An exhibition of this nature was long overdue. Textiles are a significant part of everyday life, yet they remain one of the most underexamined mediums in art history and contemporary practice. Co-curated by the Barbican Gallery in London and the Stedelijk Museum in Amsterdam, this art show features artists from the 1960s to today who have explored the transformative and subversive potential of textiles.
I first became intrigued by hand-weaving and the importance of textiles as an art medium when I saw the Anni Albers exhibition at Tate Modern in 2019, which you can read about in my previous post. My interest in textiles grew when I attended Magdalena Abakanowicz‘s exhibition last year, also at the Tate. The Polish sculptor and fibre artist, whose pieces are included in this exhibition at the Barbican, demonstrated the power of this medium. She pioneered fibre-based sculpture and installation in the 1960s.
However, this is the first major exhibition I’ve seen that brings together over 100 artworks by 50 international practitioners. From intimate handcrafted pieces to large-scale sculptural installations, the show focuses on the tactile processes of stitching, weaving, braiding, beading, and knotting. These artists have embraced fibre and thread to tell stories that challenge power structures, transgress boundaries, and reimagine the world around them.
Organized thematically, with artists placed in intergenerational and transcultural dialogues, the lower galleries of the exhibition feature artists who draw inspiration from their ancestors. Indigenous peoples have used thread for centuries to communicate, share information, tell stories, and express themselves. Textiles reveal histories of creativity but also speak to systems of marginalization and violence that have sought to suppress Indigenous knowledge. Unravelling the history of a textile unveils stories of globalism and trade, such as a single thread of cotton dyed with indigo, which evokes histories of empire, the transatlantic trade, and the labor of enslaved people.
Yee I-Lann (Malaysia, 1971) is interested in how textiles in the form of woven mats resist legacies of colonialism. In pre-colonial Southeast Asia, people met on woven mats called ‘tikar.’ Western settlers introduced tables when Borneo was colonized by the Portuguese, British, and Dutch. In these artworks, tables symbolize the imposition of a patriarchal and colonial worldview, while the mat signifies a more democratic and mutual power, imbued with ancestral knowledge and tradition.
On the ground floor, Cecilia Vicuña’s spatial installation Quipu Austral draws on the history of textiles as ancient systems of communication. In Andean cultures, textiles were used as a system of writing. Vicuña links the oppression of pre-colonial cultures to the devastation of the earth’s natural resources.
Next, Sarah Zapata’s ‘To Teach or to Assume Authority’ (2018-19) embraces her identity as a Peruvian American, two cultures in which textiles are integral. Her work references the architecture of the Nazca ceremonial site Cahuachi, where a huge woven cloth was excavated in 1952. She transforms the ruin into a landscape of vibrant latch-hooked threads, subverting the notion of the rug as floor-based. Indigenous communities in Peru only began using textiles on the floor after the Spanish conquest in the sixteenth century.
In the next room, painted entirely in yellow, Acaye Kerunen creates abstract compositions with woven natural fibres to tell stories of joy, love, and ecstasy, originating in overcoming pain and trauma. This was made collaboratively with women using techniques they learned from fellow women community leaders in Uganda.
Another fascinating work was Solange Pessoa’s ‘Hammock’ (part of 4 hammocks), 1999-2003. Created in response to the land of Minas Gerais in Brazil where the artist grew up, textiles here serve as carriers for living and decaying matter. The fabric bags resemble internal and external organs, representing the intertwining of the body and the landscape. This artwork is part of the ‘Entangled Earth’ section of the exhibition, which rejects the idea that humanity is separated from or opposed to nature.
Two ‘Abakans’ by Magdalena Abakanowicz
As we progressed to the upper galleries, we encountered the ‘Subversive Stitch’ section, one of my favourite parts. This section focuses on how, across many cultures, textile-based art has been marginalized and deemed inferior as a domestic or ‘craft’ practice within a hierarchy of artistic value, framed as feminine through a sexist lens. Many artists have resisted this limiting approach and used stitching as a radical practice. This group includes artists such as Mounira Al Solh, Tracey Emin, Ghada Amer and Judy Chicago amongst others.
Judy Chicago’s ‘Birth Project’ (1980-85), for instance, was created to fill an iconographic void of images of birth in Western art. By collaborating with 150 women who volunteered to translate her designs into textiles using embroidery, quilting, macrame, needlepoint, and crochet, she depicted the diverse experience of giving birth: ‘the mythical, the celebratory, and the painful.’ The work on display unifies the visceral aspects of birth with a cosmic dimension.
In Pink Landscape (2007) by Ghada Amer, you see a naked woman in cream color in the background, partially obscured by horizontal and vertical lines of loose threads that reference Abstract Expressionism painting. Amer presents women as sexually liberated to counter representations of women as submissive. Her motivation to use this medium stems from her rejection as a young student in the 1980s, when she wasn’t allowed to enroll in a painting class at art school because she was a woman.
In Bandage Grip #9 (2020) by Harmony Hammond, red-stained pieces of cloth hang on the canvas surface, referencing violent actions outside the picture frame. Frayed canvas and burlap hang like reparative bandages. Hammond believes in the power of materials to carry messages, frequently alluding to trauma and recovery.
Igshaan Adams’ installation explores ‘desired lines’ in post-Apartheid South Africa, informal pathways created over time through footfall, often used as shortcuts. He sees these lines as symbolic of a collective act of resistance by a community historically segregated and marginalized through spatial planning. These pathways remain symbols of carving out one’s own path, collectively or individually. Belonging to the ‘Borderlines’ section of the exhibition, artists in this section question borders and attempt to transcend them to find a new way of being.
Finally, the ‘Bearing Witness’ section gathers artists from different backgrounds who use textiles to commemorate victims of oppression and speak back to power. The act of weaving, as a contemplative and slow medium, creates space for collectivity, memory, and grief.
As a whole, I was very interested to see all these artists together in the same exhibition, giving textiles the role they deserve in art history. We realized the relevance of this medium, from its use by our ancestors as a means of communication to unraveling the history of textiles to reveal stories of globalism and trade. What’s more, after being marginalized and relegated as an ‘inferior’ and domestic art form, framed as feminine through a sexist lens, advocates have used the art of weaving and stitching as a radical practice, which increases the creative potential of this medium. I really enjoyed attending this exhibition and strongly recommend it to anyone who has the opportunity to see it in Amsterdam in September this year.
El potencial creativo de los textiles en el arte
Unravel: The Power and Politics of Textiles in Art
13 de febrero – 26 de mayo de 2024
Barbican Art Gallery, Londres, Reino Unido
Una exposición de esta naturaleza era muy esperada. Los textiles son una parte significativa de la vida cotidiana, pero siguen siendo uno de los medios más poco examinados en la historia del arte y la práctica contemporánea. Co-curada por la Barbican Gallery en Londres y el Stedelijk Museum en Ámsterdam, esta muestra de arte presenta a artistas desde la década de 1960 hasta la actualidad que han explorado el potencial transformador y subversivo de los textiles.
Mi interés por el tejido a mano y la importancia de los textiles como medio artístico comenzó cuando vi la exposición de Anni Albers en Tate Modern en 2019, de la que puedes leer en una publicación anterior. Mi interés en los textiles creció cuando asistí a la exposición de Magdalena Abakanowicz el año pasado, también en Tate. La escultora y artista de fibra polaca, cuyas obras están incluidas en esta exposición en el Barbican, demostró el poder de este medio. Fue pionera en la escultura e instalación a base de fibra en la década de 1960.
Sin embargo, esta es la primera gran exposición que he visto que reúne más de 100 obras de 50 artistas internacionales. Desde piezas hechas a mano hasta instalaciones escultóricas a gran escala, la muestra se centra en los procesos táctiles de coser, tejer, trenzar, abalorar y anudar. Estos artistas han adoptado la fibra y el hilo para contar historias que desafían las estructuras de poder, transgreden fronteras y reimaginan el mundo que nos rodea.
Organizada temáticamente, con artistas situados en diálogos intergeneracionales y transculturales, la exposición nos recibe con textiles que nos transportan a nuestros ancestros. Los pueblos indígenas han utilizado el hilo durante siglos para comunicarse, compartir información, contar historias y expresarse. Los textiles revelan historias de creatividad, pero también testimonian sistemas de marginación y violencia que han intentado suprimir el conocimiento indígena. Desentrañar la historia de un textil revela narrativas de globalismo y comercio; por ejemplo, un solo hilo de algodón teñido con índigo evoca historias de imperio, comercio transatlántico y el trabajo de personas esclavizadas.
Yee I-Lann (Malasia, 1971) está interesada en cómo los textiles en forma de esteras tejidas resisten los legados del colonialismo. En el sudeste asiático precolonial, la gente se reunía en esteras tejidas llamadas ‘tikar’. Los colonos occidentales introdujeron mesas cuando Borneo fue colonizado por los portugueses, británicos y holandeses. En estas obras de arte, las mesas simbolizan la imposición de una cosmovisión patriarcal y colonial, mientras que la estera representa un poder más democrático y mutuo, impregnado de conocimiento y tradición ancestral.
En la planta baja, la instalación espacial Quipu Austral de Cecilia Vicuña se basa en la historia de los textiles como antiguos sistemas de comunicación. En las culturas andinas, los textiles se usaban como un sistema de escritura. Vicuña vincula la opresión de las culturas precoloniales con la devastación de los recursos naturales de la tierra.
Luego, ‘To Teah or to Assume Authority’ (2018-19) de Sarah Zapata abraza su identidad como peruana estadounidense, dos culturas en las que los textiles son integrales. Su obra hace referencia a la arquitectura del sitio ceremonial Nazca de Cahuachi, donde se excavó una gran tela tejida en 1952. Ella transforma la ruina en un paisaje de vibrantes hilos de anzuelo, subvirtiendo la noción de la alfombra como un objeto de piso. Las comunidades indígenas en Perú solo comenzaron a usar textiles en el suelo después de la conquista española en el siglo XVI.
En la siguiente sala, pintada completamente en amarillo, Acaye Kerunen crea composiciones abstractas con fibras naturales tejidas para contar historias de alegría, amor y éxtasis, originadas en la superación del dolor y el trauma. Esto se hizo en colaboración con mujeres que utilizan técnicas que aprendieron de otras mujeres líderes comunitarias en Uganda.
Otra obra fascinante fue ‘Hammock’ de Solange Pessoa (parte de 4 hamacas), 1999-2003. Creada en respuesta a la tierra de Minas Gerais en Brasil, donde la artista creció, los textiles aquí sirven como portadores de materia viva y en descomposición. Las bolsas de tela se asemejan a órganos internos y externos, representando la interconexión del cuerpo y el paisaje. Esta idea se relaciona bien con la analogía microcosmos-macrocosmos entre los seres humanos y el universo, particularmente dentro de la sección ‘Entangled Earth’ de la exposición, que rechaza la idea de que la humanidad está separada o en oposición a la naturaleza.
The art blackberry junto a ‘Hammock’ de Solange Pessoa
Dos Abakans de Magdalena Abakanowicz
A medida que avanzamos hacia las galerías superiores, nos encontramos con la sección ‘Subversive Stitch’, una de mis partes favoritas. Esta sección se centra en cómo, a través de muchas culturas, el arte basado en textiles ha sido marginado y considerado inferior como una práctica doméstica o ‘artesanal’ dentro de una jerarquía de valor artístico, enmarcado como femenino a través de una lente sexista. Muchos artistas han resistido este enfoque limitante y han utilizado la costura como una práctica radical. Este grupo incluye artistas como Mounira Al Solh, Tracey Emin, Ghada Amer y Judy Chicago.
Por ejemplo, ‘Birth Project’ (1980-85) de Judy Chicago, se creó para llenar un vacío iconográfico de imágenes de nacimiento en el arte occidental. Colaborando con 150 mujeres que se ofrecieron como voluntarias para traducir sus diseños en textiles utilizando bordado, acolchado, macramé, punto de cruz y crochet, ella representó la diversa experiencia de dar a luz: ‘lo mítico, lo celebratorio y lo doloroso’. La obra en exhibición unifica los aspectos viscerales del nacimiento con una dimensión cósmica.
En ‘Pink Landscape’ (2007) de Ghada Amer, se ve a una mujer desnuda de color crema en el fondo, parcialmente oculta por líneas horizontales y verticales de hilos sueltos que hacen referencia a la pintura del Expresionismo Abstracto. Amer presenta a las mujeres como sexualmente liberadas para contrarrestar las representaciones de mujeres como sumisas. Su motivación para usar este medio proviene de su rechazo como estudiante joven en los años 80, cuando no se le permitió inscribirse en una clase de pintura en la escuela de arte porque era mujer.
En ‘Bandage Grip #9’ (2020) de Harmony Hammond, piezas de tela teñidas de rojo cuelgan en la superficie del lienzo, haciendo referencia a acciones violentas fuera del marco. El lienzo deshilachado y la arpillera cuelgan como vendas reparadoras. Hammond cree en el poder de los materiales para transmitir mensajes, frecuentemente aludiendo al trauma y la recuperación.
La instalación de Igshaan Adams explora las ‘líneas deseadas’ en la Sudáfrica post-Apartheid, caminos informales creados con el tiempo a través del paso de peatones, a menudo utilizados como atajos. Él ve estas líneas como simbólicas de un acto colectivo de resistencia por parte de una comunidad históricamente segregada y marginada a través de la planificación espacial. Estas vías siguen siendo símbolos de trazar su propio camino, colectivamente o individualmente. Perteneciente a la sección ‘Borderlines’ de la exposición, los artistas de esta sección cuestionan las fronteras y tratan de trascenderlas para encontrar una nueva forma de ser.
Finalmente, la sección ‘Bearing Witness’ reúne a artistas de diferentes orígenes que utilizan textiles para conmemorar a las víctimas de la opresión y hablar contra el poder. El acto de tejer, como medio contemplativo y lento, crea espacio para la colectividad, la memoria y el duelo.
En general, me interesó mucho ver a todos estos artistas juntos en la misma exposición, dando a los textiles el papel que merecen en la historia del arte. Nos dimos cuenta de la relevancia de este medio, desde su uso por nuestros ancestros como un medio de comunicación, hasta desentrañar la historia de los textiles para revelar historias de globalismo y comercio. Además, después de haber sido marginado y relegado como una forma de arte ‘inferior’ y doméstica, enmarcada como femenina a través de una lente sexista, los defensores han utilizado el arte del tejido y la costura como una práctica radical, lo que aumenta el potencial creativo de este medio. Disfruté mucho asistir a esta exposición y la recomiendo encarecidamente a cualquiera que tenga la oportunidad de verla en Ámsterdam en septiembre de este año.