art installation – The art berries

Feminist visions in Balinese art

Citra Sasmita: Into Eternal Land
📅 30 January – 21 April 2025
📍 The Curve, Barbican Centre, London, UK

I’m always pleased to discover new artists with a meaningful story to tell. For the past three months, The Curve at the Barbican Centre has hosted the first UK exhibition of Indonesian artist Citra Sasmita. Although today is the final day, I didn’t want you to miss it.

Sasmita draws on traditional elements, myths, and iconography from ancient Balinese culture and literature to trace the often-marginalised narrative of women in Balinese society. Into Eternal Land speaks to both universal and urgent concerns: reconnecting with ancestral traditions, grappling with the fragility of the natural world, and imagining the possibility of feminist resistance.

Through painting, installation, embroidery, and scent, she explores themes of ancestral memory, ritual, and migration. Sasmita draws from the long histories of displacement across the Indonesian archipelago, taking inspiration from stories that span heaven, earth, and hell – from the Hindu epic Mahabharata to Dante’s Inferno.

The exhibition unfolds in several acts. Panoramic scroll paintings depict women undergoing transformation and rebirth, while embroidered textiles – created in collaboration with women artisans from West Bali – honour the legacy of traditional women herbalists. The exhibition concludes with a meditative space centred around a golden mandala made of ground turmeric.

Dim lighting, hanging artworks suspended from the ceiling, and the scent of turmeric enrich the immersive experience. It feels like stepping into a sacred space, inviting you to slow down and reflect. This is art with a social message – one that encourages deep contemplation.

Sasmita often works with the Kamasan painting technique, which dates back to the 15th century and was traditionally practiced exclusively by men to narrate Hindu epics. By reclaiming this masculine art form, she dismantles misconceptions about Balinese culture and confronts its violent colonial history.

Historically, Kamasan paintings depicted women as sexualised figures, defined by reproduction, or cast as villains. Sasmita reclaims this tradition, placing powerful female figures at the centre of her work – women who inhabit a post-patriarchal world. Through this, she challenges gender hierarchies and reimagines mythology with a feminist lens.

Born in Bali in 1990, Citra Sasmita is a self-taught artist. Though she studied literature and physics, she never formally graduated from an art institution. Before developing her broader artistic practice, she worked as a short story illustrator for the Bali Post.

Visiting this exhibition was a mesmerising experience – a journey of discovery through ancient technique and contemporary meaning. It’s a reminder that artists can bridge the past and present, reinterpreting age-old narratives with modern sensibilities while preserving cultural heritage.

The exhibition resonated with me on a more intimate level, perhaps because I’m a woman. The hanging plaits, arranged with a near-ritual delicacy, alongside the presence of symbolically powerful female figures, felt like a long-overdue homage to forgotten Indonesian women — who, at last, seem to be receiving the recognition that was denied to them for so long.

Visiones feministas en el arte balinés

Citra Sasmita: Into Eternal Land
30 de enero – 21 de abril 2025
The Curve, Barbican Centre, Londres, Reino Unido

Siempre me alegra descubrir nuevas artistas con una historia significativa que contar. Durante los últimos tres meses, The Curve del Barbican Centre ha acogido la primera exposición en el Reino Unido de la artista indonesia Citra Sasmita. Aunque hoy es el último día, no quería que pasara desapercibida.

Sasmita retoma elementos tradicionales, mitos e iconografía de la antigua cultura y literatura balinesas para rastrear la narrativa, a menudo marginada, de las mujeres en la sociedad de Bali. Into Eternal Land aborda cuestiones tanto universales como urgentes: la reconexión con las tradiciones ancestrales, la fragilidad del mundo natural y la posibilidad de una resistencia feminista.

A través de la pintura, la instalación, el bordado y el aroma, explora la memoria ancestral, el ritual y la migración. Sasmita se inspira en las largas historias de desplazamiento en el archipiélago indonesio, así como en relatos sobre el cielo, la tierra y el infierno –desde el épico hindú Mahabharata hasta el Infierno de Dante.

La exposición se desarrolla en varios actos. Pinturas en formato de pergamino muestran a mujeres en procesos de transformación y renacimiento, mientras que los textiles bordados –realizados en colaboración con artesanas del oeste de Bali– rinden homenaje a la historia de las herbolarias. La exposición concluye con un espacio de meditación en torno a una mandala dorada hecha con cúrcuma molida.

La tenue iluminación, las obras suspendidas del techo y el aroma de la cúrcuma contribuyen a una experiencia inmersiva. Se siente como entrar en un espacio sagrado, que invita a tomarse tiempo y reflexionar. Es arte con un mensaje social que te impulsa a meditar.

Sasmita trabaja a menudo con la técnica pictórica Kamasan, que se remonta al siglo XV y que tradicionalmente practicaban exclusivamente hombres para narrar epopeyas hindúes. Al apropiarse de esta técnica masculina, desmantela ideas erróneas sobre la cultura balinesa y enfrenta su pasado colonial violento.

En esas representaciones tradicionales, las mujeres solían aparecer sexualizadas, reducidas a su función reproductiva o retratadas como figuras malvadas. Al recuperar esta tradición, Sasmita sitúa a mujeres poderosas como protagonistas de sus obras, mujeres que habitan un mundo post-patriarcal. Así, desafía las jerarquías de género y reinterpreta los mitos desde una perspectiva feminista.

Nacida en Bali en 1990, Citra Sasmita es una artista autodidacta. Aunque estudió literatura y física, no se graduó formalmente en una escuela de arte. Antes de desarrollar su práctica artística más amplia, trabajó como ilustradora de relatos breves para el Bali Post.

La visita a esta exposición fue una experiencia hipnótica: un viaje de descubrimiento a través de una técnica ancestral y una prueba de cómo el arte puede tender puentes entre el pasado y el presente, reinterpretando temas antiguos con sensibilidad contemporánea y conservando técnicas que siguen resonando en una cultura.

Turning adversity into creativity

Jason Wilsher-Mills
Jason and the Adventure of 254
21 March 2024 – 12 January 2025
Wellcome Collection, London, UK

The art exhibition, Jason and the Adventure of 254 by artist Jason Wilsher-Mills, is now showing at the Wellcome Collection. I was deeply moved when I saw this whimsical exhibition, and I want to share it with you here.

The show is inspired by the artist’s experience of becoming disabled as a child. Wilsher-Mills transports viewers to Pinderfields Hospital in Wakefield on 1 August 1980, at precisely 2:54 pm. This was the pivotal moment when he and his parents learned of the autoimmune condition that left him paralyzed from the neck down from age 11 to 16. Remarkably, this was also the exact moment that Sebastian Coe won the 1500-metre race at the Moscow Olympics, wearing the number 254—a race broadcast on the ward’s TV. Wilsher-Mills sees this serendipitous coincidence as the spark for his artistic career.

The artist intertwines these two life-changing events in a profoundly inspiring way. Rather than focusing on the trauma of his illness, he sees that moment as the beginning of his creative life. His vibrant installation invites you to explore his memories and reflect on how disability and adversity can serve as a catalyst for creativity and self-discovery.

The exhibition delves into what was happening in his body, his imagination, and the world around him. It explores themes of childhood, family, memory, and the nature of creativity—how it works and where it comes from. The artist drew inspiration from 1980s television and anatomical drawings at the Wellcome Collection, which triggered memories of his hospitalization.

The installations, bursting with bright and engaging colours, are based on hundreds of preparatory drawings he created for the show. These works can also be explored in an adjacent room. The centrepiece sculpture, Figure in a Bed, portrays the artist in bed watching TV. A figure that has a TV for a head representing the athlete Sebastian Coe. Surrounding Wilsher-Mills are green toy soldiers symbolizing his white blood cells, which, as doctors explained, were attacking his own body instead of defending it.

Another striking installation is Calliper Boots, which I personally engaged with during my visit. This piece represents the medical boots he was given to support his weight and train his ankles—a painful and unwelcome experience. In a creative twist, Wilsher-Mills reimagined these boots as vibrant, brightly painted Dr. Martens, the type of footwear he would have loved as a child.

As Wilsher-Mills explains in an old interview:

“My work deals primarily with my self-image as a disabled person, and the long-standing effects of illness and disability. I do this through the use of theatrical trickery, humour, and honesty. I can place myself in environments and creative narratives that describe what it is to me to be disabled. I understand that through art I can free myself from the restrictions that my body presents to me.”
—Jason Wilsher-Mills, Disability Horizons

The exhibition also features interactive, push-button-operated dioramas reminiscent of the penny arcade machines Wilsher-Mills saw as a child at seaside resorts. These magical dioramas provide windows into his childhood memories, blending myth and reality in a dreamlike manner. They portray key stages of transformation in his life and offer insight into his sources of inspiration.

In addition to the dioramas, drawings by Wilsher-Mills are displayed on the gallery walls, enriching the experience further.

Overall, the exhibition is a deeply uplifting portrayal of how Wilsher-Mills’ disability shaped his identity and ignited his passion for art. I found his approach profoundly hopeful, showing how negative experiences can become opportunities for growth and learning. His work encourages us to reflect on the resilience of the human spirit and how perspective can turn adversity into a source of strength.

Convertir la adversidad en creatividad

Jason Wilsher-Mills
Jason and the Adventure of 254
21 de marzo de 2024 – 12 de enero de 2025
Wellcome Collection, Londres, Reino Unido

La exposición Jason and the Adventure of 254 del artista Jason Wilsher-Mills se presenta actualmente en el Wellcome Collection. Me conmovió profundamente ver esta colorida exposición, y quiero compartirla contigo aquí.

La muestra artística está inspirada en la experiencia del artista al volverse discapacitado cuando era niño. Wilsher-Mills transporta a los espectadores al Hospital Pinderfields en Wakefield, el 1 de agosto de 1980, exactamente a las 2:54 de la tarde. Este fue el momento crucial en el que él y sus padres recibieron la noticia de una afección autoinmune que lo dejó paralizado desde el cuello hacia abajo entre los 11 y los 16 años. De manera notable, este fue también el preciso instante en el que Sebastian Coe ganó la carrera de 1500 metros en los Juegos Olímpicos de Moscú, luciendo el número 254, transmitido en la televisión de la sala del hospital. Wilsher-Mills considera esta coincidencia fortuita como el punto de partida de su carrera artística.

El artista entrelaza estos dos eventos de forma inspiradora. En lugar de enfocarse en el trauma de su enfermedad, ve ese momento como el inicio de su vida creativa. Su vibrante instalación invita a explorar sus recuerdos y reflexionar sobre cómo la discapacidad y la adversidad pueden servir como catalizadores para la creatividad y el autodescubrimiento.

La exposición explora lo que ocurría en su cuerpo, en su imaginación y en el mundo que lo rodeaba. Aborda temas como la infancia, la familia, la memoria y la naturaleza de la creatividad: cómo funciona y de dónde proviene. El artista se inspiró en la televisión de los años 80 y en los dibujos anatómicos del Wellcome Collection, que evocaron recuerdos de su hospitalización.

La instalación, llenas de colores vivos y cautivadores, se basa en cientos de dibujos preparatorios que creó para la muestra. Estas obras también pueden explorarse en una sala adyacente. La escultura central, Figure in a Bed, representa al artista en la cama viendo televisión. Una figura que tiene una televisión por cabeza representa al atleta Sebastian Coe. Alrededor de Wilsher-Mills hay pequeños soldados de juguete verdes que simbolizan sus glóbulos blancos, los cuales, según los médicos, atacaban su propio cuerpo en lugar de defenderlo.

Otra escultura parte de la instalación que me gustó es Calliper Boots, con la que interactué personalmente durante mi visita. Esta pieza representa las botas ortopédicas que le dieron para soportar su peso y entrenar sus tobillos, una experiencia dolorosa y desagradable. En un giro creativo, Wilsher-Mills reimaginó estas botas como unas vibrantes Dr. Martens pintadas de colores fuertes, el tipo de calzado que habría querido de niño.

Como explica Wilsher-Mills en una entrevista de años atrás:
“Mi trabajo trata principalmente de mi autoimagen como persona con discapacidad y los efectos duraderos de la enfermedad y la discapacidad. Lo hago a través de trucos teatrales, humor y honestidad. Puedo situarme en entornos y narrativas creativas que describen lo que significa para mí ser discapacitado. Entiendo que, a través del arte, puedo liberarme de las limitaciones que mi cuerpo me impone.”
—Jason Wilsher-Mills, Disability Horizons

La exposición también incluye dioramas interactivos operados con botones, que recuerdan a las máquinas de los salones recreativos de monedas que Wilsher-Mills veía de niño en sus vacaciones en la costa. Estos dioramas mágicos ofrecen ventanas a los recuerdos de su infancia, fusionando mito y realidad de manera onírica. Representan etapas clave de transformación en su vida y brindan una visión de sus fuentes de inspiración.

Además de los dioramas, los dibujos de Wilsher-Mills se exhiben en las paredes de la galería, enriqueciendo aún más la experiencia.

En conjunto, la exposición es un retrato profundamente edificante de cómo la discapacidad de Wilsher-Mills moldeó su identidad e impulsó su pasión por el arte. Su enfoque, lleno de esperanza, muestra cómo las experiencias negativas pueden convertirse en oportunidades para el crecimiento y el aprendizaje. Su obra nos invita a reflexionar sobre la resiliencia del espíritu humano y cómo nuestra perspectiva puede transformar la adversidad en una fuente de fortaleza.

Silver memories

Cornelia Parker
19 May 2022 – 16 October 2022
Tate Britain, London, UK

You cannot miss the art show of the season in London: Cornelia Parker at Tate Britain. The British conceptual artist is 65 and one of the most recognisable and acclaimed contemporary artists working today. Perhaps this exhibition was long time overdue.

From all her body of work my favourite pieces are her art installations. Poetic and mesmerising, they catch your imagination and invite you to reflection. The artist likes playing with concepts, using visual metaphors to investigate the nature of violence, ecology, national identity and human rights.

The art show opens with the enthralling “Thirty Pieces of Silver” (1988-89). Thirty groups of silverware hovering inches above the ground in darkness. Parker steamrollered them to take away their volume leaving them as flat as the Disney cartoons deaths of Roadrunner we used to watch when we were kids.

The artist talks about the anxiety she suffered when she made this artwork knowing her East London home was going to be demolished to make away for the M11 link road. Would have that contributed to the urge of destruction she suffered before creating this work? The name was taken from the Bible, as thirty was the number of coins Judas received for betraying Jesus. I really liked looking at these silverware pieces from a different perspective, completely flat hanging from the ceiling. They are like part of an old empire; a reminiscence of good old times we reverence now with nostalgia.

The next other big art installation present in this exhibition is “Cold Dark Matter: An Exploded View” (1991). A shed she exploded with the help of the British Army. Parker reconstructed it mid-boom as a frozen moment of vandalism. The shadows projected on the walls are as important as the work itself, as they contribute to the sensation of us being part of a bigger cosmos.

And again, flattened silver in another dim lit room full of suspended flattened trombones and trumpets with her work “Perpetual Cannon” (2004), all arranged in a circle like a ghost band in a different dimension.

Another art installation I found interesting for its originality was “War Room” (2015). A room covered with rolls of red paper with perforations where poppies had been punched out. The absence of the poppies is very meaningful because a lot of people went to the war and didn’t return home. This piece was made by Parker in response to an invitation to make a work about the I World War. The shape of the tent is inspired by the tent that Henri VIII did for a peace summit with the French king in 1520. The peace lasted only for one year. Not very succesful!

Then, the art show includes multiple works used by the artist to tell stories about things that matter to her, not exempt of irony. Among them the marks left by workmen pointing the perimeter walls of Pentonville prison, photographed by Parker, look like an abstract painting. They were all painted white soon after, and a few hours later, a murdered escaped from the prison after scaling the walls. Or the black and white pictures taken with a camera that once belonged to Auschwitz commander Rudolf Höss.

Parker’s work is also an art of collaborations, such as with the embroidery of the Wikipedia entry on the Magna Carta, whose lettering has been sewn by prisoners and professional embroiderers, including Edward Snowden and Julian Assange.

Despite the certain artificiality or excessive logic applied to her work, I like the way in which she constructs and deconstructs, destroys and remakes the objects and the environment that surround us, making us think about further meanings and associations that connect us all in the universe.

Recuerdos de plata

Cornelia Parker
19 mayo 2022 – 16 octubre 2022
Tate Britain, Londres, Reino Unido

No te puedes perder la muestra de arte de la temporada en Londres: Cornelia Parker en Tate Britain. La artista conceptual británica tiene 65 años y es una de los artistas contemporáneas más reconocibles y aclamadas de la actualidad. Tal vez esta exposición se retrasó mucho tiempo.

De todo su trabajo mis obras favoritas son sus instalaciones de arte; poéticas e hipnotizantes, atrapan tu imaginación y te invitan a la reflexión. A la artista le gusta jugar con conceptos, utilizando metáforas visuales para investigar la naturaleza de la violencia, la ecología, la identidad nacional y los derechos humanos.

La exposición comienza con la fascinante obra “Treinta piezas de plata” (1988-89). Treinta grupos de vajilla plateada flotando a centímetros del suelo en la oscuridad. Parker los aplastó para quitarles el volumen dejándolos tan planos como las muertes del Correcaminos de los dibujos animados de Disney que solíamos ver cuando éramos niños.

La artista habla de la ansiedad que sufrió cuando hizo esta instalación de arte sabiendo que su casa del este de Londres iba a ser demolida para dar paso a la carretera de enlace M11. ¿Contribuiría eso a la urgencia de destrucción que sufrió antes de crear este trabajo? El nombre de la obra fue tomado de la Biblia, ya que treinta era el número de monedas que recibió Judas por traicionar a Jesús. Me gustó mucho mirar estas piezas de platería desde una perspectiva diferente, completamente planas colgando del techo. Son como parte de un antiguo imperio; una reminiscencia de los buenos tiempos que ahora recordamos con nostalgia.

La siguiente gran instalación de arte presente en esta exposición es “Cold Dark Matter: An Exploded View” (1991). Un cobertizo que explotó con la ayuda del ejército británico. Parker lo reconstruyó a mitad de la explosión como un momento congelado de vandalismo. Las sombras proyectadas en las paredes son tan importantes como la obra misma, ya que contribuyen a la sensación de que somos parte de un cosmos mayor.

Y de nuevo, plata aplastada en otra habitación tenuemente iluminada llena de trombones y trompetas aplastados suspendidos con su obra “Perpetual Cannon” (2004), todos dispuestos en círculo como una banda fantasma en una dimensión diferente.

Otra instalación de arte que encontré interesante por su originalidad fue “War Room” (2015). Una habitación cubierta con rollos de papel rojo con perforaciones donde se habían troquelado amapolas. La ausencia de las amapolas es muy significativa por toda la gente que fue a la guerra y no volvió a casa. Esta pieza fue realizada por Parker en respuesta a una invitación para realizar un trabajo sobre la I Guerra Mundial. La forma de la carpa está inspirada en la carpa que hizo Enrique VIII para una cumbre de paz con el rey francés en 1520. La paz duró solo un año. ¡No muy exitosa!

Luego, la muestra de arte incluye múltiples obras utilizadas por la artista para contar historias sobre cosas que le importan, no exentas de ironía. Entre ellas, las marcas dejadas por los obreros señalando los muros perimetrales de la prisión de Pentonville, fotografiadas por Parker, parecen una pintura abstracta. Todas fueron pintadas de blanco después, y unas horas más tarde, un asesinado escapó de la prisión tras escalar los muros. O las fotografías en blanco y negro tomadas con una cámara que una vez perteneció al comandante de Auschwitz Rudolf Höss.

El trabajo de Parker también es un arte de colaboraciones, como con el bordado de la entrada de Wikipedia en la Carta Magna, cuyas letras han sido cosidas por prisioneros y bordadores profesionales, incluyendo Edward Snowden y Julian Assange.

A pesar de cierta artificialidad o excesiva lógica aplicada a su trabajo, me gusta la forma en que construye y deconstruye, destruye y rehace los objetos y el entorno que nos rodea, haciéndonos pensar en significados y asociaciones adicionales que nos conectan a todos nosotros en el universo.

The art blueberry with Cornelia Parker’s *Thirty Pieces of Silver*

The art blueberry in Cornelia Parker’s *War Room*

A net of human connections

Chiharu Shiota
Me Somewhere Else
28 November 2018 – 19 January 2019
Blain Southern London gallery, London, UK

The art berries visited the art exhibition of Chiharu Shiota at the Blain|Southern London gallery and really enjoyed it. The gallery is nearby Regent’s Street and Oxford Street, so you may want to fit the visit in with your seasonal shopping or just go for it. I hope you like it too.

As you come into the gallery space, you’ll be surrounded by a mesmerising billowing net of red yarn that seems to rise from a pair of feet up to the ceiling from where the installation is suspended. The solid material of the feet, casted from the artist’s own feet, contrasts with the lightness and ephemerality of the net above. The big size of the installation and boldness of the red colour of the net makes you want to immerse yourself in the installation and be a part of it.

Red yarn is a strong symbol in Asia; is the red of blood and also a symbol for relationships between people. For Shiota, the red yarn alludes to the connectedness to each other, the interior of the body and the complex relationship between the body and the mind; a network of neural connections in the brain making the body to react.

With “Me Somewhere Else” the artist examines the idea that human consciousness could exist independently of the body, somewhere else beyond. She said: ‘I feel that my body is connected to the universe but is my consciousness as well? When my feet touch the earth, I feel connected to the world, to the universe that is spread like a net of human connections, but if I don’t feel my body anymore where do I go? Where do I go when my body is gone? When my feet do not touch the ground anymore.’

Finally, in the last room I liked another art piece consisting of a big white empty dress enfold by black threat. For Shiota, an empty dress is a lack of presence, yet it has its own imprint. The memory cannot be washed away. This work seemed to have like a haunting presence and was somewhat unsettling. In addition to this, we can see a few other geometrical sculptures and a couple of two dimensional canvas made also with threat, a medium widely used by Shiota on her work.

Based in Berlin, Shiota (b. 1972, Osaka, Japan) is best known for her immersive installations, such as “The Key in the Hand”, with which she represented Japan at the Venice Biennale in 2015. Using thread to ‘draw’ in three dimensions, she weaves intricate networks of yarn into and across spaces. Personal experiences are the starting points for her works, which explore the relationships between the body, memory, life and death.

Shiota studied painting early in her education but felt restricted by the use of canvas and paint, so she began using her own body in performance pieces, and later began to use thread as a mode for formal and conceptual expression. It allowed her to remove her physical presence yet still address the ideas that are central to her practice.

Una red de conexiones humanas

Chiharu Shiota
Me Somewhere Else (Yo en otro lugar)
28 de noviembre de 2018 – 19 de enero de 2019
Galería Blain Southern, Londres, Reino Unido

The art berries estuvimos en la exposición de arte de Chiharu Shiota que se encuentra ahora en la galería Blain | Southern en Londres y realmente la disfrutamos. La galería está muy cerca de Regent´s Street y Oxford Street, por lo que puede que quieras aprovechar para visitar la galería cuando hagas las compras de temporada o ir exclusivamente a verla. Espero que también te guste.

Al entrar en el espacio de la galería, te verás rodeado/a por una fascinante red de hilos rojos que parece elevarse desde un par de pies hasta el techo, donde se suspende la instalación. La solidez de los pies, replica de los pies de la artista, contrasta con la ligereza y transitoriedad de la red de arriba. El gran tamaño de la instalación y la audacia del color rojo de la red hacen que quieras sumergirte en la instalación y formar parte de ella.

El hilo rojo es un fuerte símbolo en Asia; es el rojo de la sangre y también un símbolo de las relaciones entre las personas. Para Shiota, el hilo rojo alude a la conexión entre nosotros, el interior del cuerpo y la compleja relación entre el cuerpo y la mente; una red de conexiones neuronales en el cerebro que hace que el cuerpo reaccione.

Con “Me Somewhere Else”, la artista examina la idea de que la conciencia humana podría existir independientemente del cuerpo, en otro lugar más allá. ‘Siento que mi cuerpo está conectado con el universo pero, ¿es mi conciencia también? Cuando mis pies tocan la tierra, me siento conectado al mundo, al universo que se extiende como una red de conexiones humanas, pero si ya no siento mi cuerpo, ¿a dónde voy? ¿A dónde voy cuando mi cuerpo se ha ido? Cuando mis pies ya no toquen el suelo’.

Finalmente, en la última habitación me gustó otra obra de arte que consiste en un gran vestido blanco vacío envuelto en hilo negro. Para Shiota, un vestido vacío es una falta de presencia, pero que tiene su propia huella. El recuerdo no puede ser borrado. Esta obra me pareció de aspecto inquietante. Además de esto, podemos ver algunas otras esculturas geométricas y un par de lienzos bidimensionales hechos también con hilo, un medio ampliamente utilizado por Shiota en su trabajo.

Con sede en Berlín, Shiota (n. 1972, Osaka, Japón) es mejor conocida por sus instalaciones inmersivas, como “The Key in the Hand”, con la que representó a Japón en la Bienal de Venecia en 2015. Utilizando el hilo para “dibujar” en tres Dimensiones, ella teje intrincadas redes de hilo en el espacio y a través de espacios. Las experiencias personales son los puntos de partida de sus trabajos, que exploran las relaciones entre el cuerpo, la memoria, la vida y la muerte.

Shiota estudió pintura al principio de su educación, pero se sintió restringida por el uso del lienzo y la pintura, por lo que comenzó a usar su propio cuerpo en piezas de performance, y más tarde comenzó a usar el hilo como modo de expresión formal y conceptual. Le permitió eliminar su presencia física y aún así abordar las ideas que son fundamentales para su práctica.