exposiciones de arte – The art berries

The power of art to uplift others

Noah Davis
Thursday 6 February – Sunday 11 May 2025
Barbican Art Gallery, Barbican Centre, London, UK

This post is about the current exhibition at the Barbican gallery that is ending this weekend, and it’s certainly worth a visit. Noah Davis was an American artist (1983–2015) that I find truly inspiring and with which I share the same vision of creative togetherness. He believed art was for everyone and I totally support that vision.

Davis blended historical and contemporary source material to create images of Black life that are unbound by a specific time or place. His figurative paintings explore the emotional, and fantastical, textures of everyday life. Davis painted figures diving into pools, sleeping, dancing, and looking at art in scenes that can be both realistic and dreamlike—some joyful, others melancholic. As he once said, “Painting does something to your soul that nothing else can. It is visceral and immediate.”

Davis drew from anonymous photography, personal archives, film, art history and his imagination to create a ravishing body of work. Often enigmatic, his paintings reveal a deep feeling for humanity and the emotional textures of the everyday. Davis agilely moved between painting styles, often using unorthodox techniques and a diverse palette.

Davis understood the power of art to uplift others and believed art was for everyone. In 2012, he and Karon Davis, his wife and fellow artist, co-founded the Underground Museum, a revered and much-loved institution in the historically Black and Latinx neighborhood of Arlington Heights, Los Angeles.

In his lifetime, Davis used the Underground Museum as a studio, a site for residencies and an exhibition space, convincing the Museum of Contemporary Art, Los Angeles (MOCA) to lend their collection in a three-year partnership starting in 2014. By the time he died in 2015, he had planned 18 exhibitions for the Underground Museum using MOCA’s collection, motivated by the desire to “change the way people view art, the way they buy art, the way they make art.”

The little art gooseberry next to a work by Noah Davis

The exhibition features groups of paintings made between 2007 and 2015 that chart his interest in politics and current affairs, everyday life, ancient Egypt, family history, the racism of the American media, art history and architecture. The paintings are positioned alongside Davis’s experimentations in sculpture, installation, works on paper and curation, giving special attention to the conceptual underpinnings of his practice, as well as his engagement with the complex histories of representation and image-making.

Born in Seattle, Washington in 1983, Davis had his first painting studio in high school. He briefly studied film and conceptual art at Cooper Union in New York before leaving to pursue his own artistic education. By 2004 he had moved to LA and was working at the bookshop Art Catalogues, where he could feed his appetite for a wide-reaching history of culture and, in particular, painting. Drawing on the legacy of artists ranging from Caspar David Friedrich to Mark Rothko, Romare Bearden to Kerry James Marshall, he developed a distinctive painterly style.

To show Black life with beauty, majesty, joy and humour was both a risk and a necessity; Davis painted at a time of acute racism and systemic violence in the US, where identity was often weaponised as difference through the circulation of images in the media and on newly formed social media platforms.

I particularly enjoyed his dreamlike figurative paintings that appear detached of a specific time or place, and made me think that good art endures time and space and in the memories of its audiences. His wide knowledge of art history and his interest in politics and current affairs apart from everyday life scenes, as well as his deep commitment for inclusion to give free access to world-class art to less favoured communities in LA, make his work very original and relevant to the current political context we’re living these days as well.

Special thanks to our Guest art berry, Damola, for posing for the cover photo.

The art blueberry next a work by Noah Davis

El poder del arte para elevar a los demás

Noah Davis
Jueves 6 de febrero – Domingo 11 de mayo de 2025
Barbican Art Gallery, Barbican Centre, Londres, Reino Unido

Esta publicación trata sobre la exposición actual en la galería Barbican que termina este fin de semana, y sin duda merece una visita. Noah Davis fue un artista estadounidense (1983–2015) que me resulta verdaderamente inspirador y con quien comparto la misma visión de creatividad colectiva. Él creía que el arte era para todos, y apoyo totalmente esa visión.

Davis combinaba fuentes históricas y contemporáneas para crear imágenes de la vida negra que no están ligadas a un tiempo o lugar específico. Sus pinturas figurativas exploran las texturas emocionales y fantásticas de la vida cotidiana. Davis pintaba figuras zambulléndose en piscinas, durmiendo, bailando y mirando arte en escenas que pueden ser tanto realistas como oníricas—algunas alegres, otras melancólicas. Como él mismo dijo una vez: “La pintura hace algo a tu alma que nada más puede hacer. Es visceral e inmediata.”

Davis se inspiraba en fotografías anónimas, archivos personales, cine, historia del arte e imaginación para crear un cuerpo de obra fascinante. A menudo enigmáticas, sus pinturas revelan un profundo sentimiento por la humanidad y las emociones cotidianas. Davis se movía con agilidad entre estilos pictóricos, utilizando técnicas poco convencionales y una paleta diversa.

Davis comprendía el poder del arte para elevar a los demás y creía que el arte era para todos. En 2012, él y Karon Davis, su esposa y también artista, cofundaron el Underground Museum, una institución venerada y muy querida en el barrio históricamente negro y latinx de Arlington Heights, en Los Ángeles.

Pintura que muestra una piscina llena de personas, con un hombre zambulléndose hacia el agua desde el borde. Al fondo, se observan otras figuras y un edificio.

Durante su vida, Davis usó el Underground Museum como estudio, espacio de residencias y de exposiciones, convenciendo al Museum of Contemporary Art de Los Ángeles (MOCA) de prestar su colección en una colaboración de tres años a partir de 2014. Para cuando falleció en 2015, había planificado 18 exposiciones para el Underground Museum utilizando la colección del MOCA, motivado por el deseo de “cambiar la manera en que la gente ve el arte, la manera en que lo compra, la manera en que lo hace”.

La exposición presenta grupos de pinturas realizadas entre 2007 y 2015 que reflejan su interés por la política y la actualidad, la vida cotidiana, el antiguo Egipto, la historia familiar, el racismo en los medios estadounidenses, la historia del arte y la arquitectura. Las pinturas se presentan junto a experimentaciones de Davis en escultura, instalaciones, obra sobre papel y comisariado, prestando especial atención a los fundamentos conceptuales de su práctica, así como a su compromiso con las complejas historias de representación y creación de imágenes.

Pintura figurativa de Noah Davis que muestra una piscina con figuras sumergidas y tumbonas frente a un edificio, resaltando la vida cotidiana y las interacciones humanas.

Nacido en Seattle, Washington, en 1983, Davis tuvo su primer estudio de pintura en la secundaria. Estudió brevemente cine y arte conceptual en Cooper Union, en Nueva York, antes de dejarlo para continuar su formación artística por cuenta propia. En 2004 se trasladó a Los Ángeles y comenzó a trabajar en la librería Art Catalogues, donde alimentó su apetito por una historia de la cultura extensa y, en particular, de la pintura. Inspirado por el legado de artistas que van desde Caspar David Friedrich hasta Mark Rothko, Romare Bearden y Kerry James Marshall, desarrolló un estilo pictórico distintivo.

Mostrar la vida negra con belleza, majestuosidad, alegría y humor fue tanto un riesgo como una necesidad; Davis pintó en un momento de racismo agudo y violencia sistémica en EE. UU., donde la identidad a menudo se convertía en un arma mediante la circulación de imágenes en los medios y en las plataformas de redes sociales recién creadas.

Disfruté especialmente de sus pinturas figurativas de tono onírico, que parecen desprendidas de un tiempo o lugar concreto, y que me hicieron pensar que el buen arte perdura en el tiempo, en el espacio y en la memoria de sus públicos. Su vasto conocimiento de la historia del arte y su interés por la política, la actualidad y las escenas cotidianas, así como su fuerte compromiso con la inclusión y el acceso gratuito a arte de primer nivel para comunidades menos favorecidas de Los Ángeles, hacen que su obra sea muy original y relevante en el contexto político actual que estamos viviendo.

Un agradecimiento especial a nuestra Art berry invitada, Damola, por posar para la foto de portada.

Pintura de un hombre de espaldas, sosteniendo una lámpara mientras mira hacia un oscuro espacio estrellado, con un terreno rocoso a su alrededor.

Capturing the sacred essence of books in painting

Wen Wu
28 September – 1 October 2023
British Art Fair at Saatchi Gallery, London, UK

A month ago, I visited the British Art Fair at the Saatchi Gallery, where I had the opportunity to explore the artworks and meet some of the artists and their gallerists. For those familiar with the Saatchi Gallery, you’ll know that it’s located in one of London’s most affluent areas, and its gallery space spans three levels and two inter-levels, ensuring that even with a bustling crowd, it never felt overly crowded.

Art recently reclaimed the top spot in Knight Frank’s ‘Luxury Investment Index’, as the growth in other asset classes tracked by the index begins to slow down or reverse. This might explain the growing trend of people turning to the art world as a means to invest their savings.

Among the many talented artists I encountered at the fair, one in particular, caught my attention—Wen Wu. Originally from China and a London resident for over two decades, Wen Wu is a graduate of Tsinghua University in Beijing, where she received guidance from Chen Dan Qing, a highly influential art educator in China.

Wu has an exceptional ability to transport her audience into her idiosyncratic universe, where a sense of mystery and magic prevails. She masterfully encapsulates her subjects in aesthetic elegance on her canvases, skilfully using a play of shadows to bring both the background and foreground to life with the infusion of ochre and chilly cerise blue tones.

Diverging from the politically driven Social Realist approach that dominated between 1950 and 1970, Wu embraces a more lyrical and “literary” form of neo-realism, drawing inspiration from a wide range of Western influences. Her inspirations range from 19th-century French plein air romanticism to the English Pre-Raphaelites, the Dutch masters, and the Spanish Baroque painters of the 17th century, including Diego Velázquez.

Each of Wu’s creations maintains its figurative nature, yet they emanate an abstract and almost sacred essence. The execution of these images, characterized by instinctual and sensual brushwork, captures the forms of bodies and the language of the models posed on tabletop objects, radiating an ineffable sense of nostalgia. Books hold significant inspiration for Wu, as she is an avid bibliophile. For her, they represent a universal language, embodying the power of knowledge.

I had the pleasure of meeting Wen Wu at the gallery stand, and she graciously posed for us, merging and interacting with the artworks, as we often do. Thank you for that, Wen!

Sources: VirginaVisualArts.com and Wikipedia.

Capturando la esencia sagrada de los libros en la pintura

Wen Wu
28 de septiembre – 1 de octubre de 2023
Feria de Arte Británico en la Galería Saatchi, Londres, Reino Unido

Hace un mes, estuve en la Feria de Arte Británico en la Galería Saatchi, donde tuve la oportunidad de explorar las obras de arte y conocer a algunos de los artistas y sus galeristas. Si habéis estado en la Saatchi, sabréis que está ubicada en una de las zonas más pudientes de Londres y que su espacio de galería se extiende en tres niveles y dos intermedios, lo que significa que, incluso con un montón de gente, no llegara a parecerme abarrotada.

El arte ha recuperado recientemente el primer puesto en el ‘Índice de Inversión de Lujo’ de Knight Frank, ya que el crecimiento en otras clases de activos rastreadas por el índice empieza a desacelerarse o incluso a revertirse. Esto podría explicar por qué cada vez más gente se está fijando en el mundo del arte como una forma de invertir sus ahorros.

De entre los muchos artistas talentosos que vi en la feria, una en particular me llamó la atención: Wen Wu. Originaria de China y residente en Londres desde hace más de dos décadas, Wen Wu se graduó en la Universidad de Tsinghua en Pekín, donde recibió orientación de Chen Dan Qing, un educador artístico influyente en China.

Wu tiene una habilidad increíble para transportaros a su universo peculiar, donde predomina un aire de misterio y magia. En sus lienzos, logra encapsular a sus sujetos con gran elegancia estética, utilizando sombras de manera habilidosa para dar vida tanto al fondo como al primer plano, con la mezcla de tonos ocres y azules cerúleos fríos.

Alejándose del enfoque políticamente impulsado del Realismo Social que dominó entre 1950 y 1970, Wu abraza una forma más lírica y “literaria” de neo-realismo, inspirándose en una amplia gama de influencias occidentales. Sus inspiraciones abarcan desde el romanticismo al aire libre francés del siglo XIX, hasta los Prerrafaelitas ingleses, los maestros holandeses y los pintores barrocos españoles del siglo XVII, incluyendo a Diego Velázquez.

Cada creación de Wu conserva su naturaleza figurativa, pero desprende una esencia abstracta y casi sagrada. La ejecución de estas imágenes, caracterizada por pinceladas instintivas y sensuales, capta las formas de los cuerpos y el lenguaje de los modelos que reposan sobre objetos de mesa, irradiando un sentido de nostalgia inexpresable. Los libros son una fuente importante de inspiración para Wu, ya que es una apasionada bibliófila. Para ella, representan un lenguaje universal que encarna el poder del conocimiento.

Tuve el placer de conocer a Wen Wu en el stand de la galería, y amablemente posó para nosotras, fusionándose e interactuando con las obras de arte, como solemos hacer. ¡Gracias por eso, Wen!

Fuentes: VirginaVisualArts.com and Wikipedia.

Disquieting apocalyptic visions

Mike Nelson
Extinction Beckons
22 Feb – 7 May 2023
Hayward Gallery, London, UK

I only found out about this exhibition when it had been open for over a month and it closes soon. But since it’s the first Mike Nelson survey exhibition to date, I didn’t want to miss it. In my opinion, he is one of the most notable British artists working today, whom I covered previously on this other post about his art show at the Duveen gallery in Tate Britain in 2019.

‘Extinction Beckons’ brings together many installations taken from different places, many of which are presented here for the first time since they were initially exhibited. For this survey, rather than rebuild past works, Nelson has reimagined them, breaking them up and recontextualising them.

Nelson draws on science fiction for its narrative construction and is not tied to representations of the real world. He combines different architectural spaces with no clear relation to one another. We can only find this in a novel or in film, or in virtual reality, but we cannot find this in the real world. What’s more, he adds such a level of detail that it feels real.

Constructed with materials rummaged from salvage yards, junk shops, auctions and flea markets, his installations have some sort of disquieting life-like quality, in which past, present and future are hard to pin down. Highlighting his interest on the idea of time as a fluid concept. Often the abandoned-looking spaces Nelson creates contain traces of past activities and people, but their uncanny atmosphere makes them appear like visions of a dystopian future.

The first room you encounter as you enter the art show is a red and dim-lit room that seemed to resemble a photographic dark room with shelves full of the sort of material you would find in a shed in your garden. That light and the set up bring you into a time-lagged alternative dimension.

The next big installation is a complex labyrinth made of wood, which makes you go from one room to another with the sound of screeching doors and flickering lights in some of them, a phone that doesn’t ring and an old fan in motion. This messed my sense of orientation, and I couldn’t avoid feeling anxious as I moved from one room to the next. I must say that I have an aversion to claustrophobic spaces. I wasn’t sure whether I had travelled back in time or this was part of an apocalyptic view of the future.

As you climb up the stairs, you encounter a room full of sand and burnt-out tyres that includes a half-burying shed with a photographic lab inside filled with red light. This is Nelson’s vision of an abandoned woodshed ‘drowned in a desert’, which references the iconic work by American artist Robert Smithson ‘Partially buried woodshed’. A hint to a sci-fi portrayal of a post-apocalyptic world. Making his work during the Iraq war, Nelson substituted sand for Smithson’s earth and added the oil barrels to evoke a Middle Eastern landscape.

The following room includes some of the pieces he used through “The Asset Strippers” at Tate Britain a few years ago to reflect on the death of the manufacturing industry in the UK with the lost jobs and the impact it had in many lives. Nelson’s sculpture alludes to the industrial functions of metal. He allows his objects to be relics first, sculptures second, and machines again with a mysterious appearance that makes you look at them in a new light. See the new version I’m including of the ‘Magical thinking and twisted logic…’ in comparison to the one we made at Tate Britain with The art blackberry on it.

The art blueberry interacting with Mike Nelson’s installation ‘Magical thinking and twisted logic…’.

With all his references to sci-fi, failed political movements, dark histories, countercultures, while also using references to capitalism, colonialism, war and the environment, he seems to bring us to alternative ways of living and thinking in an increasingly homogenised and globalised world. He has been particularly inspired by authors such as William Burroughs, Arkady and Boris Strugatsky, J.G. Ballard and Stanislaw Lemr.

The sequence of installations recreated for this survey exhibition immerse the viewer in a psychologically charge space that manages to disorient and encapsulate you. His work is highly emotional and disquieting, but also a good view into the artist’s complex thought process.

The little art gooseberry interacting with Mike Nelson’s installation at the Hayward gallery.

Inquietantes visiones apocalípticas

Mike Nelson
Señales de extinción
22 de febrero – 7 de mayo de 2023
Hayward Gallery, Londres, Reino Unido

Sólo supe de esta exposición cuando llevaba abierta más de un mes y cierra pronto. Pero dado que es la primera retrospectiva de Mike Nelson hasta la fecha, no quería perdérmela. En mi opinión, es uno de los artistas británicos más notables que hay en la actualidad, a quien cubrí anteriormente en este post sobre su exposición de arte en la galería Duveen en Tate Britain en 2019.

‘Extinction Beckons’ reúne muchas instalaciones tomadas de diferentes lugares, muchas de las cuales se presentan aquí por primera vez desde que se exhibieron inicialmente. Para esta retrospectiva, en lugar de reconstruir obras anteriores, Nelson las ha vuelto a imaginar, dividiéndolas y recontextualizándolas.

Nelson se inspira en ciencia ficción para su construcción narrativa y no se ata a representaciones del mundo real. Combina diferentes espacios arquitectónicos sin una clara relación entre ellos. Solo podemos encontrar esto en una novela o en una película, o incluso en la realidad virtual, pero no podemos encontrarlo en el mundo real. Además, agrega tal nivel de detalle que parece real.

Construidas con materiales extraídos de chatarrerías, subastas y mercadillos, sus instalaciones tienen una especie de inquietante parecido a la realidad, en las que el pasado, el presente y el futuro son difíciles de precisar. Esto destaca su interés por la idea del tiempo como un concepto fluido. A menudo, los espacios de aspecto abandonado que crea Nelson contienen rastros de actividades y personas pasadas, pero su extraña atmósfera los hace parecer visiones de un futuro distópico.

La primera habitación con la que te encuentras al entrar en la exposición de arte es una habitación roja y tenuemente iluminada que parece una habitación oscura fotográfica con estantes llenos de todo tipo de material que encontrarías en un cobertizo en tu jardín. Esa luz y la configuración te llevan a una dimensión alternativa en el tiempo en la que pudiera haber un retraso entre causa y efecto.

La siguiente gran instalación es un complejo laberinto de madera, que te hace ir de una habitación a otra con el sonido de puertas chirriando y luces parpadeantes en algunas, un teléfono que no suena y un viejo ventilador en movimiento. Esto confundió mi sentido de la orientación y no pude evitar un sentimiento de ansiedad mientras me movía de una habitación a la siguiente. Debo decir que tengo aversión a los espacios claustrofóbicos. No estaba segura de si había viajado en el tiempo o si esto era parte de una visión apocalíptica del futuro.

A medida que subes las escaleras, te encuentras con una habitación llena de arena y llantas quemadas que incluye un cobertizo semienterrado con un laboratorio fotográfico lleno de luz roja. Esta es la visión de Nelson de la icónica obra del artista estadounidense Robert Smithson ‘Partially buried woodshed’. Una pista para una representación de ciencia ficción de un mundo postapocalíptico. Al realizar su trabajo durante la guerra de Irak, Nelson sustituyó la arena por la tierra de Smithson y agregó los barriles de petróleo para evocar un paisaje de Oriente Medio.

La siguiente sala incluye algunas de las piezas que usó para la muestra “The Asset Strippers” en Tate Britain hace unos años para reflexionar sobre la muerte de la industria manufacturera en el Reino Unido con la pérdida de empleos y el impacto que tuvo en muchas vidas. Las esculturas de Nelson aluden a las funciones industriales del metal. Permite que sus objetos sean primero reliquias, luego esculturas y máquinas nuevamente con una apariencia misteriosa que te hace mirarlos bajo una nueva luz. Podéis ver la nueva versión que incluyo del ‘Pensamiento mágico y lógica retorcida…’ en comparación con la que hicimos en la Tate Britain con The art blackberry en ella.

Con todas sus referencias a la ciencia ficción, los movimientos políticos fallidos, las historias oscuras, la contracultura, así como las referencias que hace al capitalismo, el colonialismo, la guerra y el medio ambiente, parece llevarnos a formas alternativas de vivir y pensar en un mundo cada vez más homogeneizado y globalizado. Nelson parece haber sido particularmente inspirado por autores como William Burroughs, Arkady y Boris Strugatsky, J.G. Ballard y Stanislaw Lemr.

La secuencia de instalaciones recreadas para esta retrospectiva sumerge al espectador en un espacio de carga psicológica que logra desorientarlo/a y encapsularlo/a. Su trabajo es muy emotivo e inquietante, pero también una buena visión del complejo proceso de pensamiento del artista.

Retelling stories through found objects

Rayyane Tabet
Encounters
24 September – 14 December 2019
Parasol Unit foundation for contemporary art, London, UK
Free entry

The current art show at Parasol Unit that finishes this week is by Beirut-born and based artist Rayyane Tabet, who presents here 8 works from the past 13 years, installed together for the first time. I didn’t know this artist previously, but I was pleasantly surprised by his work. The minimalist quality of his artworks comes along with historial and cultural references to his birthplace of Lebanon that he combines sometimes with personal stories.

The artist appears to be interested in communicating an alternative view of the main political and economic events that have taken place in his country in recent years. Not only that, with his artwork he wants to contribute to the outside world’s understanding of this complex place.

All of the above, helps the visitor to connect better with his work. Tabet takes inspiration from overlooked objects that he wraps with personal anecdotes and supranational histories. According to Tabet, how Lebanon is perceived by the outside world and even by Lebaneses has no common version in history textbooks. Children in different communities are taught different versions of history.

“I’m interested in the question of whether we could create a history told by objects and materials. A lot of the time those last longer than people and are able to overcome moments of violence and marginalisation in a way that people cannot.” the artist says.

On the ground floor, at the back of the gallery The art berries found a big red star hanging from the ceiling together with a red horse among other objects. We liked the star for some art interaction. See some photos below.

Another artwork very relevant in the show is a couple of oars of a rowing boat. The artist’s father was going to use that boat to escape their home country for Cyprus. The operation was aborted and long after that attempt of fleeting the family re-encounter the same boat by accident. The artist purchased it and decided to use as one of his artworks.

And finally, our favourite artwork on this exhibition was “Steel Rings” (2013–), a sequence of 28 rolled-steel rings arranged in a line. We liked this work for its minimalist simplicity and because it was a good art piece to interact with. Not particularly novel at first sight. But, when you pay a closer look at it and read about why the artist has chosen to display this work, you’ll be much more intrigued. Each of these rings is engraved with a distance and location in longitude and latitude, marking a specific place along the now defund Trans-Arabian Pipeline (TAPline). Built in 1947 by an alliance of US oil companies, and once the world’s largest long-distance oil pipeline, is still the only physical structure that crosses the borders of Saudi Arabia, Jordan, Syria, the Golan, and Lebanon. When the American TAPline company finally closed down after decades of regional conflict, they abandoned the pipeline in situ.

The rings can be seen as a witness to that period of history. Tapline did not survive the first Gulf War (1990–91), at the onset of which it was abandoned as a result of Saudi Arabia’s opposition to Jordan’s support of Iraq. Although largely untold, this story remains part of popular consciousness and memory, and I believe that Tabet brings up the subject elegantly and skillfully inside the gallery.

Volver a contar historias a través de objetos encontrados

Rayyane Tabet
Encuentros
24 de septiembre – 14 de diciembre de 2019
Parasol Unit, Londres, Reino Unido.
Entrada libre

La exposición de arte que hay ahora en Parasol Unit y que termina esta semana es de Rayyane Tabet, un artista nacido y ubicado en Beirut que presenta aquí 8 obras de los últimos 13 años, instaladas juntas por primera vez. No conocía a este artista anteriormente, pero su trabajo me sorprendió gratamente. La calidad minimalista de sus obras de arte se acompaña de referencias históricas y culturales a su lugar de nacimiento del Líbano que a veces combina con historias personales.

El artista parece estar interesado en comunicar una visión alternativa de los principales acontecimientos políticos y económicos que han tenido lugar en su país en los últimos años. No solo eso, con sus obras de arte quiere contribuir a la comprensión externa de este complejo lugar.

Todo lo anterior, ayuda al visitante a conectar mejor con su trabajo. Tabet se inspira en objetos pasados por alto, que envuelve en anécdotas personales e historias supranacionales. Según Tabet, cómo el Líbano es percibido por el mundo exterior e incluso por los libaneses no tiene una versión común en los libros de texto de historia. A los niños de diferentes comunidades se les enseñan diferentes versiones de la historia.

“Me interesa la cuestión de si podríamos crear una historia contada por objetos y materiales. Muchas veces duran más que las personas y son capaces de superar los momentos de violencia y marginación de una manera que la gente no puede “, dice el artista.

En la parte posterior de la planta baja de la galería, The art berries encontramos una gran estrella roja colgando del techo junto con un caballo rojo entre otros objetos. Nos gustó la estrella para interactuar y tomar alguna foto. Podrás ver algunas fotos a continuación.

Otra obra de arte muy relevante en la exposición es un par de remos de un bote. El padre del artista iba a usar ese bote para escapar de su país de origen hacia Chipre. La operación fue abortada y mucho después de ese intento de huir de la familia se reencontró con el mismo bote por accidente. El artista lo compró y decidió usarlo como una de sus obras de arte.

Y finalmente, nuestra obra de arte favorita en esta exposición fue Steel Rings (2013–), una secuencia de 28 anillos de acero laminado dispuestos en una línea. Nos gusto esta obra estéticamente por su simplicidad minimalista y como pieza de arte con la cual interactuar. No es particularmente novedosa a primera vista. Sin embargo, cuando echas un vistazo más de cerca y lees sobre por qué el artista ha elegido mostrar este trabajo, estarás mucho más intrigado. Cada uno de estos anillos está grabado con una distancia y ubicación en longitud y latitud, marcando un lugar específico a lo largo de la tubería Trans-Arabian (TAPline). Construido en 1947 por una alianza de compañías petroleras estadounidenses, y que una vez fue el oleoducto de larga distancia más grande del mundo, sigue siendo la única estructura física que cruza las fronteras de Arabia Saudita, Jordania, Siria, el Golán y el Líbano. Cuando la compañía estadounidense TAPline finalmente cerró después de décadas de conflicto regional, abandonaron la tubería in situ.

Los anillos pueden ser vistos como testigos de ese período de la historia. TAPline no sobrevivió a la primera Guerra del Golfo (1990-1991), al comienzo de la cual fue abandonada como resultado de la oposición de Arabia Saudita al apoyo de Jordania a Irak. Aunque en gran parte no contada, esta historia sigue siendo parte de la conciencia y la memoria popular, y creo que Tabet emplea este tema con elegancia y habilidad dentro de la galería.