the art berries – The art berries

Fibrous structures

Magdalena Abakanowicz
Every tangle of threat and rope
21 May 2023
Tate Modern, London, UK

This is the last weekend of this art exhibition at Tate Modern. If you haven’t seen it and you haven’t got other plans for the weekend, I encourage you to go. So far, it’s been my favourite art show this year, and certainly an interesting experience getting to know the work of this artist.

Magdalena Abakanowicz (1930-2017) was a Polish sculpture and fiber artist, known for her use of textiles as sculptural medium. Today she’s highly regarded as one of Poland’s most internationally acclaimed artists. She was born to an aristocratic family and lived in the countryside during her childhood, until the Second World War and subsequently the communist regime reversed their life.

Luckily the forest of her childhood used as an inspiration for her artworks was quite neutral, so the censorship to her work was milder than for other artists. An early show of her work, however, was shut down by the authorities for not actively engaging with the building of socialism. Individual expression had to be in service of the common good at the time. On the other side, the state encouraged cooperation between designers, craftspeople and artisans, which was used by Abakanowicz in her advatange. She became the pioneer of fiber-based sculpture and installation in the 1960s.

Abakanowicz was a weaver of sculptures. But what she did was so radical that it keeps amazing us today. She took the conventional flat tapestry woven for thousands of years and remade it in three dimensions. Her weavings are huge works suspended from the ceiling of organic quality. The artist takes you in a journey that showcases her ideas about nature’s power and our place in it as human beings.

As you enter the art show, you’re presented to smaller works that give you an overview of her beginnings as an artist, including naturalistic abstraction, geometric compositions filled with organic forms, some in paper, other in canvas. Her early tapestries are big, sombre abstracts of brown, beige and tan wool. Some parts are ragged, others braided. The resemble old carpets worn and tattered by lot of use.

Abakanowicz saw fibre, “as the basic element constructing the organic world… the tissue of plants, leaves and ourselves, our nerves, our genetic codes… We are fibrous structures.” she said.

Soon she outgrew the idea of making rectangular works and let the tapestries take a freer form hanging from the ceiling. She started by making them with curved, perforated and wavy shapes. Her works hanging from the ceiling are fibrous, twisted, knotted, and have ropes dangling nearby or animal horns, so that they seem to take on a life of their own. Its material warmth and earthy organic scent is comforting to the viewer.

The central room showcases a collection of dark works as described above; it was like encountering nature in its most basic, original state with its strength and comforting power. As you move along the show you start coming across the human body deconstructed in pieces. You’ll be arrested by the depictions of the female body, of opened labia, the body’s orifices and protuberances, breasts, pregnant bellies and so on.

One of the difficulties facing critics of Abakanowicz’s work through the 1960s and 70s was how to place the varied and multiform things she made. Were her wall-hangings and suspended woven works art at all? Was it craft or “applied art” or “fibre art”? Was it sculpture? Critics called her a “painter at the looms”, and described her works as “carpet creatures”. They even received the name of Abakans, coming from her surname.

This art exhibition at the Tate Modern is like a primal experience. As you move through the artworks a forest seem to emerge around you. Some dark works of art seem to be branching out like trees, others tangled like vines, others are like trunks opened to protect you from a storm. An ancient forest, primal and mysterious – all created from wool develops around you. And subsequently, a deconstruction of the human body, only to remember us that we are part of nature. Let’s not forget that!

Estructuras fibrosas

Magdalena Abakanowicz
Every tangle of threat and rope
21 mayo 2023
Tate Modern, Londres, Reino Unido

Este es el último fin de semana de esta exposición de arte en la Tate Modern. Si no la has visto y no tienes otros planes para el fin de semana, te animo a que vayas. Hasta ahora, ha sido mi exhibición de arte favorita este año, y sin duda una experiencia interesante conocer el trabajo de esta artista.

Magdalena Abakanowicz (1930-2017) fue una artista polaca de escultura y fibra, conocida por su uso de textiles como medio escultórico. Hoy en día es considerada como una de las artistas polacas más aclamadas internacionalmente. Nació en una familia aristocrática y vivió en el campo durante su infancia, hasta que la Segunda Guerra Mundial y posteriormente el régimen comunista cambiaron su vida.

Afortunadamente, el bosque de su infancia que usó como inspiración para su arte fue bastante neutral, por lo que la censura a su trabajo fue más leve que para otros artistas. Sin embargo, las autoridades cerraron una muestra temprana de su trabajo por no participar activamente en la construcción del socialismo. La expresión individual tenía que estar al servicio del bien común de la época. Por otro lado, el estado fomentó la cooperación entre diseñadores y artesanos, lo que fue aprovechado por Abakanowicz en su beneficio. Se convirtió en pionera de la escultura e instalaciones a base de fibra en la década de 1960.

Abakanowicz era tejedora de esculturas. Pero lo que hizo fue tan radical que hoy nos sigue sorprendiendo. Tomó el tapiz plano convencional tejido durante miles de años y lo rehízo en tres dimensiones. Sus tejidos son obras gigantescas suspendidas del techo de calidad orgánica. La artista te lleva en un viaje que muestra sus ideas sobre el poder de la naturaleza y nuestro lugar en ella como seres humanos.

Al entrar en la exposición de arte, se presentan obras más pequeñas que te brindan una descripción general de sus inicios como artista, incluida la abstracción naturalista, composiciones geométricas llenas de formas orgánicas, algunas en papel, otras en lienzo. Sus primeros tapices son resúmenes grandes y sombríos de lana marrón, beige y canela. Algunas partes están rotas, otras trenzadas. Se parecen a alfombras viejas gastadas y rotas por mucho uso.

Abakanowicz veía la fibra, “como el elemento básico que construye el mundo orgánico… el tejido de las plantas, las hojas y nosotros mismos, nuestros nervios, nuestros códigos genéticos… Somos estructuras fibrosas” dijo ella.

Pronto superó la idea de hacer obras rectangulares y dejó que los tapices tomaran una forma más libre colgando del techo. Empezó haciéndolas con formas curvas, perforadas y onduladas. Sus obras colgadas del techo son fibrosas, retorcidas, anudadas y tienen cuerdas colgando cerca o cuernos de animales de manera que parecen cobrar vida propia. Su calidez material y olor orgánico terroso es reconfortante para el espectador.

La sala central exhibe una colección de obras oscuras como he descrito arriba; fue como encontrarse con la naturaleza en su estado primigenio con toda su fuerza y poder reconfortante. A medida que avanzas en la muestra, comienzas a encontrarte con el cuerpo humano deconstruido en pedazos. Te cautivarán las representaciones del cuerpo femenino, de los labios abiertos, los orificios y protuberancias del cuerpo, los senos, las barrigas de embarazo, etc.

Una de las dificultades que enfrentaron los críticos del trabajo de Abakanowicz durante las décadas de 1960 y 1970 fue cómo ubicar las cosas variadas y multiformes que hizo. ¿Sus tapices y tejidos suspendidos eran arte en absoluto? ¿O era artesanía o “arte aplicado” o “arte de la fibra”? ¿Era escultura? Los críticos la llamaron “pintora de los telares”, y describieron sus obras como “criaturas de alfombra” e incluso recibieron el nombre de Abakans, proveniente de su apellido.

Esta exposición de arte en la Tate Modern es como una experiencia primaria. A medida que avanzas por la muestra, parece que un bosque emerge a tu alrededor. Algunas obras de arte oscuras parecen ramificarse como árboles, otras se enredan como vides, otras son como troncos abiertos para protegerte de una tormenta. Un bosque antiguo, primitivo y misterioso, todo creado a partir de lana se despliega a tu alrededor. Y luego, una deconstrucción del cuerpo humano a continuación, solo para recordarnos que somos parte de la naturaleza. ¡No olvidemos eso!

A lost era

Soheila Sokhanvari
Rebel Rebel
Fri 7 Oct 2022—Sun 26 Feb 2023
The Curve, Barbican Centre, London, UK

We recently visited the Soheila Sokhanvari art exhibition at The Curve, one of the art galleries you can find at the Barbican Art Centre in London. I hadn’t been there for a while, so it was good rediscovering this space that counts on a wide cultural offer and is really warm to hang around in the winter months.

As you enter the exhibition and walk along the 90-metre gallery (light is dim and walls are hand-painted with Islamic geometric shapes), you start coming across the 27 small portraits of feminist icons from pre-revolutionary Iran, painted in the tradition of Persian miniature painting -in egg tempera onto calf vellum with a squirrel-hair brush.

The art show offers an intimate and disturbing experience, as it invites you to discover the lives of these women by getting close to the paintings and their colourful details, while you know that this is part of a lost era. They are made in a small size and are displayed without names or biographical info, just painted numbers, in dark frames against the green murals of geometric crystals.

The fashion style and the wall paper displayed on these paintings, as well as the fragmented mirror that stands at the beginning of the corridor made me think of the 1970s. Indeed, the exhibition title “Rebel Rebel” borrows from David Bowie’s 1974 cult pop song and pays tribute to the significant courage of these 27 female icons, who pursued their careers in a culture enamoured with Western style but not its freedoms.

These women include Roohangiz Saminejad, the first unveiled actress to appear in a Persian language film, who had to change her name and lived in anonymity and seclusion following the revolution; the controversial modernist poet Forough Farrokhzad; and the leading intellectual and writer Simin Dāneshvar, among many others. The title also serves as a lament to the fate of these women, after the Iranian Revolution of 1979 and the subsequent establishment of a conservative Islamic theocracy, left them with a stark choice: to renounce any role in public life, or be forced into exile. Hard decision faced not only by these women, but by many other individuals throughout the years since the revolution started.

The soundtrack that accompanies your exploration along the show was composed by Marios Aristopoulos, which weaves together songs by celebrated Iranian singers from the mid-20th century, including Ramesh and Googoosh – a poignant gesture given that it remains illegal for a woman’s voice to be broadcast in Iran. And at the end of it, a big and extravagant sculptural form made of mirror hanging from the ceiling and featuring internal projections drawn from classic Iranian cinema.

The feminist icons shown in this exhibition look so western that is almost hard to believe that we’re looking at Iranian women on these portraits. Nonetheless, it’s worth looking at these paintings, before you find out more about their lives -they can be appreciated in their glory before finding out their fates after the Islamic Revolution. A lot of artists from their generation chose to “repent” and continued to work with the regime and in line with its agendas. But, the majority of women portrait in this exhibition made a choice to stand by what they believed in, even if it meant they had to go behind closed doors and no longer be publicly active. For example, Simin Dāneshvar continued to write after the revolution and refused to cooperate with the regime each time they tried to use her in their propagandists agendas.

This exhibition comes timely as Iran’s current unrest make the headlines in the news all over the world. Forty-three years after the revolution, the situation for women in this country has only got worse. Several Iranians have been sentenced to death by execution during the nationwide protests, which were sparked by the death of 22-year-old Mahsa Amini after she was apprehended by the state’s morality police for allegedly not wearing her hijab properly. While it’s hard to believe the current regime will actually crumble following the current protests, a change is more than due, so fingers crossed for that.

Admission: Free.

Una época perdida

Soheila Sokhanvari
Rebelde rebelde
7 Oct 2022—26 Feb 2023
The Curve, Barbican Centre, Londres, Reino Unido.

Hace poco que visitamos esta exposición de arte de Soheila Sokhanvari en The Curve, una de las galerías de arte que puedes encontrar en el Barbican Art Centre de Londres. Hacía tiempo que no iba, así que fue bueno redescubrir este espacio, que cuenta con una amplia oferta cultural y es muy acogedor para los meses de invierno.

Al entrar en la exposición y caminar por la galería de 90 metros (la luz es tenue y las paredes están pintadas a mano con formas geométricas islámicas), empiezas a encontrarte con los 27 pequeños retratos de iconos feministas del Irán prerrevolucionario, pintados en la tradición de la pintura en miniatura persa -en temple al huevo sobre vitela de becerro con un pincel de pelo de ardilla.

La muestra de arte ofrece una experiencia íntima e inquietante, ya que invita a descubrir la vida de estas mujeres acercándose a las pinturas y sus coloridos detalles, sabiendo que todo es parte de una época perdida. Están hechos en un tamaño pequeño y se muestran sin nombres ni datos biográficos, solo números pintados, en marcos oscuros contra los murales verdes de cristales geométricos.

El estilo de moda y el papel de pared que se muestran en estas pinturas, así como el espejo fragmentado que se encuentra al comienzo del pasillo me hizo pensar en la década de 1970. De hecho, el título de la exposición “Rebel Rebel” toma prestado de la canción pop de culto de David Bowie de 1974 y rinde homenaje al valor significativo de estos 27 iconos femeninos, que siguieron sus carreras en una cultura enamorada del estilo occidental, pero no de sus libertades.

Estas mujeres incluyen a Roohangiz Saminejad, la primera actriz sin velo que apareció en una película en idioma persa, quien tuvo que cambiar su nombre y vivió en el anonimato y reclusión después de la revolución; la controvertida poeta modernista Forough Farrokhzad; y la destacada intelectual y escritora Simin Dāneshvar, entre muchos otras. El título también sirve como un lamento por el destino de estas mujeres, después de que la revolución iraní de 1979 y el posterior establecimiento de una teocracia islámica conservadora las dejaran con una dura elección: renunciar a cualquier papel en la vida pública o verse obligadas a exiliarse. Difícil decisión a la que se enfrentaron no sólo estas mujeres, sino muchos otros individuos a lo largo de los años desde que comenzó la revolución.

La banda sonora que acompaña tu exploración a lo largo de la muestra fue compuesta por Marios Aristopoulos, que entreteje canciones de célebres cantantes iraníes de mediados del siglo XX, incluidos Ramesh y Googoosh, un gesto conmovedor dado que sigue siendo ilegal que se transmita la voz de una mujer en Irán. Y al final, una gran y extravagante forma escultórica hecha de espejos colgados del techo y con proyecciones internas extraídas del cine iraní clásico.

Los íconos feministas que se muestran en esta exposición se ven tan occidentales que es casi difícil creer que estamos viendo mujeres iraníes en estos retratos. Sin embargo, vale la pena mirar estas pinturas antes de saber más sobre sus vidas, se pueden apreciar en su gloria antes de conocer su destino después de la Revolución Islámica. Muchas artistas de su generación optaron por “arrepentirse” y continuaron trabajando con el régimen y de acuerdo con sus agendas. Pero, la mayoría de las mujeres retratadas en esta exposición tomaron la decisión de defender lo que creían, incluso si eso significaba tener que ir a puertas cerradas y dejar de ser activas públicamente. Por ejemplo, Simin Dāneshvar continuó escribiendo después de la revolución y se negó a cooperar con el régimen cada vez que intentaron usarla en sus agendas propagandísticas.

Esta exposición es particularmente oportuna ahora que los disturbios en Irán ocupan los titulares de las noticias de todo el mundo. Cuarenta y tres años después de la revolución , la situación de las mujeres en este país no ha hecho más que empeorar. Varios iraníes han sido condenados a muerte por ejecución durante las protestas en todo el país, provocadas por la muerte de Mahsa Amini, de 22 años, después de que fuera detenida por la policía de moralidad del estado por presuntamente no llevar puesto el hiyab correctamente. Si bien es difícil creer que el régimen actual se derrumbe después de las protestas actuales, es más que necesario un cambio, así que crucemos los dedos para que ocurra.

Entrada: Libre.

Silver memories

Cornelia Parker
19 May 2022 – 16 October 2022
Tate Britain, London, UK

You cannot miss the art show of the season in London: Cornelia Parker at Tate Britain. The British conceptual artist is 65 and one of the most recognisable and acclaimed contemporary artists working today. Perhaps this exhibition was long time overdue.

From all her body of work my favourite pieces are her art installations. Poetic and mesmerising, they catch your imagination and invite you to reflection. The artist likes playing with concepts, using visual metaphors to investigate the nature of violence, ecology, national identity and human rights.

The art show opens with the enthralling “Thirty Pieces of Silver” (1988-89). Thirty groups of silverware hovering inches above the ground in darkness. Parker steamrollered them to take away their volume leaving them as flat as the Disney cartoons deaths of Roadrunner we used to watch when we were kids.

The artist talks about the anxiety she suffered when she made this artwork knowing her East London home was going to be demolished to make away for the M11 link road. Would have that contributed to the urge of destruction she suffered before creating this work? The name was taken from the Bible, as thirty was the number of coins Judas received for betraying Jesus. I really liked looking at these silverware pieces from a different perspective, completely flat hanging from the ceiling. They are like part of an old empire; a reminiscence of good old times we reverence now with nostalgia.

The next other big art installation present in this exhibition is “Cold Dark Matter: An Exploded View” (1991). A shed she exploded with the help of the British Army. Parker reconstructed it mid-boom as a frozen moment of vandalism. The shadows projected on the walls are as important as the work itself, as they contribute to the sensation of us being part of a bigger cosmos.

And again, flattened silver in another dim lit room full of suspended flattened trombones and trumpets with her work “Perpetual Cannon” (2004), all arranged in a circle like a ghost band in a different dimension.

Another art installation I found interesting for its originality was “War Room” (2015). A room covered with rolls of red paper with perforations where poppies had been punched out. The absence of the poppies is very meaningful because a lot of people went to the war and didn’t return home. This piece was made by Parker in response to an invitation to make a work about the I World War. The shape of the tent is inspired by the tent that Henri VIII did for a peace summit with the French king in 1520. The peace lasted only for one year. Not very succesful!

Then, the art show includes multiple works used by the artist to tell stories about things that matter to her, not exempt of irony. Among them the marks left by workmen pointing the perimeter walls of Pentonville prison, photographed by Parker, look like an abstract painting. They were all painted white soon after, and a few hours later, a murdered escaped from the prison after scaling the walls. Or the black and white pictures taken with a camera that once belonged to Auschwitz commander Rudolf Höss.

Parker’s work is also an art of collaborations, such as with the embroidery of the Wikipedia entry on the Magna Carta, whose lettering has been sewn by prisoners and professional embroiderers, including Edward Snowden and Julian Assange.

Despite the certain artificiality or excessive logic applied to her work, I like the way in which she constructs and deconstructs, destroys and remakes the objects and the environment that surround us, making us think about further meanings and associations that connect us all in the universe.

Recuerdos de plata

Cornelia Parker
19 mayo 2022 – 16 octubre 2022
Tate Britain, Londres, Reino Unido

No te puedes perder la muestra de arte de la temporada en Londres: Cornelia Parker en Tate Britain. La artista conceptual británica tiene 65 años y es una de los artistas contemporáneas más reconocibles y aclamadas de la actualidad. Tal vez esta exposición se retrasó mucho tiempo.

De todo su trabajo mis obras favoritas son sus instalaciones de arte; poéticas e hipnotizantes, atrapan tu imaginación y te invitan a la reflexión. A la artista le gusta jugar con conceptos, utilizando metáforas visuales para investigar la naturaleza de la violencia, la ecología, la identidad nacional y los derechos humanos.

La exposición comienza con la fascinante obra “Treinta piezas de plata” (1988-89). Treinta grupos de vajilla plateada flotando a centímetros del suelo en la oscuridad. Parker los aplastó para quitarles el volumen dejándolos tan planos como las muertes del Correcaminos de los dibujos animados de Disney que solíamos ver cuando éramos niños.

La artista habla de la ansiedad que sufrió cuando hizo esta instalación de arte sabiendo que su casa del este de Londres iba a ser demolida para dar paso a la carretera de enlace M11. ¿Contribuiría eso a la urgencia de destrucción que sufrió antes de crear este trabajo? El nombre de la obra fue tomado de la Biblia, ya que treinta era el número de monedas que recibió Judas por traicionar a Jesús. Me gustó mucho mirar estas piezas de platería desde una perspectiva diferente, completamente planas colgando del techo. Son como parte de un antiguo imperio; una reminiscencia de los buenos tiempos que ahora recordamos con nostalgia.

La siguiente gran instalación de arte presente en esta exposición es “Cold Dark Matter: An Exploded View” (1991). Un cobertizo que explotó con la ayuda del ejército británico. Parker lo reconstruyó a mitad de la explosión como un momento congelado de vandalismo. Las sombras proyectadas en las paredes son tan importantes como la obra misma, ya que contribuyen a la sensación de que somos parte de un cosmos mayor.

Y de nuevo, plata aplastada en otra habitación tenuemente iluminada llena de trombones y trompetas aplastados suspendidos con su obra “Perpetual Cannon” (2004), todos dispuestos en círculo como una banda fantasma en una dimensión diferente.

Otra instalación de arte que encontré interesante por su originalidad fue “War Room” (2015). Una habitación cubierta con rollos de papel rojo con perforaciones donde se habían troquelado amapolas. La ausencia de las amapolas es muy significativa por toda la gente que fue a la guerra y no volvió a casa. Esta pieza fue realizada por Parker en respuesta a una invitación para realizar un trabajo sobre la I Guerra Mundial. La forma de la carpa está inspirada en la carpa que hizo Enrique VIII para una cumbre de paz con el rey francés en 1520. La paz duró solo un año. ¡No muy exitosa!

Luego, la muestra de arte incluye múltiples obras utilizadas por la artista para contar historias sobre cosas que le importan, no exentas de ironía. Entre ellas, las marcas dejadas por los obreros señalando los muros perimetrales de la prisión de Pentonville, fotografiadas por Parker, parecen una pintura abstracta. Todas fueron pintadas de blanco después, y unas horas más tarde, un asesinado escapó de la prisión tras escalar los muros. O las fotografías en blanco y negro tomadas con una cámara que una vez perteneció al comandante de Auschwitz Rudolf Höss.

El trabajo de Parker también es un arte de colaboraciones, como con el bordado de la entrada de Wikipedia en la Carta Magna, cuyas letras han sido cosidas por prisioneros y bordadores profesionales, incluyendo Edward Snowden y Julian Assange.

A pesar de cierta artificialidad o excesiva lógica aplicada a su trabajo, me gusta la forma en que construye y deconstruye, destruye y rehace los objetos y el entorno que nos rodea, haciéndonos pensar en significados y asociaciones adicionales que nos conectan a todos nosotros en el universo.

The art blueberry with Cornelia Parker’s *Thirty Pieces of Silver*

The art blueberry in Cornelia Parker’s *War Room*

Contained horizons

Ugo Rondinone
a sky . a sea . distant mountains . horses . spring .
12 April – 22 May 2021
Sadie Coles, London, UK

The last art exhibition I saw that resonated with me was Ugo Rondinone’s at Sadie Coles this spring. I know it’s been been more than two months since I saw this show, but I hope you find his artworks as visually and conceptually exciting as I did.

Ugo Rondinone (born 1964) is a Swiss-born mixed-media artist based in New York. He studied at Hochschule für Angewandte Kunst, Vienna (1986-90), and has exhibited widely internationally. He’s particularly known for his temporary, large-scale land art sculptures such as Seven Magic Mountains (2016–2021), with its seven fluorescently-painted totems of large, car-size stones stacked 32 feet (9.8 m) high.

For this art exhibition I’m covering here, he showed a new version of Seven Magic Mountains at Davies Street (one of the venues at Sadie Coles), but in two dimensions. Each shaped canvas representing a painted rock stacked on top of each other and arranged vertically as you can see below.

I liked the reinvention of the totem with these paintings, but the artworks that I mostly enjoyed were the ones displayed at Kingly Street (Sadie Coles HQ venue), where Rondinone presented fifteen horses cast from blue glass. You could appreciate how they had been bisected horizontally to suggest a seascape or landscape into the boundaries of a body in order to imply a microcosmic world, while reversing the traditional formula of a body in a landscape. By multiplying the concept across fifteen foal-sized sculptures, he also created a landscape of repeated forms, to somehow close the circle.

The artist embodies ideas of space, time and nature with the horse sculptures that have recurred throughout his work over the time. Each object suggests a compound of the four elements – water, air, earth (connoted by the body of the horse), and fire, crystallised in the substance of the fired glass.

And finally, at the back of the gallery in a smaller room we could see the conjunction of see and sky in a big canvas, in which the sun is depicted beyond a horizontal line. As an echo of previous works he combined horizontal lines and suns of concentric circles. Rondinone’s framed it as a mental space that I dared to enter for the sake of the pictures below. I do hope that you enjoy the artworks and my interaction with them!

Horizontes contenidos
Ugo Rondinone
un cielo. un mar . montañas distantes. caballos . primavera .
12 de abril – 22 de mayo de 2021
Sadie Coles, Londres, Reino Unido

La última exposición de arte que vi que conectó conmigo fue la de Ugo Rondinone en Sadie Coles esta primavera. Sé que han pasado más de dos meses desde que la vi, pero espero que encuentres sus obras de arte tan visual y conceptualmente interesantes como yo.

Ugo Rondinone (nacido en 1964) es un artista de técnica mixta nacido en Suiza que vive en Nueva York. Estudió en la Hochschule für Angewandte Kunst de Viena (1986-90), y ha expuesto ampliamente a escala internacional. Es particularmente conocido por sus esculturas de ‘land art’ temporales y a gran escala como ‘Seven Magic Mountains’ (2016-2021), formada con siete tótems de piedras grandes del tamaño de un automóvil pintadas con colores fluor y apiladas a 32 pies (9,8 m) de altura.

Para la exposición de arte que cubro aquí, mostró una nueva versión de ‘Seven Magic Mountains’ en Davies Street (una de las galerías de Sadie Coles), pero en dos dimensiones. Cada lienzo de puntas redondas representa una roca pintada y apilada encima de la otra; todas dispuestas verticalmente como puedes ver a continuación.

Me gustó la reinvención del tótem con estas pinturas, pero las obras de arte que más me gustaron en esta muestra fueron las que se exhibieron en Kingly Street (galería principal de Sadie Coles HQ), donde Rondinone presentó quince caballos moldeados en vidrio azul. Cada escultura era un poco más pequeña que el tamaño real de un caballo y estaba formada por dos tonos distintos de azul transparente. Se podía apreciar cómo se habían dividido horizontalmente para sugerir un paisaje marino en los límites de un cuerpo con el fin de implicar un mundo microcósmico, mientras se invierte la fórmula tradicional de un cuerpo en un paisaje. Al multiplicar el concepto en quince esculturas del tamaño de un potrillo, también crea un paisaje de formas repetidas, para cerrar de alguna manera el círculo.

El artista encarna las ideas del espacio, el tiempo y la naturaleza con las esculturas de caballos que se han repetido a lo largo de su obra durante décadas. Cada objeto sugiere un compuesto de los cuatro elementos: agua, aire, tierra (connotada por el cuerpo del caballo) y fuego, cristalizados en la sustancia del vidrio cocido.

Y finalmente, al fondo de la galería en una sala más pequeña pudimos ver la conjunción de mar y cielo en un gran lienzo, en el que se representa al sol más allá de una línea horizontal. Como eco de trabajos anteriores combinó líneas horizontales y soles de círculos concéntricos. Rondinone lo enmarcó como un espacio mental en el que me atreví a entrar para tomar las imágenes que te muestro a continuación. ¡Espero que disfrutes de las obras de arte y de mi interacción con las mismas!

Photos taken at Davies Street (Sadie Coles) below.

Photos taken at Kingly Street (Sadie Coles) below.

In search of infinity

Lynette Yiadom-Boakye
Fly in league with the night
18 November 2020 – 31 May 2021
Tate Britain, London, UK.

I was pleased to go to this art exhibition soon after it opened at Tate. Mainly because after Christmas the UK went in lockdown for COVID-19 and all art galleries closed. But, you are still in time to visit it if you’re in London because Tate Britain is now open and this show is on until the 31st May.

The artist is Lynette Yiadom-Boakye, a British painter and writer born in London in 1977 to Ghanaian parents, and one of the most aclaimed painters working today. Not surprisingly, as she’s had many years of academic training. She learned to paint from life and changed her approach to painting at an early stage, while studying at Falmouth School of Art, on the Cornish coast. Yiadom-Boakye realised she was less interested in making portraits of people and more in the act of painting itself.

Yiadom-Boakye paints black people, in the most traditional European art form: oil painting on canvas. The painters she admires include: Velázquez, Manet, Degas, Sickert. And her high level of execution has led her to win prizes such as the prestigious Carnegie Prize in 2018, and to be shortlisted for the Turner Prize in 2013.

Yiadom-Boakye is well-know for her enigmatic portraits of fictitious people, who live in private worlds. Both familiar and mysterious, they invite viewers to project their own interpretations, and raise important questions of identity and representation. She mentioned in an interview recently that she keeps coming back to the idea of “infinity”.

She takes inspiration from found images, memories, literature and the history of painting. Each painting is an exploration of a different mood, movement and pose, worked out on the surface of the canvas. I see why the artist says her figures aren’t real people, although her source of inspiration seems to be real people. She likes to place the role of narrative in the viewer, and let our imaginations go free when we encounter her works, and that’s not what happens when you see a portrait of someone.

“I write about the things I can’t paint and paint the things I can’t write about.”
Lynette Yiadom-Boakye

A writer of prose and poetry as well as a painter, the artist sees both forms of creativity as separate but intertwined, and gives her paintings poetic titles, which she describes as as ‘an extra brush-mark’. However she doesn’t see the titles as an explanation or description, just a way to release our imagination.

We both of The art berries enjoyed this exhibition. The figures on these paintings command your attention, either because of their gaze or the mysteriousness behind the scenes. They were like part of a dream or an old memory that transcends time. The subdued colours at first sight are in some paintings very vibrant, like the things or elements that appear in your dreams.

The artist uses timeless elements in her search for infinity. The enigmatic subjects and sensuality of most of the artworks on display, and the use of only black people on her paintings make them very contemporary, despite the references for her style are so classic.

En busca del infinito
Lynette Yiadom-Boakye
Vuela en liga con la noche
18 de noviembre de 2020-9 de mayo de 2021
Tate Britain, Londres, Reino Unido.

Me gustó ir a esta exposición de arte poco después de su inauguración en la Tate. Principalmente porque después de Navidad el Reino Unido quedó cerrado for el COVID-19 y todas las galerías de arte cerraron. Pero aún estás a tiempo de visitarla si estás en Londres porque la Tate Britain ya está abierta y esta exposición no cierra hasta el 31 de mayo.

La artista es Lynette Yiadom-Boakye, una pintora y escritora británica nacida en Londres en 1977 de padres ghaneses, y una de las pintoras más aclamadas en la actualidad. No es de extrañar, ya que ha tenido muchos años de formación académica. Aprendió a pintar en vivo y cambió su enfoque de la pintura en una etapa temprana, mientras estudiaba en Falmouth School of Art, en la costa de Cornualles. Yiadom-Boakye se dio cuenta de que estaba menos interesada en hacer retratos de personas y más en el acto de pintar en sí.

Yiadom-Boakye pinta personas de raza negra, en la técnica de pintura europea más tradicional: pintura al óleo sobre lienzo. Los pintores que admira son: Velázquez, Manet, Degas, Sickert. Y su alto grado de ejecución la ha llevado a ganar premios como el prestigioso Carnegie Prize en 2018, y a ser preseleccionada para el Turner Prize en 2013.

Yiadom-Boakye es conocida por sus enigmáticos retratos de personas ficticias que viven en mundos privados. Tanto familiares como misteriosos, invitan a los espectadores a proyectar sus propias interpretaciones y plantean importantes cuestiones de identidad y representación. Recientemente, mencionó en una entrevista que continua volviendo a la idea de “infinito”.

Se inspira en imágenes encontradas, recuerdos, literatura e historia de la pintura. Cada pintura es una exploración de un estado de ánimo, movimiento y pose diferente, elaborado en la superficie del lienzo. Entiendo por qué la artista dice que sus figuras no son personas reales, aunque parezca que su fuente de inspiración son personas de carne y hueso. Le gusta colocar el papel de la narrativa en el espectador y dejar que nuestra imaginación se libere cuando nos encontramos con sus obras, y eso no es lo que sucede cuando ves un retrato de alguien.

“Escribo sobre las cosas que no puedo pintar y pinto las cosas sobre las que no puedo escribir”.
Lynette Yiadom-Boakye

Escritora de prosa y poesía, además de pintora, la artista ve ambas formas de creatividad como separadas pero entrelazadas, y le da a sus pinturas títulos poéticos, que describe como “una marca de pincel adicional”. Sin embargo, ella no ve los títulos como una explicación o descripción, solo una forma de liberar nuestra imaginación.

Las dos integrantes de The art berries disfrutamos bastante de esta exposición. Las figuras de estas pinturas llaman tu atención, bien sea por cómo te miran o por el misterio detrás de cada escena. Son como parte de un sueño o un viejo recuerdo que trasciende el tiempo. Los colores tenues a primera vista son en algunas pinturas muy vibrantes, como las cosas o elementos que aparecen en los sueños.

La artista utiliza elementos atemporales en su búsqueda del infinito. Lo cual combinado con el misterio y la sensualidad de la mayoría de las obras de arte expuestas, y el uso únicamente de personas de raza negra en sus pinturas las hacen muy contemporáneas, a pesar de que las referencias de su estilo sean tan clásicas.

An expert in the art of repetition

Andy Warhol
12 March – 15 November (Extended)
Tate Modern, London, UK

This post is long overdue. But, Covid-19 has transformed our lives in unimaginable ways. Galleries have been closed for a few months and finally they can be visited only by appointment here in London. So, I’m back to tell you about the last exhibition I’ve seen in months: Andy Warhol at Tate Modern. The show has been extended until the 15th November, so you’re still in time to see it.

I’m not the biggest fan of pop art, but Warhol is an American icon that cannot be missed. The art show features some of his iconic paintings, the work that made him famous as a pop artist (a term he hated apparently) including Coca-Cola bottles, 50 Marilyn Monroe portraits (1962), 168 pairs of Marilyn’s lips (see a picture of The art berries featuring this artwork below), Elvis I and II 1963/1964, Pink Race Riot 1964, a woman falling from a building 35 times, 10 Brillo boxes in a corner, 100 Campbell soup cans, 112 bottles of Coke and Marlon Brando twice, etc. Warhol was an expert in the art of repetition. “I want to be a machine” he said. Hence, his obsession with repetition, which in my opinion enhances the artwork instead of making it dull.

Warhol’s sexuality seems to be an important theme in this exhibition. Beginning with a selection of his early line drawings of men from the 1950s, counting on the film Sleep 1963, which documents Warhol’s lover, the poet John Giorno – and featuring large-scale paintings like his 1975 Ladies and Gentlemen series, not shown in the UK before. They depict anonymous Black and Latinx drag queens and trans women from New York, including iconic performer and activist, Marsha P. Johnson, a prominent figure in the Stonewall uprising of 1969 – a series of spontaneous, violent demonstrations by members of the LGBT community in response to a police raid. The exhibition looks at how Warhol’s attempt to bring the stars of the underground into the mainstream.

However, one of my favourite works in this exhibition was right at the end of the art show: Leonardo da Vinci’s Last Supper. Silkscreened from a reproduction, it’s repeated 60 times across a panoramic canvas in black and white (see image below). It turns Leonardo’s masterpiece in a static film-strip by the use of repetition. And it’s some kind of homage to Luis Buñuel’s film, Viridiana.

The art show tell us about his experiences as a child of working-class immigrants, a gay man, a devout Catholic and the target of a bizarre shooting by one of his groupies, to help us understand the evolution of his art. His innovative and unique approach to art in an age of immense political, social and technological change has been recognised by the art world ever since.

Experto en el arte de la repetición
Andy Warhol
12 de marzo – 15 de noviembre (ampliada)
Tate Modern, Londres, Reino Unido

Hace tiempo que quería poner un post. Pero, Covid-19 ha transformado nuestras vidas de formas inimaginables. Las galerías han estado cerradas durante unos meses y ya se pueden visitar con cita previa aquí en Londres. Así que, estoy de vuelta para contaros sobre la última exposición que he visto en meses: Andy Warhol en Tate Modern. La exposición ha sido extendida hasta el 15 de noviembre, por lo que aún estás a tiempo de verla.

No soy la mayor fan del pop art, pero Warhol es un ícono estadounidense que no te puedes perder. La muestra de arte presenta algunas de sus pinturas más icónicas, el trabajo que le hizo famoso como artista pop (un término que aparentemente odiaba) incluyendo botellas de Coca-Cola, 50 retratos de Marilyn Monroe (1962), 168 pares de labios de Marilyn (ver una imagen de The art berries con esta obra de arte a continuación), Elvis I y II 1963/1964, Pink Race Riot 1964, una mujer que se cae de un edificio 35 veces, 10 cajas de Brillo en una esquina, 100 latas de sopa Campbell, 112 botellas de Coca-Cola y Marlon Brando dos veces, etc. Warhol era un experto en el arte de la repetición. “Quiero ser una máquina”, dijo. De ahí su obsesión por la repetición, realzando la obra de arte en lugar de volverla aburrida.

La sexualidad de Warhol parece ser un tema importante en esta exposición. Comenzando con una selección de sus primeros dibujos lineales de hombres de la década de 1950, contando con la película Sleep 1963 – que documenta al amante de Warhol, el poeta John Giorno – y presentando pinturas de gran formato como su serie Ladies and Gentlemen de 1975, no mostrada en el Reino Unido antes. Representan drag queens y mujeres trans negras y latinas anónimas de Nueva York, incluida la artista y activista icónica, Marsha P. Johnson, una figura prominente en el levantamiento de Stonewall de 1969 – una serie de manifestaciones espontáneas y violentas de miembros de la LGBT comunidad en respuesta a una redada policial. La exposición analiza el interés de Warhol por llevar a las estrellas del underground a la corriente principal.

Sin embargo, una de mis obras favoritas de esta exposición estaba justo al final de la muestra de arte: La Última Cena de Leonardo da Vinci. Serigrafiada a partir de una reproducción, se repite 60 veces en un lienzo panorámico en blanco y negro. Convierte la obra maestra de Leonardo en una tira de película estática mediante el uso de la repetición. Es una especie de homenaje a la película de Luis Buñuel, Viridiana.

La exposición nos cuenta sus experiencias como hijo de inmigrantes de clase trabajadora, hombre gay, católico devoto y blanco de un extraño tiroteo por parte de una de sus groupies, para ayudarnos a comprender la evolución de su arte. Su enfoque innovador y único del arte en una época de inmenso cambio político, social y tecnológico ha sido reconocido por el mundo del arte desde entonces.

Changing perceptions

Olafur Eliasson
In real life
11 July 2019 – 5 January 2020
Tate Modern, London, UK

This was a very popular art exhibition at the Tate Modern in London last summer and autumn and, although I couldn’t find the time to write about it while it was on, I believe that Olafur Eliasson is one of the best artists working nowadays, so I wouldn’t like to miss it here.

As we went into the exhibition space, the first room we entered was a model room. In dim light, he presented around 450 models, prototypes and geometric studies behind a glass. All of them are a record of his work with a studio team and with Icelandic artist, mathematician and architect Einar Thorsteinn (1942-2015). Some of these shapes can be recognised on Eliasson’s sculptures and pavilions. I was mesmerised by the different shapes, textures and materials employed by the artist here. Among the materias on display were paper, wood, rubber balls, Lego and wire. I would’ve liked to shrink and immerse myself in this magical landscape! See a small view of the models below.

The following room displayed his earliest works. Here, it can be appreciated the interest of the artist in nature and the weather. My favourite piece in this room was “Moss wall” (1994), a huge abstract work made of Scandinavian reindeer lichen that served to bring an unexpected material from nature into the space of the gallery. The texture and colour of this work captivated me and kept me staring at it for some time; there was so much detail to appreciate from it! It was like going back to nature, but within a sheltered space.

Then, we could see the use the artist does of kaleidoscopes, which he’s been making since the mid-1990s. For Eliasson this is not just a playful toy, but also as a way to reconfigure what you see. He merges inside and outside space and dissolves the boundary between the gallery and the outside world. The art blackberry can be seen in a worship position underneath one of them.

As we continued watching the art exhibition, we came across his glacial works. Visiting Iceland in his childhood made the artist very close to the global warming plight after seeing its glaciers melt in first hand. He documented this with a series of photographs he started taking in 1999 and finished in 2019, twenty years later. The changes in the landscape can be clearly appreciated.

In addition, there were other references to the changing environment like in “Glacial currents” (2018), where pieces of glacial ice were placed on top of washes of colour pigment (see image below) or in a bronze cast from 2019 called “The presence of absence pavilion”, which makes visible the empty space left by a glacial ice chunk after melting away. An Australian friend collaborate with us as a Guest berry in these photos and her hand can be seen through this artwork below.

Finally, another one of Eliasson’s projects around this subject was “Ice Watch”, staged in front of Tate Modern in 2018 and consisting of ice blocks brought from Greenland to offer a direct experience of seeing the ice from the Artic melt. The ice was fished out of a fjord in Greenland after becoming detached from the ice sheet. As a result of global warming more icebergs are produced causing the sea levels to rise.

Olafur Eliasson is a Danish-Icelendic artist, whose body of work includes sculptures, large-scale installations, photography and paintings. He uses all sort of materials ranging from moss, glacial melt-water, light, fog and even air temperature to enhance the viewer’s experience. His main interests revolve around nature, geometry and his ongoing investigations into how we perceive, feel and shape the world around us. Hence, the audiences experience at his art shows are so much at the centre of attention of his art.

Ultimately, he believes that art can have a strong impact on the world outside the museum, and I personally agree with this view. In fact, Eliasson runs a studio in Berlin with technicians, architects, archivists, art historians, designers, filmmakers, cooks, and administrators, and he collaborates with all sort of professionals to work in matters such as sustainable energy or climate change. As an artist he’s got a strong will to change perceptions towards the environment and to achieve a more sustainable planet, and if more people had the same concerns, the world would be a better place to live in.

Cambiando percepciones

Olafur Eliasson
En la vida real
11 de julio de 2019 – 5 de enero de 2020
Tate Modern, Londres, Reino Unido.

Esta fue una exposición de arte muy popular en la Tate Modern de Londres el verano y otoño pasados y, aunque no encontré tiempo para escribir sobre ella mientras estaba abierta, creo que Olafur Eliasson es uno de los mejores artistas trabajando hoy día, así que no quiero dejar de cubrirla aquí.

Cuando entramos en la exposición, la primera sala con la que nos topamos fue una sala de maquetas. Con poca luz, se presentaban alrededor de 450 maquetas, prototipos y estudios geométricos detrás de un vidrio. Todas ellas son un registro de su trabajo con un equipo de su estudio y con el artista, matemático y arquitecto islandés Einar Thorsteinn (1942-2015). Algunas de estas formas se pueden reconocer en las esculturas e instalaciones de Eliasson. Me quedé fascinada con las diferentes formas, texturas y materiales empleados por el artista. Entre los materiales había papel, madera, bolas de goma, Lego y alambre. Me hubiera gustado encogerme para sumergirme en este paisaje mágico! Puedes ver una pequeña imagen de las maquetas debajo.

La siguiente sala exhibió sus primeros trabajos. Aquí, se reflejaba el interés del artista en la naturaleza y el clima. Mi pieza favorita en esta sala fue “Moss wall” (1994), una gran obra abstracta hecha de liquen de reno escandinavo que sirvió para llevar un material inesperado de la naturaleza al espacio de la galería. La textura y el color de este trabajo me cautivaron y me mantuvieron mirándolo por algún tiempo; ¡había tantos detalles que apreciar! Era como volver a la naturaleza, pero dentro de un espacio protegido.

Más adelante pudimos ver el uso que el artista hace de los caleidoscopios, que ha estado haciendo desde mediados de la década de 1990. Para Eliasson, este no es solo un juguete lúdico, sino también una forma de reconfigurar lo que ves. Fusiona el espacio interior y exterior y disuelve el límite entre la galería y el mundo exterior. The art blackberry se puede ver en una posición de adoración debajo de uno de ellos a continuación.

A medida que avanzamos por la exposición de arte, nos encontramos con sus obras glaciales. Visitar Islandia en su infancia hizo que el artista se acercara mucho a la difícil situación del calentamiento global después de ver cómo se derritieron sus glaciares de primera mano. Lo documentó con una serie de fotografías que comenzó a tomar en 1999 y terminó en 2019, veinte años después. Los cambios en el paisaje se pueden apreciar claramente.

Además, hubo otras referencias al entorno cambiante como en “Corrientes glaciales” (2018), donde se colocaron trozos de hielo glacial sobre lavados de pigmento de color (ver imagen a continuación) o en un molde de bronce de 2019 llamado “The presencia del pabellón de ausencia ”, que hace visible el espacio vacío dejado por un trozo de hielo glacial después de derretirse. Una amiga australiana visitando Londres colabora con nosotras como Guest berry y puede verse su mano a través de esta obra abajo.

Finalmente, otro de los proyectos de Eliasson en torno a este tema fue “Ice Watch”, organizado frente a Tate Modern en 2018 y consistente en bloques de hielo traídos de Groenlandia para ofrecer una experiencia directa de ver el deshielo del Artico. El hielo fue sacado de un fiordo en Groenlandia después de separarse de la capa de hielo. Como resultado del calentamiento global, se producen más icebergs que provocan el aumento del nivel del mar.

Olafur Eliasson es un artista danés-islandés, cuyo trabajo incluye esculturas, instalaciones a gran escala, fotografía y pinturas. Utiliza todo tipo de materiales, desde musgo, agua de deshielo glacial, luz, niebla e incluso temperatura del aire para mejorar la experiencia del espectador. Sus principales intereses giran en torno a la naturaleza, la geometría y sus continuas investigaciones sobre cómo percibimos, sentimos y damos forma al mundo que nos rodea. Por lo tanto, la experiencia del público en sus exposiciones de arte está en el centro de atención de su arte.

Finalmente, él cree que el arte puede tener un fuerte impacto en el mundo fuera del museo, y personalmente estoy de acuerdo con esta opinión. De hecho, Eliasson dirige un estudio en Berlín con técnicos, arquitectos, archiveros, historiadores del arte, diseñadores, cineastas, cocineros y administradores, y colabora con todo tipo de profesionales para trabajar en asuntos como la energía sostenible o el cambio climático. Como artista, tiene una gran voluntad de cambiar las percepciones sobre el medio ambiente y lograr un planeta más sostenible, y si más personas tuvieran las mismas preocupaciones, el mundo sería un lugar mejor para vivir.

Marvellous evocative sculptures

Cy Twombly
Sculpture
30 September – 21 December, 2019
Gagosian, Grosvenor Hill, London

This is a past art exhibition there was at the Gagosian art gallery in London at the end of last year. I’d like to talk about it here because I didn’t have the time to do it while it was on and I really like this artist.

As we came into the gallery, we were surrounded by multiple sculpture pieces spread all over the two main gallery spaces. Many of Twombly’s sculptures are coated in white paint and are evocative of classical sculptures, where white is his “marble”. Some of them allude to architecture, geometry, and Egyptian and Mesopotamian statuary, as in the rectangular pedestals and circular structures.

Twombly made these sculptures on show out of found materials such as plaster, wood and iron. They are mostly modest in scale and can be easily associated to his paintings. The white paint over these materials gives them a very interesting texture that even tempted me to touch them.

As well as his paintings, the sculptures evoke narratives from antiquity and fragments of literature and poetry. However, as the artist said in an interview with David Sylvester for his exhibition at Kunstmuseum Basel in 2000, the demands of making sculpture were very different from those of painting. “[Sculpture is] a whole other state. And it’s a building thing. Whereas the painting is more fusing—fusing of ideas, fusing of feelings, fusing projected on atmosphere.” It seems to me that he envisioned sculpture more like a LEGO figure, whereas painting was more like a recipe in which you mix different ingredients to create a new dish.

Apart from the white sculptures, we came across others colours. A few of the sculptures were pink and we found that it was the perfect tone of pink for my colleague, The art blackberry, to interact with the artworks because she was wearing a coat with the same pink. The aesthetical qualities of these pictures can be appreciated below.

I hope we get to see a new art show on Cy Twombly’s painting or sculpture soon. I enjoyed looking at his sculptures, but I always enjoy his paintings more because they have more readings to me. But, of course, this is a personal preference you may not agree with. The last Twombly’s art show I really enjoyed was back in 2011 at the Dulwich Picture Gallery, where he was exhibited alongside Poussin, an artist deeply admired by him.

Maravillosas esculturas evocadoras

Cy Twombly
Escultura
30 de septiembre – 21 de diciembre de 2019
Gagosian, Grosvenor Hill, Londres

Esta es una exposición de arte pasada que hubo en la galería Gagosian en Londres a finales del año pasado. Me gustaría hablar sobre ella aquí, porque no tuve tiempo de hacerlo mientras estaba abierta, y me gusta este artista.

Según entramos en la galería, nos sentimos rodeadas de múltiples piezas de escultura repartidas por los dos espacios principales de la galería. Muchas de las esculturas de Twombly están recubiertas de pintura blanca, y evocan esculturas clásicas donde el blanco es su “mármol”. Algunas de ellas aluden a la arquitectura, la geometría y las estatuas egipcias y mesopotámicas, como en los pedestales rectangulares y las estructuras circulares.

Twombly hizo estas esculturas en exposición con materiales encontrados como yeso, madera y hierro. En su mayoría son de escala modesta y se pueden asociar fácilmente a sus pinturas. La pintura blanca sobre estos materiales les da una textura muy interesante que parece invitarnos a tocarlas.

Además de sus pinturas, las esculturas evocan narrativas de la antigüedad y fragmentos de literatura y poesía. Sin embargo, como dijo el artista en una entrevista con David Sylvester para su exposición en el Kunstmuseum Basel en 2000, las demandas de hacer esculturas eran muy diferentes de las de la pintura. “[La escultura es] un estado completamente diferente. Tiene que ver con construcción. Mientras que la pintura se fusiona más: fusión de ideas, fusión de sentimientos, fusión proyectada en la atmósfera “. Parece que imaginó la escultura más como una figura de LEGO, mientras que la pintura era más como una receta donde se mezclan diferentes ingredientes para crear un nuevo plato.

Además de las esculturas blancas, encontramos otros colores. Algunas de las esculturas eran de color rosa y descubrimos que era el tono rosado perfecto para mi colega, The art blackberry, para interactuar con las obras de arte porque llevaba un abrigo del mismo color rosa. Las cualidades estéticas de estas imágenes se pueden apreciar a continuación.

Espero que podamos ver una nueva muestra de arte de pintura o escultura de Cy Twombly pronto. Disfruté viendo sus esculturas, pero siempre disfruto más de sus pinturas porque tienen más lecturas para mí. Por supuesto, esto es una preferencia personal con la que puedes no estar de acuerdo. La última muestra de arte de Twombly que realmente disfruté fue en 2011 en la Dulwich Picture Gallery, donde fue expuesto junto a Poussin, un artista profundamente admirado por Twombly.

Looking for the real self

Doug Aitken
Return to the Real
2 October – 20 December 2019
Victoria Miro I, London, UK

Back to the art world and back on form. Not to say that I haven’t seen art exhibitions since my last post, but I’ve been busy with other things and I couldn’t find the time to post. Apologies to my readers. Here I am again and hopefully back on track every other week.

One of the last exhibitions seen by The art berries was “Return to the Real” by Doug Aitken, which I found interesting from both an aesthetic and an spiritual perspective.

As you enter the art show, the space downstairs is a dark room where you can see a translucent young woman resting on a table with her mobile phone out of reach and other elements with the same shiny appearance. Her groceries still on the plastic bag next to her. She hasn’t had a chance to put them in place. She’s surrounded by light boxes, illuminated dreamscapes, swimming pools, aeroplanes images, unmade white lovely beds and all sort of references to the life we lead in the contemporary world. A world dominated by technology that keep us distracted with images of how to scape from our daily routine and travel far away. Perhaps for just a week, maximum a month, but enough to keep us working towards that goal. Will our heroine find herself amid all these?

The response could lie upstairs. When you climb up the stairs you can see a female form in the middle of a scene dominated by moving sonic sculptures. The scene is like a contemplative scene. The moving sculptures are circular steel wind chimes that rotate in front of a flickering screen. Our heroine is carved in marble, Aitken, says, with ‘deep geological time’ and is bisected in two parts to reveal a mirrored interior. I wonder whether this is the same girl from downstairs who’s managed to find her real self. I do hope so!

Dough Aitken is an an American artist and filmmaker whose work has been featured in multiple places around the world.

Buscando el verdadero yo

Doug Aitken
Return to the Real
2 de octubre – 20 de diciembre de 2019
Victoria Miro I, Londres, Reino Unido

De vuelta al mundo del arte y de vuelta en forma. No quiere decir que no haya visto exposiciones de arte desde mi último post, pero he estado ocupada con otras cosas y no he podido encontrar tiempo para publicar. Disculpas a mis lectores. Aquí estoy de nuevo y espero estar de vuelta cada dos semanas.

Una de las últimas exhibiciones vistas por The art berries fue “Return to the Real” de Doug Aitken, la cual me pareció interesante tanto desde una perspectiva estética como espiritual. Al entrar en la exposición de arte, el espacio de abajo es una habitación oscura donde puedes ver a una joven translúcida descansando sobre una mesa con su teléfono móvil fuera del alcance y otros elementos con la misma apariencia brillante. Su compra todavía en una bolsa de plástico a su lado. No ha tenido la oportunidad de ponerla en su sitio. Está rodeada de cajas de luz, paisajes oníricos iluminados, piscinas, imágenes de aviones, camas blancas sin hacer y todo tipo de referencias a la vida que llevamos en el mundo contemporáneo. Un mundo dominado por la tecnología que nos mantiene distraídos con imágenes de cómo escapar de nuestra rutina diaria y viajar lejos. Tal vez solo por una semana, un máximo de un mes, pero lo suficiente como para mantenernos trabajando hacia ese objetivo. Conseguirá nuestra heroína encontrarse a si misma en medio de todo esto?

La respuesta podría estar arriba. Cuando subes las escaleras puedes ver una forma femenina en medio de una escena dominada por esculturas sonoras en movimiento. La escena es como una escena contemplativa. Las esculturas en movimiento son campanillas de viento circulares de acero que giran frente a una pantalla parpadeante. Nuestra heroína está tallada en mármol, dice Aitken, con “tiempo geológico profundo” y está dividida en dos partes para revelar un interior de espejo. Me pregunto si esta es la misma chica de abajo que ha logrado encontrar su verdadero yo. ¡Espero que sí!

Dough Aitken es un artista y cineasta estadounidense cuyo trabajo se ha presentado en múltiples lugares del mundo.

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Relics of a lost era

Mike Nelson
The asset stripper
18 March – 6 October 2019
Tate Britain, London, UK

The art berries visited Tate Britain recently and came across the installation there is currently at the Duveen Galleries by Mike Nelson. He’s turned this space, originally conceived as the first purpose-built sculpture galleries in England, into an objects strippers’ warehouse using numerous recent industrial relics.

Nelson has chosen to gather objects from post-war Britain that he used to see in his childhood such as big knitting machines and doors from the NHS and display them along the large central corridor at the Tate known as Duveen galleries. Somehow it looks like a monument to a lost era and the vision of society they represent. The art installation has cultural as well as social allusions that go from a local to a national perspective.

The artist has been buying this metal objects at asset-stripping auctions for years. Some machines are the kind of equipment used in textile factories where Nelson’s parents and grandparents worked. However, they now seem to be mysterious objects taken from a distant culture. I thought initially that they had been taken from a different country, like an old British colony. They make me think of the hard work that is needed to manufacture the clothes we wear; years ago from people who worked in those jobs in western countries and now mostly from people based overseas. Is this a sustainable production model? I do believe that we need to start doing much more up-cycling within the fashion industry. Below you can see a photo of the knitting machine below with me on it.

Then we come across swing doors with porthole windows through which we can enter from an old London hospital, like the living and the dead, which adds to the feeling of a surreal experience. Not only that, some of Nelson’s works speak directly to the museum’s collection. Like the one of those hay rakes that whirl like sunflowers in the early surrealism of Joan Miró. You can see The art blackberry interacting with this art piece. Is she surrendering to sleep and dreaming with those massive sunflower wheels?

Nelson’s sculpture alludes to the industrial functions of metal. He allows his objects to be relics first, sculptures second, and machines again with a mysterious appearance that makes you look at them in a new light.

Mike Nelson is a contemporary British artist who creates large-scale architectural installations. He has been shortlisted twice for the Turner prize and has represented Britain at the 2011 Venice Biennale.

Reliquias de una era perdida

Mike Nelson
The asset stripper
18 de marzo – 6 de octubre de 2019
Tate Britain, Londres, Reino Unido

The art berries visitamos Tate Britain recientemente y nos encontramos con la instalación que hay de Mike Nelson en las Duveen galleries. El artista ha convertido este espacio, originalmente concebido como la primera galería de esculturas especialmente diseñada en Inglaterra, en un almacén de objetos que utiliza numerosas reliquias industriales recientes.

Nelson eligió recoger objetos del período de posguerra en Gran Bretaña que él solía ver en su infancia, como grandes máquinas de tejer y las puertas del NHS y exponerlas a lo largo del pasillo central de la galería conocido como Duveen galleries. De alguna manera, parece un monumento a una era perdida y la visión de la sociedad que representan. La instalación de arte tiene alusiones culturales y sociales que van desde una perspectiva local a otra nacional.

El artista ha estado comprando estos objetos de metal en subastas de desmonte de activos durante años. Algunas máquinas son el tipo de equipo utilizado en las fábricas textiles donde trabajaban sus padres y abuelos. Sin embargo, ahora parecen ser objetos misteriosos tomados de una cultura lejana. Al principio pensé que habían sido tomadas de un país diferente, como una antigua colonia británica. Me hacen pensar en el trabajo duro que se necesita para fabricar la ropa que usamos; años atrás procedente de personas que trabajaban en países occidentales y ahora principalmente de personas que viven en otros países más pobres. ¿Es éste un modelo de producción sostenible? Creo que debemos comenzar a hacer mucho más reciclaje o up-cycling dentro de la industria de la moda. A continuación puedes ver una foto de la máquina de tejer conmigo dentro.

Luego nos encontramos con puertas batientes con ventanillas a través de las cuales podemos entrar en un antiguo hospital de Londres, como los vivos y los muertos, lo que se suma a la sensación de una experiencia surrealista. No sólo eso, algunas de las obras de Nelson hablan directamente de la colección del museo. Como el de esos rastrillos de heno que giran como girasoles en el surrealismo temprano de Joan Miró. Puedes ver a The art blackberry interactuando con esta pieza de arte. ¿Está durmiendo y soñando con esas enormes ruedas de girasol?

La escultura de Nelson alude a las funciones industriales del metal. Él permite que sus objetos sean reliquias primero, esculturas en segundo lugar, y máquinas de nuevo con una apariencia misteriosa que te hace mirarlos desde una nueva perspectiva.

Mike Nelson es un artista británico contemporáneo que crea instalaciones arquitectónicas a gran escala. Ha sido pre-seleccionado dos veces para el premio Turner y ha representado a Gran Bretaña en la Bienal de Venecia 2011.