y desarrolló una forma no figurativa que denominó Neoplasticismo. Este era el nuevo ‘arte plástico puro’ que creía necesario para crear la ‘belleza universal’.

Desde el comienzo de la exposición, es más fácil asociar a ambos artistas, ya que ambos parecen estar pensando en el arte a través de la naturaleza. La yuxtaposición de su trabajo no parece ser competitiva y sus obras se exhiben en paredes diferentes. Los estudios botánicos de af Klint se agrupan solos en todo su delicado y prolífico detalle. Mientras que Mondrian pinta muchas veces el mismo manzano, con una devoción casi japonesa.

Sin embargo, la predileción por los colores primarios y las líneas negras que Mondrian compartió con el movimiento De Stijl se muestra mínimamente en esta exposición, así como los cambios que experimentó al encontrarse en París con los diversos movimientos artísticos de su tiempo que le llevaron a desarrollar un estilo tan personal e icónico.

Eso sí, la exposición sorprende a la hora de conocer la obra de Hilma af Klint. La artista apenas era conocida por sus contemporáneos y es frecuentemente comparada con artistas del siglo XXI. Era lesbiana, feminista, antisistema, radical e involucrada en las cooperativas de mujeres.

En esta exposición de arte, parece que estamos confrontando a un artista modernista con un artista posmoderno. Aunque ambos vivieron casi al mismo tiempo (Mondrian nació 10 años después) y ambos fallecieron el mismo año. Mondrian, como otros modernistas, se centró en la simplicidad y la elegancia, en el color y la forma, al tiempo que promovía ideales utópicos. Por el contrario, af Klint usa su arte para expresar su interpretación única de la espiritualidad, basada en la experiencia.

El arte moderno está más asociado con artistas masculinos, mientras que el arte posmoderno presenta contribuciones de diferentes géneros, etnias y clases. La pintura abstracta modernista del siglo XX encuentra coherencia interna y lógica en las líneas y colores que emplea. Los artistas modernistas trabajaron hacia una versión idealizada de la belleza artística. El arte posmoderno, sin embargo, rechaza la idea de que existe una forma correcta de hacer arte, se considera elaborado y decorativo, y se basa en el azar.

En conclusión, la muestra de arte resultó interesante a la hora de confrontar dos formas diferentes de entender y hacer arte muy relacionadas con la evolución del arte en el siglo pasado. Pero sus trayectorias artísticas, desde inspirarse en la naturaleza hasta crear magníficas pinturas abstractas, están muy lejos la una de la otra.

Con Hilma af Klint, ves cómo exploraba sus creencias a través del arte. Canalizaba las visiones recibidas de un mundo espiritual para crear obras de arte exuberantes y decorativas que apenas han comenzado a ser descubiertas y comprendidas recientemente. Con Piet Mondrian, se puede percibir la evolución del arte en la primera mitad del siglo pasado. Pasó por cambios internos y externos estimulado por la influencia de los movimientos artísticos revolucionarios de su tiempo, y terminó creando obras de arte únicas e icónicas que siguen siendo una inspiración para generaciones de artistas actualmente.

Sources: Tate website, The Guardian, Wikipedia.

Fibrous structures

Magdalena Abakanowicz
Every tangle of threat and rope
21 May 2023
Tate Modern, London, UK

This is the last weekend of this art exhibition at Tate Modern. If you haven’t seen it and you haven’t got other plans for the weekend, I encourage you to go. So far, it’s been my favourite art show this year, and certainly an interesting experience getting to know the work of this artist.

Magdalena Abakanowicz (1930-2017) was a Polish sculpture and fiber artist, known for her use of textiles as sculptural medium. Today she’s highly regarded as one of Poland’s most internationally acclaimed artists. She was born to an aristocratic family and lived in the countryside during her childhood, until the Second World War and subsequently the communist regime reversed their life.

Luckily the forest of her childhood used as an inspiration for her artworks was quite neutral, so the censorship to her work was milder than for other artists. An early show of her work, however, was shut down by the authorities for not actively engaging with the building of socialism. Individual expression had to be in service of the common good at the time. On the other side, the state encouraged cooperation between designers, craftspeople and artisans, which was used by Abakanowicz in her advatange. She became the pioneer of fiber-based sculpture and installation in the 1960s.

Abakanowicz was a weaver of sculptures. But what she did was so radical that it keeps amazing us today. She took the conventional flat tapestry woven for thousands of years and remade it in three dimensions. Her weavings are huge works suspended from the ceiling of organic quality. The artist takes you in a journey that showcases her ideas about nature’s power and our place in it as human beings.

As you enter the art show, you’re presented to smaller works that give you an overview of her beginnings as an artist, including naturalistic abstraction, geometric compositions filled with organic forms, some in paper, other in canvas. Her early tapestries are big, sombre abstracts of brown, beige and tan wool. Some parts are ragged, others braided. The resemble old carpets worn and tattered by lot of use.

Abakanowicz saw fibre, “as the basic element constructing the organic world… the tissue of plants, leaves and ourselves, our nerves, our genetic codes… We are fibrous structures.” she said.

Soon she outgrew the idea of making rectangular works and let the tapestries take a freer form hanging from the ceiling. She started by making them with curved, perforated and wavy shapes. Her works hanging from the ceiling are fibrous, twisted, knotted, and have ropes dangling nearby or animal horns, so that they seem to take on a life of their own. Its material warmth and earthy organic scent is comforting to the viewer.

The central room showcases a collection of dark works as described above; it was like encountering nature in its most basic, original state with its strength and comforting power. As you move along the show you start coming across the human body deconstructed in pieces. You’ll be arrested by the depictions of the female body, of opened labia, the body’s orifices and protuberances, breasts, pregnant bellies and so on.

One of the difficulties facing critics of Abakanowicz’s work through the 1960s and 70s was how to place the varied and multiform things she made. Were her wall-hangings and suspended woven works art at all? Was it craft or “applied art” or “fibre art”? Was it sculpture?  Critics called her a “painter at the looms”, and described her works as “carpet creatures”. They even received the name of Abakans, coming from her surname.

This art exhibition at the Tate Modern is like a primal experience. As you move through the artworks a forest seem to emerge around you. Some dark works of art seem to be branching out like trees, others tangled like vines, others are like trunks opened to protect you from a storm. An ancient forest, primal and mysterious – all created from wool develops around you. And subsequently, a deconstruction of the human body, only to remember us that we are part of nature. Let’s not forget that!

Estructuras fibrosas

Magdalena Abakanowicz
Every tangle of threat and rope
21 mayo 2023
Tate Modern, Londres, Reino Unido

Este es el último fin de semana de esta exposición de arte en la Tate Modern. Si no la has visto y no tienes otros planes para el fin de semana, te animo a que vayas. Hasta ahora, ha sido mi exhibición de arte favorita este año, y sin duda una experiencia interesante conocer el trabajo de esta artista.

Magdalena Abakanowicz (1930-2017) fue una artista polaca de escultura y fibra, conocida por su uso de textiles como medio escultórico. Hoy en día es considerada como una de las artistas polacas más aclamadas internacionalmente. Nació en una familia aristocrática y vivió en el campo durante su infancia, hasta que la Segunda Guerra Mundial y posteriormente el régimen comunista cambiaron su vida.

Afortunadamente, el bosque de su infancia que usó como inspiración para su arte fue bastante neutral, por lo que la censura a su trabajo fue más leve que para otros artistas. Sin embargo, las autoridades cerraron una muestra temprana de su trabajo por no participar activamente en la construcción del socialismo. La expresión individual tenía que estar al servicio del bien común de la época. Por otro lado, el estado fomentó la cooperación entre diseñadores y artesanos, lo que fue aprovechado por Abakanowicz en su beneficio. Se convirtió en pionera de la escultura e instalaciones a base de fibra en la década de 1960.

Abakanowicz era tejedora de esculturas. Pero lo que hizo fue tan radical que hoy nos sigue sorprendiendo. Tomó el tapiz plano convencional tejido durante miles de años y lo rehízo en tres dimensiones. Sus tejidos son obras gigantescas suspendidas del techo de calidad orgánica. La artista te lleva en un viaje que muestra sus ideas sobre el poder de la naturaleza y nuestro lugar en ella como seres humanos.

Al entrar en la exposición de arte, se presentan obras más pequeñas que te brindan una descripción general de sus inicios como artista, incluida la abstracción naturalista, composiciones geométricas llenas de formas orgánicas, algunas en papel, otras en lienzo. Sus primeros tapices son resúmenes grandes y sombríos de lana marrón, beige y canela. Algunas partes están rotas, otras trenzadas. Se parecen a alfombras viejas gastadas y rotas por mucho uso.

Abakanowicz veía la fibra, “como el elemento básico que construye el mundo orgánico… el tejido de las plantas, las hojas y nosotros mismos, nuestros nervios, nuestros códigos genéticos… Somos estructuras fibrosas” dijo ella.

Pronto superó la idea de hacer obras rectangulares y dejó que los tapices tomaran una forma más libre colgando del techo. Empezó haciéndolas con formas curvas, perforadas y onduladas. Sus obras colgadas del techo son fibrosas, retorcidas, anudadas y tienen cuerdas colgando cerca o cuernos de animales de manera que parecen cobrar vida propia. Su calidez material y olor orgánico terroso es reconfortante para el espectador.

La sala central exhibe una colección de obras oscuras como he descrito arriba; fue como encontrarse con la naturaleza en su estado primigenio con toda su fuerza y poder reconfortante. A medida que avanzas en la muestra, comienzas a encontrarte con el cuerpo humano deconstruido en pedazos. Te cautivarán las representaciones del cuerpo femenino, de los labios abiertos, los orificios y protuberancias del cuerpo, los senos, las barrigas de embarazo, etc.

Una de las dificultades que enfrentaron los críticos del trabajo de Abakanowicz durante las décadas de 1960 y 1970 fue cómo ubicar las cosas variadas y multiformes que hizo. ¿Sus tapices y tejidos suspendidos eran arte en absoluto? ¿O era artesanía o “arte aplicado” o “arte de la fibra”? ¿Era escultura? Los críticos la llamaron “pintora de los telares”, y describieron sus obras como “criaturas de alfombra” e incluso recibieron el nombre de Abakans, proveniente de su apellido.

Esta exposición de arte en la Tate Modern es como una experiencia primaria. A medida que avanzas por la muestra, parece que un bosque emerge a tu alrededor. Algunas obras de arte oscuras parecen ramificarse como árboles, otras se enredan como vides, otras son como troncos abiertos para protegerte de una tormenta. Un bosque antiguo, primitivo y misterioso, todo creado a partir de lana se despliega a tu alrededor. Y luego, una deconstrucción del cuerpo humano a continuación, solo para recordarnos que somos parte de la naturaleza. ¡No olvidemos eso!

A lost era

Soheila Sokhanvari
Rebel Rebel
Fri 7 Oct 2022—Sun 26 Feb 2023
The Curve, Barbican Centre, London, UK

We recently visited the Soheila Sokhanvari art exhibition at The Curve, one of the art galleries you can find at the Barbican Art Centre in London. I hadn’t been there for a while, so it was good rediscovering this space that counts on a wide cultural offer and is really warm to hang around in the winter months.

As you enter the exhibition and walk along the 90-metre gallery (light is dim and walls are hand-painted with Islamic geometric shapes), you start coming across the 27 small portraits of feminist icons from pre-revolutionary Iran, painted in the tradition of Persian miniature painting -in egg tempera onto calf vellum with a squirrel-hair brush.

The art show offers an intimate and disturbing experience, as it invites you to discover the lives of these women by getting close to the paintings and their colourful details, while you know that this is part of a lost era. They are made in a small size and are displayed without names or biographical info, just painted numbers, in dark frames against the green murals of geometric crystals.

The fashion style and the wall paper displayed on these paintings, as well as the fragmented mirror that stands at the beginning of the corridor made me think of the 1970s. Indeed, the exhibition title “Rebel Rebel” borrows from David Bowie’s 1974 cult pop song and pays tribute to the significant courage of these 27 female icons, who pursued their careers in a culture enamoured with Western style but not its freedoms.

These women include Roohangiz Saminejad, the first unveiled actress to appear in a Persian language film, who had to change her name and lived in anonymity and seclusion following the revolution; the controversial modernist poet Forough Farrokhzad; and the leading intellectual and writer Simin Dāneshvar, among many others. The title also serves as a lament to the fate of these women, after the Iranian Revolution of 1979 and the subsequent establishment of a conservative Islamic theocracy, left them with a stark choice: to renounce any role in public life, or be forced into exile. Hard decision faced not only by these women, but by many other individuals throughout the years since the revolution started.

The soundtrack that accompanies your exploration along the show was composed by Marios Aristopoulos, which weaves together songs by celebrated Iranian singers from the mid-20th century, including Ramesh and Googoosh – a poignant gesture given that it remains illegal for a woman’s voice to be broadcast in Iran. And at the end of it, a big and extravagant sculptural form made of mirror hanging from the ceiling and featuring internal projections drawn from classic Iranian cinema.

The feminist icons shown in this exhibition look so western that is almost hard to believe that we’re looking at Iranian women on these portraits. Nonetheless, it’s worth looking at these paintings, before you find out more about their lives -they can be appreciated in their glory before finding out their fates after the Islamic Revolution. A lot of artists from their generation chose to “repent” and continued to work with the regime and in line with its agendas. But, the majority of women portrait in this exhibition made a choice to stand by what they believed in, even if it meant they had to go behind closed doors and no longer be publicly active. For example, Simin Dāneshvar continued to write after the revolution and refused to cooperate with the regime each time they tried to use her in their propagandists agendas.

This exhibition comes timely as Iran’s current unrest make the headlines in the news all over the world. Forty-three years after the revolution, the situation for women in this country has only got worse. Several Iranians have been sentenced to death by execution during the nationwide protests, which were sparked by the death of 22-year-old Mahsa Amini after she was apprehended by the state’s morality police for allegedly not wearing her hijab properly. While it’s hard to believe the current regime will actually crumble following the current protests, a change is more than due, so fingers crossed for that.

Admission: Free.

Una época perdida

Soheila Sokhanvari
Rebelde rebelde
7 Oct 2022—26 Feb 2023
The Curve, Barbican Centre, Londres, Reino Unido.

Hace poco que visitamos esta exposición de arte de Soheila Sokhanvari en The Curve, una de las galerías de arte que puedes encontrar en el Barbican Art Centre de Londres. Hacía tiempo que no iba, así que fue bueno redescubrir este espacio, que cuenta con una amplia oferta cultural y es muy acogedor para los meses de invierno.

Al entrar en la exposición y caminar por la galería de 90 metros (la luz es tenue y las paredes están pintadas a mano con formas geométricas islámicas), empiezas a encontrarte con los 27 pequeños retratos de iconos feministas del Irán prerrevolucionario, pintados en la tradición de la pintura en miniatura persa -en temple al huevo sobre vitela de becerro con un pincel de pelo de ardilla.

La muestra de arte ofrece una experiencia íntima e inquietante, ya que invita a descubrir la vida de estas mujeres acercándose a las pinturas y sus coloridos detalles, sabiendo que todo es parte de una época perdida. Están hechos en un tamaño pequeño y se muestran sin nombres ni datos biográficos, solo números pintados, en marcos oscuros contra los murales verdes de cristales geométricos.

El estilo de moda y el papel de pared que se muestran en estas pinturas, así como el espejo fragmentado que se encuentra al comienzo del pasillo me hizo pensar en la década de 1970. De hecho, el título de la exposición “Rebel Rebel” toma prestado de la canción pop de culto de David Bowie de 1974 y rinde homenaje al valor significativo de estos 27 iconos femeninos, que siguieron sus carreras en una cultura enamorada del estilo occidental, pero no de sus libertades.

Estas mujeres incluyen a Roohangiz Saminejad, la primera actriz sin velo que apareció en una película en idioma persa, quien tuvo que cambiar su nombre y vivió en el anonimato y reclusión después de la revolución; la controvertida poeta modernista Forough Farrokhzad; y la destacada intelectual y escritora Simin Dāneshvar, entre muchos otras. El título también sirve como un lamento por el destino de estas mujeres, después de que la revolución iraní de 1979 y el posterior establecimiento de una teocracia islámica conservadora las dejaran con una dura elección: renunciar a cualquier papel en la vida pública o verse obligadas a exiliarse. Difícil decisión a la que se enfrentaron no sólo estas mujeres, sino muchos otros individuos a lo largo de los años desde que comenzó la revolución.

La banda sonora que acompaña tu exploración a lo largo de la muestra fue compuesta por Marios Aristopoulos, que entreteje canciones de célebres cantantes iraníes de mediados del siglo XX, incluidos Ramesh y Googoosh, un gesto conmovedor dado que sigue siendo ilegal que se transmita la voz de una mujer en Irán. Y al final, una gran y extravagante forma escultórica hecha de espejos colgados del techo y con proyecciones internas extraídas del cine iraní clásico.

Los íconos feministas que se muestran en esta exposición se ven tan occidentales que es casi difícil creer que estamos viendo mujeres iraníes en estos retratos. Sin embargo, vale la pena mirar estas pinturas antes de saber más sobre sus vidas, se pueden apreciar en su gloria antes de conocer su destino después de la Revolución Islámica. Muchas artistas de su generación optaron por “arrepentirse” y continuaron trabajando con el régimen y de acuerdo con sus agendas. Pero, la mayoría de las mujeres retratadas en esta exposición tomaron la decisión de defender lo que creían, incluso si eso significaba tener que ir a puertas cerradas y dejar de ser activas públicamente. Por ejemplo, Simin Dāneshvar continuó escribiendo después de la revolución y se negó a cooperar con el régimen cada vez que intentaron usarla en sus agendas propagandísticas.

Esta exposición es particularmente oportuna ahora que los disturbios en Irán ocupan los titulares de las noticias de todo el mundo. Cuarenta y tres años después de la revolución , la situación de las mujeres en este país no ha hecho más que empeorar. Varios iraníes han sido condenados a muerte por ejecución durante las protestas en todo el país, provocadas por la muerte de Mahsa Amini, de 22 años, después de que fuera detenida por la policía de moralidad del estado por presuntamente no llevar puesto el hiyab correctamente. Si bien es difícil creer que el régimen actual se derrumbe después de las protestas actuales, es más que necesario un cambio, así que crucemos los dedos para que ocurra.

Entrada: Libre.

Silver memories

Cornelia Parker
19 May 2022 – 16 October 2022
Tate Britain, London, UK

You cannot miss the art show of the season in London: Cornelia Parker at Tate Britain. The British conceptual artist is 65 and one of the most recognisable and acclaimed contemporary artists working today. Perhaps this exhibition was long time overdue.

From all her body of work my favourite pieces are her art installations. Poetic and mesmerising, they catch your imagination and invite you to reflection. The artist likes playing with concepts, using visual metaphors to investigate the nature of violence, ecology, national identity and human rights.

The art show opens with the enthralling “Thirty Pieces of Silver” (1988-89). Thirty groups of silverware hovering inches above the ground in darkness. Parker steamrollered them to take away their volume leaving them as flat as the Disney cartoons deaths of Roadrunner we used to watch when we were kids.

The artist talks about the anxiety she suffered when she made this artwork knowing her East London home was going to be demolished to make away for the M11 link road. Would have that contributed to the urge of destruction she suffered before creating this work? The name was taken from the Bible, as thirty was the number of coins Judas received for betraying Jesus. I really liked looking at these silverware pieces from a different perspective, completely flat hanging from the ceiling. They are like part of an old empire; a reminiscence of good old times we reverence now with nostalgia.

The next other big art installation present in this exhibition is “Cold Dark Matter: An Exploded View” (1991). A shed she exploded with the help of the British Army. Parker reconstructed it mid-boom as a frozen moment of vandalism. The shadows projected on the walls are as important as the work itself, as they contribute to the sensation of us being part of a bigger cosmos.

And again, flattened silver in another dim lit room full of suspended flattened trombones and trumpets with her work “Perpetual Cannon” (2004), all arranged in a circle like a ghost band in a different dimension.

Another art installation I found interesting for its originality was “War Room” (2015). A room covered with rolls of red paper with perforations where poppies had been punched out. The absence of the poppies is very meaningful because a lot of people went to the war and didn’t return home. This piece was made by Parker in response to an invitation to make a work about the I World War. The shape of the tent is inspired by the tent that Henri VIII did for a peace summit with the French king in 1520. The peace lasted only for one year. Not very succesful!

Then, the art show includes multiple works used by the artist to tell stories about things that matter to her, not exempt of irony. Among them the marks left by workmen pointing the perimeter walls of Pentonville prison, photographed by Parker, look like an abstract painting. They were all painted white soon after, and a few hours later, a murdered escaped from the prison after scaling the walls. Or the black and white pictures taken with a camera that once belonged to Auschwitz commander Rudolf Höss.

Parker’s work is also an art of collaborations, such as with the embroidery of the Wikipedia entry on the Magna Carta, whose lettering has been sewn by prisoners and professional embroiderers, including Edward Snowden and Julian Assange.

Despite the certain artificiality or excessive logic applied to her work, I like the way in which she constructs and deconstructs, destroys and remakes the objects and the environment that surround us, making us think about further meanings and associations that connect us all in the universe.

Recuerdos de plata

Cornelia Parker
19 mayo 2022 – 16 octubre 2022
Tate Britain, Londres, Reino Unido

No te puedes perder la muestra de arte de la temporada en Londres: Cornelia Parker en Tate Britain. La artista conceptual británica tiene 65 años y es una de los artistas contemporáneas más reconocibles y aclamadas de la actualidad. Tal vez esta exposición se retrasó mucho tiempo.

De todo su trabajo mis obras favoritas son sus instalaciones de arte; poéticas e hipnotizantes, atrapan tu imaginación y te invitan a la reflexión. A la artista le gusta jugar con conceptos, utilizando metáforas visuales para investigar la naturaleza de la violencia, la ecología, la identidad nacional y los derechos humanos.

La exposición comienza con la fascinante obra “Treinta piezas de plata” (1988-89). Treinta grupos de vajilla plateada flotando a centímetros del suelo en la oscuridad. Parker los aplastó para quitarles el volumen dejándolos tan planos como las muertes del Correcaminos de los dibujos animados de Disney que solíamos ver cuando éramos niños.

La artista habla de la ansiedad que sufrió cuando hizo esta instalación de arte sabiendo que su casa del este de Londres iba a ser demolida para dar paso a la carretera de enlace M11. ¿Contribuiría eso a la urgencia de destrucción que sufrió antes de crear este trabajo? El nombre de la obra fue tomado de la Biblia, ya que treinta era el número de monedas que recibió Judas por traicionar a Jesús. Me gustó mucho mirar estas piezas de platería desde una perspectiva diferente, completamente planas colgando del techo. Son como parte de un antiguo imperio; una reminiscencia de los buenos tiempos que ahora recordamos con nostalgia.

La siguiente gran instalación de arte presente en esta exposición es “Cold Dark Matter: An Exploded View” (1991). Un cobertizo que explotó con la ayuda del ejército británico. Parker lo reconstruyó a mitad de la explosión como un momento congelado de vandalismo. Las sombras proyectadas en las paredes son tan importantes como la obra misma, ya que contribuyen a la sensación de que somos parte de un cosmos mayor.

Y de nuevo, plata aplastada en otra habitación tenuemente iluminada llena de trombones y trompetas aplastados suspendidos con su obra “Perpetual Cannon” (2004), todos dispuestos en círculo como una banda fantasma en una dimensión diferente.

Otra instalación de arte que encontré interesante por su originalidad fue “War Room” (2015). Una habitación cubierta con rollos de papel rojo con perforaciones donde se habían troquelado amapolas. La ausencia de las amapolas es muy significativa por toda la gente que fue a la guerra y no volvió a casa. Esta pieza fue realizada por Parker en respuesta a una invitación para realizar un trabajo sobre la I Guerra Mundial. La forma de la carpa está inspirada en la carpa que hizo Enrique VIII para una cumbre de paz con el rey francés en 1520. La paz duró solo un año. ¡No muy exitosa!

Luego, la muestra de arte incluye múltiples obras utilizadas por la artista para contar historias sobre cosas que le importan, no exentas de ironía. Entre ellas, las marcas dejadas por los obreros señalando los muros perimetrales de la prisión de Pentonville, fotografiadas por Parker, parecen una pintura abstracta. Todas fueron pintadas de blanco después, y unas horas más tarde, un asesinado escapó de la prisión tras escalar los muros. O las fotografías en blanco y negro tomadas con una cámara que una vez perteneció al comandante de Auschwitz Rudolf Höss.

El trabajo de Parker también es un arte de colaboraciones, como con el bordado de la entrada de Wikipedia en la Carta Magna, cuyas letras han sido cosidas por prisioneros y bordadores profesionales, incluyendo Edward Snowden y Julian Assange.

A pesar de cierta artificialidad o excesiva lógica aplicada a su trabajo, me gusta la forma en que construye y deconstruye, destruye y rehace los objetos y el entorno que nos rodea, haciéndonos pensar en significados y asociaciones adicionales que nos conectan a todos nosotros en el universo.

The art blueberry with Cornelia Parker’s Thirty Pieces of Silver
Perpetual Cannon
Prison Wall Abstract (A Man Escaped)
Red Hot Poker Drawings
The art blueberry in Cornelia Parker’s War Room

Contained horizons

Ugo Rondinone
a sky . a sea . distant mountains . horses . spring .
12 April – 22 May 2021
Sadie Coles, London, UK

The last art exhibition I saw that resonated with me was Ugo Rondinone’s at Sadie Coles this spring. I know it’s been been more than two months since I saw this show, but I hope you find his artworks as visually and conceptually exciting as I did.

Ugo Rondinone (born 1964) is a Swiss-born mixed-media artist based in New York. He studied at Hochschule für Angewandte Kunst, Vienna (1986-90), and has exhibited widely internationally. He’s particularly known for his temporary, large-scale land art sculptures such as Seven Magic Mountains (2016–2021), with its seven fluorescently-painted totems of large, car-size stones stacked 32 feet (9.8 m) high.

For this art exhibition I’m covering here, he showed a new version of Seven Magic Mountains at Davies Street (one of the venues at Sadie Coles), but in two dimensions. Each shaped canvas representing a painted rock stacked on top of each other and arranged vertically as you can see below.

I liked the reinvention of the totem with these paintings, but the artworks that I mostly enjoyed were the ones displayed at Kingly Street (Sadie Coles HQ venue), where Rondinone presented fifteen horses cast from blue glass. You could appreciate how they had been bisected horizontally to suggest a seascape or landscape into the boundaries of a body in order to imply a microcosmic world, while reversing the traditional formula of a body in a landscape. By multiplying the concept across fifteen foal-sized sculptures, he also created a landscape of repeated forms, to somehow close the circle.

The artist embodies ideas of space, time and nature with the horse sculptures that have recurred throughout his work over the time. Each object suggests a compound of the four elements – water, air, earth (connoted by the body of the horse), and fire, crystallised in the substance of the fired glass.

And finally, at the back of the gallery in a smaller room we could see the conjunction of see and sky in a big canvas, in which the sun is depicted beyond a horizontal line. As an echo of previous works he combined horizontal lines and suns of concentric circles. Rondinone’s framed it as a mental space that I dared to enter for the sake of the pictures below. I do hope that you enjoy the artworks and my interaction with them!

Horizontes contenidos
Ugo Rondinone
un cielo. un mar . montañas distantes. caballos . primavera .
12 de abril – 22 de mayo de 2021
Sadie Coles, Londres, Reino Unido

La última exposición de arte que vi que conectó conmigo fue la de Ugo Rondinone en Sadie Coles esta primavera. Sé que han pasado más de dos meses desde que la vi, pero espero que encuentres sus obras de arte tan visual y conceptualmente interesantes como yo.

Ugo Rondinone (nacido en 1964) es un artista de técnica mixta nacido en Suiza que vive en Nueva York. Estudió en la Hochschule für Angewandte Kunst de Viena (1986-90), y ha expuesto ampliamente a escala internacional. Es particularmente conocido por sus esculturas de ‘land art’ temporales y a gran escala como ‘Seven Magic Mountains’ (2016-2021), formada con siete tótems de piedras grandes del tamaño de un automóvil pintadas con colores fluor y apiladas a 32 pies (9,8 m) de altura.

Para la exposición de arte que cubro aquí, mostró una nueva versión de ‘Seven Magic Mountains’ en Davies Street (una de las galerías de Sadie Coles), pero en dos dimensiones. Cada lienzo de puntas redondas representa una roca pintada y apilada encima de la otra; todas dispuestas verticalmente como puedes ver a continuación.

Me gustó la reinvención del tótem con estas pinturas, pero las obras de arte que más me gustaron en esta muestra fueron las que se exhibieron en Kingly Street (galería principal de Sadie Coles HQ), donde Rondinone presentó quince caballos moldeados en vidrio azul. Cada escultura era un poco más pequeña que el tamaño real de un caballo y estaba formada por dos tonos distintos de azul transparente. Se podía apreciar cómo se habían dividido horizontalmente para sugerir un paisaje marino en los límites de un cuerpo con el fin de implicar un mundo microcósmico, mientras se invierte la fórmula tradicional de un cuerpo en un paisaje. Al multiplicar el concepto en quince esculturas del tamaño de un potrillo, también crea un paisaje de formas repetidas, para cerrar de alguna manera el círculo.

El artista encarna las ideas del espacio, el tiempo y la naturaleza con las esculturas de caballos que se han repetido a lo largo de su obra durante décadas. Cada objeto sugiere un compuesto de los cuatro elementos: agua, aire, tierra (connotada por el cuerpo del caballo) y fuego, cristalizados en la sustancia del vidrio cocido.

Y finalmente, al fondo de la galería en una sala más pequeña pudimos ver la conjunción de mar y cielo en un gran lienzo, en el que se representa al sol más allá de una línea horizontal. Como eco de trabajos anteriores combinó líneas horizontales y soles de círculos concéntricos. Rondinone lo enmarcó como un espacio mental en el que me atreví a entrar para tomar las imágenes que te muestro a continuación. ¡Espero que disfrutes de las obras de arte y de mi interacción con las mismas!

Photos taken at Davies Street (Sadie Coles) below.

Photos taken at Kingly Street (Sadie Coles) below.

In search of infinity

Lynette Yiadom-Boakye
Fly in league with the night
18 November 2020 – 31 May 2021
Tate Britain, London, UK.

I was pleased to go to this art exhibition soon after it opened at Tate. Mainly because after Christmas the UK went in lockdown for COVID-19 and all art galleries closed. But, you are still in time to visit it if you’re in London because Tate Britain is now open and this show is on until the 31st May.

The artist is Lynette Yiadom-Boakye, a British painter and writer born in London in 1977 to Ghanaian parents, and one of the most aclaimed painters working today. Not surprisingly, as she’s had many years of academic training. She learned to paint from life and changed her approach to painting at an early stage, while studying at Falmouth School of Art, on the Cornish coast. Yiadom-Boakye realised she was less interested in making portraits of people and more in the act of painting itself.

Yiadom-Boakye paints black people, in the most traditional European art form: oil painting on canvas. The painters she admires include: Velázquez, Manet, Degas, Sickert. And her high level of execution has led her to win prizes such as the prestigious Carnegie Prize in 2018, and to be shortlisted for the Turner Prize in 2013.

Yiadom-Boakye is well-know for her enigmatic portraits of fictitious people, who live in private worlds. Both familiar and mysterious, they invite viewers to project their own interpretations, and raise important questions of identity and representation. She mentioned in an interview recently that she keeps coming back to the idea of “infinity”.

She takes inspiration from found images, memories, literature and the history of painting. Each painting is an exploration of a different mood, movement and pose, worked out on the surface of the canvas. I see why the artist says her figures aren’t real people, although her source of inspiration seems to be real people. She likes to place the role of narrative in the viewer, and let our imaginations go free when we encounter her works, and that’s not what happens when you see a portrait of someone.

“I write about the things I can’t paint and paint the things I can’t write about.”
Lynette Yiadom-Boakye

A writer of prose and poetry as well as a painter, the artist sees both forms of creativity as separate but intertwined, and gives her paintings poetic titles, which she describes as as ‘an extra brush-mark’. However she doesn’t see the titles as an explanation or description, just a way to release our imagination.

We both of The art berries enjoyed this exhibition. The figures on these paintings command your attention, either because of their gaze or the mysteriousness behind the scenes. They were like part of a dream or an old memory that transcends time. The subdued colours at first sight are in some paintings very vibrant, like the things or elements that appear in your dreams.

The artist uses timeless elements in her search for infinity. The enigmatic subjects and sensuality of most of the artworks on display, and the use of only black people on her paintings make them very contemporary, despite the references for her style are so classic.

En busca del infinito
Lynette Yiadom-Boakye
Vuela en liga con la noche
18 de noviembre de 2020-9 de mayo de 2021
Tate Britain, Londres, Reino Unido.

Me gustó ir a esta exposición de arte poco después de su inauguración en la Tate. Principalmente porque después de Navidad el Reino Unido quedó cerrado for el COVID-19 y todas las galerías de arte cerraron. Pero aún estás a tiempo de visitarla si estás en Londres porque la Tate Britain ya está abierta y esta exposición no cierra hasta el 31 de mayo.

La artista es Lynette Yiadom-Boakye, una pintora y escritora británica nacida en Londres en 1977 de padres ghaneses, y una de las pintoras más aclamadas en la actualidad. No es de extrañar, ya que ha tenido muchos años de formación académica. Aprendió a pintar en vivo y cambió su enfoque de la pintura en una etapa temprana, mientras estudiaba en Falmouth School of Art, en la costa de Cornualles. Yiadom-Boakye se dio cuenta de que estaba menos interesada en hacer retratos de personas y más en el acto de pintar en sí.

Yiadom-Boakye pinta personas de raza negra, en la técnica de pintura europea más tradicional: pintura al óleo sobre lienzo. Los pintores que admira son: Velázquez, Manet, Degas, Sickert. Y su alto grado de ejecución la ha llevado a ganar premios como el prestigioso Carnegie Prize en 2018, y a ser preseleccionada para el Turner Prize en 2013.

Yiadom-Boakye es conocida por sus enigmáticos retratos de personas ficticias que viven en mundos privados. Tanto familiares como misteriosos, invitan a los espectadores a proyectar sus propias interpretaciones y plantean importantes cuestiones de identidad y representación. Recientemente, mencionó en una entrevista que continua volviendo a la idea de “infinito”.

Se inspira en imágenes encontradas, recuerdos, literatura e historia de la pintura. Cada pintura es una exploración de un estado de ánimo, movimiento y pose diferente, elaborado en la superficie del lienzo. Entiendo por qué la artista dice que sus figuras no son personas reales, aunque parezca que su fuente de inspiración son personas de carne y hueso. Le gusta colocar el papel de la narrativa en el espectador y dejar que nuestra imaginación se libere cuando nos encontramos con sus obras, y eso no es lo que sucede cuando ves un retrato de alguien.

“Escribo sobre las cosas que no puedo pintar y pinto las cosas sobre las que no puedo escribir”.
Lynette Yiadom-Boakye

Escritora de prosa y poesía, además de pintora, la artista ve ambas formas de creatividad como separadas pero entrelazadas, y le da a sus pinturas títulos poéticos, que describe como “una marca de pincel adicional”. Sin embargo, ella no ve los títulos como una explicación o descripción, solo una forma de liberar nuestra imaginación.

Las dos integrantes de The art berries disfrutamos bastante de esta exposición. Las figuras de estas pinturas llaman tu atención, bien sea por cómo te miran o por el misterio detrás de cada escena. Son como parte de un sueño o un viejo recuerdo que trasciende el tiempo. Los colores tenues a primera vista son en algunas pinturas muy vibrantes, como las cosas o elementos que aparecen en los sueños.

La artista utiliza elementos atemporales en su búsqueda del infinito. Lo cual combinado con el misterio y la sensualidad de la mayoría de las obras de arte expuestas, y el uso únicamente de personas de raza negra en sus pinturas las hacen muy contemporáneas, a pesar de que las referencias de su estilo sean tan clásicas.