Marina Abramovic’s long-awaited 50-year retrospective is finally at the Royal Academy of Arts in London after Covid forced the institution to postpone what is the first retrospective given to a female artist.
Marina Abramović has become the grandmother of performance art. By pushing the limits of her body and mind to extremes, she has risked her health and even her life while extending her practice to embrace collective experiences of intimacy between artist and audience.
The show features a re-enactment of her most famous performances, achieving different levels of engagement from the audience. Upon entering the first dark room, you encounter ‘The Artist is Present,’ a restaging of one of her most famous performances through archive footage. Several dozen images of some of the 1,545 members of the public who came and sat opposite her in silence during the 75 days of her performance at New York’s MoMA in 2010 are presented. On one side, the attendees to the show; on the other, Marina Abramovic as she sat there with the camera pointing at her and capturing her reactions. It’s not usual for an artist to sit with her audience in such a way. The whole scene of Marina sitting in front of another person and dressing in such a long red dress reminds me of religious paintings from the Flemish Renaissance.
In the next room, you are introduced to her first performances as a young artist, a phase I didn’t know that well previously. Arguably, in her most famous performance, ‘Rhythm 0’ of 1974, she presented an array of objects to participants, inviting them to do as they would with her (Yoko Ono had set a precedent a decade before in her ‘Cut Piece’). A replica table is laid out at the Royal Academy: chains, scissors, whips, a rose, an apple, a loaded gun, which one man held to Abramović’s neck. Her courage was unmatched. You can see her with cuts on her body and totally impassive like a martyr in acceptance of her punishment.
The following room was a recreation of her ‘Balkan Baroque’ performance from 1997 at the Venice Biennale. Although the 1,500 bloody cattle bones she had washed then were faked up here. This and the following room where you can see Abramovich on top of a white stallion holding a giant white flag in ‘The hero’ (2001) offer a view of the artist’s background.
Coming from Serbia and growing up in a strict home environment, her parents had been partisan fighters during World War II, for which they were awarded the Order of the People’s Heroes. The artist lived with her maternal grandmother, who was deeply religious and spiritual, until she was 6 years old when she went to live with her parents after her brother was born. Her mother was a strict disciplinarian who also inflicted physical punishment, which sort of explains to me why she’s always so interested in subjecting the body to harshness. She was exposed to the arts from an early age through her mother’s job at the Cultural Ministry.
In the vast central gallery, you’ll encounter black and white period films where you can see the artist’s performances in the 70s with her partner at the time, the artist Ulay. They’ll be slapping each other’s faces, screaming at one another, and kissing each other. One of these works stands out, ‘Rest Energy’, where you see them performing a dangerous balancing act with an archer’s bow and arrow. If either of them gave an inch, one of them would have died.
From this point of the exhibition, you can see performances re-enacted by a new generation of artists trained by Abramovic at the Mariana Abramovic Institute. The first performers create ‘A pair of human gateposts’, two naked models making a barrier for visitors to pass through. The work re-creates ‘Imponderabilia,’ first staged in 1977 by the artist and Ulay. The performers may disturb some visitors, but I suspect the effectiveness of this isn’t the same as the original in the 70s.
As you progress to the next part of the exhibition, the following rooms display her solo work with ‘Transitory Objects,’ where crystals and minerals are embedded and invite public participation. In this part of her trajectory, she had broken up with Ulay, choosing a performance walking along the Chinese Wall to say goodbye, and she shifted her interests to a healing approach. Energy therapy seems to become a big influence in her work from now on. And despite the criticism received for that, I did enjoy these works, more than others in fact, particularly entering the room with a batch full of chamomile; the smell of it and sounds of the waves were very soothing.
In one of the last rooms, ‘The Levitation of St. Therese’ (2009), in which the artist, dressed in black, hangs above a kitchen recreating a mystical experience in memory of the Spanish saint, was aesthetically interesting, and a clear evidence to me of the significant role spirituality has taken in her work. The influence of her grandmother seems to come afloat here.
Finally, the last room hosts the recreation of her work ‘The house with the Ocean View’ that saw the artist live in a house constructed for 12 days in the wake of the 9/11 terrorist attacks in New York. The performance invited audiences to witness and share in the simple act of living. This work didn’t resonate with me, simply because the works she does where there’s punishment or hardship inflicted to the body aren’t my favourites.
The influence of Abramović is undeniable; she has positioned herself as a pioneer in the use of the live body for art, leaving an impressive legacy. In her exploration of art as a means for emotional and spiritual transformation, she has constantly evolved, challenging her audience. Although the absence of herself in her performances in the present, given her age, may slightly diminish the impact of her works, the fascinating interest in discovering and observing her developments at each stage persists.
Arte para la transformación emocional y espiritual
Marina Abramović
23 de septiembre de 2023 – 1 de enero de 2024
Royal Academy of Arts, Londres, Reino Unido.
La tan esperada retrospectiva de 50 años de Marina Abramović ha llegado finalmente a la Royal Academy of Arts en Londres después de que el Covid obligara a la institución a posponer lo que es la primera retrospectiva dedicada a una artista femenina.
Marina Abramović se ha convertido en la abuela de la actuación artística. Al empujar los límites de su cuerpo y mente hasta extremos, ha arriesgado su salud e incluso su vida, al tiempo que ha ampliado su práctica para abrazar experiencias colectivas de intimidad entre artista y público.
La exposición presenta una recreación de sus actuaciones más famosas, logrando diferentes niveles de participación del público. Al entrar en la primera sala oscura, os encontraréis con ‘La artista está presente’, una reposición de una de sus actuaciones más conocidas a través de material de archivo. Se presentan varias docenas de imágenes de algunos de los 1.545 miembros del público que asistieron y se sentaron frente a ella en silencio durante los 75 días de su actuación en el MoMA de Nueva York en 2010. En un lado, los asistentes a la exposición; en el otro, Marina Abramović sentada allí con la cámara apuntando hacia ella y capturando sus reacciones. No es usual que un artista se siente con su público de esta manera. Toda la escena de Marina sentada frente a otra persona y vistiendo un vestido rojo tan largo me recuerda a algunas pinturas religiosa del Renacimiento flamenco.
En la siguiente sala, os introduciréis en sus primeras actuaciones como joven artista, una parte que no conocía muy bien anteriormente. En su actuación más famosa, ‘Rhythm 0’ de 1974, presentó una serie de objetos a los participantes, invitándolos a hacer lo que quisieran con ella (Yoko Ono había establecido un precedente una década antes en su ‘Cut Piece’). Una mesa replicada se dispone en la Royal Academy: cadenas, tijeras, látigos, una rosa, una manzana, una pistola cargada, que un hombre sostuvo en el cuello de Abramović. Su valentía era inigualable. Podéis verla con cortes en su cuerpo y totalmente impasible como una mártir aceptando su castigo.
La siguiente sala recrea su actuación ‘Balkan Baroque’ de 1997 en la Bienal de Venecia. Aunque los 1.500 huesos de ganado ensangrentados que había lavado entonces eran falsos aquí. Esta y la siguiente sala, donde podéis ver a Abramovic sobre un semental blanco sosteniendo una bandera blanca gigante en ‘El héroe’ (2001), ofrecen una visión del trasfondo de la artista.
Proveniente de Serbia y creciendo en un entorno hogareño estricto, sus padres fueron luchadores partisanos durante la Segunda Guerra Mundial, por lo que fueron galardonados con la Orden de los Héroes del Pueblo. La artista vivió con su abuela materna, quien era profundamente religiosa, hasta los 6 años en que se fue a vivir con sus padres después del nacimiento de su hermano. Su madre era una disciplinaria estricta que también infligía castigos físicos, lo que explica en cierta medida por qué Abramović siempre ha estado tan interesada en someter el cuerpo a la dureza. Estuvo expuesta a las artes desde temprana edad a través del trabajo de su madre en el Ministerio de Cultura.
En la amplia galería central, os encontraréis con películas en blanco y negro de la época en la que la artista realizaba actuaciones en los años 70 con su pareja en ese momento, el artista Ulay. Se abofetearán las caras, se gritarán mutuamente y se besarán. Pero una de estas obras destaca, que es ‘Rest Energy’, donde les veis realizando un peligroso acto de equilibrio con un arco y flechas. Si alguno de ellos cediera, uno de ellos habría muerto.
A partir de este punto de la exposición, podéis ver actuaciones recreadas por una nueva generación de artistas entrenados por Abramović en el Instituto Mariana Abramović. Los primeros artistas crean ‘Un par de postes de entrada humanos’, dos modelos desnudos creando una barrera para que los visitantes pasen a través. La obra recrea ‘Imponderabilia’, representada por primera vez en 1977 por la artista y Ulay. Los artistas pueden perturbar a algunos visitantes, pero sospecho que la efectividad de esto no es la misma que la original en los años 70.
Al avanzar a la siguiente parte de la exposición, las salas siguientes muestran su trabajo en solitario con ‘Objetos Transitorios’, donde se incorporan cristales y minerales e invitan a la participación del público. En esta etapa de su trayectoria, se había separado de Ulay, eligiendo una actuación caminando a lo largo de la Muralla China para despedirse, y cambió sus intereses hacia un enfoque curativo. La terapia de energía parece convertirse en una gran influencia en su trabajo a partir de entonces. Y a pesar de las críticas recibidas por ello, disfruté de estas obras, más que de otras, en realidad. Especialmente al entrar en la sala con un montón de manzanilla; el olor y los sonidos de las olas eran muy relajantes.
En una de las últimas salas, ‘La levitación de Santa Teresa’ (2009), en la que la artista, vestida de negro, cuelga sobre una cocina recreando una experiencia mística en memoria de la santa española, fue estéticamente interesante y una clara evidencia para mí del papel significativo que la espiritualidad ha tomado en su trabajo. La influencia de su abuela parece aflorar aquí.
Finalmente, la última sala acoge la recreación de su obra ‘La casa con vista al mar’, en la que la artista vivió en una casa construida durante 12 días tras los ataques terroristas del 11 de septiembre en Nueva York. La actuación invitó al público a presenciar y compartir el simple acto de vivir. Este trabajo no me impactó tanto, principalmente porque los trabajos que ella hace en los que se infligen castigos o dificultades al cuerpo no son mis preferidos.
Abramović ha creado un gran legado y se ha convertido en una pionera en el uso del cuerpo vivo para el arte. En su exploración del arte como vehículo para la transformación emocional y espiritual, ha seguido evolucionando a lo largo del tiempo y desafiando a su público. No verla ahora en las actuaciones, dada su edad, hace que sus obras sean un poco menos efectivas. Pero, aun así, creo que sigue siendo interesante saber y ver qué ha estado haciendo en cada momento.
La influencia de Abramović es innegable; se ha erigido como pionera en el uso del cuerpo en vivo para el arte, dejando un legado imponente. En su exploración del arte como medio para la transformación emocional y espiritual, ha evolucionado constantemente, desafiando a su audiencia. Aunque la ausencia de sus actuaciones en la actualidad, dada su edad, pueda restar un poco de impacto a sus obras, persiste el fascinante interés por descubrir y observar sus desarrollos en cada etapa.
The art berries 