As a Spaniard, I felt compelled to explore this exhibition when I saw its title. The House of Bernarda Alba is a well-known play by Spanish dramatist Federico García Lorca, often grouped with Blood Wedding and Yerma as part of his Rural Trilogy. García Lorca completed it in June 1936, two months before his assassination during the Spanish Civil War. He described the play as “a drama of women in the villages of Spain.” In a country where, in the 1930s, more than half of the population lived in towns of fewer than 10,000 inhabitants, the social patterns depicted in the play were highly representative of that era.
To give some context, the play focuses on events in a household in Andalusia during a period of mourning. The domineering matriarch, Bernarda Alba, wields absolute control over her five daughters, aged between 20 and 39, forbidding them from forming relationships. The imposed mourning period isolates the family further, intensifying the tensions within the household.
Moving back to the art exhibition at Elizabeth Xi Bauer gallery, it transforms the gallery space into an immersive indoor-outdoor experience. Onwochei-Garcia’s large, suspended paintings construct a house-like environment that guides the viewer’s movement, while Llewellyn-Jones’s photographs and oil-on-pastel works create a foreboding landscape that amplifies the setting’s unease. Together, the artists evoke a layered space resonating with tension and disquiet.
As you enter the gallery, you encounter Onwochei-Garcia’s large figurative oil paintings, which hang unstretched from the ceiling to form the shape of a house or amphitheatre in the centre of the space. Llewellyn-Jones’s works occupy the walls, allowing visitors to explore the reverse side of the washi paper, revealing ‘negative’ or inverted underpaintings.
Elena Njoabuzia Onwochei-Garcia, born in Bristol, UK, lives and works in Glasgow. In 2023, she was selected as a recipient of the Bloomberg New Contemporaries award. She was also shortlisted for the Robert Walters Group UK New Artist of the Year Award, with her work included in the accompanying exhibition at Saatchi Gallery in London.
Onwochei-Garcia’s works are particularly poignant in the context of this exhibition. Painted in shades of red, black, and brown, her pieces depict barely human figures in an atmosphere of unrest, effectively conveying pain and trauma. She created these works shortly after the Brexit Bill passed through Parliament, borrowing the claustrophobic setting of a nearly 90-year-old play to express contemporary feelings of hopelessness.
One standout painting, Los Espectadores (2023), left a strong impression on me. It depicts figures that are part-human, part-animal, and part-indecipherable, hiding in darkness as they await a performance. The piece draws on the formalized, rigid structures of 16th-century Spanish dramas to explore the tension between those who act and those who govern. Through this work, Onwochei-Garcia reflects her belief that oppression recurs throughout history, often leaving behind feelings of isolation and denial.
Onwochei-Garcia’s artistic process incorporates art historical and literary sources, influences that are particularly evident in her smaller works on paper. These pieces echo the aesthetics of Francisco Goya’s Black Paintings. The multilingual titles and mix of references nod to her layered heritage: Spanish, German, and Nigerian.
Her sense of in-betweenness is mirrored in the presentation of her canvases as sculptural elements. Visitors are invited to pass through her works, exploring their angles and nuances—an experience not always possible with wall-mounted pieces. As the artist explains, “By turning paintings into structures that refuse to display themselves [they] frustrate the looking process. You have to twist, turn, and rotate to see them. I intend to upset the privilege of spectating.”
Sam Llewellyn-Jones, born in London, works across various media, with his pieces held in collections such as the Millennium BCP Foundation (Lisbon) and UCL Special Collections (London). His contributions to this exhibition were inspired by a two-month residency at Joshua Tree National Park in California during the late summer of 2024.
The arid landscape of Joshua Tree inspired Llewellyn-Jones to experiment with techniques such as rubbings of natural elements and post-production photography. These explorations evolved into his current method of layering oil paint onto photographs, which he first began experimenting with during a 2023 residency at SÍM in Reykjavík, Iceland.
When developing prints, Llewellyn-Jones often uses a solarizing technique to enhance the eerie, anthropogenic quality of his landscapes. He then applies oil paint over the photographs, with the cracked texture of the dried paint mimicking the arid terrain depicted in his work.
Llewellyn-Jones’s art captures the evolving relationship between landscapes, time, and architecture. His images invite viewers to reflect on how natural and built environments shape human perception, revealing the silent transformations within these spaces.
I appreciated the dialogue between Onwochei-Garcia’s central works and Llewellyn-Jones’s surrounding pieces. United by themes of place, identity, and memory, Onwochei-Garcia’s work critiques contemporary surveillance, identity politics, and post-colonial narratives, while Llewellyn-Jones explores the themes of landscape and materiality, showing how environments carry layers of history and meaning.
At first, I felt that Llewellyn-Jones’s desert-inspired landscapes didn’t entirely fit the setting I envisioned for The House of Bernarda Alba. However, his works encourage us to reflect on how the spaces we inhabit transform our lives and emotions, which I found to be highly relevant to this exhibition. On the other hand, Onwochei-Garcia’s paintings effectively captured the tension and oppression that define Lorca’s play, highlighting how those in power can leave others in a state of emptiness and isolation.
Narrativas de opresión
Elena Njoabuzia Onwochei-Garcia & Sam Llewellyn-Jones
La casa de Bernarda Alba
22 de noviembre de 2024 – 25 de enero de 2025
Elizabeth Xi Bauer, Deptford, Londres, Reino Unido
Como española, me sentí impulsada a explorar esta exposición al ver su título. La casa de Bernarda Alba es una obra de teatro muy conocida del dramaturgo español Federico García Lorca, que a menudo se agrupa junto a Bodas de sangre y Yerma como parte de su trilogía rural. García Lorca la completó en junio de 1936, dos meses antes de su asesinato durante la Guerra Civil Española. Describió la obra como “un drama de mujeres en los pueblos de España”. En un país donde, en la década de 1930, más de la mitad de la población vivía en localidades con menos de 10.000 habitantes, los patrones sociales descritos en la obra eran altamente representativos de aquella época.
Para dar algo de contexto, la obra se centra en los acontecimientos de una casa en Andalucía durante un periodo de luto. La matriarca dominante, Bernarda Alba, ejerce un control absoluto sobre sus cinco hijas, de entre 20 y 39 años, prohibiéndoles establecer relaciones. El periodo de luto impuesto aísla aún más a la familia, intensificando las tensiones dentro del hogar.
Volviendo a la exposición de arte , ésta transforma el espacio de la galería Elizabeth Xi Bauer en una experiencia inmersiva que fusiona elementos interiores y exteriores. Las imponentes pinturas suspendidas de Onwochei-Garcia configuran un entorno similar a una casa que dirige el movimiento del espectador, mientras que las fotografías y las obras en óleo sobre pastel de Llewellyn-Jones construyen un paisaje inquietante que intensifica la atmósfera. Juntos, los artistas crean un espacio complejo que palpita con tensión e inquietud.
Al entrar en la galería, te encuentras con las grandes pinturas figurativas al óleo de Elena Njoabuzia Onwochei-Garcia, que cuelgan sin bastidor del techo, formando la estructura de una casa o un anfiteatro en el centro del espacio. Las obras de Llewellyn-Jones ocupan las paredes, permitiendo a los visitantes explorar el reverso del papel washi, donde se revelan pinturas “negativas” o invertidas.
Elena Njoabuzia Onwochei-Garcia nació en Bristol, Reino Unido, y vive y trabaja en Glasgow. En 2023, fue seleccionada como receptora del premio Bloomberg New Contemporaries. También fue finalista del premio Robert Walters Group UK New Artist of the Year, y sus obras se incluyeron en la exposición correspondiente en la Saatchi Gallery de Londres.
Las obras de Onwochei-Garcia son especialmente conmovedoras en el contexto de esta exposición. Pintadas en tonos rojos, negros y marrones, sus piezas representan figuras apenas humanas en un ambiente de agitación, transmitiendo eficazmente el dolor y el trauma. Creó estas obras poco después de que el Brexit se aprobara en el Parlamento, utilizando el entorno claustrofóbico de una obra de teatro de casi 90 años para expresar sentimientos contemporáneos de desesperanza.
Una de las pinturas más impactantes para mí fue Los Espectadores (2023). Representa figuras que son parte humanas, parte animales y parte indescifrables, ocultas en la oscuridad mientras esperan un espectáculo. La obra se basa en las estructuras formales y rígidas de los dramas españoles del siglo XVI para explorar la tensión entre quienes actúan y quienes gobiernan. A través de esta obra, Onwochei-Garcia refleja su creencia de que la opresión se repite a lo largo de la historia, dejando a menudo tras de sí sentimientos de aislamiento y negación.
El proceso artístico de Onwochei-Garcia incorpora fuentes históricas y literarias, influencias que son especialmente evidentes en sus pequeñas obras en papel. Estas piezas evocan la estética de las Pinturas Negras de Francisco Goya. Los títulos multilingües y la mezcla de referencias reflejan su herencia diversa: española, alemana y nigeriana.
Su sensación de estar entre dos mundos se refleja en la presentación de sus lienzos como elementos escultóricos. Los visitantes son invitados a atravesar sus obras, explorando sus ángulos y matices, algo que no siempre es posible con piezas montadas en la pared. Según explica la artista: “Al convertir las pinturas en estructuras que se niegan a exhibirse por completo [estas] frustran el proceso de mirar. Tienes que torcerte, girar y rotar para verlas. Mi intención es perturbar el privilegio de la observación.”
Sam Llewellyn-Jones, nacido en Londres, trabaja en diversos medios, y sus obras se encuentran en colecciones como la Millennium BCP Foundation (Lisboa) y UCL Special Collections (Londres). Sus contribuciones a esta exposición se inspiraron en una residencia de dos meses en el Parque Nacional Joshua Tree en California durante el verano de 2024.
El paisaje árido de Joshua Tree inspiró a Llewellyn-Jones a experimentar con técnicas como el frottage de elementos naturales y la postproducción fotográfica. Estas exploraciones evolucionaron hacia su método actual de superponer óleo sobre fotografías, técnica que comenzó a desarrollar durante una residencia en 2023 en el SÍM de Reikiavik, Islandia.
Al revelar las impresiones, Llewellyn-Jones a menudo utiliza una técnica de solarización que resalta la cualidad inquietante y antropogénica de sus paisajes. Luego aplica óleo sobre las fotografías, con la textura agrietada de la pintura seca imitando el terreno árido representado en sus obras.
El arte de Llewellyn-Jones captura la relación evolutiva entre los paisajes, el tiempo y la arquitectura. Sus imágenes invitan a los espectadores a reflexionar sobre cómo los entornos naturales y construidos moldean la percepción humana, revelando las transformaciones silenciosas dentro de estos espacios.
Me pareció interesante el diálogo entre las obras centrales de Onwochei-Garcia y las piezas circundantes de Llewellyn-Jones. Unidos por los temas de lugar, identidad y memoria, las obras de Onwochei-Garcia critican la vigilancia contemporánea, la política de identidad y las narrativas poscoloniales, mientras que Llewellyn-Jones explora el paisaje y la materialidad, mostrando cómo los entornos contienen capas de historia y significado.
Al principio, sentí que los paisajes inspirados en el desierto de Llewellyn-Jones no encajaban del todo con el escenario que imaginaba para La casa de Bernarda Alba. Sin embargo, sus obras nos animan a reflexionar sobre cómo los espacios que habitamos transforman nuestras vidas y emociones, lo que me pareció totalment relevante en esta muestra. Por otro lado, las pinturas de Onwochei-Garcia capturaron eficazmente la tensión y la opresión que definen la obra de Lorca, subrayando cómo quienes detentan el poder pueden dejar a otros en un estado de vacío y aislamiento.
Photography by The art blueberry and Chicho Puig.
Entrance to the exhibition: Free.
Fotografía por The Art Blueberry y Chicho Puig.
Entrada a la exposición: Gratuita.
