sculpture – The art berries

Organic sculpture that captures your imagination

When Forms Come Alive
7 February 2024 – 6 May 2024
Hayward Gallery, Southbank Centre, London, UK.

This is the last weekend that this art exhibition will be open, so I strongly recommend that you go. The show includes contemporary sculpture made in the last 60 years, inspired by movement, fluidity, and growth, and it’s one of the best exhibitions I’ve seen at the Hayward Gallery in years. It’s open until Monday, bank holiday in the UK.

In contrast to traditional sculpture, the works on display in this exhibition are organic and appear to be undergoing a process of transformation. It’s as if art has partnered with science to bring you a new perspective of the world on a grander scale.

Exploring the gallery space was a delight, with each room revealing new artworks and surprises. The curating is brilliant, in terms of the works selected, the space allocated to each of them, and in between them. This allows you to navigate the show and see yourself in relation to these artworks.

As you enter the main gallery space downstairs, you can see the work by Dutch duo Studio Drift, where little silk flowers move open and close as they go up and down in an absorbing dance.

Adjacent to this, you’ll find the striking installation by Michel Blazy, crafted from white foam. Like other forms of ephemeral art, the works evolve and move as you stand in front of them, gaining interesting spiralling shapes that you’d like to be able to touch for their softness and fluidity, as if wanting to be part of that flow. See The art blackberry next to it.

The art blackberry next to ‘Bouquet Final’ by Michel Blazy

Then, up the ramp, you see the towers created out of discarded junk by Seoul-based sculptor Choi Jeong-hwa. The stuff of everyday life is combined here in surprising towers of rusty nails, gas rings, shells, etc., called by him “holobionts”, little microcosms of symbiotic organisms.

This takes us into a room with the artworks created by Spanish artist Teresa Solar Abboud, in which a mix of clay, resin, metal, and acrylic develop into hybrids between biology, geology, and engineering. These ‘Three tunnel boring machines’ combine industrial and organic material in such a magical way that they seem to be presenting you with huge craps elevating their arms to the sky in dynamic and mysterious ways. I was mesmerized by these works. See below The art blueberry interacting with them.

The art blueberry next to ‘Tunnel Boring Machine’ by Teresa Solar Abboud

The following artwork is probably one of the most aesthetically exciting in this art show. The work created by the American artist, Tara Donovan, of shiny molecular forms proliferating to fill a whole space. All made of Mylar, a metallic polyester film, which was folded, glued, and massed into spheres of various sizes that resemble huge molecular structures. The little art strawberry posed holding a small part of it fallen from the artwork and offered to her by the gallery attendant. We loved this artwork!

The little art strawberry next to ‘Untitled (Mylar)’ by Tara Donovan

The next amazing installation was by the French artist Marguerite Humeau, and it was made with beeswax, walnut wood, and microcrystalline wax to recreate forms that exist in nature like a tree that spreads flat into clusters of tiered honeycombs and releases a scent, while you can listen to a soft buzz that makes you feel as if you were in the presence of a form that’s still alive. These three pieces of art are mesmerizing and atemporal and are central to the theme of this exhibition.

The little art strawberry next to Marguerite Humeau’s artwork

French art continues to captivate in the following room with another French artist, Jean-Luc Meulene. His works are placed on top of white tables and capture your imagination with vibrant colors and organic shapes with surrealist touches. See the pictures below to get an idea.

While the artworks in the upstairs gallery are equally impressive, they didn’t leave quite the same impact on me as those downstairs. Nevertheless, there are standout pieces worth mentioning, such as Ruth Asawa’s intricate wire sculptures, which draw inspiration from natural forms.

I found captivating the work by American artist Senga Nengudi, who presented a water-filled form that reminds us of the malleable character of human flesh and how our bodies are formed mostly by water. It makes me think of the fragility and endurance of human bodies.

Then, I liked the artwork on Lichen made by London artist Holly Hendry. She brings to life the theme of this exhibition quite perfectly. She works with scale, taking microscopic images of lichen, water, algae, and fungi and transforming them into a sculpture made of stainless steel, glass, canvas, timber, and paint to reveal unexpected connections between natural and architectural forms. She invites us to see the building for this gallery as part of a larger ecosystem.

And finally, I must mention that this exhibition also includes works by other renowned artists such as Phyllida Barlow and Franz West, whom I also found interesting and well-integrated in this exhibition. However, since I have previously covered their works in this blog, I won’t delve into them on this occasion, but you can see two photos below.

The artworks in this exhibition invoke shifting realms of experience and reminded me that everything is in a continuous state of fluxing and change. In these times in which we are somehow disembodied because of the profusion of digital devices around us, these artworks invite us to be present and enjoy our senses. I feel that art is so close to science when you look at this works that could have been inspired by the microscopic images taken from a laboratory and recreated in color and exciting materials. You cannot miss this exhibition if you’re in London and free until Monday.

Esculturas orgánicas que despiertan tu imaginación

When Forms Come Alive
7 de febrero de 2024 – 6 de mayo de 2024
Hayward gallery, Southbank Centre, Londres, Reino Unido.

Este es el último fin de semana en que esta exposición de arte estará abierta, así que te recomiendo encarecidamente que vayas. La muestra incluye escultura contemporánea realizada en los últimos 60 años, inspirada en el movimiento, la fluidez y el crecimiento, y es una de las mejores exposiciones que he visto en la Hayward gallery en años. Está abierta hasta el lunes, día festivo en el Reino Unido.

En contraste con la escultura tradicional, las obras expuestas en esta exposición son orgánicas y parecen estar experimentando un proceso de transformación. Es como si el arte se hubiera aliado con la ciencia para ofrecerte una nueva perspectiva del mundo en una escala más amplia.

Explorar el espacio de la galería fue un placer, con cada sala revelando nuevas obras de arte y sorpresas. El comisariado es brillante, tanto en relación a las obras seleccionadas, el espacio asignado a cada una de ellas y entre ellas. Esto te permite navegar por la muestra y verte en relación con estas obras de arte.

Al entrar en el espacio principal de la galería en la planta baja, puedes ver la obra del dúo holandés Studio Drift, donde pequeñas flores de seda se abren y se cierran mientras suben y bajan en una danza absorbente.

Adyacente a esto, encontrarás la impresionante instalación de Michel Blazy, elaborada con espuma blanca. Al igual que otras formas de arte efímero, la obra evoluciona y se mueve mientras estás parado frente a ella, adquiriendo interesantes formas espirales que te gustaría poder tocar por su suavidad y fluidez, como si quisieras ser parte de ese flujo. Puedes ver a The art blackberry junto a ella.

Luego, subiendo por la rampa, verás las torres creadas con objetos desechados por el escultor con sede en Seúl, Choi Jeong-hwa. Los objetos de la vida cotidiana se combinan aquí en sorprendentes torres de clavos oxidados, anillos de gas, conchas, etc., llamadas por él “holobionts”, pequeños microcosmos de organismos simbióticos.

Esto nos lleva a una sala con las obras creadas por la artista española Teresa Solar Abboud, en las que una mezcla de arcilla, resina, metal y acrílico se convierte en híbridos entre la biología, la geología y la ingeniería. Estas ‘Tres máquinas perforadoras de túneles’ combinan material industrial y orgánico de una manera mágica que parece presentarte enormes formas elevando sus brazos al cielo de manera dinámica y misteriosa. Quedé hipnotizado por estas obras. Ver abajo The art blueberry interactuando con ellas.

La siguiente obra de arte es probablemente una de las más emocionantes estéticamente en esta exposición de arte. El trabajo creado por la artista estadounidense, Tara Donovan, de brillantes formas moleculares que proliferan para llenar todo un espacio. Todas hechas de Mylar, una película de poliéster metálico, que fue doblada, pegada y amasada en esferas de varios tamaños que se asemejan a enormes estructuras moleculares. The little art strawberry posa sosteniendo una pequeña parte parte desprendida de la obra ofrecida por el asistente de la galería. Nos encantó este trabajo.

La siguiente instalación asombrosa fue realizada por la artista francesa Marguerite Humeau, y fue hecha con cera de abejas, madera de nogal y cera microcristalina para recrear formas que existen en la naturaleza, como un árbol que se extiende planamente en racimos de panal escalonados y libera un aroma, mientras puedes escuchar un suave zumbido que te hace sentir como si estuvieras en presencia de una forma que todavía está viva. Estas tres piezas de arte son hipnotizantes y atemporales y son centrales para el tema de esta exposición.

El arte francés parece revitalizado al visitar la sala pasada que es seguida por otro artista francés, Jean-Luc Meulene, cuyo trabajo está colocado sobre mesas blancas y captura tu imaginación con colores vibrantes y formas orgánicas con toques surrealistas. Ver las imágenes a continuación para tener una idea.

Aunque las obras en la galería de arriba son igualmente impresionantes, no me impactaron tanto como las de abajo. Sin embargo, hay piezas destacadas que vale la pena mencionar, como las intrincadas esculturas de alambre de Ruth Asawa, que se inspiran en formas naturales.

La obra de Senga Nengudi below, que evoca la maleabilidad de la carne humana, me resultó cautivadora, lo que me lleva a reflexionar sobre la fragilidad y la resistencia del cuerpo humano.

Luego, me gustó la obra sobre el líquen realizada por la artista londinense Holly Hendry. Ella da vida al tema de esta exposición de manera perfecta. Trabaja con la escala, tomando imágenes microscópicas de líquenes, agua, algas y hongos y transformándolas en una escultura hecha de acero inoxidable, vidrio, lienzo, madera y pintura para revelar conexiones inesperadas entre formas naturales y arquitectónicas. Nos invita a ver el edificio de esta galería como parte de un ecosistema más grande.

Y por último, debo mencionar que esta exposición incluye obras de otros artistas reconocidos como Phyllida Barlow y Franz West, que también me parecieron muy interesantes y bien integradas en el conjunto. Sin embargo, dado que ya he cubierto sus obras anteriormente en este blog, no profundizaré en ellas en esta ocasión pero se puedes ver varias fotos a continuación .

Las obras de arte en esta exposición evocan reinos de experiencia en constante cambio, recordándome que todo está en un estado continuo de flujo y cambio. En estos tiempos en los que a menudo nos sentimos desconectados debido a la proliferación de dispositivos digitales a nuestro alrededor, estas obras de arte nos animan a estar completamente presentes y a disfrutar de nuestros sentidos. Encuentro que el arte y la ciencia están íntimamente entrelazados, especialmente al considerar cómo estas piezas podrían haber sido inspiradas por imágenes microscópicas capturadas en un laboratorio y luego recreadas con colores vibrantes y materiales interesantes. Si te encuentras en Londres y tienes la oportunidad, no te pierdas esta exposición.

The richness of Latin American art

TERRITORIES: Contemporary Latin American Art in the Jorge M. Perez Collection
2 March – 1 September 2024
CAAC, Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, Seville, Spain.

During my visit to Seville last week, I went to a temporary art exhibition titled: TERRITORIES – Latin American Art in the Jorge M. Pérez Collection, at the CAAC, Centro Andaluz de Arte Contemporaneo, based at the Monastery of the Cartuja (Charterhouse).

The venue has historical relevance on its own. Built as a monastery in the 15th century, it was vacated in the 19th century and acquired by an Englishman, Charles Pickman, to be used as a ceramics factory until late in the 20th century. In 1997, the Carthusian Monastery became the headquarters of the Centro Andaluz de Arte Contemporaneo, or CAAC. However, despite the fantastic venue where the exhibition is based, the museum could benefit from clearer signage or directions for visitors. After purchasing tickets, we had to explore the building to find the entrance to the exhibition. Unfortunately, there were no signs or banners to guide us.

Seville’s historical significance as a river port and its role in transatlantic trade bring valuable context to the exhibition’s location. This exhibition contributes to the cultural landscape of Seville and its historical connections with Latin America.

The exhibition showcases a selection of works by more than 50 contemporary Latin American artists. Curated by the topics on which these artists choose to focus with their work, it highlights the socio-cultural plurality of Latin America and their concerns in relation to politics, borders, inequality, ethnicity, and integration with nature, among others. Including an abstract art room that is a bit more difficult to categorize in relation to these themes.

The collection on display belongs to Jorge M. Pérez (1949), known for his association with one of the most prestigious art institutions in the United States, the Pérez Art Museum Miami (PAMM). Pérez was born in Argentina to Cuban parents and raised in Colombia. A resident of Miami since 1968, he is an entrepreneur and philanthropist who began collecting art at a young age to maintain a connection with his Hispanic American roots and cultural heritage.

Upon entering the art show, the first artworks that greeted us were from ‘Colour is my business, 2012-2016’ by Alexander Apostol (Venezuela, 1969), a series of 12 photographs identifying the colours of Venezuelan political parties. It reminded me of the vibrant works of Brazilian artists like Hélio Oiticica – a joyful way to start an art show.

The art blueberry next to ‘Colour is my business, 2012-2016’ by Alexander Apostol

In the first room, there is also a floor art installation by Maria Nepomuceno (Brazil, 1973), incorporating weaving, ceramics, wood, and glass. It establishes a relationship between the body and nature, reflecting on memory and promoting an encounter between past, present, and future.

Another piece that caught my attention was ‘Dead Rats Don’t Open Their Mouths, 2014’ by MORIS (Israel Meza Moreno) (Mexico, 1978). His work offers a glimpse into everyday urban culture, integrating diverse social codes of the street.

The little art gooseberry next to ‘Dead rats don’t open their mouth’ by MORIS

Another room titled ‘Cartographies of the Spirit’ explores territorial intersection and socio-political boundaries, with works like Mateo Lopez’s (Bogota, Colombia, 1978) blackboard ‘Board, 2014,’ reflecting on identity and memory.

In the central corridor, ‘Vertical 19’ by Claudia Andujar (Switzerland, 1931) portrays the Yanomamis in the Catrimani River basin in Brazil, showing their integration with nature.

A separate room showcases ‘Eu, mestizo, 2017’ by Jonathas de Andrade (Brazil, 1982), exploring mestizaje, ethnicity, and class in Latin America. Andrade dismantles the myth of racial democracy in Brazil with series of pictures of men and women in contrast with the adjectives extracted from the book ‘Race and Class in Rural Brazil’ published in the 1950s by Columbia University and the UNESCO, placing racial issues in a historical perspective that is far from being resolved.

The room titled “Me, Myself and I” was dedicated to gender and identity, two intertwined themes as well as objects of activism and discussion in Latin America. Herman Bas (Miami, 1978), for instance, addresses issues of identity and belonging. Bas challenges conventional gender expectations and decontextualizes objects to provoke reflection.

‘Panorama Catatumbo, 2018’ by Nohemi Perez (Colombia, 1964), a charcoal-on-fabric work, depicts territories affected by unequal development and internal conflicts.

The art blueberry next to ‘Panorama Catatumbo, 2018’ by Nohemi Perez

Another artwork that caught my attention was ‘Mantle I’ by Alice Wagner (Lima, Peru, 1974) that focuses on power and colonization where she combines different medium and techniques as a reflection and a confrontation between indigenous and European cultures and how these interactions have influenced Peruvian identity. In the same room, I found also outstanding the work by Claudia Coca (Lima, 1970) where she uses drawings simulating National Geographic covers, which from the artist’s point of view addresses scientific, cultural and historic topics that insist on the wild, exotic and distant in contrast to the West. The myth of the Other and its alien nature is clearly reflected here.

In one of the final rooms titled ‘Memory and Resistance,’ I encountered the works of some of the most renowned artists featured in this exhibition. Doris Salcedo (Bogota, Colombia, 1958) gives voice to the lives lost and forgotten due to the war on drug trafficking, ensuring they remain in collective memory by displacing everyday objects. In this instance, I observed a chair laden with cement.

Ana Mendieta (Cuba, 1948 – USA, 1985) presents a series of photographs exploring the connection between the body and nature through her performances and sculptures, drawing attention to violence against women in the USA. Meanwhile, Tania Bruguera (Cuba, 1968) addresses the lack of expression and freedom with two pieces showcased in this exhibition, which can also be viewed below.

‘The weight of guilt’ and ‘The body of silence’ (1998) by Tania Bruguera

Finally, ‘Statue of Liberty falling, 1983’ by Argentinian artist Marta Minujin (Buenos Aires, 1943) was created to commemorate the restoration of democracy in Argentina.

The little art gooseberry next to ‘Statue of liberty falling, 1983’ by Marta Minujín

The exhibition effectively organizes artworks around key themes concerning Latin American artists, exploring issues such as racism, ethnicity, class, and borders. It showcases brilliant works by highly recognized artists, shedding light on important cultural and political issues affecting Latin America.

Furthermore, in the 16th century, Seville was the main gateway to the transatlantic trade of the Spanish Empire, thanks to its position as the only river port in Spain and being one of the largest cities in Western Europe. Therefore, I consider choosing to host this exhibition in Seville meaningful, as it revitalizes the historical role of the city as a point of connection and highlights the deep cultural ties between Spain and Latin America.

La riqueza del arte latinoamericano

TERRITORIOS: Arte Latinoamericano Contemporáneo en la Colección de Jorge M. Pérez
2 de marzo – 1 de septiembre de 2024
CAAC, Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, Sevilla, España

Durante mi visita a Sevilla la semana pasada, existí a una exposición de arte temporal titulada TERRITORIOS – Arte Latinoamericano en la Colección de Jorge M. Pérez, en el CAAC, Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, ubicado en el Monasterio de la Cartuja (Monasterio de Santa María de las Cuevas).

El lugar tiene relevancia histórica por sí solo. Construido como monasterio en el siglo XV, fue desamortizado por Mendizábal en el siglo XIX y adquirido por un inglés, Charles Pickman, para ser utilizado como fábrica de cerámica hasta finales del siglo XX. En 1997, el Monasterio Cartujo se convirtió en la sede del Centro Andaluz de Arte Contemporáneo o CAAC. Sin embargo, a pesar del fantástico lugar donde se basa la exposición, el museo podría beneficiarse de una señalización o indicaciones más claras para los visitantes. Después de comprar las entradas, tuvimos que explorar el edificio para encontrar la entrada a la exposición. Desafortunadamente, no había señales ni pancartas que nos guiaran.

La relevancia histórica de Sevilla como puerto fluvial y su papel en el comercio transatlántico aportan un contexto valioso a la ubicación de la exposición. Esta exposición contribuye al paisaje cultural de Sevilla y sus conexiones históricas con América Latina.

La exposición presenta una selección de obras de más de 50 artistas latinoamericanos contemporáneos. Comisariada por los temas en los que estos artistas eligen enfocarse con su trabajo. Resalta la pluralidad sociocultural de América Latina y sus preocupaciones en relación con la política, las fronteras, la desigualdad, la etnicidad y la integración con la naturaleza, entre otros. Incluyendo una sala de arte abstracto un poco más difícil de categorizar en relación con estos temas.

La colección que se muestra pertenece a Jorge M. Pérez (1949), conocido por su asociación con una de las instituciones de arte más prestigiosas de los Estados Unidos, el Museo de Arte Pérez de Miami (PAMM). Pérez nació en Argentina de padres cubanos y se crió en Colombia. Residente de Miami desde 1968, es un empresario y filántropo que comenzó a coleccionar arte a una edad temprana para mantener una conexión con sus raíces hispanoamericanas y su herencia cultural.

Al ingresar a la exposición de arte, las primeras obras que nos recibieron fueron de ‘Colour is my business, 2012-2016’ de Alexander Apostol (Venezuela, 1969), una serie de 12 fotografías que identifican los colores de los partidos políticos venezolanos. Me recordó a las obras vibrantes de artistas brasileños como Hélio Oiticica, una forma alegre de comenzar una muestra de arte.

The art blueberry junto a ‘El color es mi negocio, 2012-2016’ de Alexander Apostol

En la primera sala, también hay una instalación de arte en el suelo de María Nepomuceno (Brasil, 1973), que incorpora tejidos, cerámica, madera y vidrio. Establece una relación entre el cuerpo y la naturaleza, reflexionando sobre la memoria y promoviendo un encuentro entre pasado, presente y futuro.

Otra pieza que llamó mi atención fue ‘Las ratas muertas no abren la boca, 2014’ de MORIS (Israel Meza Moreno) (México, 1978). Su trabajo ofrece una visión de la cultura urbana cotidiana, integrando diversos códigos sociales de la calle.

The little art gooseberry junto a ‘Las ratas muertas no abren la boca’ de MORIS

Otra sala titulada ‘Cartografías del Espíritu’ explora la intersección territorial y los límites socio-políticos, con obras como ‘Tablero, 2014,’ de Mateo López (Bogotá, Colombia, 1978), reflexionando sobre la identidad y la memoria.

En el pasillo central, ‘Vertical 19 – da serie Marcados, 1983’ de Claudia Andujar (Suiza, 1931) retrata a los Yanomamis en la cuenca del río Catrimani en Brasil, mostrando su integración con la naturaleza.

Una sala aparte presenta ‘Eu, mestizo, 2017’ de Jonathas de Andrade (Brasil, 1982), explorando el mestizaje, la etnicidad y la clase en América Latina. Andrade desmonta el mito de la democracia racial en Brasil con una serie de imágenes de hombres y mujeres en contraste con los adjetivos extraídos del libro ‘Raza y Clase en Brasil Rural’, publicado en la década de 1950 por la Universidad de Columbia y la UNESCO, situando los problemas raciales en una perspectiva histórica que está lejos de ser resuelta.

La sala titulada “Yo, mi, me, conmigo” estuvo dedicada al género y la identidad, dos temas entrelazados y objetos de activismo y discusión en América Latina. Herman Bas (Miami, 1978), por ejemplo, aborda temas de identidad y pertenencia. Bas desafía las expectativas de género convencionales y descontextualiza objetos para provocar reflexión.

‘Panorama Catatumbo, 2018’ de Nohemi Pérez (Colombia, 1964), una obra de carbón sobre tela, representa territorios afectados por un desarrollo desigual y conflictos internos.

The art blueberry junto a ‘Panorama Catatumbo, 2018’ de Nohemi Pérez

Otra obra que llamó mi atención fue ‘Manto I’ de Alice Wagner (Lima, Perú, 1974), que se centra en el poder y la colonización, donde combina diferentes medios y técnicas como reflejo y confrontación entre las culturas indígenas y europeas y cómo estas interacciones han influenciado la identidad peruana. En la misma sala, también encontré destacado el trabajo de Claudia Coca (Lima, 1970), donde utiliza dibujos que simulan portadas de National Geographic, que desde el punto de vista del artista abordan temas científicos, culturales e históricos que insisten en lo salvaje, exótico y distante en contraste con Occidente. El mito del Otro y su naturaleza ajena se refleja claramente aquí.

En una de las últimas salas titulada ‘Memoria y resistencia’, me encontré con las obras de algunas de los artistas más reconocidas de esta exposición. Doris Salcedo (Bogotá, Colombia, 1958) da voz a las vidas perdidas y olvidadas debido a la guerra contra el narcotráfico, asegurando que permanezcan en la memoria colectiva mediante la displaciaón de objetos cotidianos. En este caso, observé una silla cargada de cemento.

Ana Mendieta (Cuba, 1948 – EE. UU., 1985) presenta una serie de fotografías que exploran la conexión entre el cuerpo y la naturaleza a través de sus performances y esculturas, llamando la atención sobre la violencia contra las mujeres en Estados Unidos. Mientras tanto, Tania Bruguera (Cuba, 1968) aborda la falta de expresión y libertad con dos piezas presentadas en esta exposición, que también se pueden ver a continuación.

‘El peso de la culpa’ y ‘El cuerpo del silencio’ (1998) de Tania Bruguera

Finalmente, ‘Estátua de la Libertad cayendo, 1983’ de la artista argentina Marta Minujín (Buenos Aires, 1943) fue creada para conmemorar la restauración de la democracia en Argentina.

The little art gooseberry junto a ‘Estátua de la Libertad cayendo, 1983’ de Marta Minujín

La exposición organiza eficazmente las obras de arte en torno a temas clave relacionados con los artistas latinoamericanos, explorando temas como el racismo, la etnicidad, la clase y las fronteras. Muestra obras brillantes de artistas altamente reconocidos, arrojando luz sobre importantes problemas culturales y políticos que afectan a América Latina.

En el siglo XVI, Sevilla era el principal punto de acceso al comercio transatlántico del Imperio Español, gracias a su posición como el único puerto fluvial de España y por ser una de las ciudades más grandes de Europa Occidental. Por ello, considero que la elección de Sevilla como sede de esta exposición es significativa, ya que revitaliza el papel histórico de la ciudad como punto de conexión y destaca los profundos lazos culturales entre España y América Latina.

Art for emotional and spiritual transformation

Marina Abramović
23 September 2023 – 1 January 2024
Royal Academy of Arts, London, UK

Marina Abramovic’s long-awaited 50-year retrospective is finally at the Royal Academy of Arts in London after Covid forced the institution to postpone what is the first retrospective given to a female artist.

Marina Abramović has become the grandmother of performance art. By pushing the limits of her body and mind to extremes, she has risked her health and even her life while extending her practice to embrace collective experiences of intimacy between artist and audience.

The show features a re-enactment of her most famous performances, achieving different levels of engagement from the audience. Upon entering the first dark room, you encounter ‘The Artist is Present,’ a restaging of one of her most famous performances through archive footage. Several dozen images of some of the 1,545 members of the public who came and sat opposite her in silence during the 75 days of her performance at New York’s MoMA in 2010 are presented. On one side, the attendees to the show; on the other, Marina Abramovic as she sat there with the camera pointing at her and capturing her reactions. It’s not usual for an artist to sit with her audience in such a way. The whole scene of Marina sitting in front of another person and dressing in such a long red dress reminds me of religious paintings from the Flemish Renaissance.

In the next room, you are introduced to her first performances as a young artist, a phase I didn’t know that well previously. Arguably, in her most famous performance, ‘Rhythm 0’ of 1974, she presented an array of objects to participants, inviting them to do as they would with her (Yoko Ono had set a precedent a decade before in her ‘Cut Piece’). A replica table is laid out at the Royal Academy: chains, scissors, whips, a rose, an apple, a loaded gun, which one man held to Abramović’s neck. Her courage was unmatched. You can see her with cuts on her body and totally impassive like a martyr in acceptance of her punishment.

The following room was a recreation of her ‘Balkan Baroque’ performance from 1997 at the Venice Biennale. Although the 1,500 bloody cattle bones she had washed then were faked up here. This and the following room where you can see Abramovich on top of a white stallion holding a giant white flag in ‘The hero’ (2001) offer a view of the artist’s background.

Coming from Serbia and growing up in a strict home environment, her parents had been partisan fighters during World War II, for which they were awarded the Order of the People’s Heroes. The artist lived with her maternal grandmother, who was deeply religious and spiritual, until she was 6 years old when she went to live with her parents after her brother was born. Her mother was a strict disciplinarian who also inflicted physical punishment, which sort of explains to me why she’s always so interested in subjecting the body to harshness. She was exposed to the arts from an early age through her mother’s job at the Cultural Ministry.

In the vast central gallery, you’ll encounter black and white period films where you can see the artist’s performances in the 70s with her partner at the time, the artist Ulay. They’ll be slapping each other’s faces, screaming at one another, and kissing each other. One of these works stands out, ‘Rest Energy’, where you see them performing a dangerous balancing act with an archer’s bow and arrow. If either of them gave an inch, one of them would have died.

From this point of the exhibition, you can see performances re-enacted by a new generation of artists trained by Abramovic at the Mariana Abramovic Institute. The first performers create ‘A pair of human gateposts’, two naked models making a barrier for visitors to pass through. The work re-creates ‘Imponderabilia,’ first staged in 1977 by the artist and Ulay. The performers may disturb some visitors, but I suspect the effectiveness of this isn’t the same as the original in the 70s.

As you progress to the next part of the exhibition, the following rooms display her solo work with ‘Transitory Objects,’ where crystals and minerals are embedded and invite public participation. In this part of her trajectory, she had broken up with Ulay, choosing a performance walking along the Chinese Wall to say goodbye, and she shifted her interests to a healing approach. Energy therapy seems to become a big influence in her work from now on. And despite the criticism received for that, I did enjoy these works, more than others in fact, particularly entering the room with a batch full of chamomile; the smell of it and sounds of the waves were very soothing.

In one of the last rooms, ‘The Levitation of St. Therese’ (2009), in which the artist, dressed in black, hangs above a kitchen recreating a mystical experience in memory of the Spanish saint, was aesthetically interesting, and a clear evidence to me of the significant role spirituality has taken in her work. The influence of her grandmother seems to come afloat here.

Finally, the last room hosts the recreation of her work ‘The house with the Ocean View’ that saw the artist live in a house constructed for 12 days in the wake of the 9/11 terrorist attacks in New York. The performance invited audiences to witness and share in the simple act of living. This work didn’t resonate with me, simply because the works she does where there’s punishment or hardship inflicted to the body aren’t my favourites.

The influence of Abramović is undeniable; she has positioned herself as a pioneer in the use of the live body for art, leaving an impressive legacy. In her exploration of art as a means for emotional and spiritual transformation, she has constantly evolved, challenging her audience. Although the absence of herself in her performances in the present, given her age, may slightly diminish the impact of her works, the fascinating interest in discovering and observing her developments at each stage persists.

Arte para la transformación emocional y espiritual

Marina Abramović
23 de septiembre de 2023 – 1 de enero de 2024
Royal Academy of Arts, Londres, Reino Unido.

La tan esperada retrospectiva de 50 años de Marina Abramović ha llegado finalmente a la Royal Academy of Arts en Londres después de que el Covid obligara a la institución a posponer lo que es la primera retrospectiva dedicada a una artista femenina.

Marina Abramović se ha convertido en la abuela de la actuación artística. Al empujar los límites de su cuerpo y mente hasta extremos, ha arriesgado su salud e incluso su vida, al tiempo que ha ampliado su práctica para abrazar experiencias colectivas de intimidad entre artista y público.

La exposición presenta una recreación de sus actuaciones más famosas, logrando diferentes niveles de participación del público. Al entrar en la primera sala oscura, os encontraréis con ‘La artista está presente’, una reposición de una de sus actuaciones más conocidas a través de material de archivo. Se presentan varias docenas de imágenes de algunos de los 1.545 miembros del público que asistieron y se sentaron frente a ella en silencio durante los 75 días de su actuación en el MoMA de Nueva York en 2010. En un lado, los asistentes a la exposición; en el otro, Marina Abramović sentada allí con la cámara apuntando hacia ella y capturando sus reacciones. No es usual que un artista se siente con su público de esta manera. Toda la escena de Marina sentada frente a otra persona y vistiendo un vestido rojo tan largo me recuerda a algunas pinturas religiosa del Renacimiento flamenco.

En la siguiente sala, os introduciréis en sus primeras actuaciones como joven artista, una parte que no conocía muy bien anteriormente. En su actuación más famosa, ‘Rhythm 0’ de 1974, presentó una serie de objetos a los participantes, invitándolos a hacer lo que quisieran con ella (Yoko Ono había establecido un precedente una década antes en su ‘Cut Piece’). Una mesa replicada se dispone en la Royal Academy: cadenas, tijeras, látigos, una rosa, una manzana, una pistola cargada, que un hombre sostuvo en el cuello de Abramović. Su valentía era inigualable. Podéis verla con cortes en su cuerpo y totalmente impasible como una mártir aceptando su castigo.

La siguiente sala recrea su actuación ‘Balkan Baroque’ de 1997 en la Bienal de Venecia. Aunque los 1.500 huesos de ganado ensangrentados que había lavado entonces eran falsos aquí. Esta y la siguiente sala, donde podéis ver a Abramovic sobre un semental blanco sosteniendo una bandera blanca gigante en ‘El héroe’ (2001), ofrecen una visión del trasfondo de la artista.

Proveniente de Serbia y creciendo en un entorno hogareño estricto, sus padres fueron luchadores partisanos durante la Segunda Guerra Mundial, por lo que fueron galardonados con la Orden de los Héroes del Pueblo. La artista vivió con su abuela materna, quien era profundamente religiosa, hasta los 6 años en que se fue a vivir con sus padres después del nacimiento de su hermano. Su madre era una disciplinaria estricta que también infligía castigos físicos, lo que explica en cierta medida por qué Abramović siempre ha estado tan interesada en someter el cuerpo a la dureza. Estuvo expuesta a las artes desde temprana edad a través del trabajo de su madre en el Ministerio de Cultura.

En la amplia galería central, os encontraréis con películas en blanco y negro de la época en la que la artista realizaba actuaciones en los años 70 con su pareja en ese momento, el artista Ulay. Se abofetearán las caras, se gritarán mutuamente y se besarán. Pero una de estas obras destaca, que es ‘Rest Energy’, donde les veis realizando un peligroso acto de equilibrio con un arco y flechas. Si alguno de ellos cediera, uno de ellos habría muerto.

A partir de este punto de la exposición, podéis ver actuaciones recreadas por una nueva generación de artistas entrenados por Abramović en el Instituto Mariana Abramović. Los primeros artistas crean ‘Un par de postes de entrada humanos’, dos modelos desnudos creando una barrera para que los visitantes pasen a través. La obra recrea ‘Imponderabilia’, representada por primera vez en 1977 por la artista y Ulay. Los artistas pueden perturbar a algunos visitantes, pero sospecho que la efectividad de esto no es la misma que la original en los años 70.

Al avanzar a la siguiente parte de la exposición, las salas siguientes muestran su trabajo en solitario con ‘Objetos Transitorios’, donde se incorporan cristales y minerales e invitan a la participación del público. En esta etapa de su trayectoria, se había separado de Ulay, eligiendo una actuación caminando a lo largo de la Muralla China para despedirse, y cambió sus intereses hacia un enfoque curativo. La terapia de energía parece convertirse en una gran influencia en su trabajo a partir de entonces. Y a pesar de las críticas recibidas por ello, disfruté de estas obras, más que de otras, en realidad. Especialmente al entrar en la sala con un montón de manzanilla; el olor y los sonidos de las olas eran muy relajantes.

En una de las últimas salas, ‘La levitación de Santa Teresa’ (2009), en la que la artista, vestida de negro, cuelga sobre una cocina recreando una experiencia mística en memoria de la santa española, fue estéticamente interesante y una clara evidencia para mí del papel significativo que la espiritualidad ha tomado en su trabajo. La influencia de su abuela parece aflorar aquí.

Finalmente, la última sala acoge la recreación de su obra ‘La casa con vista al mar’, en la que la artista vivió en una casa construida durante 12 días tras los ataques terroristas del 11 de septiembre en Nueva York. La actuación invitó al público a presenciar y compartir el simple acto de vivir. Este trabajo no me impactó tanto, principalmente porque los trabajos que ella hace en los que se infligen castigos o dificultades al cuerpo no son mis preferidos.

Abramović ha creado un gran legado y se ha convertido en una pionera en el uso del cuerpo vivo para el arte. En su exploración del arte como vehículo para la transformación emocional y espiritual, ha seguido evolucionando a lo largo del tiempo y desafiando a su público. No verla ahora en las actuaciones, dada su edad, hace que sus obras sean un poco menos efectivas. Pero, aun así, creo que sigue siendo interesante saber y ver qué ha estado haciendo en cada momento.

La influencia de Abramović es innegable; se ha erigido como pionera en el uso del cuerpo en vivo para el arte, dejando un legado imponente. En su exploración del arte como medio para la transformación emocional y espiritual, ha evolucionado constantemente, desafiando a su audiencia. Aunque la ausencia de sus actuaciones en la actualidad, dada su edad, pueda restar un poco de impacto a sus obras, persiste el fascinante interés por descubrir y observar sus desarrollos en cada etapa.

One step more for post-structuralism

maquinaciones
21 junio – 28 agosto, 2023
Museo Reina Sofia, Madrid, Spain

In August, I was at the Reina Sofia Museum in Madrid and saw an art exhibition that I would like to talk about here, even though it has already ended. To develop this exhibition, the museum maintained an open collaborative research model with professionals from different backgrounds, generating synergies with other projects, activities and publications inside and outside the museum. It seems like a starting point for further research. For this reason, I reckon that it is still relevant to talk about it.

The theme of the exhibition takes shape around the two-volume work ‘Anti-Oedipus’ (1972) and ‘A Thousand Plateaus’ (1980) of “Capitalism and Schizophrenia” published by Gilles Deleuze, French philosopher, and Félix Guattari, psychoanalyst and French political activist. This work had an influential success; and with its critique of psychoanalytic conformism, it marked a significant step in the evolution of post-structuralism – a philosophical movement that emerged in France during the 1960s.

According to Félix Guattari and Gilles Deleuze, the idea of the machine undergoes a paradigm shift with respect to Marxist analyses of the industrial society. Until that point, it had been regarded simply as a technical instrument which alienated the individual, turning them into one more piece of machinery in capitalist production. After 1968, this judgement was reformulated into an abstract nucleus capable of containing infinite human and non-human relations.

Under this premise, a machine is the result of a series of connections between different components which respond to the demands of a series of circumstances and is prepared to the rhythm of its cuts and flows, ultimately disintegrating in the same manner as it was built.

This displacement from the static to the dynamic, from the individual to the collective, from the technological to the socio-political, highlights the opposition of the temporary and multiple nature of the machinic in facing the claim for eternity and uniformness of the structural. Therefore, the primordial role of the machine is “to machinate”; namely, to conspire against established power, to imagine new possible assemblages to invent the necessary means for radical transformation.

In accordance with this theoretical framework, the exhibition machinations explored different forms of resistance, coalition and creativity that materialises in the present with around fifty artists, most of them from the Mediterranean area and African continent and reflect on the historical and present-day circumstances of such territories. The works were presented across a broad array of formats and techniques that included drawing, painting, comic books, sculpture, theatre, dance, performance, installation, film, video and animation from a critical perspective.

If you have read my previous post, you know that I am interested in Post-modernism from the perspective of irreverence and skepticism to the “grand narratives” of modernism. Both Post-structuralism and Post-modernism focus on the question of representation and explore the ways in which dominant framings of world politics produce and reproduce relations of power: how they legitimate certain forms of action while marginalizing other ways of being.

I consider this exhibition as a good example within a field of research that has much more to bring about for the arts and many other disciplines, and I look forward to seeing other art shows evolving around this topic in future.

Un paso más para el postestructuralismo

maquinaciones
21 junio – 28 agosto, 2023
Museo Reina Sofía, Madrid, España

En agosto estuve en el museo Reina Sofia en Madrid y vi una exposición de arte de la que me gustaría hablar aquí a pesar de que ya ha terminado. Para desarrollar esta muestra el museo mantuvo un modelo abierto de investigación colaborativa con profesionales de distintos bagajes generando sinergias con otros proyectos, actividades y publicaciones dentro y fuera del museo. Parece un punto de partida para futuras investigaciones. Por eso considero que todavía es relevante hablar de ella.

El tema de la exposición toma forma a partir del trabajo en dos volúmenes ‘Anti-Oedipus’ (1972) and ‘A Thousand Plateaus’ (1980) de ‘Capitalismo y esquizofrenia’ publicados por Gilles Deleuze, filósofo francés, y Félix Guattari, psicoanalista y activista político francés. Dicha obra tuvo un éxito influyente; y con su crítica del conformismo psicoanalítico, marcó un paso significativo en la evolución del posestructuralismo – movimiento filosófico que surgió en Francia durante la década de 1960.

En el pensamiento de Félix Guattari y Gilles Deleuze, la idea de máquina experimenta un cambio de paradigma decisivo respecto a los análisis marxistas de la sociedad industrial. Hasta entonces había sido considerada como un simple instrumento técnico que alienaba al individuo para convertirlo en una pieza más del engranaje de la producción capitalista. A partir de 1968 este juicio se reformula como un núcleo abstracto capaz de contener una infinidad de relaciones humanas y no humanas.

Bajo esta premisa, una máquina es el resultado de una serie de acoplamientos entre distintos componentes que responde a las exigencias de una determinada coyuntura y se moviliza al ritmo de sus flujos o cortes internos, pudiendo llegar a desintegrarse del mismo modo que se constituyó.

Este desplazamiento de lo estático a lo dinámico, de lo individual a lo colectivo, de lo tecnológico a lo sociopolítico, incide en la oposición del carácter temporal y múltiple de lo maquínico frente a la pretensión de eternidad y uniformidad de lo estructural. En este sentido, “maquinar” supone la función primordial de la máquina, es decir, conspirar contra el poder establecido, imaginar nuevos agenciamientos posibles, inventar los medios necesarios para una transformación radical.

De acuerdo con este marco teórico, la exposición maquinaciones explora distintas formas de resistencia, coalición y creatividad que se dan en el presente a través de casi medio centenar de artistas. Estos proceden, en su mayoría, del área mediterránea y del continente africano, y reflexionan sobre las circunstancias históricas y actuales de dichos territorios. Las propuestas presentadas incluían una amplia variedad de formatos y técnicas como el dibujo, la pintura, el cómic, la escultura, el teatro, la danza, la performance, la instalación, el cine, el video o la animación desde una perspectiva crítica.

Si has leído mi post anterior, sabrás que estoy interesada en el posmodernismo desde la perspectiva de irreverencia y escepticismo hacia las “grandes narrativas” del modernismo. Tanto el posestructuralismo como el posmodernismo se centran en la cuestión de la representación y exploran las formas en que los marcos dominantes de la política mundial producen y reproducen relaciones de poder: cómo legitiman ciertas formas de acción mientras marginan otras formas de ser.

Considero esta exposición como un buen ejemplo dentro de un campo de investigación que tiene mucho más que lograr para las artes y muchas otras disciplinas, y espero ver similares muestras de arte que giren en torno a este tema en el futuro.

Sources: Reina Sofia website and Wikipedia.

Fibrous structures

Magdalena Abakanowicz
Every tangle of threat and rope
21 May 2023
Tate Modern, London, UK

This is the last weekend of this art exhibition at Tate Modern. If you haven’t seen it and you haven’t got other plans for the weekend, I encourage you to go. So far, it’s been my favourite art show this year, and certainly an interesting experience getting to know the work of this artist.

Magdalena Abakanowicz (1930-2017) was a Polish sculpture and fiber artist, known for her use of textiles as sculptural medium. Today she’s highly regarded as one of Poland’s most internationally acclaimed artists. She was born to an aristocratic family and lived in the countryside during her childhood, until the Second World War and subsequently the communist regime reversed their life.

Luckily the forest of her childhood used as an inspiration for her artworks was quite neutral, so the censorship to her work was milder than for other artists. An early show of her work, however, was shut down by the authorities for not actively engaging with the building of socialism. Individual expression had to be in service of the common good at the time. On the other side, the state encouraged cooperation between designers, craftspeople and artisans, which was used by Abakanowicz in her advatange. She became the pioneer of fiber-based sculpture and installation in the 1960s.

Abakanowicz was a weaver of sculptures. But what she did was so radical that it keeps amazing us today. She took the conventional flat tapestry woven for thousands of years and remade it in three dimensions. Her weavings are huge works suspended from the ceiling of organic quality. The artist takes you in a journey that showcases her ideas about nature’s power and our place in it as human beings.

As you enter the art show, you’re presented to smaller works that give you an overview of her beginnings as an artist, including naturalistic abstraction, geometric compositions filled with organic forms, some in paper, other in canvas. Her early tapestries are big, sombre abstracts of brown, beige and tan wool. Some parts are ragged, others braided. The resemble old carpets worn and tattered by lot of use.

Abakanowicz saw fibre, “as the basic element constructing the organic world… the tissue of plants, leaves and ourselves, our nerves, our genetic codes… We are fibrous structures.” she said.

Soon she outgrew the idea of making rectangular works and let the tapestries take a freer form hanging from the ceiling. She started by making them with curved, perforated and wavy shapes. Her works hanging from the ceiling are fibrous, twisted, knotted, and have ropes dangling nearby or animal horns, so that they seem to take on a life of their own. Its material warmth and earthy organic scent is comforting to the viewer.

The central room showcases a collection of dark works as described above; it was like encountering nature in its most basic, original state with its strength and comforting power. As you move along the show you start coming across the human body deconstructed in pieces. You’ll be arrested by the depictions of the female body, of opened labia, the body’s orifices and protuberances, breasts, pregnant bellies and so on.

One of the difficulties facing critics of Abakanowicz’s work through the 1960s and 70s was how to place the varied and multiform things she made. Were her wall-hangings and suspended woven works art at all? Was it craft or “applied art” or “fibre art”? Was it sculpture? Critics called her a “painter at the looms”, and described her works as “carpet creatures”. They even received the name of Abakans, coming from her surname.

This art exhibition at the Tate Modern is like a primal experience. As you move through the artworks a forest seem to emerge around you. Some dark works of art seem to be branching out like trees, others tangled like vines, others are like trunks opened to protect you from a storm. An ancient forest, primal and mysterious – all created from wool develops around you. And subsequently, a deconstruction of the human body, only to remember us that we are part of nature. Let’s not forget that!

Estructuras fibrosas

Magdalena Abakanowicz
Every tangle of threat and rope
21 mayo 2023
Tate Modern, Londres, Reino Unido

Este es el último fin de semana de esta exposición de arte en la Tate Modern. Si no la has visto y no tienes otros planes para el fin de semana, te animo a que vayas. Hasta ahora, ha sido mi exhibición de arte favorita este año, y sin duda una experiencia interesante conocer el trabajo de esta artista.

Magdalena Abakanowicz (1930-2017) fue una artista polaca de escultura y fibra, conocida por su uso de textiles como medio escultórico. Hoy en día es considerada como una de las artistas polacas más aclamadas internacionalmente. Nació en una familia aristocrática y vivió en el campo durante su infancia, hasta que la Segunda Guerra Mundial y posteriormente el régimen comunista cambiaron su vida.

Afortunadamente, el bosque de su infancia que usó como inspiración para su arte fue bastante neutral, por lo que la censura a su trabajo fue más leve que para otros artistas. Sin embargo, las autoridades cerraron una muestra temprana de su trabajo por no participar activamente en la construcción del socialismo. La expresión individual tenía que estar al servicio del bien común de la época. Por otro lado, el estado fomentó la cooperación entre diseñadores y artesanos, lo que fue aprovechado por Abakanowicz en su beneficio. Se convirtió en pionera de la escultura e instalaciones a base de fibra en la década de 1960.

Abakanowicz era tejedora de esculturas. Pero lo que hizo fue tan radical que hoy nos sigue sorprendiendo. Tomó el tapiz plano convencional tejido durante miles de años y lo rehízo en tres dimensiones. Sus tejidos son obras gigantescas suspendidas del techo de calidad orgánica. La artista te lleva en un viaje que muestra sus ideas sobre el poder de la naturaleza y nuestro lugar en ella como seres humanos.

Al entrar en la exposición de arte, se presentan obras más pequeñas que te brindan una descripción general de sus inicios como artista, incluida la abstracción naturalista, composiciones geométricas llenas de formas orgánicas, algunas en papel, otras en lienzo. Sus primeros tapices son resúmenes grandes y sombríos de lana marrón, beige y canela. Algunas partes están rotas, otras trenzadas. Se parecen a alfombras viejas gastadas y rotas por mucho uso.

Abakanowicz veía la fibra, “como el elemento básico que construye el mundo orgánico… el tejido de las plantas, las hojas y nosotros mismos, nuestros nervios, nuestros códigos genéticos… Somos estructuras fibrosas” dijo ella.

Pronto superó la idea de hacer obras rectangulares y dejó que los tapices tomaran una forma más libre colgando del techo. Empezó haciéndolas con formas curvas, perforadas y onduladas. Sus obras colgadas del techo son fibrosas, retorcidas, anudadas y tienen cuerdas colgando cerca o cuernos de animales de manera que parecen cobrar vida propia. Su calidez material y olor orgánico terroso es reconfortante para el espectador.

La sala central exhibe una colección de obras oscuras como he descrito arriba; fue como encontrarse con la naturaleza en su estado primigenio con toda su fuerza y poder reconfortante. A medida que avanzas en la muestra, comienzas a encontrarte con el cuerpo humano deconstruido en pedazos. Te cautivarán las representaciones del cuerpo femenino, de los labios abiertos, los orificios y protuberancias del cuerpo, los senos, las barrigas de embarazo, etc.

Una de las dificultades que enfrentaron los críticos del trabajo de Abakanowicz durante las décadas de 1960 y 1970 fue cómo ubicar las cosas variadas y multiformes que hizo. ¿Sus tapices y tejidos suspendidos eran arte en absoluto? ¿O era artesanía o “arte aplicado” o “arte de la fibra”? ¿Era escultura? Los críticos la llamaron “pintora de los telares”, y describieron sus obras como “criaturas de alfombra” e incluso recibieron el nombre de Abakans, proveniente de su apellido.

Esta exposición de arte en la Tate Modern es como una experiencia primaria. A medida que avanzas por la muestra, parece que un bosque emerge a tu alrededor. Algunas obras de arte oscuras parecen ramificarse como árboles, otras se enredan como vides, otras son como troncos abiertos para protegerte de una tormenta. Un bosque antiguo, primitivo y misterioso, todo creado a partir de lana se despliega a tu alrededor. Y luego, una deconstrucción del cuerpo humano a continuación, solo para recordarnos que somos parte de la naturaleza. ¡No olvidemos eso!

Disquieting apocalyptic visions

Mike Nelson
Extinction Beckons
22 Feb – 7 May 2023
Hayward Gallery, London, UK

I only found out about this exhibition when it had been open for over a month and it closes soon. But since it’s the first Mike Nelson survey exhibition to date, I didn’t want to miss it. In my opinion, he is one of the most notable British artists working today, whom I covered previously on this other post about his art show at the Duveen gallery in Tate Britain in 2019.

‘Extinction Beckons’ brings together many installations taken from different places, many of which are presented here for the first time since they were initially exhibited. For this survey, rather than rebuild past works, Nelson has reimagined them, breaking them up and recontextualising them.

Nelson draws on science fiction for its narrative construction and is not tied to representations of the real world. He combines different architectural spaces with no clear relation to one another. We can only find this in a novel or in film, or in virtual reality, but we cannot find this in the real world. What’s more, he adds such a level of detail that it feels real.

Constructed with materials rummaged from salvage yards, junk shops, auctions and flea markets, his installations have some sort of disquieting life-like quality, in which past, present and future are hard to pin down. Highlighting his interest on the idea of time as a fluid concept. Often the abandoned-looking spaces Nelson creates contain traces of past activities and people, but their uncanny atmosphere makes them appear like visions of a dystopian future.

The first room you encounter as you enter the art show is a red and dim-lit room that seemed to resemble a photographic dark room with shelves full of the sort of material you would find in a shed in your garden. That light and the set up bring you into a time-lagged alternative dimension.

The next big installation is a complex labyrinth made of wood, which makes you go from one room to another with the sound of screeching doors and flickering lights in some of them, a phone that doesn’t ring and an old fan in motion. This messed my sense of orientation, and I couldn’t avoid feeling anxious as I moved from one room to the next. I must say that I have an aversion to claustrophobic spaces. I wasn’t sure whether I had travelled back in time or this was part of an apocalyptic view of the future.

As you climb up the stairs, you encounter a room full of sand and burnt-out tyres that includes a half-burying shed with a photographic lab inside filled with red light. This is Nelson’s vision of an abandoned woodshed ‘drowned in a desert’, which references the iconic work by American artist Robert Smithson ‘Partially buried woodshed’. A hint to a sci-fi portrayal of a post-apocalyptic world. Making his work during the Iraq war, Nelson substituted sand for Smithson’s earth and added the oil barrels to evoke a Middle Eastern landscape.

The following room includes some of the pieces he used through “The Asset Strippers” at Tate Britain a few years ago to reflect on the death of the manufacturing industry in the UK with the lost jobs and the impact it had in many lives. Nelson’s sculpture alludes to the industrial functions of metal. He allows his objects to be relics first, sculptures second, and machines again with a mysterious appearance that makes you look at them in a new light. See the new version I’m including of the ‘Magical thinking and twisted logic…’ in comparison to the one we made at Tate Britain with The art blackberry on it.

The art blueberry interacting with Mike Nelson’s installation ‘Magical thinking and twisted logic…’.

With all his references to sci-fi, failed political movements, dark histories, countercultures, while also using references to capitalism, colonialism, war and the environment, he seems to bring us to alternative ways of living and thinking in an increasingly homogenised and globalised world. He has been particularly inspired by authors such as William Burroughs, Arkady and Boris Strugatsky, J.G. Ballard and Stanislaw Lemr.

The sequence of installations recreated for this survey exhibition immerse the viewer in a psychologically charge space that manages to disorient and encapsulate you. His work is highly emotional and disquieting, but also a good view into the artist’s complex thought process.

The little art gooseberry interacting with Mike Nelson’s installation at the Hayward gallery.

Inquietantes visiones apocalípticas

Mike Nelson
Señales de extinción
22 de febrero – 7 de mayo de 2023
Hayward Gallery, Londres, Reino Unido

Sólo supe de esta exposición cuando llevaba abierta más de un mes y cierra pronto. Pero dado que es la primera retrospectiva de Mike Nelson hasta la fecha, no quería perdérmela. En mi opinión, es uno de los artistas británicos más notables que hay en la actualidad, a quien cubrí anteriormente en este post sobre su exposición de arte en la galería Duveen en Tate Britain en 2019.

‘Extinction Beckons’ reúne muchas instalaciones tomadas de diferentes lugares, muchas de las cuales se presentan aquí por primera vez desde que se exhibieron inicialmente. Para esta retrospectiva, en lugar de reconstruir obras anteriores, Nelson las ha vuelto a imaginar, dividiéndolas y recontextualizándolas.

Nelson se inspira en ciencia ficción para su construcción narrativa y no se ata a representaciones del mundo real. Combina diferentes espacios arquitectónicos sin una clara relación entre ellos. Solo podemos encontrar esto en una novela o en una película, o incluso en la realidad virtual, pero no podemos encontrarlo en el mundo real. Además, agrega tal nivel de detalle que parece real.

Construidas con materiales extraídos de chatarrerías, subastas y mercadillos, sus instalaciones tienen una especie de inquietante parecido a la realidad, en las que el pasado, el presente y el futuro son difíciles de precisar. Esto destaca su interés por la idea del tiempo como un concepto fluido. A menudo, los espacios de aspecto abandonado que crea Nelson contienen rastros de actividades y personas pasadas, pero su extraña atmósfera los hace parecer visiones de un futuro distópico.

La primera habitación con la que te encuentras al entrar en la exposición de arte es una habitación roja y tenuemente iluminada que parece una habitación oscura fotográfica con estantes llenos de todo tipo de material que encontrarías en un cobertizo en tu jardín. Esa luz y la configuración te llevan a una dimensión alternativa en el tiempo en la que pudiera haber un retraso entre causa y efecto.

La siguiente gran instalación es un complejo laberinto de madera, que te hace ir de una habitación a otra con el sonido de puertas chirriando y luces parpadeantes en algunas, un teléfono que no suena y un viejo ventilador en movimiento. Esto confundió mi sentido de la orientación y no pude evitar un sentimiento de ansiedad mientras me movía de una habitación a la siguiente. Debo decir que tengo aversión a los espacios claustrofóbicos. No estaba segura de si había viajado en el tiempo o si esto era parte de una visión apocalíptica del futuro.

A medida que subes las escaleras, te encuentras con una habitación llena de arena y llantas quemadas que incluye un cobertizo semienterrado con un laboratorio fotográfico lleno de luz roja. Esta es la visión de Nelson de la icónica obra del artista estadounidense Robert Smithson ‘Partially buried woodshed’. Una pista para una representación de ciencia ficción de un mundo postapocalíptico. Al realizar su trabajo durante la guerra de Irak, Nelson sustituyó la arena por la tierra de Smithson y agregó los barriles de petróleo para evocar un paisaje de Oriente Medio.

La siguiente sala incluye algunas de las piezas que usó para la muestra “The Asset Strippers” en Tate Britain hace unos años para reflexionar sobre la muerte de la industria manufacturera en el Reino Unido con la pérdida de empleos y el impacto que tuvo en muchas vidas. Las esculturas de Nelson aluden a las funciones industriales del metal. Permite que sus objetos sean primero reliquias, luego esculturas y máquinas nuevamente con una apariencia misteriosa que te hace mirarlos bajo una nueva luz. Podéis ver la nueva versión que incluyo del ‘Pensamiento mágico y lógica retorcida…’ en comparación con la que hicimos en la Tate Britain con The art blackberry en ella.

Con todas sus referencias a la ciencia ficción, los movimientos políticos fallidos, las historias oscuras, la contracultura, así como las referencias que hace al capitalismo, el colonialismo, la guerra y el medio ambiente, parece llevarnos a formas alternativas de vivir y pensar en un mundo cada vez más homogeneizado y globalizado. Nelson parece haber sido particularmente inspirado por autores como William Burroughs, Arkady y Boris Strugatsky, J.G. Ballard y Stanislaw Lemr.

La secuencia de instalaciones recreadas para esta retrospectiva sumerge al espectador en un espacio de carga psicológica que logra desorientarlo/a y encapsularlo/a. Su trabajo es muy emotivo e inquietante, pero también una buena visión del complejo proceso de pensamiento del artista.

Experimenting with art under communism

Maria Bartuszová
20 September 2022 – 16 April 2023
Tate Modern, London, UK

The Slovak sculptor (1936–1996) was born in Prague and worked over three decades in Košice, the second largest city in Slovakia. She made strongly experimental art under communism, with no links to the western art world and even getting state support for some of her distinctive evocative creations.

Bartuszová developed her own techniques that included filling balloons with plaster and modelling objects by submerging them in water or blowing air into them. The stretchy shapes of balloons released new kinds of artistic form – some of these works suggest raindrops, seeds or eggs; others, the human body in interesting erotic ways. See some pictures we took at the art exhibition below.

The artworks presented at the Tate were made mostly from plaster, so they could be sculpted cheaply and easily when she was a young mother working from home in the 1960s. Resourcefulness was key in gathering props in a time of material scarcity: she cast her models in small rubber balloons, condoms or even car tyres.

These spatial compositions were built to be touched, picked apart and reassembled. She used them in workshops with blind and partially sighted children in eastern Slovakia. This was documented by local curator Gabriel Kladek. See some photos taken at these workshops below.

She admired early 20th-century artists such as Brâncuşi, Miró and Henry Moore who transformed natural shapes into abstract art. But this modern tradition of “biomorphic abstraction” undergoes a disturbed rebirth when it’s passed through her balloons. Her organic shapes are sometimes fleshly, other times sort of disconcerting. They touch on themes such as belonging, growth and infinity.

In the 1970s, Bartuszová as well as other Czechoslovak artists, living under a totalitarian regime, was drawn towards spirituality. Nature gave the artist a setting for therapeutic and meditative contemplation. This inspired her to create works in which the plaster is merged with living and inanimate natural objects, such as stones or tree branches, which for her symbolised the strong bonds and constraints of human relationships.

Maria Bartuszova’s art exhibition comes at a time when the art world seems to be trying to redeem itself by bringing attention to female artists, who were previously ignored in comparison to their male counterparts working in the same period.

Her work was barely recognised for its worth in socialist Czechoslovakia. But, over the past 15 years the appreciation for her art has broadly grown. Currently, her work is included in the Centre Pompidou in Paris, the Slovak National Gallery in Bratislava and the Tate in London. And it is part of a curated selection at the Venice Biennale titled “Milk of Dreams”, Arsenale Area (April-November 2022).

As a mother of two young children working from home, I felt identified with the artist from the perspective of looking for new ways to entertain my kids at home making art. Her work was exploratory and very involving with audiences, something that we, The art berries, really admire.

Price: £16 / Free for Members.

Experimentando con arte bajo el comunismo

María Bartuszová
20 de septiembre de 2022 – 16 de abril de 2023
Tate Modern, Londres, Reino Unido

La escultora eslovaca (1936–1996) nació en Praga y trabajó durante tres décadas en Košice, la segunda ciudad más grande de Eslovaquia. Su arte de tipo experimental fue creado bajo el comunismo, sin vínculos con el mundo del arte occidental, e incluso consiguiendo apoyo estatal para algunas de sus distintivas evocadoras creaciones.

Bartuszová desarrolló sus propias técnicas que incluían llenar globos con escayola y modelar objetos sumergiéndolos en agua o soplando aire dentro. Las formas elásticas de los globos lanzaron nuevos tipos de formas artísticas: algunas de estas obras sugieren gotas de lluvia, semillas o huevos; otras, el cuerpo humano con interesantes formas eróticas. Se pueden ver algunas fotos que tomamos en la exhibición más abajo.

Las obras de arte presentadas en la Tate estaban hechas principalmente en escayola, por lo que pudo esculpirlas de forma económica y sencilla cuando era una madre joven trabajabando desde casa en la década de 1960. El ingenio fue clave en la recopilación de accesorios en una época de escasez de material: moldeó sus prototipos en pequeños globos de goma, condones o incluso neumáticos de automóviles.

Estas composiciones espaciales fueron construidas para ser tocadas, separadas y reensambladas. La artista las usó en talleres con niños ciegos y deficientes visuales en el este de Eslovaquia. Lo que fue documentado por el comisario de arte local Gabriel Kladek. Puedes ver algunas fotos tomadas en estos talleres a continuación.

Bartuszová admiró a artistas de principios del siglo XX como Brâncuşi, Miró y Henry Moore, quienes transformaron las formas naturales en arte abstracto. Pero esta tradición moderna de “abstracción biomórfica” experimenta un renacimiento perturbado cuando pasa a través de sus globos. Sus formas orgánicas son a veces carnales, otras veces algo desconcertantes. Tocan temas como la pertenencia, el crecimiento y el infinito.

Bartuszová, al igual que otros artistas checoslovacos de la década de 1970, que vivían bajo un régimen totalitario, se sintió atraída por la espiritualidad. La naturaleza le dio a la artista un escenario para la contemplación terapéutica y meditativa. Esto la inspiró a crear obras en las que el yeso se fusiona con objetos naturales vivos e inanimados, como piedras o ramas de árboles, que para ella simbolizan los fuertes lazos y las limitaciones de las relaciones humanas.

La exhibición de arte de Maria Bartuszová llega en un momento en que el mundo del arte parece estar tratando de redimirse centrando su atención en artistas femeninas que antes eran ignoradas, en comparación con sus homólogos masculinos que trabajaban en el mismo período.

Su trabajo apenas fue reconocido por su valor en la Checoslovaquia socialista. Pero, en los últimos 15 años, el aprecio por su arte no ha hecho más que crecer. Actualmente, su trabajo se incluye en el Centro Pompidou en París, la Galería Nacional Eslovaca en Bratislava y la Tate en Londres. Y forma parte de una selección de obras actualmente en la Bienal de Venecia titulada “Milk of Dreams”, Arsenale Area (abril-noviembre de 2022).

Como madre de dos niños pequeños que trabaja desde casa, me sentí identificada con la artista desde la perspectiva de buscar nuevas formas de entretener a mis hijos en casa haciendo arte. Su trabajo es exploratorio y muy participativo con el público, algo que nosotras, The art berries, realmente admiramos.

Precio de la entrada: £16 / Gratis para miembros.

Silver memories

Cornelia Parker
19 May 2022 – 16 October 2022
Tate Britain, London, UK

You cannot miss the art show of the season in London: Cornelia Parker at Tate Britain. The British conceptual artist is 65 and one of the most recognisable and acclaimed contemporary artists working today. Perhaps this exhibition was long time overdue.

From all her body of work my favourite pieces are her art installations. Poetic and mesmerising, they catch your imagination and invite you to reflection. The artist likes playing with concepts, using visual metaphors to investigate the nature of violence, ecology, national identity and human rights.

The art show opens with the enthralling “Thirty Pieces of Silver” (1988-89). Thirty groups of silverware hovering inches above the ground in darkness. Parker steamrollered them to take away their volume leaving them as flat as the Disney cartoons deaths of Roadrunner we used to watch when we were kids.

The artist talks about the anxiety she suffered when she made this artwork knowing her East London home was going to be demolished to make away for the M11 link road. Would have that contributed to the urge of destruction she suffered before creating this work? The name was taken from the Bible, as thirty was the number of coins Judas received for betraying Jesus. I really liked looking at these silverware pieces from a different perspective, completely flat hanging from the ceiling. They are like part of an old empire; a reminiscence of good old times we reverence now with nostalgia.

The next other big art installation present in this exhibition is “Cold Dark Matter: An Exploded View” (1991). A shed she exploded with the help of the British Army. Parker reconstructed it mid-boom as a frozen moment of vandalism. The shadows projected on the walls are as important as the work itself, as they contribute to the sensation of us being part of a bigger cosmos.

And again, flattened silver in another dim lit room full of suspended flattened trombones and trumpets with her work “Perpetual Cannon” (2004), all arranged in a circle like a ghost band in a different dimension.

Another art installation I found interesting for its originality was “War Room” (2015). A room covered with rolls of red paper with perforations where poppies had been punched out. The absence of the poppies is very meaningful because a lot of people went to the war and didn’t return home. This piece was made by Parker in response to an invitation to make a work about the I World War. The shape of the tent is inspired by the tent that Henri VIII did for a peace summit with the French king in 1520. The peace lasted only for one year. Not very succesful!

Then, the art show includes multiple works used by the artist to tell stories about things that matter to her, not exempt of irony. Among them the marks left by workmen pointing the perimeter walls of Pentonville prison, photographed by Parker, look like an abstract painting. They were all painted white soon after, and a few hours later, a murdered escaped from the prison after scaling the walls. Or the black and white pictures taken with a camera that once belonged to Auschwitz commander Rudolf Höss.

Parker’s work is also an art of collaborations, such as with the embroidery of the Wikipedia entry on the Magna Carta, whose lettering has been sewn by prisoners and professional embroiderers, including Edward Snowden and Julian Assange.

Despite the certain artificiality or excessive logic applied to her work, I like the way in which she constructs and deconstructs, destroys and remakes the objects and the environment that surround us, making us think about further meanings and associations that connect us all in the universe.

Recuerdos de plata

Cornelia Parker
19 mayo 2022 – 16 octubre 2022
Tate Britain, Londres, Reino Unido

No te puedes perder la muestra de arte de la temporada en Londres: Cornelia Parker en Tate Britain. La artista conceptual británica tiene 65 años y es una de los artistas contemporáneas más reconocibles y aclamadas de la actualidad. Tal vez esta exposición se retrasó mucho tiempo.

De todo su trabajo mis obras favoritas son sus instalaciones de arte; poéticas e hipnotizantes, atrapan tu imaginación y te invitan a la reflexión. A la artista le gusta jugar con conceptos, utilizando metáforas visuales para investigar la naturaleza de la violencia, la ecología, la identidad nacional y los derechos humanos.

La exposición comienza con la fascinante obra “Treinta piezas de plata” (1988-89). Treinta grupos de vajilla plateada flotando a centímetros del suelo en la oscuridad. Parker los aplastó para quitarles el volumen dejándolos tan planos como las muertes del Correcaminos de los dibujos animados de Disney que solíamos ver cuando éramos niños.

La artista habla de la ansiedad que sufrió cuando hizo esta instalación de arte sabiendo que su casa del este de Londres iba a ser demolida para dar paso a la carretera de enlace M11. ¿Contribuiría eso a la urgencia de destrucción que sufrió antes de crear este trabajo? El nombre de la obra fue tomado de la Biblia, ya que treinta era el número de monedas que recibió Judas por traicionar a Jesús. Me gustó mucho mirar estas piezas de platería desde una perspectiva diferente, completamente planas colgando del techo. Son como parte de un antiguo imperio; una reminiscencia de los buenos tiempos que ahora recordamos con nostalgia.

La siguiente gran instalación de arte presente en esta exposición es “Cold Dark Matter: An Exploded View” (1991). Un cobertizo que explotó con la ayuda del ejército británico. Parker lo reconstruyó a mitad de la explosión como un momento congelado de vandalismo. Las sombras proyectadas en las paredes son tan importantes como la obra misma, ya que contribuyen a la sensación de que somos parte de un cosmos mayor.

Y de nuevo, plata aplastada en otra habitación tenuemente iluminada llena de trombones y trompetas aplastados suspendidos con su obra “Perpetual Cannon” (2004), todos dispuestos en círculo como una banda fantasma en una dimensión diferente.

Otra instalación de arte que encontré interesante por su originalidad fue “War Room” (2015). Una habitación cubierta con rollos de papel rojo con perforaciones donde se habían troquelado amapolas. La ausencia de las amapolas es muy significativa por toda la gente que fue a la guerra y no volvió a casa. Esta pieza fue realizada por Parker en respuesta a una invitación para realizar un trabajo sobre la I Guerra Mundial. La forma de la carpa está inspirada en la carpa que hizo Enrique VIII para una cumbre de paz con el rey francés en 1520. La paz duró solo un año. ¡No muy exitosa!

Luego, la muestra de arte incluye múltiples obras utilizadas por la artista para contar historias sobre cosas que le importan, no exentas de ironía. Entre ellas, las marcas dejadas por los obreros señalando los muros perimetrales de la prisión de Pentonville, fotografiadas por Parker, parecen una pintura abstracta. Todas fueron pintadas de blanco después, y unas horas más tarde, un asesinado escapó de la prisión tras escalar los muros. O las fotografías en blanco y negro tomadas con una cámara que una vez perteneció al comandante de Auschwitz Rudolf Höss.

El trabajo de Parker también es un arte de colaboraciones, como con el bordado de la entrada de Wikipedia en la Carta Magna, cuyas letras han sido cosidas por prisioneros y bordadores profesionales, incluyendo Edward Snowden y Julian Assange.

A pesar de cierta artificialidad o excesiva lógica aplicada a su trabajo, me gusta la forma en que construye y deconstruye, destruye y rehace los objetos y el entorno que nos rodea, haciéndonos pensar en significados y asociaciones adicionales que nos conectan a todos nosotros en el universo.

The art blueberry with Cornelia Parker’s *Thirty Pieces of Silver*

The art blueberry in Cornelia Parker’s *War Room*

Rethinking the world

Lubaina Himid
25 November 2021 – 2 October 2022
Tate Modern, London, UK

The art exhibition I’ve selected in this occasion is one by Lubaina Himid, currently on show at Tate Modern, London. She is a British artist and curator known for being one of the first artists involved in the UK’s Black Art movement in the 1980s, and for becoming the first black woman to win the Tuner Prize in 2017. Born in Zanzibar to a white English mother and a black African father, she was brought to London soon after her dad’s premature death.

Himid was trained in theather design and received her master’s degree in Cultural History from the Royal College of Art in London, both training very relevant to understand her art practice. Over the last decade, she has earned international recognition for her figurative paintings, which explore overlooked and invisible aspects of history and of contemporary everyday life.

As I entered the art show, I was surrounded by bright colours with painted questions across the walls, such as: ‘what does love sound like?’, ‘what are monuments for?’, and most importantly ‘we live in clothes, we live in buildings – do they fit us?’ It may be a bit early on the show to be confronted with those questions. But, it forces you to rethink about the world we live in from the very beginning, which is in my opinion one of the strongest points of this art show.

Along the exhibition, she presents what life would be like if she could build it herself as opposed to accepting what’s already created for us. A wagon painted with fish (see below), a jelly moulds covered in African patterns, paintings representing buildings that twist, etc. Like a proposal for a new world architecture.

What least convinced me about this art show was her attempt to make you feel like an actor within a theatre stage with various sound installations across the show. It wasn’t something I felt related to. I prefer her bright, flat-perspective paintings. They are conceptually and aesthetically interesting . However, I didn’t see that this exhibition represents very well who was once one of the first artists involved in the UK’s Black Art movemen. It was a bit light from that perspective.

Having said that, it was interesting for me to see what one of the most relevant British artist have been working on most recently, and I appreciate her interest to make you rethink about the world in a new way; particularly relevant to design students, but to all of us as well. Let’s not accept everything that’s given to us. Let’s try to apply changes and build a better world; more caring, more imaginative and ultimately more exciting.

Repensar el mundo

Lubaina Himid
25 noviembre 2021 – 2 octubre 2022
Tate Modern, Londres, Reino Unido

La exposición de arte que he seleccionado en esta ocasión es una de Lubaina Himid, actualmente expuesta en la Tate Modern de Londres. Es una artista y comisaria de arte británica conocida por ser una de las primeras artistas involucradas en el movimiento Black Art del Reino Unido en la década de 1980 y por ser la primera mujer negra en ganar el Premio Tuner en 2017. Nacida en Zanzíbar de madre blanca inglesa y de padre negro africano, la trajeron a Londres poco después de la muerte prematura de su padre.

Himid se formó en diseño teatral y recibió su master en Historia Cultural del Royal College of Art de Londres, ambas titulaciones muy relevantes para comprender su práctica artística. Durante la última década, se ha ganado el reconocimiento internacional por sus pinturas figurativas, que exploran aspectos invisibles de la historia y de la vida cotidiana contemporánea.

Cuando entré en la exposición de arte, me ví rodeada de colores brillantes con preguntas pintadas en las paredes, como: “¿cómo suena el amor?”, “¿para qué son los monumentos?” y, lo que es más importante, “vivimos vestidos, vivimos en edificios, ¿se adaptan a nosotros?” Puede ser un poco temprano en la muestra para enfrentar al visitante a esas preguntas. Pero, te fuerza a repensar el mundo en el que vivimos desde el principio, que es en mi opinión uno de los puntos fuertes de esta muestra de arte.

A lo largo de la exposición, presenta cómo sería la vida si pudiera construirla ella misma en lugar de aceptar lo que ya está creado para nosotros. Una carreta pintada con peces (ver más abajo), unos moldes de gelatina cubiertos de motivos africanos, cuadros que representan edificios que se retuercen, etc. Como propuesta de una nueva arquitectura mundial.

Lo que menos me convenció de esta muestra de arte fue su intento de hacerte sentir como un actor dentro del escenario de un teatro con varias instalaciones de sonido a lo largo de la muestra. No fue algo con lo que me sintiera relacionada. Prefiero sus pinturas brillantes y de perspectiva plana. Son conceptual y estéticamente interesantes. Aunque, no me pareció que esta exhibición represente muy bien a quien alguna vez fue una de los primeras artistas involucrados en el movimiento Black Art del Reino Unido. Era un poco suave desde esa perspectiva.

Habiendo dicho eso, fue interesante para mí ver en qué ha estado trabajando recientemente una de las artistas británicas más relevantes, y aprecio su interés por hacerte repensar el mundo de una manera nueva; particularmente relevante para estudiantes de diseño, pero también para cualquiera de nosotros. No aceptemos todo lo que nos viene dado. Tratemos de aplicar cambios y construir un mundo mejor; más solidario, más imaginativo y en definitiva más emocionante.

Sewing dark memories

Louise Bourgeois
The Woven Child
9 February 2022 – 15 May 2022
Hayward Gallery, Southbank Centre, London, UK

If you’re looking for things to do during the Easter break, and you happen to be in London, I recommend you to go to see the Louise Bougeois art exhibition there is currently at the Hayward gallery. It’s a good opportunity to immerse yourself in Bougeois’ personal universe with good doses of eerie darkness, intimacy and creativity.

I normally enjoy entering the individual universe of an artist, looking at different sources of inspiration and forms of expression. And when it comes to this show, I’d say that the characteristics of this gallery and the set up of the show both contribute to immerse visitors into the personal universe of the artist quite effectively, so I found it was an interesting experience.

The exhibition called “The Woven Child” is the first retrospective focused on the works she made with fabrics and textiles during the last 20 years of her career, between the mid-1990s and her death in 2010. Bourgeois decided to break with traditional sculptural materials and return to her roots. Most of the works included are figurative sculptures, made from household textiles, including clothing, linens, and tapestry fragments that she obtained from her own family and personal history.

Her connection to the fabric began very early and was part of her identity. The artist helped in her family’s tapestry restoration workshop in France, and we know that growing up was traumatic with an oppressive father. The actions of creating these works -cutting, tearing, sewing, joining- relate them to notions of reparation and to the trauma of separation and abandonment in metaphorical terms. The exhibition explores what the artist, in her own words, called “the magical power of the needle… to repair the damage” and to offer “a claim for forgiveness.”

Part of the selection of figurative sculptures was a selection of the artist’s fabric heads displayed with their different misterious and unsettling portraits, and a comprehensive range of missing limbs and bodies intertwined and presented in vitrines or hanging from the ceiling. Most of them were downstairs, where you can experience her work in a more dramatic and intimate way, perhaps because of the dim lighting that is predominant there.

The art show includes also some of Bourgeois’s monumental Cells, such as “The imposing installation Spider” (1997) and displayed on the top floor, and the related Cell piece “Lady in Waiting” (2003). In these installations, she hanged old dresses, slips and nightwear, and included fragments of antique tapestry, as well as a huge spider sculpture made of steel.

The spider was for Bourgeois both a protector and a predator, and she associated it with her mother, who was a weaver and a tapestry restorer. The spider’s ability to weave a web from its own body was a metaphor Bourgeois also used to describe her own artistic process. While you’re peeping through the cells you find yourself getting closer to the artist intimacy and part of the storytelling she skillfully had sewn around you.

In addition to these art installations, we could see a selection of fabric drawings, books, prints and collages upstairs, as well as several of the artist’s non-figurative sculptures called “progressions”, columns of stacked textile blocks of lozenges, organised in ascending and descending order – a return to the vertical works she did in the 1940s and 1950s. These non-figurative works were very evocative of her childhood and had less of a dark overtone as the figurative ones.

Going through this exhibition was like penetrating the artist’s mind and exploring her concerns, such as identity, sexuality, family, reparation, the subconscious and memory. All these themes expressed by the artist very effectively thanks to the use of fabrics mostly, a material that was so close to her personal history. I hope you enjoy the photos of the interactions we made with the artworks.

Cosiendo recuerdos oscuros

Louise Bourgeois
The Woven Child
9 Febrero 2022 – 15 Mayo 2022
Hayward Gallery, Southbank Centre, Londres, Reino Unido

Si estás buscando cosas que hacer durante las vacaciones de Semana Santa y te encuentras en Londres, te recomiendo que vayas a ver la exposición de arte de Louise Bougeois que hay actualmente en la galería Hayward. Es una buena oportunidad para sumergirse en el universo personal de Bougeois con buenas dosis de misteriosa oscuridad, intimidad y creatividad.

Normalmente disfruto adentrándome en el universo individual de un artista, mirando diferentes fuentes de inspiración y formas de expresión. Y en lo que respecta a esta muestra, diría que las características de esta galería y la configuración de la exposición contribuyen a sumergir a los visitantes en el universo personal de la artista bastante eficazmente, por lo que me pareció interesante la experiencia.

La muestra denominada “The Woven Child” es la primera retrospectiva centrada en las obras que realizó con telas y textiles durante los últimos 20 años de su carrera, entre mediados de la década de 1990 y su muerte en 2010. Bourgeois decidió romper con los materiales escultóricos tradicionales y volver a sus raíces. La mayoría de las obras incluidas son esculturas figurativas, elaboradas con textiles domésticos, incluidas prendas de vestir, ropa de cama y fragmentos de tapices que obtuvo de su propia historia familiar y personal.

Su conexión con la tela comenzó muy temprano y era parte de su identidad. La artista ayudaba en el taller de restauración de tapices de su familia en Francia, y sabemos que su crecimiento fue traumático con un padre opresivo. Las acciones de crear estas obras -cortar, rasgar, coser, unir- las relaciona con las nociones de reparación y con el trauma de la separación y el abandono en términos metafóricos. La muestra explora lo que la artista, en sus propias palabras, llamó “el poder mágico de la aguja… para reparar el daño” y para ofrecer “un reclamo de perdón”.

Parte de la selección de esculturas figurativas fue una selección de cabezas de tela de la artista expuestas con sus diferentes retratos misteriosos e inquietantes, y una amplia gama de miembros perdidos y cuerpos entrelazados y presentados en vitrinas o colgados del techo. La mayoría estaban en la planta baja, donde se puede vivir su obra de una forma más dramática e íntima, quizás por la tenue iluminación que allí predomina.

La muestra de arte incluye también algunas de las Celdas monumentales de Bourgeois, como “La imponente instalación Araña” (1997) y expuesta en la planta de arriba, y la pieza de Celda relacionada “La dama de espera” (2003). En estas instalaciones, colgó viejos vestidos, combinaciones y ropa de dormir, e incluyó fragmentos de tapices antiguos, así como una enorme escultura de araña hecha de acero.

La araña era para Bourgeois tanto protectora como depredadora, y la asociaba con su madre, que era tejedora y restauradora de tapices. La habilidad de la araña para tejer una telaraña con su propio cuerpo fue una metáfora que Bourgeois también usó para describir su propio proceso artístico. Mientras miras a través de las celdas, te encuentras acercándote a la intimidad de la artista y parte de la narración que hábilmente ha tejido a tu alrededor.

Además de estas instalaciones artísticas, en el piso de arriba pudimos ver una selección de dibujos en tela, libros, grabados y collages, así como varias de las esculturas no figurativas de la artista llamadas “progresiones”, columnas de bloques textiles apilados de rombos, organizadas de forma ascendente y orden descendente – un regreso a las obras verticales que hizo en los años 40 y 50. Estas obras no figurativas evocaban mucho su infancia y tenían un matiz menos oscuro que las figurativas.

Recorrer esta exposición fue como penetrar en la mente de la artista y explorar sus inquietudes, tales como la identidad, la sexualidad, la familia, la reparación, el subsconsciente y la memoria. Todas estos temas expresados por la artista de forma muy efectiva gracias al uso de las telas mayoritariamente, un material que para ella era tan cercano a su historia personal. Espero que os gusten las fotos de las interacciones que hicimos con las obras de arte.