Barbican Centre – The art berries

The power of art to uplift others

Noah Davis
Thursday 6 February – Sunday 11 May 2025
Barbican Art Gallery, Barbican Centre, London, UK

This post is about the current exhibition at the Barbican gallery that is ending this weekend, and it’s certainly worth a visit. Noah Davis was an American artist (1983–2015) that I find truly inspiring and with which I share the same vision of creative togetherness. He believed art was for everyone and I totally support that vision.

Davis blended historical and contemporary source material to create images of Black life that are unbound by a specific time or place. His figurative paintings explore the emotional, and fantastical, textures of everyday life. Davis painted figures diving into pools, sleeping, dancing, and looking at art in scenes that can be both realistic and dreamlike—some joyful, others melancholic. As he once said, “Painting does something to your soul that nothing else can. It is visceral and immediate.”

Davis drew from anonymous photography, personal archives, film, art history and his imagination to create a ravishing body of work. Often enigmatic, his paintings reveal a deep feeling for humanity and the emotional textures of the everyday. Davis agilely moved between painting styles, often using unorthodox techniques and a diverse palette.

Davis understood the power of art to uplift others and believed art was for everyone. In 2012, he and Karon Davis, his wife and fellow artist, co-founded the Underground Museum, a revered and much-loved institution in the historically Black and Latinx neighborhood of Arlington Heights, Los Angeles.

In his lifetime, Davis used the Underground Museum as a studio, a site for residencies and an exhibition space, convincing the Museum of Contemporary Art, Los Angeles (MOCA) to lend their collection in a three-year partnership starting in 2014. By the time he died in 2015, he had planned 18 exhibitions for the Underground Museum using MOCA’s collection, motivated by the desire to “change the way people view art, the way they buy art, the way they make art.”

The little art gooseberry next to a work by Noah Davis

The exhibition features groups of paintings made between 2007 and 2015 that chart his interest in politics and current affairs, everyday life, ancient Egypt, family history, the racism of the American media, art history and architecture. The paintings are positioned alongside Davis’s experimentations in sculpture, installation, works on paper and curation, giving special attention to the conceptual underpinnings of his practice, as well as his engagement with the complex histories of representation and image-making.

Born in Seattle, Washington in 1983, Davis had his first painting studio in high school. He briefly studied film and conceptual art at Cooper Union in New York before leaving to pursue his own artistic education. By 2004 he had moved to LA and was working at the bookshop Art Catalogues, where he could feed his appetite for a wide-reaching history of culture and, in particular, painting. Drawing on the legacy of artists ranging from Caspar David Friedrich to Mark Rothko, Romare Bearden to Kerry James Marshall, he developed a distinctive painterly style.

To show Black life with beauty, majesty, joy and humour was both a risk and a necessity; Davis painted at a time of acute racism and systemic violence in the US, where identity was often weaponised as difference through the circulation of images in the media and on newly formed social media platforms.

I particularly enjoyed his dreamlike figurative paintings that appear detached of a specific time or place, and made me think that good art endures time and space and in the memories of its audiences. His wide knowledge of art history and his interest in politics and current affairs apart from everyday life scenes, as well as his deep commitment for inclusion to give free access to world-class art to less favoured communities in LA, make his work very original and relevant to the current political context we’re living these days as well.

Special thanks to our Guest art berry, Damola, for posing for the cover photo.

The art blueberry next a work by Noah Davis

El poder del arte para elevar a los demás

Noah Davis
Jueves 6 de febrero – Domingo 11 de mayo de 2025
Barbican Art Gallery, Barbican Centre, Londres, Reino Unido

Esta publicación trata sobre la exposición actual en la galería Barbican que termina este fin de semana, y sin duda merece una visita. Noah Davis fue un artista estadounidense (1983–2015) que me resulta verdaderamente inspirador y con quien comparto la misma visión de creatividad colectiva. Él creía que el arte era para todos, y apoyo totalmente esa visión.

Davis combinaba fuentes históricas y contemporáneas para crear imágenes de la vida negra que no están ligadas a un tiempo o lugar específico. Sus pinturas figurativas exploran las texturas emocionales y fantásticas de la vida cotidiana. Davis pintaba figuras zambulléndose en piscinas, durmiendo, bailando y mirando arte en escenas que pueden ser tanto realistas como oníricas—algunas alegres, otras melancólicas. Como él mismo dijo una vez: “La pintura hace algo a tu alma que nada más puede hacer. Es visceral e inmediata.”

Davis se inspiraba en fotografías anónimas, archivos personales, cine, historia del arte e imaginación para crear un cuerpo de obra fascinante. A menudo enigmáticas, sus pinturas revelan un profundo sentimiento por la humanidad y las emociones cotidianas. Davis se movía con agilidad entre estilos pictóricos, utilizando técnicas poco convencionales y una paleta diversa.

Davis comprendía el poder del arte para elevar a los demás y creía que el arte era para todos. En 2012, él y Karon Davis, su esposa y también artista, cofundaron el Underground Museum, una institución venerada y muy querida en el barrio históricamente negro y latinx de Arlington Heights, en Los Ángeles.

Pintura que muestra una piscina llena de personas, con un hombre zambulléndose hacia el agua desde el borde. Al fondo, se observan otras figuras y un edificio.

Durante su vida, Davis usó el Underground Museum como estudio, espacio de residencias y de exposiciones, convenciendo al Museum of Contemporary Art de Los Ángeles (MOCA) de prestar su colección en una colaboración de tres años a partir de 2014. Para cuando falleció en 2015, había planificado 18 exposiciones para el Underground Museum utilizando la colección del MOCA, motivado por el deseo de “cambiar la manera en que la gente ve el arte, la manera en que lo compra, la manera en que lo hace”.

La exposición presenta grupos de pinturas realizadas entre 2007 y 2015 que reflejan su interés por la política y la actualidad, la vida cotidiana, el antiguo Egipto, la historia familiar, el racismo en los medios estadounidenses, la historia del arte y la arquitectura. Las pinturas se presentan junto a experimentaciones de Davis en escultura, instalaciones, obra sobre papel y comisariado, prestando especial atención a los fundamentos conceptuales de su práctica, así como a su compromiso con las complejas historias de representación y creación de imágenes.

Pintura figurativa de Noah Davis que muestra una piscina con figuras sumergidas y tumbonas frente a un edificio, resaltando la vida cotidiana y las interacciones humanas.

Nacido en Seattle, Washington, en 1983, Davis tuvo su primer estudio de pintura en la secundaria. Estudió brevemente cine y arte conceptual en Cooper Union, en Nueva York, antes de dejarlo para continuar su formación artística por cuenta propia. En 2004 se trasladó a Los Ángeles y comenzó a trabajar en la librería Art Catalogues, donde alimentó su apetito por una historia de la cultura extensa y, en particular, de la pintura. Inspirado por el legado de artistas que van desde Caspar David Friedrich hasta Mark Rothko, Romare Bearden y Kerry James Marshall, desarrolló un estilo pictórico distintivo.

Mostrar la vida negra con belleza, majestuosidad, alegría y humor fue tanto un riesgo como una necesidad; Davis pintó en un momento de racismo agudo y violencia sistémica en EE. UU., donde la identidad a menudo se convertía en un arma mediante la circulación de imágenes en los medios y en las plataformas de redes sociales recién creadas.

Disfruté especialmente de sus pinturas figurativas de tono onírico, que parecen desprendidas de un tiempo o lugar concreto, y que me hicieron pensar que el buen arte perdura en el tiempo, en el espacio y en la memoria de sus públicos. Su vasto conocimiento de la historia del arte y su interés por la política, la actualidad y las escenas cotidianas, así como su fuerte compromiso con la inclusión y el acceso gratuito a arte de primer nivel para comunidades menos favorecidas de Los Ángeles, hacen que su obra sea muy original y relevante en el contexto político actual que estamos viviendo.

Un agradecimiento especial a nuestra Art berry invitada, Damola, por posar para la foto de portada.

Pintura de un hombre de espaldas, sosteniendo una lámpara mientras mira hacia un oscuro espacio estrellado, con un terreno rocoso a su alrededor.

Feminist visions in Balinese art

Citra Sasmita: Into Eternal Land
📅 30 January – 21 April 2025
📍 The Curve, Barbican Centre, London, UK

I’m always pleased to discover new artists with a meaningful story to tell. For the past three months, The Curve at the Barbican Centre has hosted the first UK exhibition of Indonesian artist Citra Sasmita. Although today is the final day, I didn’t want you to miss it.

Sasmita draws on traditional elements, myths, and iconography from ancient Balinese culture and literature to trace the often-marginalised narrative of women in Balinese society. Into Eternal Land speaks to both universal and urgent concerns: reconnecting with ancestral traditions, grappling with the fragility of the natural world, and imagining the possibility of feminist resistance.

Through painting, installation, embroidery, and scent, she explores themes of ancestral memory, ritual, and migration. Sasmita draws from the long histories of displacement across the Indonesian archipelago, taking inspiration from stories that span heaven, earth, and hell – from the Hindu epic Mahabharata to Dante’s Inferno.

The exhibition unfolds in several acts. Panoramic scroll paintings depict women undergoing transformation and rebirth, while embroidered textiles – created in collaboration with women artisans from West Bali – honour the legacy of traditional women herbalists. The exhibition concludes with a meditative space centred around a golden mandala made of ground turmeric.

Dim lighting, hanging artworks suspended from the ceiling, and the scent of turmeric enrich the immersive experience. It feels like stepping into a sacred space, inviting you to slow down and reflect. This is art with a social message – one that encourages deep contemplation.

Sasmita often works with the Kamasan painting technique, which dates back to the 15th century and was traditionally practiced exclusively by men to narrate Hindu epics. By reclaiming this masculine art form, she dismantles misconceptions about Balinese culture and confronts its violent colonial history.

Historically, Kamasan paintings depicted women as sexualised figures, defined by reproduction, or cast as villains. Sasmita reclaims this tradition, placing powerful female figures at the centre of her work – women who inhabit a post-patriarchal world. Through this, she challenges gender hierarchies and reimagines mythology with a feminist lens.

Born in Bali in 1990, Citra Sasmita is a self-taught artist. Though she studied literature and physics, she never formally graduated from an art institution. Before developing her broader artistic practice, she worked as a short story illustrator for the Bali Post.

Visiting this exhibition was a mesmerising experience – a journey of discovery through ancient technique and contemporary meaning. It’s a reminder that artists can bridge the past and present, reinterpreting age-old narratives with modern sensibilities while preserving cultural heritage.

The exhibition resonated with me on a more intimate level, perhaps because I’m a woman. The hanging plaits, arranged with a near-ritual delicacy, alongside the presence of symbolically powerful female figures, felt like a long-overdue homage to forgotten Indonesian women — who, at last, seem to be receiving the recognition that was denied to them for so long.

Visiones feministas en el arte balinés

Citra Sasmita: Into Eternal Land
30 de enero – 21 de abril 2025
The Curve, Barbican Centre, Londres, Reino Unido

Siempre me alegra descubrir nuevas artistas con una historia significativa que contar. Durante los últimos tres meses, The Curve del Barbican Centre ha acogido la primera exposición en el Reino Unido de la artista indonesia Citra Sasmita. Aunque hoy es el último día, no quería que pasara desapercibida.

Sasmita retoma elementos tradicionales, mitos e iconografía de la antigua cultura y literatura balinesas para rastrear la narrativa, a menudo marginada, de las mujeres en la sociedad de Bali. Into Eternal Land aborda cuestiones tanto universales como urgentes: la reconexión con las tradiciones ancestrales, la fragilidad del mundo natural y la posibilidad de una resistencia feminista.

A través de la pintura, la instalación, el bordado y el aroma, explora la memoria ancestral, el ritual y la migración. Sasmita se inspira en las largas historias de desplazamiento en el archipiélago indonesio, así como en relatos sobre el cielo, la tierra y el infierno –desde el épico hindú Mahabharata hasta el Infierno de Dante.

La exposición se desarrolla en varios actos. Pinturas en formato de pergamino muestran a mujeres en procesos de transformación y renacimiento, mientras que los textiles bordados –realizados en colaboración con artesanas del oeste de Bali– rinden homenaje a la historia de las herbolarias. La exposición concluye con un espacio de meditación en torno a una mandala dorada hecha con cúrcuma molida.

La tenue iluminación, las obras suspendidas del techo y el aroma de la cúrcuma contribuyen a una experiencia inmersiva. Se siente como entrar en un espacio sagrado, que invita a tomarse tiempo y reflexionar. Es arte con un mensaje social que te impulsa a meditar.

Sasmita trabaja a menudo con la técnica pictórica Kamasan, que se remonta al siglo XV y que tradicionalmente practicaban exclusivamente hombres para narrar epopeyas hindúes. Al apropiarse de esta técnica masculina, desmantela ideas erróneas sobre la cultura balinesa y enfrenta su pasado colonial violento.

En esas representaciones tradicionales, las mujeres solían aparecer sexualizadas, reducidas a su función reproductiva o retratadas como figuras malvadas. Al recuperar esta tradición, Sasmita sitúa a mujeres poderosas como protagonistas de sus obras, mujeres que habitan un mundo post-patriarcal. Así, desafía las jerarquías de género y reinterpreta los mitos desde una perspectiva feminista.

Nacida en Bali en 1990, Citra Sasmita es una artista autodidacta. Aunque estudió literatura y física, no se graduó formalmente en una escuela de arte. Antes de desarrollar su práctica artística más amplia, trabajó como ilustradora de relatos breves para el Bali Post.

La visita a esta exposición fue una experiencia hipnótica: un viaje de descubrimiento a través de una técnica ancestral y una prueba de cómo el arte puede tender puentes entre el pasado y el presente, reinterpretando temas antiguos con sensibilidad contemporánea y conservando técnicas que siguen resonando en una cultura.