The Courtauld’s latest exhibition, Abstract Erotic, may only span two rooms, but it brings together an extraordinary trio of artists whose work still ripples with energy. Featuring Louise Bourgeois, Eva Hesse, and Alice Adams, the show revisits a moment of radical material exploration and sensuous abstraction that reshaped the language of sculpture in the 1960s.
Louise Bourgeois (1911–2010) was a French-American artist whose emotionally charged sculptures, installations, and drawings explored themes like trauma, memory, and the body — often rooted in her complex and traumatic childhood. She worked with a wide range of materials, from bronze to fabric, and gained international acclaim later in life, particularly for her iconic spider sculptures symbolising motherhood and protection.
I was already familiar with her work, having seen several pieces at Tate Modern — including one of her giant spiders now in the Turbine Hall — and a textile-focused retrospective at the Hayward Gallery in 2022, which you can find here. It’s fascinating how she managed to channel such a complex past into work that is both moving and deeply visceral, creating a unique and deeply personal artistic language.
The art blueberry next to Louise Bourgeois’ artworks
Eva Hesse (1936–1970) was a German-American artist and a key figure in the postminimalist movement of the 1960s. Her work broke away from the rigid forms of minimalism through the use of unconventional materials like latex, fibreglass, and rope, exploring fragility, repetition, and organic form with radical intimacy. Though her career was tragically short — she died at just 34 — she left a lasting legacy on contemporary sculpture.
I had seen some of her pieces in the past, as well as a documentary about her work a few years ago. As one of the most recognisable artists of postminimalism, Eva Hesse created uniquely sensuous and evocative works, rich in meaning despite their apparent simplicity.
Eva Hesse’s artworks selection, No title
Alice Adams (b. 1930) is an American artist whose early work bridges sculpture, textile art, and architecture. Trained as a weaver, she brought fibre-based techniques into the sculptural realm, creating intricate forms from rope, wire, and industrial materials. In the 1970s, she began working on large-scale public commissions across the U.S., blending art with the built environment.
This exhibition marks the first time her work is shown in a UK museum context. It’s mesmerising to see how the woven language of her early practice still shapes her sculptural imagination, guiding the viewer through tactile, unfolding journeys.
The art blueberry next to Alice Adams’ artworks
These artists, working primarily with latex, rubber, fibreglass, foam, and plaster, created forms that are evocative, ambiguous, and at times unsettling. Fleshy mounds, woven tangles, and drooping, sausage-like suspensions occupy the space — not as representations of the body, but as something more elusive. The exhibition doesn’t simply point to bodily forms; rather, it explores the slippage between surface and interior, between the whole and the fragmented, the familiar and the strange. Sculptural objects seem to hover between image and form, eroticism and vulnerability.
To understand this exhibition fully, it’s worth revisiting Lucy Lippard’s groundbreaking 1966 exhibition Eccentric Abstraction, staged at the Fischbach Gallery in New York. It was her first independent curatorial project, in which she sought to blur the boundaries between the rigid geometry of minimalism and something more sensuous, personal, and embodied. Lippard’s accompanying article, published in Art International, championed artists who rejected cool detachment in favour of tactile surfaces and evocative materials. Bourgeois, Hesse, and Adams were the only women in the show, and their contributions stood out for their striking physicality and emotional depth. As Lippard later reflected, “I can see now that I was looking for feminist art.”
Abstract Erotic thoughtfully reflects on this history. Alongside the sculptures, The Courtauld also presents a room of Bourgeois’s drawings — restless, obsessive, and charged. These works, filled with waves, breast forms, repetitive marks, and swirling gestures, feel like raw emotional topographies rather than formal studies. As Lippard observed, many of the artists in Eccentric Abstraction began as painters, and this painterly sensibility flows through their sculptural language.
Louise Bourgeois’ drawings selection
The exhibition arrives at a time when interest in underrepresented female artists continues to grow. For decades, many of these voices remained overshadowed by their male peers. By showcasing these three women — who in the 1960s forged a deeply personal and disruptive sculptural vocabulary — The Courtauld offers a timely and necessary spotlight.
Though from different generations, Bourgeois, Hesse, and Adams shared a geographic and creative space: the experimental, downtown art scene of 1960s Manhattan. Bourgeois was already established and would go on to inspire a new wave of younger women artists. Hesse, who died tragically young in 1970, left behind a groundbreaking yet fragile body of work. Adams, now in her nineties, continues to live and work in New York; this is the first time her work is exhibited in the UK and her first-ever museum show.
You can sense the passage of time in some of the materials — aged latex, dulled surfaces — but the intensity of these works has not faded. These sculptures still speak: of the body, of memory, of resistance to containment. In Abstract Erotic, The Courtauld gives us a potent reminder of how radical softness can be — and still is.
Redescubriendo el erotismo radical de la escultura de los años 60
Abstract Erotic: Louise Bourgeois, Eva Hesse, Alice Adams
🗓️ 20 de junio – 14 de septiembre de 2025
📍 The Courtauld Gallery, Londres
La última exposición del Courtauld, Abstract Erotic, ocupa solo dos salas, pero reúne a un trío extraordinario de artistas cuyo trabajo sigue vibrando con energía. Con obras de Louise Bourgeois, Eva Hesse y Alice Adams, la muestra revisita un momento de exploración material radical y abstracción sensual que transformó el lenguaje de la escultura en los años 60.
Louise Bourgeois (1911–2010) fue una artista franco-americana cuyas esculturas, instalaciones y dibujos cargados de emoción exploraron temas como el trauma, la memoria y el cuerpo, a menudo enraizados en su compleja y traumática infancia. Trabajó con una amplia variedad de materiales, desde el bronce hasta la tela, y alcanzó reconocimiento internacional en la madurez, especialmente por sus icónicas esculturas de arañas que simbolizan la maternidad y la protección.
Ya conocía su obra, habiendo visto varias piezas en la Tate Modern —incluida una de sus enormes arañas que actualmente se exhibe en la Turbine Hall— y una retrospectiva centrada en sus trabajos textiles en la Hayward Gallery en 2022, que puedes leer aquí. Es fascinante cómo logró canalizar un pasado complejo en una obra conmovedora y profundamente visceral, construyendo un lenguaje artístico único y personal.
The art blueberry junto a las obras de Louise Bourgeois
Eva Hesse (1936–1970) fue una artista germano-americana y figura clave del movimiento postminimalista de los años 60. Su obra se alejó de las formas rígidas del minimalismo mediante el uso de materiales poco convencionales como el látex, la fibra de vidrio y la cuerda, explorando la fragilidad, la repetición y la forma orgánica con una intimidad radical. Aunque su carrera fue trágicamente corta —falleció con apenas 34 años—, dejó un legado duradero en la escultura contemporánea.
Había visto algunas de sus piezas anteriormente, además de un documental sobre su obra hace unos años. Como una de las artistas más reconocidas del posminimalismo, Eva Hesse creó obras singularmente sensuales y evocadoras, cargadas de significado a pesar de su aparente simplicidad.
Selección de obras de Eva Hesse, Sin título
Alice Adams (nacida en 1930) es una artista estadounidense cuyo trabajo inicial conecta la escultura, el arte textil y la arquitectura. Formada como tejedora, incorporó técnicas basadas en fibras al ámbito escultórico, creando formas intrincadas con cuerda, alambre y materiales industriales. En los años 70 comenzó a trabajar en comisiones públicas a gran escala en Estados Unidos, fusionando el arte con el entorno construido.
Esta exposición supone la primera vez que su obra se muestra en un museo del Reino Unido. Es hipnotizante observar cómo el lenguaje tejido de su práctica inicial sigue moldeando su imaginación escultórica, guiando al espectador a través de recorridos táctiles y en constante evolución.
The art blueberry junto a las obras de Alice Adams
Estas artistas, que trabajaron principalmente con látex, caucho, fibra de vidrio, espuma y yeso, crearon formas evocadoras, ambiguas y en ocasiones inquietantes. Montículos carnosos, enredos tejidos y suspensiones que recuerdan a salchichas penden en el espacio, no como representaciones del cuerpo, sino como algo más esquivo. La exposición no señala simplemente formas corporales; explora el deslizamiento entre la superficie y el interior, entre el todo y la fragmentación, lo familiar y lo extraño. Los objetos escultóricos parecen flotar entre imagen y forma, erotismo y vulnerabilidad.
Para comprender plenamente esta exposición, vale la pena recordar la revolucionaria muestra Eccentric Abstraction de Lucy Lippard en 1966, organizada en la Galería Fischbach de Nueva York. Fue su primer proyecto curatorial independiente, en el que intentó difuminar las fronteras entre la geometría rígida del minimalismo y algo más sensual, personal y encarnado. El artículo que acompañó la exposición, publicado en Art International, defendía a artistas que rechazaban el distanciamiento frío en favor de superficies táctiles y materiales evocadores. Bourgeois, Hesse y Adams fueron las únicas mujeres en la muestra, y sus contribuciones destacaron por su fuerte fisicalidad y profundidad emocional. Como reflexionó Lippard más tarde: “Ahora veo que estaba buscando arte feminista”.
Abstract Erotic reflexiona cuidadosamente sobre esta historia. Junto a las esculturas, The Courtauld presenta también una sala con dibujos de Bourgeois — inquietos, obsesivos y cargados de energía. Estas obras, llenas de ondas, formas de senos, marcas repetitivas y gestos arremolinados, parecen topografías emocionales crudas más que estudios formales. Como observó Lippard, muchas de las artistas de Eccentric Abstraction comenzaron como pintoras, y esta sensibilidad pictórica fluye a través de su lenguaje escultórico.
Selección de dibujos de Louise Bourgeois
La exposición llega en un momento en que el interés por las artistas femeninas infrarrepresentadas continúa creciendo. Durante décadas, muchas de estas voces permanecieron eclipsadas por sus colegas masculinos. Al mostrar a estas tres mujeres —que en los años 60 forjaron un vocabulario escultórico profundamente personal y disruptivo— The Courtauld ofrece un foco oportuno y necesario.
Aunque de diferentes generaciones, Bourgeois, Hesse y Adams compartieron un espacio geográfico y creativo: la escena artística experimental del downtown neoyorquino de los años 60. Bourgeois ya estaba consolidada y llegó a inspirar a una nueva generación de artistas jóvenes. Hesse, que falleció trágicamente joven en 1970, dejó una obra innovadora pero frágil. Adams, que ya supera los noventa años, continúa viviendo y trabajando en Nueva York; esta es la primera vez que su obra se exhibe en el Reino Unido y su primera muestra en un museo.
Se percibe el paso del tiempo en algunos de los materiales —látex envejecido, superficies apagadas— pero la intensidad de estas obras no ha disminuido. Estas esculturas siguen hablando: del cuerpo, de la memoria, de la resistencia a la contención. En Abstract Erotic, The Courtauld nos recuerda con potencia lo que puede ser —y sigue siendo— la radical suavidad.