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Fairy tales in the contemporary world

Anna Weyant
Who’s Afraid of the Big Bad Wolves?
October 8–December 20, 2024
Gagosian Gallery, Davies Street, London

Who’s Afraid of the Big Bad Wolves marks Anna Weyant’s first art exhibition in London. I was eager to see her work in person after hearing about her extensively in the media. However, beyond the headlines surrounding her private life, Weyant’s paintings stand out for their undeniable technical mastery and profound engagement with art history. Notably, she is the youngest artist to be represented globally by Gagosian Gallery.

In her latest works, Weyant blends autobiographical elements with symbolic wit, moody atmospheres, and the refined techniques that defined her earlier exhibitions: Baby, It Ain’t Over Till It’s Over (2022, Gagosian New York) and The Guitar Man (2023, Gagosian Paris).

Born in Calgary, Canada, and now based in New York, Weyant earned a BFA in painting from the Rhode Island School of Design and spent seven months at the China Academy of Art in Hangzhou. She has credited the city’s sepia-toned terrain as a key influence on her signature muted palette.

Drawing inspiration from the elegance of Flemish portraiture and the dramatic chiaroscuro of Caravaggio, Weyant’s paintings are both visually arresting and deeply thought-provoking. They meticulously adhere to Western aesthetic traditions of beauty and “good painting,” executed with remarkable precision, while also introducing uncanny elements that challenge these ideals. Her painterly style bridges the Baroque tradition of the Dutch Masters with modern influences, including 20th-century artists such as Balthus and John Currin, whom she cites as pivotal in her journey towards figurative painting.

Her figures, rendered in sombre tones, inhabit dreamlike spaces, revealing concealed inner struggles beneath their doll-like appearances. This tension aligns with the exhibition’s title, which alludes to fairy tales and the challenges of entering the contemporary art world.

In Girl in Window (2024), a vine’s heart-shaped leaf shields the subject’s breast, recalling fig leaves on classical statues. Such moments of exposure and concealment echo themes from her earlier works, like the eerie dollhouse of House Exterior (2023). Weyant described this show as her hardest yet, noting its more sombre tone compared to past exhibitions.

In It’s Coming from Inside the House, a seated figure hides behind a large, blank newspaper, transforming its reader into an unavailable and enigmatic presence. Meanwhile, Here, My Dear features a framed portrait of a woman glancing over her left shoulder, with light from a window illuminating the wall where the portrait rests. The off-kilter positioning of the portrait adds a sense of tension and ambiguity, hinting at an ongoing re-evaluation of identity and role.

Still lifes, though less popular than her portraits, add another dimension to her work. I particularly enjoyed Encore, where a bouquet of flowers wrapped in brown paper lies discarded. Inspired by Eminem’s Encore/Curtains Down, it symbolises the end of a performance and moving on.

My favourite painting in the exhibition was Geraldine (2024), displayed alone in the final room of the gallery. It depicts a woman’s face obscured by a flower pot. I found the mystery in this piece captivating, and the execution of the white fabric in her dress reminded me of the whites in Zurbarán’s monastic tunics. It struck me as a perfect painting for a “trophy wife,” where the woman’s identity is entirely effaced.

Weyant’s enigmatic subjects keep viewers engaged, balancing sensuality, dark humour, and technical prowess. Her blend of old-world formalism—using chiaroscuro to deepen mood and mystery, muted colour palettes, and the rich, dark backgrounds reminiscent of Dutch Masters’ portraits—with a contemporary sensibility attuned to youth, femininity, and internet culture.

Read Anna Weyant’s interview in the December 2024 issue of Vogue.

Cuentos de hadas en el mundo contemporáneo

Anna Weyant
¿Quién teme al lobo feroz?
8 de octubre–20 de diciembre de 2024
Gagosian Gallery, Davies Street, Londres

¿Quién teme al lobo feroz? marca la primera exposición de Anna Weyant en Londres. Tenía muchas ganas de ver su obra en persona tras haber oído hablar ampliamente de ella en los medios. Sin embargo, más allá de los titulares sobre su vida privada, las pinturas de Weyant destacan por su innegable maestría técnica y su profundo compromiso con la historia del arte. Cabe destacar que es la artista más joven representada a nivel global por Gagosian Gallery.

En sus obras más recientes, Weyant combina elementos autobiográficos con ingenio simbólico, atmósferas melancólicas y las técnicas refinadas que definieron sus primeras exposiciones: Baby, It Ain’t Over Till It’s Over (2022, Gagosian Nueva York) y The Guitar Man (2023, Gagosian París).

Nacida en Calgary, Canadá, y actualmente residente en Nueva York, Weyant obtuvo una licenciatura en pintura en la Rhode Island School of Design y pasó siete meses en la Academia de Arte de China en Hangzhou. Ha mencionado que el paisaje en tonos sepia de la ciudad influyó significativamente en su característico uso de una paleta de colores apagados.

Inspirándose en la elegancia del retrato flamenco y el dramatismo del claroscuro de Caravaggio, las pinturas de Weyant son a la vez visualmente impactantes y profundamente provocadoras. Se adhieren meticulosamente a las tradiciones estéticas occidentales de la belleza y la “buena pintura”, ejecutadas con una precisión asombrosa, mientras introducen elementos inquietantes que desafían estos ideales. Su estilo pictórico conecta la tradición barroca de los maestros holandeses con influencias modernas, incluidos artistas del siglo XX como Balthus y John Currin, a quienes reconoce como fundamentales en su camino hacia la pintura figurativa.

Sus figuras, representadas en tonos oscuros, habitan espacios oníricos que desvelan luchas internas ocultas bajo su apariencia de muñecas. Esta tensión está en sintonía con el título de la exposición, que alude a los cuentos de hadas y a los desafíos de entrar en el mundo contemporáneo del arte.

En Girl in Window (2024), una hoja en forma de corazón de una enredadera cubre el pecho de la figura, evocando las hojas de parra de las estatuas clásicas. Estos momentos de exposición y ocultación reflejan los temas de sus obras anteriores, como la inquietante casa de muñecas de House Exterior (2023). Weyant describió esta muestra como la más difícil de realizar, señalando su tono más melancólico en comparación con sus exposiciones anteriores.

En It’s Coming from Inside the House, una figura sentada se oculta tras un periódico grande y en blanco, transformando a su lector en una presencia inaccesible y enigmática. Por otro lado, Here, My Dear presenta un retrato enmarcado de una mujer que mira por encima de su hombro izquierdo, mientras la luz de una ventana ilumina la pared donde descansa el cuadro. La posición inclinada del retrato añade una sensación de tensión y ambigüedad, insinuando una continua reevaluación de la identidad y el rol.

Aunque menos populares que sus retratos, las naturalezas muertas aportan otra dimensión a su obra. Me gustó particularmente Encore, donde un ramo de flores envueltas en papel marrón yace abandonado. Inspirada por la canción Encore/Curtains Down de Eminem, simboliza el final de una actuación y el paso a lo siguiente.

Mi pintura favorita de la exposición fue Geraldine (2024), expuesta en solitario en la última sala de la galería. Representa el rostro de una mujer oculto tras una maceta. Me cautivó el misterio de esta obra, y la ejecución del tejido blanco de su vestido me recordó a los blancos de las túnicas monacales de Zurbarán. Me pareció una pintura perfecta para una “esposa trofeo”, donde la identidad de la mujer está completamente borrada.

Los sujetos enigmáticos de Weyant mantienen al espectador intrigado, equilibrando sensualidad, humor oscuro y destreza técnica. Su combinación de formalismo clásico—utilizando el claroscuro para profundizar en el ambiente y el misterio, paletas de colores apagados y los fondos oscuros y ricos característicos de los retratos de los maestros holandeses—con una sensibilidad contemporánea orientada hacia la juventud, la feminidad y la cultura digital.

Lee la entrevista de Anna Weyant en el número de diciembre de 2024 de Vogue.

Girl in Window
It’s Coming from Inside the House
Here, My Dear
Encore
Geraldine

Entrance to the exhition: Free.

Entrada a la exposición: Gratis.

Turning adversity into creativity

Jason Wilsher-Mills
Jason and the Adventure of 254
21 March 2024 – 12 January 2025
Wellcome Collection, London, UK

The art exhibition, Jason and the Adventure of 254 by artist Jason Wilsher-Mills, is now showing at the Wellcome Collection. I was deeply moved when I saw this whimsical exhibition, and I want to share it with you here.

The show is inspired by the artist’s experience of becoming disabled as a child. Wilsher-Mills transports viewers to Pinderfields Hospital in Wakefield on 1 August 1980, at precisely 2:54 pm. This was the pivotal moment when he and his parents learned of the autoimmune condition that left him paralyzed from the neck down from age 11 to 16. Remarkably, this was also the exact moment that Sebastian Coe won the 1500-metre race at the Moscow Olympics, wearing the number 254—a race broadcast on the ward’s TV. Wilsher-Mills sees this serendipitous coincidence as the spark for his artistic career.

The artist intertwines these two life-changing events in a profoundly inspiring way. Rather than focusing on the trauma of his illness, he sees that moment as the beginning of his creative life. His vibrant installation invites you to explore his memories and reflect on how disability and adversity can serve as a catalyst for creativity and self-discovery.

The exhibition delves into what was happening in his body, his imagination, and the world around him. It explores themes of childhood, family, memory, and the nature of creativity—how it works and where it comes from. The artist drew inspiration from 1980s television and anatomical drawings at the Wellcome Collection, which triggered memories of his hospitalization.

The installations, bursting with bright and engaging colours, are based on hundreds of preparatory drawings he created for the show. These works can also be explored in an adjacent room. The centrepiece sculpture, Figure in a Bed, portrays the artist in bed watching TV. A figure that has a TV for a head representing the athlete Sebastian Coe. Surrounding Wilsher-Mills are green toy soldiers symbolizing his white blood cells, which, as doctors explained, were attacking his own body instead of defending it.

Another striking installation is Calliper Boots, which I personally engaged with during my visit. This piece represents the medical boots he was given to support his weight and train his ankles—a painful and unwelcome experience. In a creative twist, Wilsher-Mills reimagined these boots as vibrant, brightly painted Dr. Martens, the type of footwear he would have loved as a child.

As Wilsher-Mills explains in an old interview:

“My work deals primarily with my self-image as a disabled person, and the long-standing effects of illness and disability. I do this through the use of theatrical trickery, humour, and honesty. I can place myself in environments and creative narratives that describe what it is to me to be disabled. I understand that through art I can free myself from the restrictions that my body presents to me.”
—Jason Wilsher-Mills, Disability Horizons

The exhibition also features interactive, push-button-operated dioramas reminiscent of the penny arcade machines Wilsher-Mills saw as a child at seaside resorts. These magical dioramas provide windows into his childhood memories, blending myth and reality in a dreamlike manner. They portray key stages of transformation in his life and offer insight into his sources of inspiration.

In addition to the dioramas, drawings by Wilsher-Mills are displayed on the gallery walls, enriching the experience further.

Overall, the exhibition is a deeply uplifting portrayal of how Wilsher-Mills’ disability shaped his identity and ignited his passion for art. I found his approach profoundly hopeful, showing how negative experiences can become opportunities for growth and learning. His work encourages us to reflect on the resilience of the human spirit and how perspective can turn adversity into a source of strength.

Convertir la adversidad en creatividad

Jason Wilsher-Mills
Jason and the Adventure of 254
21 de marzo de 2024 – 12 de enero de 2025
Wellcome Collection, Londres, Reino Unido

La exposición Jason and the Adventure of 254 del artista Jason Wilsher-Mills se presenta actualmente en el Wellcome Collection. Me conmovió profundamente ver esta colorida exposición, y quiero compartirla contigo aquí.

La muestra artística está inspirada en la experiencia del artista al volverse discapacitado cuando era niño. Wilsher-Mills transporta a los espectadores al Hospital Pinderfields en Wakefield, el 1 de agosto de 1980, exactamente a las 2:54 de la tarde. Este fue el momento crucial en el que él y sus padres recibieron la noticia de una afección autoinmune que lo dejó paralizado desde el cuello hacia abajo entre los 11 y los 16 años. De manera notable, este fue también el preciso instante en el que Sebastian Coe ganó la carrera de 1500 metros en los Juegos Olímpicos de Moscú, luciendo el número 254, transmitido en la televisión de la sala del hospital. Wilsher-Mills considera esta coincidencia fortuita como el punto de partida de su carrera artística.

El artista entrelaza estos dos eventos de forma inspiradora. En lugar de enfocarse en el trauma de su enfermedad, ve ese momento como el inicio de su vida creativa. Su vibrante instalación invita a explorar sus recuerdos y reflexionar sobre cómo la discapacidad y la adversidad pueden servir como catalizadores para la creatividad y el autodescubrimiento.

La exposición explora lo que ocurría en su cuerpo, en su imaginación y en el mundo que lo rodeaba. Aborda temas como la infancia, la familia, la memoria y la naturaleza de la creatividad: cómo funciona y de dónde proviene. El artista se inspiró en la televisión de los años 80 y en los dibujos anatómicos del Wellcome Collection, que evocaron recuerdos de su hospitalización.

La instalación, llenas de colores vivos y cautivadores, se basa en cientos de dibujos preparatorios que creó para la muestra. Estas obras también pueden explorarse en una sala adyacente. La escultura central, Figure in a Bed, representa al artista en la cama viendo televisión. Una figura que tiene una televisión por cabeza representa al atleta Sebastian Coe. Alrededor de Wilsher-Mills hay pequeños soldados de juguete verdes que simbolizan sus glóbulos blancos, los cuales, según los médicos, atacaban su propio cuerpo en lugar de defenderlo.

Otra escultura parte de la instalación que me gustó es Calliper Boots, con la que interactué personalmente durante mi visita. Esta pieza representa las botas ortopédicas que le dieron para soportar su peso y entrenar sus tobillos, una experiencia dolorosa y desagradable. En un giro creativo, Wilsher-Mills reimaginó estas botas como unas vibrantes Dr. Martens pintadas de colores fuertes, el tipo de calzado que habría querido de niño.

Como explica Wilsher-Mills en una entrevista de años atrás:
“Mi trabajo trata principalmente de mi autoimagen como persona con discapacidad y los efectos duraderos de la enfermedad y la discapacidad. Lo hago a través de trucos teatrales, humor y honestidad. Puedo situarme en entornos y narrativas creativas que describen lo que significa para mí ser discapacitado. Entiendo que, a través del arte, puedo liberarme de las limitaciones que mi cuerpo me impone.”
—Jason Wilsher-Mills, Disability Horizons

La exposición también incluye dioramas interactivos operados con botones, que recuerdan a las máquinas de los salones recreativos de monedas que Wilsher-Mills veía de niño en sus vacaciones en la costa. Estos dioramas mágicos ofrecen ventanas a los recuerdos de su infancia, fusionando mito y realidad de manera onírica. Representan etapas clave de transformación en su vida y brindan una visión de sus fuentes de inspiración.

Además de los dioramas, los dibujos de Wilsher-Mills se exhiben en las paredes de la galería, enriqueciendo aún más la experiencia.

En conjunto, la exposición es un retrato profundamente edificante de cómo la discapacidad de Wilsher-Mills moldeó su identidad e impulsó su pasión por el arte. Su enfoque, lleno de esperanza, muestra cómo las experiencias negativas pueden convertirse en oportunidades para el crecimiento y el aprendizaje. Su obra nos invita a reflexionar sobre la resiliencia del espíritu humano y cómo nuestra perspectiva puede transformar la adversidad en una fuente de fortaleza.

Organic sculpture that captures your imagination

When Forms Come Alive
7 February 2024 – 6 May 2024
Hayward Gallery, Southbank Centre, London, UK.

This is the last weekend that this art exhibition will be open, so I strongly recommend that you go. The show includes contemporary sculpture made in the last 60 years, inspired by movement, fluidity, and growth, and it’s one of the best exhibitions I’ve seen at the Hayward Gallery in years. It’s open until Monday, bank holiday in the UK.

In contrast to traditional sculpture, the works on display in this exhibition are organic and appear to be undergoing a process of transformation. It’s as if art has partnered with science to bring you a new perspective of the world on a grander scale.

Exploring the gallery space was a delight, with each room revealing new artworks and surprises. The curating is brilliant, in terms of the works selected, the space allocated to each of them, and in between them. This allows you to navigate the show and see yourself in relation to these artworks.

As you enter the main gallery space downstairs, you can see the work by Dutch duo Studio Drift, where little silk flowers move open and close as they go up and down in an absorbing dance.

Adjacent to this, you’ll find the striking installation by Michel Blazy, crafted from white foam. Like other forms of ephemeral art, the works evolve and move as you stand in front of them, gaining interesting spiralling shapes that you’d like to be able to touch for their softness and fluidity, as if wanting to be part of that flow. See The art blackberry next to it.

The art blackberry next to ‘Bouquet Final’ by Michel Blazy

Then, up the ramp, you see the towers created out of discarded junk by Seoul-based sculptor Choi Jeong-hwa. The stuff of everyday life is combined here in surprising towers of rusty nails, gas rings, shells, etc., called by him “holobionts”, little microcosms of symbiotic organisms.

Blooming matrix by Choi Jeong Hwa

This takes us into a room with the artworks created by Spanish artist Teresa Solar Abboud, in which a mix of clay, resin, metal, and acrylic develop into hybrids between biology, geology, and engineering. These ‘Three tunnel boring machines’ combine industrial and organic material in such a magical way that they seem to be presenting you with huge craps elevating their arms to the sky in dynamic and mysterious ways. I was mesmerized by these works. See below The art blueberry interacting with them.

The art blueberry next to ‘Tunnel Boring Machine’ by Teresa Solar Abboud

The following artwork is probably one of the most aesthetically exciting in this art show. The work created by the American artist, Tara Donovan, of shiny molecular forms proliferating to fill a whole space. All made of Mylar, a metallic polyester film, which was folded, glued, and massed into spheres of various sizes that resemble huge molecular structures. The little art strawberry posed holding a small part of it fallen from the artwork and offered to her by the gallery attendant. We loved this artwork!

The little art strawberry next to ‘Untitled (Mylar)’ by Tara Donovan

The next amazing installation was by the French artist Marguerite Humeau, and it was made with beeswax, walnut wood, and microcrystalline wax to recreate forms that exist in nature like a tree that spreads flat into clusters of tiered honeycombs and releases a scent, while you can listen to a soft buzz that makes you feel as if you were in the presence of a form that’s still alive. These three pieces of art are mesmerizing and atemporal and are central to the theme of this exhibition.

The little art strawberry next to Marguerite Humeau’s artwork

French art continues to captivate in the following room with another French artist, Jean-Luc Meulene. His works are placed on top of white tables and capture your imagination with vibrant colors and organic shapes with surrealist touches. See the pictures below to get an idea.

While the artworks in the upstairs gallery are equally impressive, they didn’t leave quite the same impact on me as those downstairs. Nevertheless, there are standout pieces worth mentioning, such as Ruth Asawa’s intricate wire sculptures, which draw inspiration from natural forms.

I found captivating the work by American artist Senga Nengudi, who presented a water-filled form that reminds us of the malleable character of human flesh and how our bodies are formed mostly by water. It makes me think of the fragility and endurance of human bodies.

Then, I liked the artwork on Lichen made by London artist Holly Hendry. She brings to life the theme of this exhibition quite perfectly. She works with scale, taking microscopic images of lichen, water, algae, and fungi and transforming them into a sculpture made of stainless steel, glass, canvas, timber, and paint to reveal unexpected connections between natural and architectural forms. She invites us to see the building for this gallery as part of a larger ecosystem.

And finally, I must mention that this exhibition also includes works by other renowned artists such as Phyllida Barlow and Franz West, whom I also found interesting and well-integrated in this exhibition. However, since I have previously covered their works in this blog, I won’t delve into them on this occasion, but you can see two photos below.

Artwork by Phyllida Barlow
Artwork by Franz West

The artworks in this exhibition invoke shifting realms of experience and reminded me that everything is in a continuous state of fluxing and change. In these times in which we are somehow disembodied because of the profusion of digital devices around us, these artworks invite us to be present and enjoy our senses. I feel that art is so close to science when you look at this works that could have been inspired by the microscopic images taken from a laboratory and recreated in color and exciting materials. You cannot miss this exhibition if you’re in London and free until Monday.

Esculturas orgánicas que despiertan tu imaginación

When Forms Come Alive
7 de febrero de 2024 – 6 de mayo de 2024
Hayward gallery, Southbank Centre, Londres, Reino Unido.

Este es el último fin de semana en que esta exposición de arte estará abierta, así que te recomiendo encarecidamente que vayas. La muestra incluye escultura contemporánea realizada en los últimos 60 años, inspirada en el movimiento, la fluidez y el crecimiento, y es una de las mejores exposiciones que he visto en la Hayward gallery en años. Está abierta hasta el lunes, día festivo en el Reino Unido.

En contraste con la escultura tradicional, las obras expuestas en esta exposición son orgánicas y parecen estar experimentando un proceso de transformación. Es como si el arte se hubiera aliado con la ciencia para ofrecerte una nueva perspectiva del mundo en una escala más amplia.

Explorar el espacio de la galería fue un placer, con cada sala revelando nuevas obras de arte y sorpresas. El comisariado es brillante, tanto en relación a las obras seleccionadas, el espacio asignado a cada una de ellas y entre ellas. Esto te permite navegar por la muestra y verte en relación con estas obras de arte.

Al entrar en el espacio principal de la galería en la planta baja, puedes ver la obra del dúo holandés Studio Drift, donde pequeñas flores de seda se abren y se cierran mientras suben y bajan en una danza absorbente.

Adyacente a esto, encontrarás la impresionante instalación de Michel Blazy, elaborada con espuma blanca. Al igual que otras formas de arte efímero, la obra evoluciona y se mueve mientras estás parado frente a ella, adquiriendo interesantes formas espirales que te gustaría poder tocar por su suavidad y fluidez, como si quisieras ser parte de ese flujo. Puedes ver a The art blackberry junto a ella.

Luego, subiendo por la rampa, verás las torres creadas con objetos desechados por el escultor con sede en Seúl, Choi Jeong-hwa. Los objetos de la vida cotidiana se combinan aquí en sorprendentes torres de clavos oxidados, anillos de gas, conchas, etc., llamadas por él “holobionts”, pequeños microcosmos de organismos simbióticos.

Esto nos lleva a una sala con las obras creadas por la artista española Teresa Solar Abboud, en las que una mezcla de arcilla, resina, metal y acrílico se convierte en híbridos entre la biología, la geología y la ingeniería. Estas ‘Tres máquinas perforadoras de túneles’ combinan material industrial y orgánico de una manera mágica que parece presentarte enormes formas elevando sus brazos al cielo de manera dinámica y misteriosa. Quedé hipnotizado por estas obras. Ver abajo The art blueberry interactuando con ellas.

La siguiente obra de arte es probablemente una de las más emocionantes estéticamente en esta exposición de arte. El trabajo creado por la artista estadounidense, Tara Donovan, de brillantes formas moleculares que proliferan para llenar todo un espacio. Todas hechas de Mylar, una película de poliéster metálico, que fue doblada, pegada y amasada en esferas de varios tamaños que se asemejan a enormes estructuras moleculares. The little art strawberry posa sosteniendo una pequeña parte parte desprendida de la obra ofrecida por el asistente de la galería. Nos encantó este trabajo.

La siguiente instalación asombrosa fue realizada por la artista francesa Marguerite Humeau, y fue hecha con cera de abejas, madera de nogal y cera microcristalina para recrear formas que existen en la naturaleza, como un árbol que se extiende planamente en racimos de panal escalonados y libera un aroma, mientras puedes escuchar un suave zumbido que te hace sentir como si estuvieras en presencia de una forma que todavía está viva. Estas tres piezas de arte son hipnotizantes y atemporales y son centrales para el tema de esta exposición.

El arte francés parece revitalizado al visitar la sala pasada que es seguida por otro artista francés, Jean-Luc Meulene, cuyo trabajo está colocado sobre mesas blancas y captura tu imaginación con colores vibrantes y formas orgánicas con toques surrealistas. Ver las imágenes a continuación para tener una idea.

Aunque las obras en la galería de arriba son igualmente impresionantes, no me impactaron tanto como las de abajo. Sin embargo, hay piezas destacadas que vale la pena mencionar, como las intrincadas esculturas de alambre de Ruth Asawa, que se inspiran en formas naturales.

La obra de Senga Nengudi below, que evoca la maleabilidad de la carne humana, me resultó cautivadora, lo que me lleva a reflexionar sobre la fragilidad y la resistencia del cuerpo humano.

Luego, me gustó la obra sobre el líquen realizada por la artista londinense Holly Hendry. Ella da vida al tema de esta exposición de manera perfecta. Trabaja con la escala, tomando imágenes microscópicas de líquenes, agua, algas y hongos y transformándolas en una escultura hecha de acero inoxidable, vidrio, lienzo, madera y pintura para revelar conexiones inesperadas entre formas naturales y arquitectónicas. Nos invita a ver el edificio de esta galería como parte de un ecosistema más grande.

Y por último, debo mencionar que esta exposición incluye obras de otros artistas reconocidos como Phyllida Barlow y Franz West, que también me parecieron muy interesantes y bien integradas en el conjunto. Sin embargo, dado que ya he cubierto sus obras anteriormente en este blog, no profundizaré en ellas en esta ocasión pero se puedes ver varias fotos a continuación .

Obra de
Phyllida Barlow
Obra de Franz West

Las obras de arte en esta exposición evocan reinos de experiencia en constante cambio, recordándome que todo está en un estado continuo de flujo y cambio. En estos tiempos en los que a menudo nos sentimos desconectados debido a la proliferación de dispositivos digitales a nuestro alrededor, estas obras de arte nos animan a estar completamente presentes y a disfrutar de nuestros sentidos. Encuentro que el arte y la ciencia están íntimamente entrelazados, especialmente al considerar cómo estas piezas podrían haber sido inspiradas por imágenes microscópicas capturadas en un laboratorio y luego recreadas con colores vibrantes y materiales interesantes. Si te encuentras en Londres y tienes la oportunidad, no te pierdas esta exposición.