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Exploring home through fabric architecture at Tate Modern

Do Ho Suh: Walk the House
📅 1 May – 19 October 2025
📍 Tate Modern, London, UK

I wanted to tell you about Do Ho Suh: Walk the House, currently on view at Tate Modern. I saw it a few weeks ago and I believe it’s the must-see show of the season in London. Visually stunning and conceptually rich, it’s one of those exhibitions that stays with you and invites deep reflection.

Do Ho Suh’s first solo exhibition in London brings together large-scale installations, drawings, sculptures and videos that explore ideas of home, identity, memory, and belonging. As you move through the show — shaped by Suh’s experiences in Seoul, New York, and London — you’re prompted to reflect: What is home for you? When does a building become a home? What memories do the spaces you inhabit carry?

Suh is a South Korean artist best known for recreating domestic and architectural spaces using delicate materials like fabric and paper. After earning his BFA and MFA in Korean painting from Seoul National University, he moved to the U.S., where he studied at the Rhode Island School of Design (RISD) and then completed an MFA in sculpture at Yale. He practiced in New York for over a decade before relocating to London in 2010. Suh represented South Korea at the 49th Venice Biennale in 2001.

The exhibition title, Walk the House, refers to a Korean expression linked to the hanok — traditional houses that could be dismantled and rebuilt elsewhere. This idea of a portable, shifting home runs through Suh’s work. His immersive installations examine how architecture, memory, and lived experience intersect — asking not just where we live, but how.

As you enter the exhibition, you encounter Rubbing/Loving Project: Seoul Home (2013–22), a moving piece created through the traditional Korean practice of rubbing. Suh covered the entire surface of his childhood home in Seoul with sheets of paper and gently rubbed them to capture every architectural detail — an act that feels like a loving gesture toward a space filled with personal history. The resulting impressions, later reassembled on an aluminium frame, form a ghostly, intimate replica — a fragile imprint of memory, loss, and deep affection.

Opposite this, you’ll find one of his most recognisable works: Nest/s (2024), a colourful corridor of stitched translucent fabric that recreates liminal architectural spaces — thresholds, hallways, entrances. It’s beautiful to walk through, with transparent fabric panels sewn in astonishing detail using a technique reminiscent of bojagi (traditional Korean patchwork). This work speaks to Suh’s interest in fabric architecture — spatial forms constructed from memory, emotion, and thread. His fabric structures envelop the viewer like garments, calling to mind the symbolism of the hanbok, Korea’s traditional clothing, merging intimacy and architectural scale.

A visitor interacts with a large-scale installation featuring translucent fabric in the form of architectural door frames, conveying themes of home and memory.
Una persona interactuando con una instalación artística de puertas en colores translúcidos en la exposición 'Walk the House' de Do Ho Suh en Tate Modern.

The art blueberry next to Nest/s (2024)

Staircase in 2D

Another work that stood out for me was a yellow rubbing of fixtures and fittings from the New York apartment where Suh lived for 20 years. What captivated me was the sheer intricacy — every light switch, pipe, and screw carefully transferred to paper with painstaking detail. The craftsmanship is extraordinary, and it’s easy to become absorbed in the quiet, obsessive precision of the piece. It makes visible the overlooked elements of domestic life, turning the mundane into something poetic and visually magnetic.

Installation artwork featuring yellow rubbing impressions of fixtures and fittings, showcasing intricate details from a New York apartment.
Colección de objetos amarillos en relieve, organizados en estanterías, que representan accesorios domésticos y arquitectónicos.

The artist’s sense of being “haunted” by past spaces is also beautifully captured in Home Within Home, where Suh uses 3D printing techniques to merge two buildings he previously lived in — one in Seoul and another in the U.S. The result is a dreamlike hybrid space, scaled down and folded into itself, blurring the distinction between locations and memories.

Escultura del hogar en vidrio que representa una estructura arquitectónica de múltiples niveles, con detalles de ventanas y puertas en un diseño translúcido que permite pasar la luz.

There’s also Perfect Home: London, Horsham, New York, Berlin, Providence, Seoul (2024), a new installation mapping Suh’s current London home. Brightly coloured fittings — doorknobs, light switches, electrical sockets — are colour-coded to match the different cities where the artist and his family have lived. It playfully raises questions about how we relate to the objects we live with, and how they mark time and place. It’s interesting how we forget about them until they stop working.

Colorful translucent fittings including doorknobs, electrical sockets, and light switches attached to a wall, showcasing a whimsical interpretation of home elements.

A deeply personal piece features tunics made by Suh’s wife for their children, each with pockets containing their favourite small objects. It’s a tender gesture, one that links memory, care, and the physicality of home.

Two white tunics displayed in frames, each adorned with colorful objects and materials in pockets, showcasing a blend of textile art and personal memory.

The exhibition also includes Suh’s lesser-known works on paper — intricate thread drawings where coloured threads are sewn into handmade paper to echo architectural outlines.

Dibujo de una estructura arquitectónica en azul con escalones a un lado, rodeado de hilos multicolor que representan un terreno texturizado.
Dibujo que representa una figura humana arrastrando una casa tradicional coreana, con cabellos coloridos que fluyen desde la casa, evocando temas de hogar y memoria.
Dibujo de un humano elaborado con hilos de colores sobre papel, mostrando una figura estilizada y abstracta.
A colorful abstract drawing featuring spiral patterns and a figure walking, created by Do Ho Suh.
Dibujo en hilo que representa diferentes casas y figuras humanas, simbolizando el concepto de hogar y movimiento entre ciudades como Seúl, Nueva York y Londres.

Thread drawings part of the exhibition

And two video works — Robin Hood Gardens (2018) and Dong In Apartments (2022) — use photogrammetry to digitally reconstruct buildings Suh has inhabited, exploring architecture as a living memory, and acknowledging that the attempt to preserve home is always incomplete.

The show closes with Bridge Project, a conceptual “perfect home” located at the North Pole — imagined as the midpoint between all the places Suh has lived. This fictional home, surrounded by melting ice, becomes a haunting metaphor for global instability and displacement.

Though not a full retrospective, Walk the House is a generous survey of Suh’s practice. I found his work powerful not only for its beauty and use of traditional Korean fabric techniques, but for its timeliness. In a moment when housing insecurity and migration are global concerns, Suh’s art invites us to ask what it means to carry home within us — wherever we go.

I’m reminded of a quote by Tad Williams that feels especially relevant here: “Never make your home a place. Make a home for yourself inside your own head… That way it will go with you wherever you journey.”

Tickets: £20 / Free for Members. Concessions available.

Explorando el hogar con arquitectura textil en Tate Modern

Do Ho Suh: Walk the House

📅 1 de mayo – 19 de octubre de 2025
📍 Tate Modern, Londres, Reino Unido

Quería contarte sobre Do Ho Suh: Walk the House, que actualmente se puede ver en la Tate Modern. La vi hace unas semanas y creo que es la exposición imprescindible de la temporada en Londres. Visualmente impactante y conceptualmente profunda, es una de esas muestras que permanecen contigo y que invitan a una reflexión profunda.

La primera exposición individual de Do Ho Suh en Londres reúne instalaciones a gran escala, esculturas, vídeos y obras sobre papel que exploran ideas como el hogar, la identidad, la memoria y el sentido de pertenencia. A medida que recorres la muestra —marcada por las experiencias de Suh en Seúl, Nueva York y Londres— surgen preguntas: ¿Qué es el hogar para ti? ¿Cuándo deja un edificio de ser solo una estructura para convertirse en hogar? ¿Qué recuerdos guardan los espacios que habitas?

Suh es un artista surcoreano conocido por recrear espacios domésticos y arquitectónicos utilizando materiales delicados como tela y papel. Tras obtener su BFA y MFA en pintura coreana en la Universidad Nacional de Seúl, se mudó a Estados Unidos, donde estudió en el Rhode Island School of Design (RISD) y posteriormente completó un MFA en escultura en Yale. Trabajó en Nueva York durante más de una década antes de trasladarse a Londres en 2010. Suh representó a Corea del Sur en la 49ª Bienal de Venecia en 2001.

El título de la exposición, Walk the House, hace referencia a una expresión coreana vinculada al hanok — las casas tradicionales que podían desmontarse y reconstruirse en otro lugar. Esta idea de un hogar portátil y cambiante atraviesa la obra de Suh. Sus instalaciones inmersivas examinan cómo se cruzan la arquitectura, la memoria y la experiencia vivida — preguntando no solo dónde vivimos, sino cómo.

Al entrar en la exposición, te encuentras con Rubbing/Loving Project: Seoul Home (2013–22), una pieza muy emotiva creada mediante la práctica tradicional coreana de frotar. Suh cubrió toda la superficie de su casa de infancia en Seúl con hojas de papel y las frotó suavemente para capturar cada detalle arquitectónico — un acto que parece un gesto cariñoso hacia un espacio lleno de historias personales. Las impresiones resultantes, que luego fueron reensambladas sobre un marco de aluminio, forman una réplica fantasmal e íntima — una frágil huella de memoria, pérdida y profundo afecto.

Frente a esta obra encontrarás una de sus piezas más reconocibles: Nest/s (2024), un colorido corredor de tela translúcida cosida que recrea espacios arquitectónicos liminales — umbrales, pasillos, entradas. Es precioso recorrerlo, con paneles de tela transparente cosidos con un detalle asombroso usando una técnica reminiscente de el bojagi (el patchwork tradicional coreano). Esta obra refleja el interés de Suh por la arquitectura textil — formas espaciales construidas a partir de la memoria, la emoción y el hilo. Sus estructuras de tela envuelven al espectador como prendas, evocando el simbolismo del hanbok, la vestimenta tradicional coreana, fusionando intimidad y escala arquitectónica.

A visitor explores an installation featuring translucent, colored fabric walls and doorways, representing architectural spaces, at the Do Ho Suh exhibition 'Walk the House' at Tate Modern.
Una mujer interactúa con una instalación artística en Tate Modern que presenta puertas en colores translúcidos, evocando la noción de espacios liminales. El diseño delicado y los tonos suaves crean una atmósfera etérea en la exhibición.

The art blueberry junto a Nest/s (2024).

Escalera en 2D

Otra obra que me impresionó fue un frotado amarillo de los accesorios del apartamento en Nueva York donde Suh vivió durante 20 años. Lo que me cautivó fue la gran minuciosidad — cada interruptor, tubería y tornillo cuidadosamente transferido al papel con un detalle meticuloso. La artesanía es extraordinaria, y es fácil quedarse absorto en la precisión silenciosa y obsesiva de la pieza. Hace visibles los elementos domésticos que suelen pasar desapercibidos, transformando lo mundano en algo poético y visualmente magnético.

Installation featuring yellow rubbing of architectural details, including doors and windows, displayed on a white wall.
Una serie de objetos amarillos dispuestos en estantes, que incluye utensilios y piezas de ferretería, representando detalles de un hogar.

El sentido del artista de estar “perseguido” por espacios pasados también se refleja bellamente en Home Within Home, donde Suh utiliza técnicas de impresión 3D para fusionar dos edificios en los que vivió — uno en Seúl y otro en EE. UU. El resultado es un espacio híbrido onírico, reducido de escala y plegado sobre sí mismo, que difumina la distinción entre lugares y recuerdos.

Una escultura de dos mitades que representa un edificio, elaborada con un material translúcido que permite ver detalles arquitectónicos, ubicada sobre un soporte rodante.

También está Perfect Home: London, Horsham, New York, Berlin, Providence, Seoul (2024), una instalación nueva que mapea el hogar actual de Suh en Londres. Elementos domésticos en colores vivos — como pomos, interruptores y enchufes — están codificados cromáticamente para representar las distintas ciudades en las que ha vivido el artista. Plantea de forma lúdica preguntas sobre cómo nos relacionamos con los objetos que nos rodean y cómo estos marcan el tiempo y el lugar. Es curioso como nos olvidamos de ellos hasta que dejan de funcionar.

Wall installation featuring colorful, translucent fittings like doorknobs, light switches, and pipes, arranged in a visually engaging manner.

Una pieza profundamente personal muestra túnicas hechas por la esposa de Suh para sus hijos, cada una con bolsillos que contienen sus pequeños objetos favoritos. Es un gesto tierno que vincula memoria, cuidado y la materialidad del hogar.

Two white tunics displayed in shadow boxes, each with transparent pockets filled with various colorful small objects, representing personal memories and connections.

La exposición también incluye las obras sobre papel menos conocidas de Suh — intrincados dibujos con hilos donde se cosen hilos de colores en papel hecho a mano para evocar contornos arquitectónicos.

Dibujo de una casa azul estilizada con escaleras, acompañada de un área vacía con hilos de colores, enmarcada en un marco blanco.
Dibujo de Do Ho Suh mostrando un personaje corriendo con una casa tradicional coreana representada como una estructura flotante que parece ser arrastrada por un largo cabello multicolor.
Dibujo en hilo colorido que representa la figura humana sobre papel blanco, con detalles que evocan el movimiento y la fluidez.
A colorful circular artwork featuring concentric loops and a figure walking along the spiral path, created with hand-drawn lines and various shades.
Dibujo de hilos que representa casas y figuras humanas, con nombres de ciudades como Seúl, Nueva York y Londres, mostrando una serie de hogares y personas en movimiento.

Dibujos realizados con hilo sobre papel parte de la muestra

Y dos vídeos — Robin Hood Gardens (2018) y Dong In Apartments (2022) — usan fotogrametría para reconstruir digitalmente edificios en los que Suh ha vivido, explorando la arquitectura como memoria viva y reconociendo que el intento de preservar el hogar siempre está incompleto.

La muestra termina con Bridge Project, un “hogar perfecto” conceptual ubicado en el Polo Norte — imaginado como el punto medio entre todos los lugares donde Suh ha vivido. Este hogar ficticio, rodeado de hielo que se derrite, se convierte en una metáfora inquietante de la inestabilidad global y el desplazamiento.

Aunque no es una retrospectiva completa, Walk the House es un generoso repaso a la práctica de Suh. Encontré su obra poderosa no solo por su belleza y uso de técnicas tradicionales coreanas en tela, sino también por su actualidad. En un momento en que la inseguridad habitacional y la migración son preocupaciones globales, el arte de Suh nos invita a preguntarnos qué significa llevar el hogar dentro de nosotros — allá donde vayamos.

Me recuerda a una cita de Tad Williams que aquí resulta especialmente pertinente: “Nunca conviertas tu hogar en un lugar. Haz un hogar para ti dentro de tu propia cabeza… Así te acompañará dondequiera que viajes.”

Entradas: £20 / Gratis para miembros. Descuentos disponibles.

Arte Povera at the Serpentine Gallery

🌳 Giuseppe Penone: Thoughts in the Roots
📅 3 April – 7 September 2025
📍 Serpentine South Gallery, London, UK

This exhibition at the Serpentine gallery in London truly resonated with me. I’m deeply interested in the poetic relationship between humans and nature—and I’ve always been drawn to trees. I love standing beneath them, trying to absorb their energy.

Giuseppe Penone is a key figure in the Arte Povera movement, a term coined by art critic Germano Celant in 1967. Meaning “Poor Art,” it refers to artists’ use of simple, everyday materials. Born in late 1960s Italy, the movement celebrates natural materials and artistic process, emerging as a response to consumer culture through unconventional and raw forms.

Penone’s sculptures, installations, and drawings are rooted in process. He’s experimented with materials like wood, wax, iron, bronze, terracotta, marble, and plaster, always revealing their physical qualities. His work seeks to unify art and nature, assimilating the natural world into his artistic practice.

In Thoughts in the Roots, Penone transforms the gallery into a space for reflection on the nature outside—visible through the windows, and deeply connected to Kensington Gardens. It feels like a perfect fit. The gallery becomes an extension of the park. The show spans works from 1969 to today, including drawings, photographs, sculptures, and installations that showcase Penone’s deep, sustained observation of nature.

Trees are a recurring motif in Penone’s work. Fittingly, the exhibition extends beyond the gallery, with three monumental bronze sculptures on display outdoors near the South Gallery. Penone calls the tree “the primal and most simple idea of vitality, of culture, of sculpture.”

As you approach the gallery, you’ll see sculptures in the gardens that resemble trees. Albero Folgorato (Thunderstruck Tree) is based on a Belgian willow struck by lightning. Cast in bronze and lined with gold leaf, the sculpture captures the invisible forces of nature that shape form and structure. Positioned outside, the piece is accessible to all passersby.

Monumental bronze sculpture resembling a tree, showcasing the effects of being struck by lightning, surrounded by lush green grass and trees under a bright blue sky.
A tall sculpture resembling a tree, with a striking split trunk highlighted by gold leaf and a burnt section, against a clear blue sky.

Another outdoor work, Idee di pietra (Ideas of Stone), explores the relationship between river stones and thought. You’ll see large stones balanced on the forks of bronze tree branches, suggesting both weight and contemplation.

Two bronze sculptures resembling trees stand in a grassy park, surrounded by rocks and lush greenery. People can be seen interacting nearby under a partly cloudy sky.

Inside the gallery, A occhi chiusi (With Eyes Closed) invites reflection on the connection between sight and introspection. Made with acacia thorns on canvas, it suggests a sensory synthesis between vision and nature.

A wooden tree stump is centered in a gallery space, with two large monochromatic artworks displayed on the walls behind it.
Detalle de una obra en la galería, mostrando una textura intrincada creada con elementos oscuros sobre un fondo blanco, evocando la relación entre la naturaleza y el arte.
Close-up of acacia thorns arranged on a textured white wall, casting shadows that create an interplay of light and form.

The room I found most moving—almost like a sacred space—was dimly lit and housed the installation Respirare l’ombra (To Breathe the Shadow). Penone covered the walls with cages filled with laurel leaves, which he says absorb sound, creating a meditative quiet. The scent of laurel fills the space, inviting deep, sensory engagement. For Penone, breathing is sculptural—fluid and invisible, yet essential from our first to last breath. You can see me interacting with this piece in one photo below.

Una obra de arte que representa una fusión entre elementos naturales, con ramitas estilizadas y una forma central que evoca una conexión orgánica. El fondo consiste en una superficie texturizada que sugiere un entorno natural.
Close-up of a textured surface made of layered dried leaves, covered by a mesh grid.
Una mujer interactuando con una instalación artística en blanco y negro, mostrando una pared cubierta de hojas y una rama saliendo de ella.

In this same room is Alberi Libro (Book Trees), a sculptural work created using white fir, cedar, and larch wood. It consists of twelve carved saplings placed side by side, serving as a tangible record of time. Penone carved into the beams to reveal the form of the tree within, as if opening a book. The title plays on the Italian word libro (book), which echoes legno (wood), referencing our use of trees as a medium for writing. In this work, the tree becomes the sculpture. You can see me interacting with this piece in the photos below.

Una persona sentada en el suelo frente a una escultura de madera que imita la forma de troncos de árboles, situada en un entorno de galería moderna.
Una persona sentada en el suelo, de espaldas, frente a una pared de madera con texturas que imitan troncos de árboles en un espacio de galería.

In the West gallery, Pressione (Pressure) is a large charcoal wall drawing of a magnified skin imprint. Though drawn by hand, the markings resemble those left by branches or foliage. Here, gesture and imprint connect human texture with the natural forms of trees.

A birch tree inside a gallery, with green leaves and a black and white photograph hanging from its branches, set against a textured wall featuring a monochromatic tree root design.
Instalación de hojas caídas en el suelo, con una pared de fondo que presenta un dibujo en blanco y negro que evoca patrones naturales.

In the East gallery, the Verde del Bosco (Green of the Woods) series features frottages made from pigments sourced from plants. These rubbings bring the forest to canvas—green directly from the leaves.

Interior view of an exhibition space featuring two large wall drawings depicting trees and forest scenes, emphasizing the connection between nature and art.
Una instalación artística que representa un paisaje de árboles y ramas, con un lienzo arrugado superpuesto, sugiriendo una conexión entre la naturaleza y la obra.
Sculptures of figures intertwined with branches and leaves, placed in terracotta pots with soil, displayed in a gallery space with large windows.
Instalación artística que presenta una tela blanca con un patrón de escritura y una franja de color verde, evocando una conexión entre el texto y la naturaleza.

This exhibition invites us to slow down and reconnect—with nature, with ourselves, and with the present moment. Penone encourages us to observe the world with new eyes, to feel the spirit of the place, and to see ourselves as part of the larger whole.

I especially loved encountering his sculptures in the park before entering the gallery for a full sensory experience—one that invites contemplation, stillness, and reconnection.

Arte Povera en la Serpentine Gallery

Giuseppe Penone: Thoughts in the Roots
3 de abril – 7 de septiembre de 2025
Serpentine South Gallery, Londres, Reino Unido

Esta exposición en la galería Serpentine de Londres me llegó de verdad. Me interesa mucho la relación poética entre los seres humanos y la naturaleza, y siempre he sentido una fascinación especial por los árboles. Me encanta contemplarlos y sentir su energía estando debajo de ellos.

Giuseppe Penone es una figura clave del movimiento Arte Povera, término acuñado por el crítico Germano Celant en 1967. Significa “Arte Pobre” y alude al uso de materiales sencillos y cotidianos. Surgido en Italia a finales de los 60, el movimiento celebra lo natural y el proceso artístico, como reacción al consumismo mediante formas crudas y poco convencionales.

Las esculturas, instalaciones y dibujos de Penone se centran en el proceso. Ha trabajado con materiales como madera, cera, hierro, bronce, terracota, mármol y yeso, sacando a relucir las cualidades físicas de cada uno. Su obra busca unificar el arte y la naturaleza, incorporando lo natural como parte integral de su práctica artística.

En Thoughts in the Roots, Penone transforma la galería en un espacio de contemplación de la naturaleza exterior, que se puede ver incluso desde las ventanas. Es una reflexión sobre el paisaje del parque que rodea la galería y parece la exposición perfecta para este lugar. La Serpentine South Gallery se funde con la naturaleza de Kensington Gardens. La muestra incluye obras que van desde 1969 hasta la actualidad: dibujos, esculturas, fotografías e instalaciones que reflejan su profunda observación del mundo natural.

Los árboles son un motivo recurrente en su trabajo. Por ello, la exposición se extiende más allá del interior de la galería con tres esculturas monumentales en bronce situadas al aire libre, cerca de la entrada. Penone describe el árbol como “la idea más primitiva y simple de vitalidad, de cultura, de escultura”.

Al acercarte a la galería, encontrarás esculturas en los jardines que se asemejan a árboles. Albero Folgorato (Árbol fulminado) está basado en un sauce belga alcanzado por un rayo. Penone lo moldeó en bronce y cubrió su interior con pan de oro, capturando las fuerzas invisibles de la naturaleza que esculpen su forma y estructura interna. Esta obra, ubicada en el exterior, puede ser disfrutada por cualquier visitante del parque.

Monumental sculpture titled _Albero Folgorato_ (Thunderstruck Tree) depicting a lightning-struck tree with a bronze trunk and gold leaf interior, surrounded by lush greenery and a bright blue sky.
A tall, split bronze sculpture resembling a struck tree, with a shiny gold interior and a blackened exterior, set against a clear blue sky.

Otra escultura al aire libre es Idee di pietra (Ideas de piedra), donde el artista explora la relación entre las piedras de río y el proceso de pensamiento. Se pueden ver grandes piedras posadas sobre las bifurcaciones de ramas de un árbol de bronce, generando una sensación de equilibrio y reflexión.

Two monumental bronze tree sculptures in a park setting with green grass and large stones. People are seen standing near the sculptures under a cloudy sky.

Dentro de la galería, A occhi chiusi (Con los ojos cerrados) invita a pensar en la conexión entre la visión y la introspección. Está realizada con espinas de acacia sobre lienzo, sugiriendo una síntesis sensorial entre el cuerpo y la naturaleza.

A wooden sculpture of a tree trunk sits in the foreground of an art gallery, with two large, textured wall drawings displayed in the background. A sign on the sculpture reads 'Please do not touch.'
Close-up view of an artwork featuring textured dark material creating an abstract pattern on a white canvas, displayed in a gallery setting.
Close-up of acacia thorns arranged on a textured white canvas, casting shadows that highlight their shapes.

La sala que más me conmovió —donde sentí que estaba en un espacio casi sagrado— era una habitación en penumbra con la instalación sensorial Respirare l’ombra (Respirar la sombra). Penone cubrió las paredes con jaulas llenas de hojas de laurel, que, según él, absorben el sonido, generando un silencio envolvente. El aroma del laurel llena el espacio, creando una atmósfera de meditación. Para Penone, respirar es un acto escultórico: fluido e invisible, nos acompaña desde el primer grito hasta el último aliento.

Sculptural artwork made from organic materials, featuring delicate branches and golden foliage against a textured background.
Close-up view of an installation featuring a mesh screen covered with overlapping layers of dried leaves, creating a textured, natural pattern.
A visitor interacts with the installation 'Respirare l’ombra,' featuring a wall covered in laurel leaves, creating a serene atmosphere.

En esta misma sala se encuentra Alberi Libro (Árboles Libro), una escultura realizada con madera de abeto blanco, cedro y alerce. La obra está compuesta por doce retoños tallados colocados uno al lado del otro, funcionando como un registro tangible del paso del tiempo. Penone talló las vigas para revelar la forma del árbol en su interior, como si se tratara de un libro que se abre. El título juega con la palabra italiana libro (libro), que guarda similitud con legno (madera), en referencia al uso que hacemos de los árboles como soporte para la escritura. En esta obra, el árbol se convierte en escultura. Puedes verme interactuando con esta pieza en las fotos que aparecen más abajo.

A person seated in front of a large wooden installation resembling a row of tree trunks in an art gallery, surrounded by a textured green wall.
A woman sits with her arms outstretched in front of a wooden wall installation featuring carved tree-like structures, inviting reflection and engagement with the artwork.

En la parte oeste se encuentra Pressione (Presión), un dibujo a carboncillo que ocupa toda una pared. La obra es una ampliación de la piel humana, proyectada y luego redibujada a mano. Aunque el trazo es manual, parece casi hecho por ramas. Aquí, el gesto y la marca toman protagonismo, vinculando la textura de la piel con la vegetación, como las ramificaciones de los árboles y el follaje.

Installation with a pile of leaves on the floor in front of a textured black and white wall drawing, creating a contemplative atmosphere.
Un árbol de corteza blanca con hojas verdes en una galería, sostiene una fotografía en blanco y negro en una de sus ramas, frente a un fondo de arte mural que representa un bosque.

En la parte este de la galería, la serie Verde del Bosco (Verde del bosque) se compone de frottages realizados directamente con pigmentos procedentes de plantas. A través del roce de las hojas contra el lienzo, Penone consigue visibilizar el paisaje, transfiriendo literalmente el color del bosque.

Interior view of an art gallery with two large wall drawings depicting natural landscapes, featuring trees and foliage in soft colors.
A wall installation featuring a detailed drawing of a forest scene with trees and foliage, complemented by a piece of fabric draped over part of the artwork.
Sculptures resembling human figures among potted plants, with a naturalistic and organic design, placed in front of large windows.
A large textile work featuring a white background with abstract, wavy green and black patterns, resembling a flow or river, evoking a connection to nature.

La exposición es una invitación a ralentizar el paso y reconectar: con la naturaleza, con nosotros mismos y con el presente. Penone nos anima a observar con atención, a percibir el espíritu del lugar, y a comprender que formamos parte de un todo más amplio.

Me encantó encontrarme primero con sus esculturas al aire libre en el parque y luego entrar en la galería para vivir una experiencia sensorial completa, que invita a la meditación y a la desconexión. Fue un lugar perfecto para reconectar conmigo misma y con la naturaleza.

Visceral Sculptures in the Turbine Hall

Mire Lee: Open Wound (Hyundai Commission)
9 October 2024 – 16 March 2025
Tate Modern, London, UK

The latest installation at Tate Modern’s Turbine Hall is one of the most striking and moving works I’ve seen in years. Created by South Korean artist Mire Lee, Open Wound reawakens the building’s industrial past while exploring how post-industrial landscapes shape the human body and psyche.

Lee reimagines the Turbine Hall as the interior of a body, transforming it into an unsettling space where machinery and flesh-like materials blend into a surreal, grotesque factory. Drawing on her fascination with rigid mechanical systems and organic, malleable forms, she creates a world that speaks to themes of precarity, decay, and renewal.

Lee populates the Hall with skins—fabric sculptures suspended from the ceiling by metal chains. At the centre of the Hall’s east end, a motorized turbine, suspended from a ceiling crane, slowly spins. It releases a viscous liquid from flesh-like silicone tentacles into a large tray. As the factory operates, new skins are soaked beneath the turbine, then moved by technicians to harden on nearby racks before being lifted into the air. Over time, they accumulate —birthed from the building’s body while seemingly shedding from the ceiling above. This ongoing process of production and decay unfolds, facilitated by both machinery and human hands.

The drying of the fabric skins recalls processes used in textile manufacturing. Their chain suspensions are inspired by pit-head baths—early group washing facilities used by coal miners. In these spaces, a pulley system allowed miners to hang their street or work clothes from the bathhouse ceiling while they laboured in the mines or rested at home.

Lee explores the tension between soft organic forms and rigid mechanical systems through her materials. Her kinetic sculptures resemble organisms and machines turned inside out, exposing their inner workings to unsettling effect. Lee’s turbine appears as ‘an open wound that never closes.’

The result is deeply visceral. The installation provokes a complex mix of emotions —tenderness, empathy, unease, and even disgust. The fragile skins suggest vulnerability, care, and the formation of new identities. I found the work incredibly effective in generating an emotional response, making the viewer acutely aware of their own physical presence within the space.

Born in South Korea in 1988, Lee lives and works between Amsterdam and Seoul. She is interested in the power of sculpture to affect both the viewer and the surrounding space and is unafraid to push artistic boundaries in spectacular ways. Her immersive and thought-provoking installations engage the senses and create spaces to reflect on emotion, precarity, and human desire.

For me, what lingers most is the installation’s ability to capture the vulnerability of our existence in a world full of uncertainty. The slow, relentless movement of the machinery creates an eerie sense of being part of a system beyond our control, making human connection and care feel even more essential.

Open Wound is a deeply affecting work that stays with you long after you leave the Turbine Hall. If you’re in London, I highly recommend experiencing it for yourself before 16 March.

Entrance: Free.

Special thanks to photographer Ottavia Castellina for collaborating on these images.

Esculturas Viscerales en el Turbine Hall

Mire Lee: Open Wound (Hyundai Commission)
9 de octubre de 2024 – 16 de marzo de 2025
Tate Modern, Londres, Reino Unido

La última instalación en el Turbine Hall de Tate Modern es una de las obras más impactantes y conmovedoras que he visto en años. Creada por la artista surcoreana Mire Lee, Open Wound reaviva el pasado industrial del edificio mientras explora cómo los paisajes posindustriales moldean el cuerpo y la psique humana.

Lee reimagina el Turbine Hall como el interior de un cuerpo, transformándolo en un espacio inquietante donde la maquinaria y los materiales de apariencia orgánica se funden en una fábrica surrealista y grotesca. Basándose en su fascinación por los sistemas mecánicos rígidos y las formas orgánicas y maleables, crea un mundo que aborda temas como la precariedad, la decadencia y la renovación.

Lee llena el Hall con pieles, esculturas de tela suspendidas del techo por cadenas metálicas. En el centro del extremo este del Hall, una turbina motorizada, suspendida de una grúa en el techo, gira lentamente. Libera un líquido viscoso desde tentáculos de silicona de apariencia orgánica hacia una gran bandeja. A medida que la fábrica opera, nuevas pieles se empapan bajo la turbina y luego son trasladadas por técnicos para endurecerse en estanterías cercanas antes de ser elevadas en el aire. Con el tiempo, estas pieles se acumulan, naciendo del cuerpo del edificio mientras parecen desprenderse del techo. Este proceso continuo de producción y descomposición se desarrolla con la intervención tanto de la maquinaria como de las manos humanas.

El secado de las pieles de tela recuerda los procesos utilizados en la industria textil. Sus cadenas de suspensión están inspiradas en los pit-head baths, antiguos espacios de lavado colectivo utilizados por los mineros del carbón. En estos espacios, un sistema de poleas permitía a los mineros colgar su ropa de calle o de trabajo del techo de la casa de baños mientras trabajaban en las minas o descansaban en casa.

Lee explora la tensión entre las formas orgánicas suaves y los sistemas mecánicos rígidos a través de sus materiales. Sus esculturas cinéticas parecen organismos y máquinas del revés, con sus mecanismos internos expuestos de forma inquietante. La turbina de Lee aparece como ‘una herida abierta que nunca se cierra.’

El resultado es profundamente visceral. La instalación provoca una mezcla compleja de emociones: ternura, empatía, inquietud e incluso repulsión. Las frágiles pieles sugieren vulnerabilidad, cuidado y la formación de nuevas identidades. Para mí, la obra es increíblemente eficaz en la generación de una respuesta emocional, haciendo que el espectador tome plena conciencia de la presencia física de su propio cuerpo en el espacio.

Nacida en Corea del Sur en 1988, Lee vive y trabaja entre Ámsterdam y Seúl. Le interesa el poder de la escultura para afectar tanto al espectador como al espacio circundante, y no teme romper los límites artísticos de manera espectacular. Sus instalaciones inmersivas y provocadoras estimulan los sentidos y crean espacios para reflexionar sobre la emoción, la precariedad y el deseo humano.

Para mí, lo que más perdura es la capacidad de la instalación para capturar la vulnerabilidad de nuestra existencia en un mundo lleno de incertidumbre. El movimiento lento e implacable de la maquinaria genera una sensación inquietante de formar parte de un sistema fuera de nuestro control, haciendo que la conexión humana y el cuidado mutuo se sientan aún más esenciales.

Open Wound es una obra profundamente conmovedora que permanece contigo mucho después de salir del Turbine Hall. Si estás en Londres, te recomiendo que la experimentes por ti mismo antes del 16 de marzo.

Entrada: gratuita.

Un agradecimiento especial a la fotógrafa Ottavia Castellina por colaborar en estas imágenes.

The art blueberry immersed in Mire Lee's Open Wound installation at the Turbine Hall in Tate Modern.

Art for emotional and spiritual transformation

Marina Abramović
23 September 2023 – 1 January 2024
Royal Academy of Arts, London, UK

Marina Abramovic’s long-awaited 50-year retrospective is finally at the Royal Academy of Arts in London after Covid forced the institution to postpone what is the first retrospective given to a female artist.

Marina Abramović has become the grandmother of performance art. By pushing the limits of her body and mind to extremes, she has risked her health and even her life while extending her practice to embrace collective experiences of intimacy between artist and audience.

The show features a re-enactment of her most famous performances, achieving different levels of engagement from the audience. Upon entering the first dark room, you encounter ‘The Artist is Present,’ a restaging of one of her most famous performances through archive footage. Several dozen images of some of the 1,545 members of the public who came and sat opposite her in silence during the 75 days of her performance at New York’s MoMA in 2010 are presented. On one side, the attendees to the show; on the other, Marina Abramovic as she sat there with the camera pointing at her and capturing her reactions. It’s not usual for an artist to sit with her audience in such a way. The whole scene of Marina sitting in front of another person and dressing in such a long red dress reminds me of religious paintings from the Flemish Renaissance.


In the next room, you are introduced to her first performances as a young artist, a phase I didn’t know that well previously. Arguably, in her most famous performance, ‘Rhythm 0’ of 1974, she presented an array of objects to participants, inviting them to do as they would with her (Yoko Ono had set a precedent a decade before in her ‘Cut Piece’). A replica table is laid out at the Royal Academy: chains, scissors, whips, a rose, an apple, a loaded gun, which one man held to Abramović’s neck. Her courage was unmatched. You can see her with cuts on her body and totally impassive like a martyr in acceptance of her punishment.

Screening of ‘Rhythm 0’ (1974)

The following room was a recreation of her ‘Balkan Baroque’ performance from 1997 at the Venice Biennale. Although the 1,500 bloody cattle bones she had washed then were faked up here. This and the following room where you can see Abramovich on top of a white stallion holding a giant white flag in ‘The hero’ (2001) offer a view of the artist’s background.

Coming from Serbia and growing up in a strict home environment, her parents had been partisan fighters during World War II, for which they were awarded the Order of the People’s Heroes. The artist lived with her maternal grandmother, who was deeply religious and spiritual, until she was 6 years old when she went to live with her parents after her brother was born. Her mother was a strict disciplinarian who also inflicted physical punishment, which sort of explains to me why she’s always so interested in subjecting the body to harshness. She was exposed to the arts from an early age through her mother’s job at the Cultural Ministry.

‘Balkan Baroque’ (1997)
‘The hero’ (2001)

In the vast central gallery, you’ll encounter black and white period films where you can see the artist’s performances in the 70s with her partner at the time, the artist Ulay. They’ll be slapping each other’s faces, screaming at one another, and kissing each other. One of these works stands out, ‘Rest Energy’, where you see them performing a dangerous balancing act with an archer’s bow and arrow. If either of them gave an inch, one of them would have died.

From this point of the exhibition, you can see performances re-enacted by a new generation of artists trained by Abramovic at the Mariana Abramovic Institute. The first performers create ‘A pair of human gateposts’, two naked models making a barrier for visitors to pass through. The work re-creates ‘Imponderabilia,’ first staged in 1977 by the artist and Ulay. The performers may disturb some visitors, but I suspect the effectiveness of this isn’t the same as the original in the 70s.

As you progress to the next part of the exhibition, the following rooms display her solo work with ‘Transitory Objects,’ where crystals and minerals are embedded and invite public participation. In this part of her trajectory, she had broken up with Ulay, choosing a performance walking along the Chinese Wall to say goodbye, and she shifted her interests to a healing approach. Energy therapy seems to become a big influence in her work from now on. And despite the criticism received for that, I did enjoy these works, more than others in fact, particularly entering the room with a batch full of chamomile; the smell of it and sounds of the waves were very soothing.


In one of the last rooms, ‘The Levitation of St. Therese’ (2009), in which the artist, dressed in black, hangs above a kitchen recreating a mystical experience in memory of the Spanish saint, was aesthetically interesting, and a clear evidence to me of the significant role spirituality has taken in her work. The influence of her grandmother seems to come afloat here.

Finally, the last room hosts the recreation of her work ‘The house with the Ocean View’ that saw the artist live in a house constructed for 12 days in the wake of the 9/11 terrorist attacks in New York. The performance invited audiences to witness and share in the simple act of living. This work didn’t resonate with me, simply because the works she does where there’s punishment or hardship inflicted to the body aren’t my favourites.

The influence of Abramović is undeniable; she has positioned herself as a pioneer in the use of the live body for art, leaving an impressive legacy. In her exploration of art as a means for emotional and spiritual transformation, she has constantly evolved, challenging her audience. Although the absence of herself in her performances in the present, given her age, may slightly diminish the impact of her works, the fascinating interest in discovering and observing her developments at each stage persists.

‘The Levitation of St. Therese’ (2009)

Arte para la transformación emocional y espiritual

Marina Abramović
23 de septiembre de 2023 – 1 de enero de 2024
Royal Academy of Arts, Londres, Reino Unido.

La tan esperada retrospectiva de 50 años de Marina Abramović ha llegado finalmente a la Royal Academy of Arts en Londres después de que el Covid obligara a la institución a posponer lo que es la primera retrospectiva dedicada a una artista femenina.

Marina Abramović se ha convertido en la abuela de la actuación artística. Al empujar los límites de su cuerpo y mente hasta extremos, ha arriesgado su salud e incluso su vida, al tiempo que ha ampliado su práctica para abrazar experiencias colectivas de intimidad entre artista y público.

La exposición presenta una recreación de sus actuaciones más famosas, logrando diferentes niveles de participación del público. Al entrar en la primera sala oscura, os encontraréis con ‘La artista está presente’, una reposición de una de sus actuaciones más conocidas a través de material de archivo. Se presentan varias docenas de imágenes de algunos de los 1.545 miembros del público que asistieron y se sentaron frente a ella en silencio durante los 75 días de su actuación en el MoMA de Nueva York en 2010. En un lado, los asistentes a la exposición; en el otro, Marina Abramović sentada allí con la cámara apuntando hacia ella y capturando sus reacciones. No es usual que un artista se siente con su público de esta manera. Toda la escena de Marina sentada frente a otra persona y vistiendo un vestido rojo tan largo me recuerda a algunas pinturas religiosa del Renacimiento flamenco.

En la siguiente sala, os introduciréis en sus primeras actuaciones como joven artista, una parte que no conocía muy bien anteriormente. En su actuación más famosa, ‘Rhythm 0’ de 1974, presentó una serie de objetos a los participantes, invitándolos a hacer lo que quisieran con ella (Yoko Ono había establecido un precedente una década antes en su ‘Cut Piece’). Una mesa replicada se dispone en la Royal Academy: cadenas, tijeras, látigos, una rosa, una manzana, una pistola cargada, que un hombre sostuvo en el cuello de Abramović. Su valentía era inigualable. Podéis verla con cortes en su cuerpo y totalmente impasible como una mártir aceptando su castigo.

La siguiente sala recrea su actuación ‘Balkan Baroque’ de 1997 en la Bienal de Venecia. Aunque los 1.500 huesos de ganado ensangrentados que había lavado entonces eran falsos aquí. Esta y la siguiente sala, donde podéis ver a Abramovic sobre un semental blanco sosteniendo una bandera blanca gigante en ‘El héroe’ (2001), ofrecen una visión del trasfondo de la artista.

Proveniente de Serbia y creciendo en un entorno hogareño estricto, sus padres fueron luchadores partisanos durante la Segunda Guerra Mundial, por lo que fueron galardonados con la Orden de los Héroes del Pueblo. La artista vivió con su abuela materna, quien era profundamente religiosa, hasta los 6 años en que se fue a vivir con sus padres después del nacimiento de su hermano. Su madre era una disciplinaria estricta que también infligía castigos físicos, lo que explica en cierta medida por qué Abramović siempre ha estado tan interesada en someter el cuerpo a la dureza. Estuvo expuesta a las artes desde temprana edad a través del trabajo de su madre en el Ministerio de Cultura.

En la amplia galería central, os encontraréis con películas en blanco y negro de la época en la que la artista realizaba actuaciones en los años 70 con su pareja en ese momento, el artista Ulay. Se abofetearán las caras, se gritarán mutuamente y se besarán. Pero una de estas obras destaca, que es ‘Rest Energy’, donde les veis realizando un peligroso acto de equilibrio con un arco y flechas. Si alguno de ellos cediera, uno de ellos habría muerto.

A partir de este punto de la exposición, podéis ver actuaciones recreadas por una nueva generación de artistas entrenados por Abramović en el Instituto Mariana Abramović. Los primeros artistas crean ‘Un par de postes de entrada humanos’, dos modelos desnudos creando una barrera para que los visitantes pasen a través. La obra recrea ‘Imponderabilia’, representada por primera vez en 1977 por la artista y Ulay. Los artistas pueden perturbar a algunos visitantes, pero sospecho que la efectividad de esto no es la misma que la original en los años 70.

Al avanzar a la siguiente parte de la exposición, las salas siguientes muestran su trabajo en solitario con ‘Objetos Transitorios’, donde se incorporan cristales y minerales e invitan a la participación del público. En esta etapa de su trayectoria, se había separado de Ulay, eligiendo una actuación caminando a lo largo de la Muralla China para despedirse, y cambió sus intereses hacia un enfoque curativo. La terapia de energía parece convertirse en una gran influencia en su trabajo a partir de entonces. Y a pesar de las críticas recibidas por ello, disfruté de estas obras, más que de otras, en realidad. Especialmente al entrar en la sala con un montón de manzanilla; el olor y los sonidos de las olas eran muy relajantes.

En una de las últimas salas, ‘La levitación de Santa Teresa’ (2009), en la que la artista, vestida de negro, cuelga sobre una cocina recreando una experiencia mística en memoria de la santa española, fue estéticamente interesante y una clara evidencia para mí del papel significativo que la espiritualidad ha tomado en su trabajo. La influencia de su abuela parece aflorar aquí.

Finalmente, la última sala acoge la recreación de su obra ‘La casa con vista al mar’, en la que la artista vivió en una casa construida durante 12 días tras los ataques terroristas del 11 de septiembre en Nueva York. La actuación invitó al público a presenciar y compartir el simple acto de vivir. Este trabajo no me impactó tanto, principalmente porque los trabajos que ella hace en los que se infligen castigos o dificultades al cuerpo no son mis preferidos.

Abramović ha creado un gran legado y se ha convertido en una pionera en el uso del cuerpo vivo para el arte. En su exploración del arte como vehículo para la transformación emocional y espiritual, ha seguido evolucionando a lo largo del tiempo y desafiando a su público. No verla ahora en las actuaciones, dada su edad, hace que sus obras sean un poco menos efectivas. Pero, aun así, creo que sigue siendo interesante saber y ver qué ha estado haciendo en cada momento.

La influencia de Abramović es innegable; se ha erigido como pionera en el uso del cuerpo en vivo para el arte, dejando un legado imponente. En su exploración del arte como medio para la transformación emocional y espiritual, ha evolucionado constantemente, desafiando a su audiencia. Aunque la ausencia de sus actuaciones en la actualidad, dada su edad, pueda restar un poco de impacto a sus obras, persiste el fascinante interés por descubrir y observar sus desarrollos en cada etapa.

Fibrous structures

Magdalena Abakanowicz
Every tangle of threat and rope
21 May 2023
Tate Modern, London, UK

This is the last weekend of this art exhibition at Tate Modern. If you haven’t seen it and you haven’t got other plans for the weekend, I encourage you to go. So far, it’s been my favourite art show this year, and certainly an interesting experience getting to know the work of this artist.

Magdalena Abakanowicz (1930-2017) was a Polish sculpture and fiber artist, known for her use of textiles as sculptural medium. Today she’s highly regarded as one of Poland’s most internationally acclaimed artists. She was born to an aristocratic family and lived in the countryside during her childhood, until the Second World War and subsequently the communist regime reversed their life.

Luckily the forest of her childhood used as an inspiration for her artworks was quite neutral, so the censorship to her work was milder than for other artists. An early show of her work, however, was shut down by the authorities for not actively engaging with the building of socialism. Individual expression had to be in service of the common good at the time. On the other side, the state encouraged cooperation between designers, craftspeople and artisans, which was used by Abakanowicz in her advatange. She became the pioneer of fiber-based sculpture and installation in the 1960s.

Abakanowicz was a weaver of sculptures. But what she did was so radical that it keeps amazing us today. She took the conventional flat tapestry woven for thousands of years and remade it in three dimensions. Her weavings are huge works suspended from the ceiling of organic quality. The artist takes you in a journey that showcases her ideas about nature’s power and our place in it as human beings.

As you enter the art show, you’re presented to smaller works that give you an overview of her beginnings as an artist, including naturalistic abstraction, geometric compositions filled with organic forms, some in paper, other in canvas. Her early tapestries are big, sombre abstracts of brown, beige and tan wool. Some parts are ragged, others braided. The resemble old carpets worn and tattered by lot of use.

Abakanowicz saw fibre, “as the basic element constructing the organic world… the tissue of plants, leaves and ourselves, our nerves, our genetic codes… We are fibrous structures.” she said.

Soon she outgrew the idea of making rectangular works and let the tapestries take a freer form hanging from the ceiling. She started by making them with curved, perforated and wavy shapes. Her works hanging from the ceiling are fibrous, twisted, knotted, and have ropes dangling nearby or animal horns, so that they seem to take on a life of their own. Its material warmth and earthy organic scent is comforting to the viewer.

The central room showcases a collection of dark works as described above; it was like encountering nature in its most basic, original state with its strength and comforting power. As you move along the show you start coming across the human body deconstructed in pieces. You’ll be arrested by the depictions of the female body, of opened labia, the body’s orifices and protuberances, breasts, pregnant bellies and so on.

One of the difficulties facing critics of Abakanowicz’s work through the 1960s and 70s was how to place the varied and multiform things she made. Were her wall-hangings and suspended woven works art at all? Was it craft or “applied art” or “fibre art”? Was it sculpture?  Critics called her a “painter at the looms”, and described her works as “carpet creatures”. They even received the name of Abakans, coming from her surname.

This art exhibition at the Tate Modern is like a primal experience. As you move through the artworks a forest seem to emerge around you. Some dark works of art seem to be branching out like trees, others tangled like vines, others are like trunks opened to protect you from a storm. An ancient forest, primal and mysterious – all created from wool develops around you. And subsequently, a deconstruction of the human body, only to remember us that we are part of nature. Let’s not forget that!

Estructuras fibrosas

Magdalena Abakanowicz
Every tangle of threat and rope
21 mayo 2023
Tate Modern, Londres, Reino Unido

Este es el último fin de semana de esta exposición de arte en la Tate Modern. Si no la has visto y no tienes otros planes para el fin de semana, te animo a que vayas. Hasta ahora, ha sido mi exhibición de arte favorita este año, y sin duda una experiencia interesante conocer el trabajo de esta artista.

Magdalena Abakanowicz (1930-2017) fue una artista polaca de escultura y fibra, conocida por su uso de textiles como medio escultórico. Hoy en día es considerada como una de las artistas polacas más aclamadas internacionalmente. Nació en una familia aristocrática y vivió en el campo durante su infancia, hasta que la Segunda Guerra Mundial y posteriormente el régimen comunista cambiaron su vida.

Afortunadamente, el bosque de su infancia que usó como inspiración para su arte fue bastante neutral, por lo que la censura a su trabajo fue más leve que para otros artistas. Sin embargo, las autoridades cerraron una muestra temprana de su trabajo por no participar activamente en la construcción del socialismo. La expresión individual tenía que estar al servicio del bien común de la época. Por otro lado, el estado fomentó la cooperación entre diseñadores y artesanos, lo que fue aprovechado por Abakanowicz en su beneficio. Se convirtió en pionera de la escultura e instalaciones a base de fibra en la década de 1960.

Abakanowicz era tejedora de esculturas. Pero lo que hizo fue tan radical que hoy nos sigue sorprendiendo. Tomó el tapiz plano convencional tejido durante miles de años y lo rehízo en tres dimensiones. Sus tejidos son obras gigantescas suspendidas del techo de calidad orgánica. La artista te lleva en un viaje que muestra sus ideas sobre el poder de la naturaleza y nuestro lugar en ella como seres humanos.

Al entrar en la exposición de arte, se presentan obras más pequeñas que te brindan una descripción general de sus inicios como artista, incluida la abstracción naturalista, composiciones geométricas llenas de formas orgánicas, algunas en papel, otras en lienzo. Sus primeros tapices son resúmenes grandes y sombríos de lana marrón, beige y canela. Algunas partes están rotas, otras trenzadas. Se parecen a alfombras viejas gastadas y rotas por mucho uso.

Abakanowicz veía la fibra, “como el elemento básico que construye el mundo orgánico… el tejido de las plantas, las hojas y nosotros mismos, nuestros nervios, nuestros códigos genéticos… Somos estructuras fibrosas” dijo ella.

Pronto superó la idea de hacer obras rectangulares y dejó que los tapices tomaran una forma más libre colgando del techo. Empezó haciéndolas con formas curvas, perforadas y onduladas. Sus obras colgadas del techo son fibrosas, retorcidas, anudadas y tienen cuerdas colgando cerca o cuernos de animales de manera que parecen cobrar vida propia. Su calidez material y olor orgánico terroso es reconfortante para el espectador.

La sala central exhibe una colección de obras oscuras como he descrito arriba; fue como encontrarse con la naturaleza en su estado primigenio con toda su fuerza y poder reconfortante. A medida que avanzas en la muestra, comienzas a encontrarte con el cuerpo humano deconstruido en pedazos. Te cautivarán las representaciones del cuerpo femenino, de los labios abiertos, los orificios y protuberancias del cuerpo, los senos, las barrigas de embarazo, etc.

Una de las dificultades que enfrentaron los críticos del trabajo de Abakanowicz durante las décadas de 1960 y 1970 fue cómo ubicar las cosas variadas y multiformes que hizo. ¿Sus tapices y tejidos suspendidos eran arte en absoluto? ¿O era artesanía o “arte aplicado” o “arte de la fibra”? ¿Era escultura? Los críticos la llamaron “pintora de los telares”, y describieron sus obras como “criaturas de alfombra” e incluso recibieron el nombre de Abakans, proveniente de su apellido.

Esta exposición de arte en la Tate Modern es como una experiencia primaria. A medida que avanzas por la muestra, parece que un bosque emerge a tu alrededor. Algunas obras de arte oscuras parecen ramificarse como árboles, otras se enredan como vides, otras son como troncos abiertos para protegerte de una tormenta. Un bosque antiguo, primitivo y misterioso, todo creado a partir de lana se despliega a tu alrededor. Y luego, una deconstrucción del cuerpo humano a continuación, solo para recordarnos que somos parte de la naturaleza. ¡No olvidemos eso!

Disquieting apocalyptic visions

Mike Nelson
Extinction Beckons
22 Feb – 7 May 2023
Hayward Gallery, London, UK

I only found out about this exhibition when it had been open for over a month and it closes soon. But since it’s the first Mike Nelson survey exhibition to date, I didn’t want to miss it. In my opinion, he is one of the most notable British artists working today, whom I covered previously on this other post about his art show at the Duveen gallery in Tate Britain in 2019.

‘Extinction Beckons’ brings together many installations taken from different places, many of which are presented here for the first time since they were initially exhibited. For this survey, rather than rebuild past works, Nelson has reimagined them, breaking them up and recontextualising them.

Nelson draws on science fiction for its narrative construction and is not tied to representations of the real world. He combines different architectural spaces with no clear relation to one another. We can only find this in a novel or in film, or in virtual reality, but we cannot find this in the real world. What’s more, he adds such a level of detail that it feels real.

Constructed with materials rummaged from salvage yards, junk shops, auctions and flea markets, his installations have some sort of disquieting life-like quality, in which past, present and future are hard to pin down. Highlighting his interest on the idea of time as a fluid concept. Often the abandoned-looking spaces Nelson creates contain traces of past activities and people, but their uncanny atmosphere makes them appear like visions of a dystopian future.

The first room you encounter as you enter the art show is a red and dim-lit room that seemed to resemble a photographic dark room with shelves full of the sort of material you would find in a shed in your garden. That light and the set up bring you into a time-lagged alternative dimension.

The next big installation is a complex labyrinth made of wood, which makes you go from one room to another with the sound of screeching doors and flickering lights in some of them, a phone that doesn’t ring and an old fan in motion. This messed my sense of orientation, and I couldn’t avoid feeling anxious as I moved from one room to the next. I must say that I have an aversion to claustrophobic spaces. I wasn’t sure whether I had travelled back in time or this was part of an apocalyptic view of the future.

As you climb up the stairs, you encounter a room full of sand and burnt-out tyres that includes a half-burying shed with a photographic lab inside filled with red light. This is Nelson’s vision of an abandoned woodshed ‘drowned in a desert’, which references the iconic work by American artist Robert Smithson ‘Partially buried woodshed’. A hint to a sci-fi portrayal of a post-apocalyptic world. Making his work during the Iraq war, Nelson substituted sand for Smithson’s earth and added the oil barrels to evoke a Middle Eastern landscape.

The following room includes some of the pieces he used through “The Asset Strippers” at Tate Britain a few years ago to reflect on the death of the manufacturing industry in the UK with the lost jobs and the impact it had in many lives. Nelson’s sculpture alludes to the industrial functions of metal. He allows his objects to be relics first, sculptures second, and machines again with a mysterious appearance that makes you look at them in a new light. See the new version I’m including of the ‘Magical thinking and twisted logic…’ in comparison to the one we made at Tate Britain with The art blackberry on it.

The art blueberry interacting with Mike Nelson’s installation ‘Magical thinking and twisted logic…’.

With all his references to sci-fi, failed political movements, dark histories, countercultures, while also using references to capitalism, colonialism, war and the environment, he seems to bring us to alternative ways of living and thinking in an increasingly homogenised and globalised world. He has been particularly inspired by authors such as William Burroughs, Arkady and Boris Strugatsky, J.G. Ballard and Stanislaw Lemr.

The sequence of installations recreated for this survey exhibition immerse the viewer in a psychologically charge space that manages to disorient and encapsulate you. His work is highly emotional and disquieting, but also a good view into the artist’s complex thought process.

The little art gooseberry interacting with Mike Nelson’s installation at the Hayward gallery.

Inquietantes visiones apocalípticas

Mike Nelson
Señales de extinción
22 de febrero – 7 de mayo de 2023
Hayward Gallery, Londres, Reino Unido

Sólo supe de esta exposición cuando llevaba abierta más de un mes y cierra pronto. Pero dado que es la primera retrospectiva de Mike Nelson hasta la fecha, no quería perdérmela. En mi opinión, es uno de los artistas británicos más notables que hay en la actualidad, a quien cubrí anteriormente en este post sobre su exposición de arte en la galería Duveen en Tate Britain en 2019.

‘Extinction Beckons’ reúne muchas instalaciones tomadas de diferentes lugares, muchas de las cuales se presentan aquí por primera vez desde que se exhibieron inicialmente. Para esta retrospectiva, en lugar de reconstruir obras anteriores, Nelson las ha vuelto a imaginar, dividiéndolas y recontextualizándolas.

Nelson se inspira en ciencia ficción para su construcción narrativa y no se ata a representaciones del mundo real. Combina diferentes espacios arquitectónicos sin una clara relación entre ellos. Solo podemos encontrar esto en una novela o en una película, o incluso en la realidad virtual, pero no podemos encontrarlo en el mundo real. Además, agrega tal nivel de detalle que parece real.

Construidas con materiales extraídos de chatarrerías, subastas y mercadillos, sus instalaciones tienen una especie de inquietante parecido a la realidad, en las que el pasado, el presente y el futuro son difíciles de precisar. Esto destaca su interés por la idea del tiempo como un concepto fluido. A menudo, los espacios de aspecto abandonado que crea Nelson contienen rastros de actividades y personas pasadas, pero su extraña atmósfera los hace parecer visiones de un futuro distópico.

La primera habitación con la que te encuentras al entrar en la exposición de arte es una habitación roja y tenuemente iluminada que parece una habitación oscura fotográfica con estantes llenos de todo tipo de material que encontrarías en un cobertizo en tu jardín. Esa luz y la configuración te llevan a una dimensión alternativa en el tiempo en la que pudiera haber un retraso entre causa y efecto.

La siguiente gran instalación es un complejo laberinto de madera, que te hace ir de una habitación a otra con el sonido de puertas chirriando y luces parpadeantes en algunas, un teléfono que no suena y un viejo ventilador en movimiento. Esto confundió mi sentido de la orientación y no pude evitar un sentimiento de ansiedad mientras me movía de una habitación a la siguiente. Debo decir que tengo aversión a los espacios claustrofóbicos. No estaba segura de si había viajado en el tiempo o si esto era parte de una visión apocalíptica del futuro.

A medida que subes las escaleras, te encuentras con una habitación llena de arena y llantas quemadas que incluye un cobertizo semienterrado con un laboratorio fotográfico lleno de luz roja. Esta es la visión de Nelson de la icónica obra del artista estadounidense Robert Smithson ‘Partially buried woodshed’. Una pista para una representación de ciencia ficción de un mundo postapocalíptico. Al realizar su trabajo durante la guerra de Irak, Nelson sustituyó la arena por la tierra de Smithson y agregó los barriles de petróleo para evocar un paisaje de Oriente Medio.

La siguiente sala incluye algunas de las piezas que usó para la muestra “The Asset Strippers” en Tate Britain hace unos años para reflexionar sobre la muerte de la industria manufacturera en el Reino Unido con la pérdida de empleos y el impacto que tuvo en muchas vidas. Las esculturas de Nelson aluden a las funciones industriales del metal. Permite que sus objetos sean primero reliquias, luego esculturas y máquinas nuevamente con una apariencia misteriosa que te hace mirarlos bajo una nueva luz. Podéis ver la nueva versión que incluyo del ‘Pensamiento mágico y lógica retorcida…’ en comparación con la que hicimos en la Tate Britain con The art blackberry en ella.

Con todas sus referencias a la ciencia ficción, los movimientos políticos fallidos, las historias oscuras, la contracultura, así como las referencias que hace al capitalismo, el colonialismo, la guerra y el medio ambiente, parece llevarnos a formas alternativas de vivir y pensar en un mundo cada vez más homogeneizado y globalizado. Nelson parece haber sido particularmente inspirado por autores como William Burroughs, Arkady y Boris Strugatsky, J.G. Ballard y Stanislaw Lemr.

La secuencia de instalaciones recreadas para esta retrospectiva sumerge al espectador en un espacio de carga psicológica que logra desorientarlo/a y encapsularlo/a. Su trabajo es muy emotivo e inquietante, pero también una buena visión del complejo proceso de pensamiento del artista.

Rethinking the world

Lubaina Himid
25 November 2021 – 2 October 2022
Tate Modern, London, UK

The art exhibition I’ve selected in this occasion is one by Lubaina Himid, currently on show at Tate Modern, London. She is a British artist and curator known for being one of the first artists involved in the UK’s Black Art movement in the 1980s, and for becoming the first black woman to win the Tuner Prize in 2017. Born in Zanzibar to a white English mother and a black African father, she was brought to London soon after her dad’s premature death.

Himid was trained in theather design and received her master’s degree in Cultural History from the Royal College of Art in London, both training very relevant to understand her art practice. Over the last decade, she has earned international recognition for her figurative paintings, which explore overlooked and invisible aspects of history and of contemporary everyday life.

As I entered the art show, I was surrounded by bright colours with painted questions across the walls, such as: ‘what does love sound like?’, ‘what are monuments for?’, and most importantly ‘we live in clothes, we live in buildings – do they fit us?’ It may be a bit early on the show to be confronted with those questions. But, it forces you to rethink about the world we live in from the very beginning, which is in my opinion one of the strongest points of this art show.

Along the exhibition, she presents what life would be like if she could build it herself as opposed to accepting what’s already created for us. A wagon painted with fish (see below), a jelly moulds covered in African patterns, paintings representing buildings that twist, etc. Like a proposal for a new world architecture.

What least convinced me about this art show was her attempt to make you feel like an actor within a theatre stage with various sound installations across the show. It wasn’t something I felt related to. I prefer her bright, flat-perspective paintings. They are conceptually and aesthetically interesting . However, I didn’t see that this exhibition represents very well who was once one of the first artists involved in the UK’s Black Art movemen. It was a bit light from that perspective.

Having said that, it was interesting for me to see what one of the most relevant British artist have been working on most recently, and I appreciate her interest to make you rethink about the world in a new way; particularly relevant to design students, but to all of us as well. Let’s not accept everything that’s given to us. Let’s try to apply changes and build a better world; more caring, more imaginative and ultimately more exciting.

Repensar el mundo

Lubaina Himid
25 noviembre 2021 – 2 octubre 2022
Tate Modern, Londres, Reino Unido

La exposición de arte que he seleccionado en esta ocasión es una de Lubaina Himid, actualmente expuesta en la Tate Modern de Londres. Es una artista y comisaria de arte británica conocida por ser una de las primeras artistas involucradas en el movimiento Black Art del Reino Unido en la década de 1980 y por ser la primera mujer negra en ganar el Premio Tuner en 2017. Nacida en Zanzíbar de madre blanca inglesa y de padre negro africano, la trajeron a Londres poco después de la muerte prematura de su padre.

Himid se formó en diseño teatral y recibió su master en Historia Cultural del Royal College of Art de Londres, ambas titulaciones muy relevantes para comprender su práctica artística. Durante la última década, se ha ganado el reconocimiento internacional por sus pinturas figurativas, que exploran aspectos invisibles de la historia y de la vida cotidiana contemporánea.

Cuando entré en la exposición de arte, me ví rodeada de colores brillantes con preguntas pintadas en las paredes, como: “¿cómo suena el amor?”, “¿para qué son los monumentos?” y, lo que es más importante, “vivimos vestidos, vivimos en edificios, ¿se adaptan a nosotros?” Puede ser un poco temprano en la muestra para enfrentar al visitante a esas preguntas. Pero, te fuerza a repensar el mundo en el que vivimos desde el principio, que es en mi opinión uno de los puntos fuertes de esta muestra de arte.

A lo largo de la exposición, presenta cómo sería la vida si pudiera construirla ella misma en lugar de aceptar lo que ya está creado para nosotros. Una carreta pintada con peces (ver más abajo), unos moldes de gelatina cubiertos de motivos africanos, cuadros que representan edificios que se retuercen, etc. Como propuesta de una nueva arquitectura mundial.

Lo que menos me convenció de esta muestra de arte fue su intento de hacerte sentir como un actor dentro del escenario de un teatro con varias instalaciones de sonido a lo largo de la muestra. No fue algo con lo que me sintiera relacionada. Prefiero sus pinturas brillantes y de perspectiva plana. Son conceptual y estéticamente interesantes. Aunque, no me pareció que esta exhibición represente muy bien a quien alguna vez fue una de los primeras artistas involucrados en el movimiento Black Art del Reino Unido. Era un poco suave desde esa perspectiva.

Habiendo dicho eso, fue interesante para mí ver en qué ha estado trabajando recientemente una de las artistas británicas más relevantes, y aprecio su interés por hacerte repensar el mundo de una manera nueva; particularmente relevante para estudiantes de diseño, pero también para cualquiera de nosotros. No aceptemos todo lo que nos viene dado. Tratemos de aplicar cambios y construir un mundo mejor; más solidario, más imaginativo y en definitiva más emocionante.

Sewing dark memories

Louise Bourgeois
The Woven Child
9 February 2022 – 15 May 2022
Hayward Gallery, Southbank Centre, London, UK

If you’re looking for things to do during the Easter break, and you happen to be in London, I recommend you to go to see the Louise Bougeois art exhibition there is currently at the Hayward gallery. It’s a good opportunity to immerse yourself in Bougeois’ personal universe with good doses of eerie darkness, intimacy and creativity.

I normally enjoy entering the individual universe of an artist, looking at different sources of inspiration and forms of expression. And when it comes to this show, I’d say that the characteristics of this gallery and the set up of the show both contribute to immerse visitors into the personal universe of the artist quite effectively, so I found it was an interesting experience.

The exhibition called “The Woven Child” is the first retrospective focused on the works she made with fabrics and textiles during the last 20 years of her career, between the mid-1990s and her death in 2010. Bourgeois decided to break with traditional sculptural materials and return to her roots. Most of the works included are figurative sculptures, made from household textiles, including clothing, linens, and tapestry fragments that she obtained from her own family and personal history.

Her connection to the fabric began very early and was part of her identity. The artist helped in her family’s tapestry restoration workshop in France, and we know that growing up was traumatic with an oppressive father. The actions of creating these works -cutting, tearing, sewing, joining- relate them to notions of reparation and to the trauma of separation and abandonment in metaphorical terms. The exhibition explores what the artist, in her own words, called “the magical power of the needle… to repair the damage” and to offer “a claim for forgiveness.”

Part of the selection of figurative sculptures was a selection of the artist’s fabric heads displayed with their different misterious and unsettling portraits, and a comprehensive range of missing limbs and bodies intertwined and presented in vitrines or hanging from the ceiling. Most of them were downstairs, where you can experience her work in a more dramatic and intimate way, perhaps because of the dim lighting that is predominant there.

The art show includes also some of Bourgeois’s monumental Cells, such as “The imposing installation Spider” (1997) and displayed on the top floor, and the related Cell piece “Lady in Waiting” (2003). In these installations, she hanged old dresses, slips and nightwear, and included fragments of antique tapestry, as well as a huge spider sculpture made of steel.

The spider was for Bourgeois both a protector and a predator, and she associated it with her mother, who was a weaver and a tapestry restorer. The spider’s ability to weave a web from its own body was a metaphor Bourgeois also used to describe her own artistic process. While you’re peeping through the cells you find yourself getting closer to the artist intimacy and part of the storytelling she skillfully had sewn around you.

In addition to these art installations, we could see a selection of fabric drawings, books, prints and collages upstairs, as well as several of the artist’s non-figurative sculptures called “progressions”, columns of stacked textile blocks of lozenges, organised in ascending and descending order – a return to the vertical works she did in the 1940s and 1950s. These non-figurative works were very evocative of her childhood and had less of a dark overtone as the figurative ones.

Going through this exhibition was like penetrating the artist’s mind and exploring her concerns, such as identity, sexuality, family, reparation, the subconscious and memory. All these themes expressed by the artist very effectively thanks to the use of fabrics mostly, a material that was so close to her personal history. I hope you enjoy the photos of the interactions we made with the artworks.

Cosiendo recuerdos oscuros

Louise Bourgeois
The Woven Child
9 Febrero 2022 – 15 Mayo 2022
Hayward Gallery, Southbank Centre, Londres, Reino Unido

Si estás buscando cosas que hacer durante las vacaciones de Semana Santa y te encuentras en Londres, te recomiendo que vayas a ver la exposición de arte de Louise Bougeois que hay actualmente en la galería Hayward. Es una buena oportunidad para sumergirse en el universo personal de Bougeois con buenas dosis de misteriosa oscuridad, intimidad y creatividad.

Normalmente disfruto adentrándome en el universo individual de un artista, mirando diferentes fuentes de inspiración y formas de expresión. Y en lo que respecta a esta muestra, diría que las características de esta galería y la configuración de la exposición contribuyen a sumergir a los visitantes en el universo personal de la artista bastante eficazmente, por lo que me pareció interesante la experiencia.

La muestra denominada “The Woven Child” es la primera retrospectiva centrada en las obras que realizó con telas y textiles durante los últimos 20 años de su carrera, entre mediados de la década de 1990 y su muerte en 2010. Bourgeois decidió romper con los materiales escultóricos tradicionales y volver a sus raíces. La mayoría de las obras incluidas son esculturas figurativas, elaboradas con textiles domésticos, incluidas prendas de vestir, ropa de cama y fragmentos de tapices que obtuvo de su propia historia familiar y personal.

Su conexión con la tela comenzó muy temprano y era parte de su identidad. La artista ayudaba en el taller de restauración de tapices de su familia en Francia, y sabemos que su crecimiento fue traumático con un padre opresivo. Las acciones de crear estas obras -cortar, rasgar, coser, unir- las relaciona con las nociones de reparación y con el trauma de la separación y el abandono en términos metafóricos. La muestra explora lo que la artista, en sus propias palabras, llamó “el poder mágico de la aguja… para reparar el daño” y para ofrecer “un reclamo de perdón”.

Parte de la selección de esculturas figurativas fue una selección de cabezas de tela de la artista expuestas con sus diferentes retratos misteriosos e inquietantes, y una amplia gama de miembros perdidos y cuerpos entrelazados y presentados en vitrinas o colgados del techo. La mayoría estaban en la planta baja, donde se puede vivir su obra de una forma más dramática e íntima, quizás por la tenue iluminación que allí predomina.

La muestra de arte incluye también algunas de las Celdas monumentales de Bourgeois, como “La imponente instalación Araña” (1997) y expuesta en la planta de arriba, y la pieza de Celda relacionada “La dama de espera” (2003). En estas instalaciones, colgó viejos vestidos, combinaciones y ropa de dormir, e incluyó fragmentos de tapices antiguos, así como una enorme escultura de araña hecha de acero.

La araña era para Bourgeois tanto protectora como depredadora, y la asociaba con su madre, que era tejedora y restauradora de tapices. La habilidad de la araña para tejer una telaraña con su propio cuerpo fue una metáfora que Bourgeois también usó para describir su propio proceso artístico. Mientras miras a través de las celdas, te encuentras acercándote a la intimidad de la artista y parte de la narración que hábilmente ha tejido a tu alrededor.

Además de estas instalaciones artísticas, en el piso de arriba pudimos ver una selección de dibujos en tela, libros, grabados y collages, así como varias de las esculturas no figurativas de la artista llamadas “progresiones”, columnas de bloques textiles apilados de rombos, organizadas de forma ascendente y orden descendente – un regreso a las obras verticales que hizo en los años 40 y 50. Estas obras no figurativas evocaban mucho su infancia y tenían un matiz menos oscuro que las figurativas.

Recorrer esta exposición fue como penetrar en la mente de la artista y explorar sus inquietudes, tales como la identidad, la sexualidad, la familia, la reparación, el subsconsciente y la memoria. Todas estos temas expresados por la artista de forma muy efectiva gracias al uso de las telas mayoritariamente, un material que para ella era tan cercano a su historia personal. Espero que os gusten las fotos de las interacciones que hicimos con las obras de arte.

Relics of a lost era

Mike Nelson
The asset stripper
18 March – 6 October 2019
Tate Britain, London, UK

The art berries visited Tate Britain recently and came across the installation there is currently at the Duveen Galleries by Mike Nelson. He’s turned this space, originally conceived as the first purpose-built sculpture galleries in England, into an objects strippers’ warehouse using numerous recent industrial relics.

Nelson has chosen to gather objects from post-war Britain that he used to see in his childhood such as big knitting machines and doors from the NHS and display them along the large central corridor at the Tate known as Duveen galleries. Somehow it looks like a monument to a lost era and the vision of society they represent. The art installation has cultural as well as social allusions that go from a local to a national perspective.

The artist has been buying this metal objects at asset-stripping auctions for years. Some machines are the kind of equipment used in textile factories where Nelson’s parents and grandparents worked. However, they now seem to be mysterious objects taken from a distant culture. I thought  initially that they had been taken from a different country, like an old British colony. They make me think of the hard work that is needed to manufacture the clothes we wear; years ago from people who worked in those jobs in western countries and now mostly from people based overseas. Is this a sustainable production model? I do believe that we need to start doing much more up-cycling within the fashion industry. Below you can see a photo of the knitting machine below with me on it.

Then we come across swing doors with porthole windows through which we can enter from an old London hospital, like the living and the dead, which adds to the feeling of a surreal experience. Not only that, some of Nelson’s works speak directly to the museum’s collection. Like the one of those hay rakes that whirl like sunflowers in the early surrealism of Joan Miró. You can see The art blackberry interacting with this art piece. Is she surrendering to sleep and dreaming with those massive sunflower wheels?

Nelson’s sculpture alludes to the industrial functions of metal. He allows his objects to be relics first, sculptures second, and machines again with a mysterious appearance that makes you look at them in a  new light.

Mike Nelson is a contemporary British artist who creates large-scale architectural installations. He has been shortlisted twice for the Turner prize and has represented Britain at the 2011 Venice Biennale.

 

Reliquias de una era perdida

Mike Nelson
The asset stripper
18 de marzo – 6 de octubre de 2019
Tate Britain, Londres, Reino Unido

The art berries visitamos Tate Britain recientemente y nos encontramos con la instalación que hay de Mike Nelson en las Duveen galleries. El artista ha convertido este espacio, originalmente concebido como la primera galería de esculturas especialmente diseñada en Inglaterra, en un almacén de objetos que utiliza numerosas reliquias industriales recientes.

Nelson eligió recoger objetos del período de posguerra en Gran Bretaña que él solía ver en su infancia, como grandes máquinas de tejer y las puertas del NHS y exponerlas a lo largo del pasillo central de la galería conocido como Duveen galleries. De alguna manera, parece un monumento a una era perdida y la visión de la sociedad que representan. La instalación de arte tiene alusiones culturales y sociales que van desde una perspectiva local a otra nacional.

El artista ha estado comprando estos objetos de metal en subastas de desmonte de activos durante años. Algunas máquinas son el tipo de equipo utilizado en las fábricas textiles donde trabajaban sus padres y abuelos. Sin embargo, ahora parecen ser objetos misteriosos tomados de una cultura lejana. Al principio pensé que habían sido tomadas de un país diferente, como una antigua colonia británica. Me hacen pensar en el trabajo duro que se necesita para fabricar la ropa que usamos; años atrás procedente de personas que trabajaban en países occidentales y ahora principalmente de personas que viven en otros países más pobres. ¿Es éste un modelo de producción sostenible? Creo que debemos comenzar a hacer mucho más reciclaje o up-cycling dentro de la industria de la moda. A continuación puedes ver una foto de la máquina de tejer conmigo dentro.

Luego nos encontramos con puertas batientes con ventanillas a través de las cuales podemos entrar en un antiguo hospital de Londres, como los vivos y los muertos, lo que se suma a la sensación de una experiencia surrealista. No sólo eso, algunas de las obras de Nelson hablan directamente de la colección del museo. Como el de esos rastrillos de heno que giran como girasoles en el surrealismo temprano de Joan Miró. Puedes ver a The art blackberry interactuando con esta pieza de arte. ¿Está durmiendo y soñando con esas enormes ruedas de girasol?

La escultura de Nelson alude a las funciones industriales del metal. Él permite que sus objetos sean reliquias primero, esculturas en segundo lugar, y máquinas de nuevo con una apariencia misteriosa que te hace mirarlos desde una nueva perspectiva.

Mike Nelson es un artista británico contemporáneo que crea instalaciones arquitectónicas a gran escala. Ha sido pre-seleccionado dos veces para el premio Turner y ha representado a Gran Bretaña en la Bienal de Venecia 2011.

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Exploring space with sculpture

Phyllida Barlow
cul-de-sac
23 February – 23 June 2019
Royal Academy of Arts, London, UK

After nearly two months without posting anything here, I’m finally back! I have a good excuse for being so quiet since January. My son Samuel was born on the 9th February and I have been really busy and enjoying his company since then.

Nevertheless, there’s a good art show now in London that I wanted to share with you. British sculptor Phyllida Barlow has currently an art exhibition at the contemporary galleries of the Royal Academy of Arts, which will be on until the end of the spring. The art berries went to visit it and I’m sharing it with you here, so you don’t miss one of the best art shows in London this season.

The photos you can see from The art berries below have been taken as usual with an iPhone. We’ve interacted with the artworks and bring you an intimate and personal approach of the art pieces we found more interesting.

As we entered the gallery space, we came across two huge sculptures. One of them is a vertical structure formed by various colourful canvases. A playful and intriguing art piece that traps your attention from the very beginning of the exhibition. From the photos below, you can see The art blackberry next to this piece. She appears to be in conversation with a colourful group of individuals.

As we moved along the art show, a new interesting sculpture is revealed. It reminds me of an amphitheatre with a semicircular seating gallery space sustained by multiple beams that go in different directions. You can see how we blend with the sculpture and contribute to this perception.

Finally, a series of pictures are presented below with The art blackberry amid a forest of inclined beams. In this pictures, her fragility is accentuated by the the menacing beams above her.

In February, Barlow created this exhibition that brings her own interpretation of a residential cul-de-sac. By closing the exit door in the final room, Barlow forced the viewer to turn around and revisit each sculpture anew from the other side. She created forests of seemingly precarious structures and uses them to explore the full height of the gallery space with looming beams, blocks and canvases.

Thresholds, the artist has said, are fascinating places, where you pass through from one space to another. Always seeking the surprise, Barlow expects the work to take her into a  journey, rather than her deciding upon that journey.

Her source of inspiration is in the everyday from a farm to an industrial state. Because of that, Barlow uses everyday materials such as plywood, expanding foam, polystyrene, plaster, cement, plastic piping, Polyfilla, tape, etc. and remind us to look at them in a new context with a new light. They are so common in our world that we’ve stopped even seeing them.

Barlow studied at Chelsea College of Art (1960 – 1963) and the Slade School of Art (1963 – 1966). She later taught at both schools and was Professor of Fine Art and Director of Undergraduate Studies at the latter until 2009.

Explorando el espacio con escultura

Phyllida Barlow
Callejón sin salida
23 de febrero – 23 de junio de 2019
Royal Academy of Arts, London, UK

Después de casi dos meses sin publicar nada aquí, ¡por fin estoy de vuelta! Tengo una buena excusa para estar tan callada desde enero. Mi hijo Samuel nació el 9 de febrero y he estado muy liada y disfrutando de su compañía desde entonces.

De cualquier manera, hay una buena exposición de arte ahora en Londres que quería compartir contigo. La escultora británica Phyllida Barlow tiene desde febrero una exposición en las galerías contemporáneas de la Royal Academy of Arts, que estará abierta hasta el final de la primavera. The art berries fuimos a visitarla y la comparto aquí contigo para que no te pierdas una de las mejores muestras de arte en Londres esta temporada.

Las fotos que puedes ver a continuación en The art berries  se han tomado como siempre con un iPhone. Hemos interactuado con las obras de arte y te brindamos un enfoque intimo y personal de las piezas que encontramos más interesantes.

Cuando entramos en el espacio de la galería, nos encontramos con dos esculturas enormes. Una de ellas es una estructura vertical formada por varios lienzos de colores. Una escultura divertida e intrigante que capta tu atención desde el principio de la exposición. En las fotos que capturamos debajo, puedes ver a The art blackberry junto a esta pieza. Parece estar en conversación con un grupo colorido de individuos.

 

A medida que avanzamos en la muestra de arte, aparece una nueva e interesante escultura. Me recuerda a un anfiteatro con un espacio semicircular en la galería de asientos sostenido por múltiples vigas que van en distintas direcciones. Puedes ver como nos mezclamos con la escultura y contribuimos a esta percepción.

Finalmente, a continuación se puede ver una serie de imágenes con The art blackberry en medio de un bosque de vigas inclinadas. En estas imágenes, su fragilidad se ve acentuada por las vigas que hay sobre ella.

En febrero, Barlow creó esta exposición que trae su propia interpretación de un callejón sin salida residencial. Al cerrar la puerta de salida en la sala final, Barlow obligó al espectador a darse la vuelta y volver a visitar cada escultura desde el otro lado. Creó bosques de estructuras aparentemente precarias y las utiliza para explorar la altura completa del espacio de la galería con vigas, bloques y lienzos que parece que se van a caer de un moment a otro.

Los umbrales, ha dicho la artista, son lugares fascinantes, donde se pasa de un espacio a otro. Siempre buscando la sorpresa, Barlow espera que el trabajo la lleve a un viaje, en lugar de que ella decida sobre ese viaje.

Su fuente de inspiración está en lo cotidiano, desde una granja hasta un estado industrial. Debido a eso, Barlow utiliza materiales cotidianos como madera contrachapada, espuma expandida, poliestireno, yeso, cemento, tuberías de plástico, Polyfilla, cinta, etc. y nos recuerdan mirarlos en un nuevo contexto, con una nueva luz. Son tan comunes en nuestro mundo que hemos dejado de verlos.

Barlow estudió en el Chelsea College of Art (1960 – 1963) y en la Slade School of Art (1963 – 1966). Más tarde enseñó en ambas escuelas y fue profesora de Bellas Artes y Directora de Estudios de Pre-grado en esta última hasta el 2009.

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