Kiki Smith
18 September — 1 November 2025
Timothy Taylor Gallery, London, UK
I’ve recently seen an exhibition at Timothy Taylor Gallery that completely fascinated me. It felt as if I were stepping into a magical realm created by the artist Kiki Smith. The show revolves around Smith’s ongoing engagement with the natural world and its connection to mythology, spirituality, and the human condition. It truly felt like entering her own universe — my favourite kind of exhibition.
Kiki Smith (b. 1954, Nuremberg, Germany) is a German-born American artist whose psychologically charged figurative sculptures and prints have made her a pivotal figure in contemporary art. While her work of the late 1980s and early 1990s addressed subjects such as AIDS, feminism, and gender, her more recent practice explores the relationship between the body and nature. Smith lives and works in New York City and the Hudson Valley.
Upon entering the ground floor of the gallery, I encountered two life-size bronze sculptures, Winter and Capricornus (both 2021), depicting the artist’s zodiac sign, Capricorn. They stand on their hind legs, not touching — perhaps climbing in excitement, or seeking our attention? Smith gives form to this imaginary creature onto which we project ideas of rationality, ambition, and discipline. The gentle oxidation of the bronze lends a bluish tint that, together with the contact prints on the wall, each marked by a single luminous circle, transforms the room into a mysterious, almost mystical scene.
Winter and Capricornus, 2021
Signal V and Signal II, 2024
Upstairs, Flock (2025) — a group of three bronze lambs, two standing and one resting — is displayed beside Rest Upon (2009), a large bronze depicting a reclining female figure with a lamb resting on her side. In this tender and surprising encounter, both beings seem to offer each other comfort and protection.
The art blueberry next to Flock, 2025 and Rest Upon, 2009
Sheep have appeared in Smith’s work since the early 1990s — as has their predator, the wolf. Her engagement with these figures draws on Aesop’s fable about power and injustice, as well as the story of Saint Genevieve, the shepherdess and warrior whose devotion was said to reconcile even natural enemies.
Surrounding Flock and Rest Upon are delicate pencil and silver drawings depicting fragile creatures with spindly limbs and vacant, haunting eyes. Small bronze butterflies in varying sizes punctuate the space, heightening the sense of delicate life in motion.
Dusk, 2023
In the next room stands Dark Water (2023), a patinated blue-bronze sculpture of a female figure hovering above the ground, surrounded by flowing, fluid forms. She seems immersed in the element of water — a poetic reminder of the deep interconnection between bodies and ecosystems. It made me think of Tropicalia, the exhibition I saw this summer at the Thyssen-Bornemisza Museum in Madrid, which explored similar themes of nature and human entanglement. You can read the review here.
The art blackberry next to Dark Water, 2023
Finally, in a smaller adjacent room, an owl sculpture titled Horizon (2025) is displayed on a tall plinth. Around it, two-colour etchings, aquatints, and chromogenic prints immerse us further in Smith’s imagined world of species and natural elements.
The art blackberry next to Horizon, 2025
This exhibition felt truly magical. Through folklore, biblical stories, and ancient mythologies, Kiki Smith transforms the gallery into a luminous, enchanted space — one that reminds us of our place within nature’s intricate web of forces. I thoroughly enjoyed this show and highly recommend it if you’re in London before it closes on 1 November.
Un viaje por el universo artístico de Kiki Smith
Kiki Smith 18 de septiembre — 1 de noviembre de 2025 Galería Timothy Taylor, Londres, Reino Unido
Hace poco vi una exposición en la galería Timothy Taylor que me fascinó por completo. Fue como adentrarme en un reino mágico creado por la artista Kiki Smith. La muestra gira en torno al interés continuo de Smith por el mundo natural y su conexión con la mitología, la espiritualidad y la condición humana. Realmente se sentía como entrar en su propio universo, mi tipo favorito de exposición.
Kiki Smith (n. 1954, Núremberg, Alemania) es una artista estadounidense nacida en Alemania cuyas esculturas y grabados figurativos, cargados de una profunda psicología, la han convertido en una figura clave del arte contemporáneo. Mientras que su obra de finales de los años ochenta y principios de los noventa abordaba temas como el sida, el feminismo y el género, su práctica más reciente explora la relación entre el cuerpo y la naturaleza. Smith vive y trabaja en la ciudad de Nueva York y en el valle del Hudson.
Al entrar en la planta baja de la galería me encontré con dos esculturas de bronce de tamaño humano, Winter y Capricornus (ambas de 2021), que representan el signo del zodíaco de la artista, Capricornio. Se alzan sobre sus patas traseras sin tocarse —¿trepan con entusiasmo o buscan nuestra atención?—. Smith da forma a esta criatura imaginaria en la que proyectamos ideas de racionalidad, ambición y disciplina. La suave oxidación del bronce confiere un tono azulado que, junto con las copias por contacto en la pared, cada una marcada por un círculo luminoso, transforma la sala en una escena misteriosa y casi mística.
En la planta superior se encuentra Flock (2025), un grupo de tres corderos de bronce —dos de pie y uno recostado— expuestos junto a Rest Upon (2009), un gran bronce que muestra una figura femenina reclinada con un cordero descansando sobre su costado. En este encuentro tierno y sorprendente, ambos seres parecen ofrecerse consuelo y protección mutuos.
Las ovejas han aparecido en la obra de Smith desde principios de los años noventa, al igual que su depredador, el lobo. Su interés por estas figuras se inspira en la fábula de Esopo sobre el poder y la injusticia, así como en la historia de Santa Genoveva, pastora y guerrera cuya devoción, según se decía, reconciliaba incluso a los enemigos naturales.
Alrededor de Flock y Rest Upon se disponen delicados dibujos a lápiz y en plata que representan criaturas frágiles, de miembros finos y ojos vacíos e inquietantes. Pequeñas mariposas de bronce, de distintos tamaños, salpican el espacio, acentuando la sensación de vida delicada en movimiento.
En la siguiente sala se encuentra Dark Water (2023), una escultura de bronce azul patinado que representa a una figura femenina suspendida en el aire, rodeada de formas fluidas. Parece sumergida en el elemento acuático: un recordatorio poético de la profunda interconexión entre los cuerpos y los ecosistemas. Me recordó a Tropicalia, la exposición que visité este verano en el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid, que exploraba temas similares sobre la relación entre naturaleza y ser humano. Puedes leer la reseña aquí.
Finalmente, en una sala pequeña contigua se expone una escultura de un búho titulada Horizon (2025) sobre un alto pedestal. A su alrededor, grabados bicolores, aguatintas y copias cromogénicas nos sumergen aún más en el mundo imaginado por Smith, poblado de especies y elementos naturales.
La exposición me pareció realmente mágica. A través del folclore, los relatos bíblicos y las mitologías antiguas, Kiki Smith transforma la galería en un espacio luminoso y encantado que nos recuerda nuestro lugar dentro de la compleja red de fuerzas de la naturaleza. Disfruté muchísimo de la muestra y la recomiendo sin duda si estáis en Londres antes de su clausura el 1 de noviembre.
Kiefer / Van Gogh
28 June – 26 October 2025
Royal Academy of Arts, London, UK
I saw this exhibition at the Royal Academy of Arts in London over the summer and, although I hadn’t found time to write about it until now, I found it fascinating to see the work of both artists side by side. The show highlights surprising similarities in thought, process, and subject matter, even though their art looks very different at first glance.
Vincent van Gogh, the Dutch Post-Impressionist, created more than 2,000 works in just a decade. His bold colours and expressive brushwork laid the groundwork for Expressionism and Fauvism. Anselm Kiefer, born in Germany in 1945, works on a monumental scale, using oil and acrylic but also unconventional materials such as lead, straw, ash, and fire. Where Van Gogh poured his inner life onto small canvases, Kiefer confronts external history and trauma through vast, sometimes scorched surfaces.
Kiefer’s paintings
The connection between them is not accidental. In 1890 Van Gogh painted his last works; seventy-two years later, Kiefer retraced Van Gogh’s path through the Netherlands, Belgium, Paris, and Arles. Van Gogh was his first great inspiration, and that influence has echoed through Kiefer’s 60-year career. Both artists return to the same motifs—wheatfields, crows, sunflowers—symbols of life, death, and renewal. Yet their treatment differs: Van Gogh’s yellows radiate fleeting light and joy, while Kiefer’s appear heavy, muted, stripped of warmth.
Texture binds them as well. Van Gogh’s brushwork is alive with movement, while Kiefer builds thick, layered surfaces—sometimes even burning them—to create a sense of desolation. Composition also links them: high horizons, deep perspectives, panoramic formats. Yet Van Gogh’s landscapes feel intimate, almost fragile, while Kiefer’s dominate with scale and weight.
Van Gogh’s paintings and drawings
Both were deeply inspired by literature and poetry. Van Gogh often expressed his thoughts in letters, while Kiefer integrates actual poems into his works, allowing the written word to deepen their meaning. In both cases, words and images merge into something more powerful.
The exhibition combines paintings and drawings by Van Gogh with early sketches by Kiefer, alongside canvases he painted in 2019, when reflecting on his artistic forebear. The display invites you to gain new insights into Van Gogh’s paintings by seeing them through Kiefer’s eyes. Kiefer himself was not especially interested in the emotional aspect of Van Gogh’s work; instead, he remarked: “…what impressed me was the rational structure, the confident construction of his paintings, in a life that was increasingly slipping out of his control.”
Van Gogh’s paintings
The exhibition offers a unique perspective on how both artists build their work, from composition to their shared inspiration in literature and poetry. Yet, when it comes to the darkness you sense in their art, it carries very different weights. In Van Gogh, it feels internal, born of his own turmoil and instability. In Kiefer, it seems external, shaped by the trauma of growing up in post-war Germany. Kiefer believes a landscape stands as a silent witness of human history, while for Van Gogh it was a conduit to express intense feelings and emotions.
Personally, I was more drawn to the intimacy of Van Gogh’s smaller canvases, though some of Kiefer’s monumental works, accompanied by poetry, were also powerful and compelling.
Kiefer’s artworks
If you’re in London, I’d recommend visiting the exhibition and judging for yourself. It’s open until 26 October.
Tickets: £17 / concessions available
Ver a Van Gogh a través de los ojos de Kiefer
Kiefer / Van Gogh 28 de junio – 26 de octubre de 2025 Royal Academy of Arts, Londres, Reino Unido
Visité esta exposición en la Royal Academy of Arts de Londres durante el verano y, aunque no había encontrado tiempo para escribir sobre ella hasta ahora, me resultó fascinante contemplar juntos los trabajos de ambos artistas. La muestra resalta sorprendentes similitudes en el pensamiento, el proceso y los temas, aunque sus obras parecen muy diferentes a primera vista.
Vincent van Gogh, el postimpresionista holandés, creó más de 2.000 obras en apenas una década. Sus colores intensos y su pincelada expresiva sentaron las bases del Expresionismo y el Fauvismo. Anselm Kiefer, nacido en Alemania en 1945, trabaja a una escala monumental, utilizando óleo y acrílico, pero también materiales poco convencionales como plomo, paja, ceniza y fuego. Mientras Van Gogh volcaba su vida interior en pequeños lienzos, Kiefer afronta la historia y el trauma a través de superficies vastas y a veces abrasadas.
Pinturas de Kiefer
La conexión entre ambos no es casual. En 1890 Van Gogh pintó sus últimas obras; setenta y dos años después, Kiefer recorrió los mismos lugares que él: Países Bajos, Bélgica, París y Arlés. Van Gogh fue su primera gran inspiración, y esa influencia ha resonado en los 60 años de carrera de Kiefer. Los dos artistas regresan a los mismos motivos: trigales, cuervos, girasoles… símbolos de vida, muerte y renovación. Sin embargo, el tratamiento es distinto: los amarillos de Van Gogh irradian luz y alegría pasajera, mientras que los de Kiefer se perciben pesados, apagados, desprovistos de calidez.
La textura también los une. La pincelada de Van Gogh está llena de movimiento, mientras que Kiefer construye superficies espesas y estratificadas —a veces incluso quemadas— para transmitir desolación. La composición los vincula igualmente: horizontes altos, perspectivas profundas, formatos panorámicos. Aun así, los paisajes de Van Gogh resultan íntimos, casi frágiles, mientras que los de Kiefer se imponen por su escala y su peso.
Dibujos y pinturas de Van Gogh
Ambos se inspiraron profundamente en la literatura y la poesía. Van Gogh plasmaba a menudo sus pensamientos en cartas, mientras que Kiefer integra poemas en sus obras, dejando que la palabra escrita amplifique su significado. En los dos casos, imagen y texto se funden en algo más poderoso.
La exposición reúne pinturas y dibujos de Van Gogh junto con bocetos tempranos de Kiefer, además de lienzos que este último pintó en 2019, cuando reflexionaba sobre su predecesor artístico. La propuesta invita a descubrir nuevas lecturas de Van Gogh a través de la mirada de Kiefer. El propio Kiefer no se mostró especialmente interesado en el aspecto emocional de Van Gogh; en cambio, comentó: “…lo que me impresionó fue la estructura racional, la construcción segura de sus cuadros, en una vida que cada vez se le escapaba más de las manos.”
Pinturas de Van Gogh
La muestra ofrece una perspectiva única de cómo ambos artistas construyen sus obras, desde la composición hasta la inspiración literaria y poética. Sin embargo, la oscuridad que se percibe en su arte tiene pesos muy distintos. En Van Gogh parece interna, fruto de su propio tormento e inestabilidad. En Kiefer se percibe externa, marcada por el trauma de haber crecido en la Alemania de posguerra. Kiefer cree que el paisaje es un testigo silencioso de la historia humana, mientras que para Van Gogh era un medio para expresar sentimientos y emociones intensas.
Personalmente, me atrajo más la intimidad de los pequeños lienzos de Van Gogh, aunque algunas de las obras monumentales de Kiefer, acompañadas de poesía, resultaron también poderosas e intensas.
Obras de Kiefer
Si estáis en Londres, os recomiendo visitar la exposición y juzgar por vosotros mismos. Estará abierta hasta el 26 de octubre.
Terraphilia: Beyond the Human in the Thyssen-Bornemisza Collections
1 July – 24 September 2025
Thyssen-Bornemisza Museo Nacional, Madrid, Spain
If you are in Madrid, or planning a visit this month, I highly recommend the Terraphilia exhibition at the Thyssen-Bornemisza Museum. By bringing together different disciplines and multiple works of art, it invites us to imagine new ways of living on Earth from a more holistic and hopeful perspective.
Curated by Daniela Zyman, the show takes a fresh approach: reinterpreting the museum’s collection and incorporating new works to propose alternative narratives about being in the world—through interspecies kinship, new collectivities, and planetary care.
Terraphilia—from the Greek philia (love) and Latin terra (Earth)—expresses an emotional, ethical, and spiritual connection with the planet.
The exhibition invites us to reimagine our place on the planet—not as sovereigns or observers, but as companions in a shared world. It proposes a cultural and political realignment beyond the human, opening paths for new ecological and planetary thinking. Such reimagining feels especially urgent in today’s political climate.
Here, ecological collapse is framed not only as an environmental crisis but also as a rupture in our shared ability to live together. Artists, poets, and philosophers reflect on this rupture: how symbols of salvation, like the ship, also carry histories of exclusion, empire, and exploitation. Yet through imagination, ritual, and remembrance, communities resist, reclaim, and remake their place in the planetary commons. Terraphilia is not just an idea—it is also a pedagogical tool, a political practice, and a poetic vision.
I will highlight just a few of my favourite works below.
At the entrance, Mexican artist Dr. Lakra presents Monomyths: sculptural and collage-based figures drawing from African, Asian, and Mesoamerican cosmologies. They stand as emissaries between worlds—human and non-human, visible and invisible—charged with spirituality and playful subversion. These figures are truly magical.
Dr. Lakra, ‘Monomyths’
The first room, The Animated Planet, embraces the idea of Earth as a dynamic, living system shaped by interaction between organisms, environments, and planetary forces. Life emerges not in isolation but through cooperation, symbiosis, and exchange—concepts present in both Indigenous cosmologies and contemporary science.
Highlights include Kandinsky’s painting, where organic forms suggest deep vitality. His abstract cosmos of fluctuating shapes and vibrant colours evokes spiritual and vital forces beyond appearances. Regina de Miguel’sQuimeric Proliferation imagines multispecies assemblages that blur boundaries between animal, fungal, mineral, and cosmic forms. Diana Policarpo’s 3D animation explores the chemical capacities of the ergot fungus—a parasite on rye capable of both healing and poisoning. I found myself fascinated by fungi when I read about them some time ago: neither plants nor animals, yet crucial for ecosystems through their hidden, underground networks.
Wassily Kandinsky, ‘Picture with three spots, no. 196’Regina de Miguel, ‘Chimeric proliferation’Diana Policarpo, ‘CPMK2, 2021’
Historical works such as Martin Johnson Heade’sOrchid and Hummingbird near a Waterfall highlight mutualistic relationships, while Charles Ephraim Burchfield’s “transcendental landscapes” imbue ordinary scenes with awe and spiritual wonder.
Martin Johnson Heade, ‘Orchid and hummingbird near a mountain waterfall’The art blueberry next to Charles Ephraim Burchfield’s paintings
Another striking section, The Objective World, reflects on how modern science, rooted in Enlightenment ideals, dissected, mapped, and extracted nature—fuel for empire. While historical works show how tools of observation sought to render the world comprehensible and contained, I was more engaged by contemporary pieces challenging this legacy. Thomas Ruff’sSterne series reclaims astronomical negatives, transforming data into cosmic enigmas. Olafur Eliasson’sNew Berlin Sphere uses light and geometry to create a perceptual field in flux, disrupting the notion of objectivity as stable truth.
Olafur Eliasson, ‘New Berlin Sphere’Thomas Ruff, ’04h 20m/-70, 1992′
Later, we encounter nineteenth-century North American landscapes like Sundown in Yosemite by Albert Bierstadt, shaped by Manifest Destiny. These works depict land as empty, awaiting colonisation. In contrast, Brad Kahlhamer’sBilly Jack Jr. blends Indigenous iconography with contemporary language to explore identity and displacement. It challenges the idyllic landscape tradition by confronting the realities of those whose worlds were destroyed.
Albert Bierstadt, ‘Sundown at Yosemite’Brad Kahlhamer, ‘Billy Jack, Jr., 2006’
In the same room, Daniel Otero Torres’ totemic sculptures combine hyperrealist drawing with sculpture to honour marginalised communities, freedom fighters, and ancestral lands resisting colonialism and environmental exploitation. His work Hugs III shows intertwined bodies, symbolising cultural unity and the power of solidarity.
Daniel Otero Torres, ‘Hugs III 2022’
Among my favourites was Naufus Ramirez-Figueroa’sDeus ex machina. A suspended bronze branch recalls the theatrical trope of a god descending to resolve crisis. Here, masks referencing Guatemalan folklore gaze back at us, while a bird perches quietly. Natural, spiritual, and human elements combine to raise ecological consciousness by linking colonial trauma, resilience, and memory with environmental disruption.
The art blueberry next to ‘Deus ex machina‘ by Naufus Ramirez-Figueroa
Nearby, Hervé Yamguen’sStory of Heads 3 presents a bronze figure with multiple faces, confronting colonial violence in Cameroon. It reflects on cultural resilience and resistance, celebrating continuity of life and ancestral connection to the soil. The hollow forms and multiple mouths, noses, and eyes suggest fragmentation of identity, lost memory, and dispossession.
Herve Yamguen, ‘Story of heads 3’
The following section, The Return of the Myth, explores moments when present structures falter. Myths appear not as relics, but as living narratives that unsettle, reconfigure, and renew. In Expulsion: Moon, Cole and Firelight, Thomas Cole depicts the biblical Fall, visualising the fracture between paradise and the fallen world. In contrast, the Mandala of Chakrasamvara unfolds as a tantric cosmogram, revealing divine union and the dissolution of dualities. At the centre, Chakrasamvara and Vajravarahi embrace in sacred dance, symbolising compassion and insight—the tantric path to liberation.
Chakrasamvara MandalaThomas Cole, ‘Expulsion. Moon and Firelight’
Oceanic Cosmogonies considers creation stories rooted in water, motion, and interconnection. In Galatea, Gustave Moreau situates the sea-nymph between worlds, embodying desire, myth, and transformation. Carsten Höller’sRed Walrus presents a stranded pink synthetic body caught between extinction and artifice. At the back, Susanne Winterling’sPlanetary Opera immerses viewers in a digital field of microalgae, blurring boundaries between deep sea, sky, and interstellar space.
Gustave Moreau, ‘Galatea’Susanne M. Winterling, ‘Planetary opera and planetary loop of gravitation divided by the currents’ & Carsten Holler, ‘Red walrus’
The exhibition concludes by returning to The Animated Planet, where life flows across porous boundaries of species, elements, and forms. Georgia O’Keeffe’sWhite Iris No. 7 zooms into the flower, abstracting its form. This rendering of the organic world connects to Henri Bergson’s élan vital—the spirit animating life—which influenced O’Keeffe and her circle. Max Ernst’sSolitary and Conjugal Trees uses Surrealist techniques to explore thresholds between nature and dream. Daniel Steegmann Mangrané’sA Dream Dreaming a Dream immerses viewers in a digital jungle cosmos where human, animal, and spirit identities dissolve, shaped by Amerindian cosmogonies.
Georgia O’Keeffe, ‘White iris no.7’Max Ernst, ‘Solitary and Conjugal trees’Daniel Steegmann Mangrane, ‘A dream dreaming a dream’
Lastly, Sissel Tolaas’ commissioned installation whereareWEarewhere permeates the exhibition through scent molecules from diverse landscapes, climates, and ecologies. Infused into olfactory vessels, they evoke themes of ocean, animal, human, stratosphere, and earth. By engaging smell—often overlooked in art—the work transforms the exhibition into a living, breathing body, making it a truly sensorial experience.
Sissel TolaaSissel Tolaa, ‘whereareWEarewhere”
Through art, philosophy, and ancestral knowledge, Terrafilia reveals how love for the Earth can inspire justice, community, and care across species and time. The exhibition invites us to reimagine our place on the planet—not as sovereigns or distant observers, but as companions in a shared world. A more holistic and loving approach that opens the possibility of inhabiting the Earth with sensitivity and hope.
Arte más allá de la ruptura ecológica
Terrafilia Más allá de lo humano en las colecciones del Thyssen-Bornemisza 1 de julio – 24 de septiembre de 2025 Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, Madrid, España
Si estás en Madrid, o planeas una visita este mes, te recomiendo la exposición Terrafilia en el Museo Thyssen-Bornemisza. Al reunir distintas disciplinas y múltiples obras de arte, nos invita a imaginar nuevas formas de habitar la Tierra desde una perspectiva más holística y esperanzadora.
Comisariada por Daniela Zyman, la muestra ofrece un enfoque fresco: reinterpreta la amplia colección del museo e incorpora nuevas obras para proponer narrativas alternativas sobre el habitar en el mundo—desde la afinidad interespecies hasta nuevas formas de colectividad y el cuidado planetario.
Terrafilia, un término que combina las palabras terra (tierra) y filia (amor y amistad), expresa una conexión emocional, ética y espiritual con el planeta.
La exposición nos invita a repensar nuestro lugar en el planeta—no como soberanos u observadores distantes, sino como compañeros en un mundo compartido. Propone un reajuste cultural y político más allá de lo humano, abriendo caminos hacia un nuevo pensamiento ecológico y planetario. Esa reimaginación se siente especialmente urgente en el clima político actual.
Aquí, el colapso ecológico se plantea no solo como una crisis ambiental, sino como una ruptura en nuestra capacidad de convivir en armonía. Artistas, poetas y filósofos reflexionan sobre esta ruptura: cómo símbolos de salvación, como el barco, también arrastran historias de exclusión, imperio y explotación. Y sin embargo, a través de la imaginación, el ritual y la memoria, las comunidades resisten, reclaman y rehacen su lugar en los bienes comunes planetarios. Terrafilia no es solo una idea—es también una herramienta pedagógica, una práctica política y una visión poética.
Quiero destacar aquí algunas de mis obras favoritas.
En la entrada, el artista mexicano Dr. Lakra presenta Monomitos: figuras escultóricas y de collage inspiradas en cosmologías africanas, asiáticas y mesoamericanas. Se erigen como emisarios entre mundos—humanos y no humanos, visibles e invisibles—cargados de espiritualidad y de una subversión lúdica. Estas figuras son mágicas.
Dr. Lakra, ‘Monomitos’
La primera sala, El planeta animado, abraza la idea de la Tierra como un sistema vivo y dinámico, modelado por la interacción entre organismos, entornos y fuerzas planetarias. La vida surge no de manera aislada, sino a través de cooperación, simbiosis e intercambio—conceptos presentes tanto en cosmologías indígenas como en la ciencia contemporánea.
Entre las obras destacan la pintura de Kandinsky, donde las formas orgánicas sugieren una vitalidad profunda. Su cosmos abstracto de formas fluctuantes y colores vibrantes evoca fuerzas espirituales y vitales más allá de las apariencias. Regina de Miguel, en Proliferación Quimérica, imagina ensamblajes multiespecies que difuminan los límites entre animal, hongo, mineral y cosmos. Diana Policarpo, en una animación 3D, explora las capacidades químicas del hongo cornezuelo del centeno—capaz de curar y de envenenar. Me fascinó descubrir hace un tiempo el papel esencial de los hongos en los ecosistemas a través de sus redes subterráneas invisibles.
Wassily Kandinsky, ‘Pintura con manchas, n. 196, 1914’Regina de Miguel, ‘Proliferación Quimérica‘Diana Policarpo, ‘CPMK2, 2021’
Entre las piezas históricas se incluye Orquídea y colibrí cerca de una cascada de Martin Johnson Heade, que muestra una relación mutualista. También me cautivaron las “paisajes trascendentales” de Charles Ephraim Burchfield, que otorgan un aura espiritual y de asombro a escenas aparentemente ordinarias.
Martin Johnson Heade, ‘Orquídea y colibrí cerca de una cascada, 1902′
The art blueberry junto a pinturas de Charles Ephraim Burchfield
Otra sección destacada, El mundo objetivo, reflexiona sobre cómo la ciencia moderna, enraizada en los ideales ilustrados, diseccionó, cartografió y extrajo la naturaleza para alimentar imperios. Mientras que algunas obras históricas ilustran cómo los instrumentos de observación intentaban contener y hacer comprensible el mundo, las piezas contemporáneas cuestionan este legado. Thomas Ruff, en su serie Sterne, recupera negativos astronómicos y transforma los datos en enigmas cósmicos. Olafur Eliasson, en New Berlin Sphere, utiliza luz y geometría para crear un campo perceptivo en constante flujo, desestabilizando la objetividad como verdad fija.
Más adelante encontramos paisajes norteamericanos del siglo XIX, como Puesta de sol en Yosemite de Albert Bierstadt, que reflejan la ideología del Destino Manifiesto, mostrando tierras como vacías y listas para ser colonizadas. En contraste, Brad Kahlhamer, en Billy Jack Jr., combina iconografía indígena con un lenguaje visual contemporáneo para explorar identidad y desplazamiento cultural. La obra cuestiona la visión idílica del paisaje al enfrentarla con las realidades de quienes fueron despojados de sus mundos.
Albert Bierstadt, ‘Puesta de sol n Yosemite, h.1863’Brad Kahlhamer, ‘Billy Jack, Jr., 2006’
En la misma sala, las esculturas totémicas de Daniel Otero Torres combinan dibujo hiperrealista con escultura para rendir homenaje a comunidades marginadas, luchadores por la libertad y tierras ancestrales que resisten al colonialismo y la explotación ecológica. En Hugs III, los cuerpos entrelazados simbolizan la unidad cultural y el poder de la solidaridad.
Daniel Otero Torres, ‘Abrazos III, 2022’
Entre mis favoritas está Deus ex machina de Naufus Ramirez-Figueroa: una rama de bronce suspendida que recuerda el recurso teatral de un dios descendiendo para resolver lo irresoluble. De ella cuelgan máscaras que evocan ancestros del folclore guatemalteco, mientras un pájaro se posa silenciosamente. Elementos naturales, espirituales y humanos se entrelazan para concienciar sobre el trauma colonial, la resiliencia y la memoria vinculadas a la disrupción ambiental.
The art blueberry junto a ‘Deus ex machina’ by Naufus Ramirez-Figueroa
Cerca de allí, Hervé Yamguen, en Historia de cabezas 3, confronta la violencia colonial en Camerún a través de una figura de bronce con múltiples rostros. La obra reflexiona sobre la resistencia cultural y celebra la continuidad de la vida y la conexión ancestral con la tierra. Los huecos y los múltiples ojos, bocas y narices evocan la fragmentación de la identidad, la pérdida de memoria y los efectos del despojo.
Herve Yamguen, ‘Historia de cabezas 3, 2016’
La sección El retorno del mito explora los momentos en que las estructuras del presente se tambalean. El mito aparece aquí no como reliquia, sino como narrativa viva que inquieta, reconfigura y renueva. En Expulsión: Luna, Cole y Fuego, Thomas Cole representa la caída bíblica, visualizando la fractura entre el paraíso y el mundo caído. En contraste, el Mandala de Chakrasamvara despliega un cosmograma tántrico que revela la unión divina y la disolución de las dualidades. En el centro, Chakrasamvara y Vajravarahi se abrazan en danza sagrada, simbolizando la fusión de compasión y sabiduría—el camino tántrico hacia la liberación.
Mandala de Chakrasamvara, h. siglo XVII-XVIIIThomas Cole, ‘Expulsion. Luna y luz de fuego, h. 1828’
Cosmogonías oceánicas recoge relatos de creación ligados al agua, el movimiento y la interconexión. En Galatea, Gustave Moreau sitúa a la ninfa marina entre mundos, encarnando deseo, mito y transformación. Carsten Höller, en Red Walrus, presenta un cuerpo sintético rosa, varado entre la extinción y lo artificial. Al fondo, Susanne Winterling, en Planetary Opera, sumerge al espectador en un campo digital de microalgas, difuminando los límites entre mar profundo, cielo y espacio interestelar.
Gustave Moreau, ‘Galatea, h. 1896’Susanne M. Winterling, ‘Opera planetaria y bucle gravitacional dividido por las corrientes, 2018’ & Carsten Holler, ‘Morsa roja’
La exposición concluye regresando a El planeta animado, donde la vida fluye a través de fronteras porosas entre especies, elementos y formas. Georgia O’Keeffe, en White Iris No. 7, acerca la flor hasta casi abstraerla, vinculando su visión del mundo orgánico con el élan vital de Henri Bergson, el espíritu que anima la vida. Max Ernst, en Árboles solitarios y conyugales, recurre a técnicas surrealistas para explorar el umbral entre naturaleza y sueño. Daniel Steegmann Mangrané, en Un sueño soñando un sueño, introduce al espectador en un cosmos selvático digital donde se disuelven las identidades humanas, animales y espirituales, influido por cosmogonías amerindias.
Georgia O’Keeffe, ‘Lirio blanco no.7’Max Ernst, ‘Árbolsolitarios y Árboles conyugales‘
Finalmente, la instalación encargada a Sissel Tolaas, whereareWEarewhere, impregna la muestra con moléculas olfativas de paisajes, climas y ecologías diversas. Difundidas en recipientes olfativos, evocan océano, animal, humano, estratosfera y tierra. Al activar el olfato—un sentido poco habitual en el arte—la obra transforma la exposición en un cuerpo vivo y palpitante, convirtiéndola en una experiencia verdaderamente sensorial.
Sissel Tolaa, ‘whereareWEarewhere”
A través del arte, la filosofía y el conocimiento ancestral, Terrafilia revela cómo el amor a la Tierra puede inspirar justicia, comunidad y cuidado a lo largo del tiempo y entre especies. La exposición nos invita a reimaginar nuestro lugar en el planeta, no como soberanos ni espectadores distantes, sino como compañeros en un mundo compartido. Un enfoque más holístico y afectivo que abre la posibilidad de habitar la Tierra con sensibilidad y esperanza.
Marwan: A Soul in Exile
July 16 – August 22, 2025
Christie’s Headquarters, London, UK
A couple of weeks ago, I visited Marwan: A Soul in Exile at Christie’s London — a must-see if you’re in the city this summer. The exhibition, running until August 22, celebrates Marwan Kassab-Bachi (1934–2016), one of the most significant Arab artists, internationally recognised in modern and contemporary art.
I first discovered the show through a striking poster in the London Underground. The reproduction of one of Marwan’s works caught my eye, and I visited a week later. The art exhibition is part of the third Arab art showcase at Christie’s and focuses on the Syrian-born painter, who moved to Germany in the late 1950s. Influenced by German Expressionism and the Neue Wilde while remaining deeply connected to his Syrian heritage, Marwan explored identity, exile, and the human condition through a unique fusion of styles.
Marwan is renowned for reimagining portraiture as a space for psychological exploration. His “facial landscapes” — layered in four or five hues to suggest skin and emotion — transform the head into undulating topographies, metaphysical gateways to the soul. Rooted in both the Syrian national movement and Sufi poetic tradition, his work engages with themes of land, identity, and spirituality.
Spread across two floors, the exhibition begins on the ground level with early works (1957–1963): dark, dreamlike terrains of distorted figures reflecting Marwan’s isolation as a new arrival in post-war Berlin. Initially drawn to Abstract Expressionism and French Tachisme, he gradually shifted toward figuration, often using his own body as subject. These works convey exile’s vulnerability and earned him a place at Galerie Springer in 1967.
From 1963–1973, Marwan focused on drawings and watercolours: quiet, contemplative studies of fragmented human forms, sometimes bordering on the absurd. The repetition in these pieces evokes Sufi ritual, where rhythm leads to inner transformation. In the wake of the 1967 Six-Day War, he painted figures veiled in keffiyehs, distilling conflict, exile, and collective sorrow into powerful symbols.
The early 1970s marked a turning point. A scholarship to the Cité Internationale des Arts in Paris in 1973 introduced warmer, richer tones — including baroque crimson — and led to his most iconic series, the Facial Landscapes. Here, nostalgia and geography merged, transforming faces into inner terrains. I especially like how these works echo the contours of his native Damascene landscape, particularly Mount Qasioun — not directly depicted, but suggested in the swell of a brow, the slope of a cheek, or the furrow of a forehead.
His 1976 retrospective at Orangerie Charlottenburg solidified his place in Berlin’s art scene. However, I found the works on the lower level more poignant. They felt more closely tied to Syria, rich with political references, and they resonated with me more deeply despite not being as well known.
Upstairs, later works from the late 1970s onward reveal a turn to still life and the recurring motif of the marionette — a metaphor for theatricality, control, and solitude. In the 1980s, following his sister’s death, his elongated vertical faces confronted viewers with solemn directness, painted in dense layers without preparatory sketches. This floor also highlights Marwan’s influence as a mentor to a generation of Arab artists from Beirut, Gaza, Damascus, and Baghdad.
Seeing these works together, drawn from multiple collections, is rare. His 1960s paintings gripped me with their rawness, his works on paper revealed his draughtsmanship, and his later layered portraits showed how he refined his voice to influence an entire generation.
Explorando la cabeza como paisaje del alma en pintura
Marwan: A Soul in Exile 16 de julio – 22 de agosto de 2025 Sede de Christie’s, Londres, UK
Hace un par de semanas visité Marwan: A Soul in Exile en Christie’s Londres — una cita imprescindible si estás en la ciudad este verano. La exposición, que estará abierta hasta el 22 de agosto, celebra a Marwan Kassab-Bachi (1934–2016), uno de los artistas árabes más influyentes y de mayor reconocimiento internacional en el arte moderno y contemporáneo.
Descubrí la muestra gracias a un impactante cartel en el metro de Londres. La reproducción de una de sus obras me llamó la atención y decidí visitarla una semana después. Forma parte de la tercera muestra de arte árabe en Christie’s y se centra en el pintor sirio, que se trasladó a Alemania a finales de los años 50. Influenciado por el Expresionismo Alemán y los artistas Neue Wilde, y a la vez profundamente ligado a su herencia siria, Marwan exploró la identidad, el exilio y la condición humana a través de una fusión única de estilos.
Marwan es conocido por reinventar el retrato como un espacio de exploración psicológica. Sus “paisajes faciales” — construidos con cuatro o cinco tonos para sugerir piel y emoción — transforman la cabeza en topografías ondulantes, auténticas puertas metafísicas hacia el alma. Enraizado tanto en el movimiento nacional sirio como en la tradición poética sufí, su obra aborda temas de territorio, identidad y espiritualidad.
Distribuida en dos plantas, la exposición comienza en la planta baja con sus primeras obras (1957–1963): paisajes oníricos y sombríos poblados de figuras distorsionadas, reflejo de su aislamiento como recién llegado al Berlín de posguerra. Inicialmente atraído por el Expresionismo Abstracto y el Tachisme francés, poco a poco se orientó hacia la figuración, usando a menudo su propio cuerpo como modelo. Estas obras transmiten la vulnerabilidad del exilio y le valieron un lugar en la Galerie Springer en 1967.
Entre 1963 y 1973, Marwan se centró en dibujos y acuarelas: estudios contemplativos de figuras humanas fragmentadas, a veces rozando lo absurdo. La repetición en estas piezas evoca el ritual sufí, donde el ritmo conduce a la transformación interior. Tras la Guerra de los Seis Días en 1967, pintó figuras veladas con kufiyas, pañuelos y telas, condensando el peso del conflicto, el exilio y el dolor colectivo en poderosos símbolos.
Los primeros años 70 marcaron un punto de inflexión. Una beca en la Cité Internationale des Arts de París en 1973 introdujo en su paleta tonos más cálidos y ricos — entre ellos un carmesí barroco — y dio lugar a su serie más icónica, los Facial Landscapes. En ellos, nostalgia y geografía se fusionan, transformando rostros en paisajes interiores. Me gusta especialmente cómo estas obras insinúan los contornos de su paisaje natal damasceno, en particular el monte Qasioun — no representado directamente, sino sugerido en la curva de una ceja, la pendiente de una mejilla o las líneas de una frente.
Su retrospectiva de 1976 en la Orangerie Charlottenburg consolidó su posición en la escena artística berlinesa. Sin embargo, las obras de la planta baja me parecieron más conmovedoras: más vinculadas a Siria, cargadas de referencias políticas, y me impactaron más profundamente a pesar de no ser tan conocidas.
En la planta superior, las obras de finales de los 70 en adelante muestran un giro hacia el bodegón y el motivo recurrente de la marioneta — metáfora de la teatralidad, el control y la soledad. En los 80, tras la muerte de su hermana, los rostros se alargaron verticalmente y miran de frente al espectador con solemne franqueza, pintados en densas capas y sin bocetos previos. Esta planta también destaca la influencia de Marwan como mentor de una generación de artistas árabes procedentes de Beirut, Gaza, Damasco y Bagdad.
Es raro poder contemplar juntas obras de este calibre, reunidas de tantas colecciones distintas. Sus pinturas de los años 60 me atraparon por su crudeza, sus trabajos sobre papel demostraron su gran dominio del dibujo, y sus retratos posteriores, rigurosos y construidos con pocas tonalidades, revelan cómo encontró su voz y la desarrolló hasta influir en toda una generación de artistas.
Do Ho Suh: Walk the House
📅 1 May – 19 October 2025
📍 Tate Modern, London, UK
I wanted to tell you about Do Ho Suh: Walk the House, currently on view at Tate Modern. I saw it a few weeks ago and I believe it’s the must-see show of the season in London. Visually stunning and conceptually rich, it’s one of those exhibitions that stays with you and invites deep reflection.
Do Ho Suh’s first solo exhibition in London brings together large-scale installations, drawings, sculptures and videos that explore ideas of home, identity, memory, and belonging. As you move through the show — shaped by Suh’s experiences in Seoul, New York, and London — you’re prompted to reflect: What is home for you? When does a building become a home? What memories do the spaces you inhabit carry?
Suh is a South Korean artist best known for recreating domestic and architectural spaces using delicate materials like fabric and paper. After earning his BFA and MFA in Korean painting from Seoul National University, he moved to the U.S., where he studied at the Rhode Island School of Design (RISD) and then completed an MFA in sculpture at Yale. He practiced in New York for over a decade before relocating to London in 2010. Suh represented South Korea at the 49th Venice Biennale in 2001.
The exhibition title, Walk the House, refers to a Korean expression linked to the hanok — traditional houses that could be dismantled and rebuilt elsewhere. This idea of a portable, shifting home runs through Suh’s work. His immersive installations examine how architecture, memory, and lived experience intersect — asking not just where we live, but how.
As you enter the exhibition, you encounter Rubbing/Loving Project: Seoul Home (2013–22), a moving piece created through the traditional Korean practice of rubbing. Suh covered the entire surface of his childhood home in Seoul with sheets of paper and gently rubbed them to capture every architectural detail — an act that feels like a loving gesture toward a space filled with personal history. The resulting impressions, later reassembled on an aluminium frame, form a ghostly, intimate replica — a fragile imprint of memory, loss, and deep affection.
Opposite this, you’ll find one of his most recognisable works: Nest/s (2024), a colourful corridor of stitched translucent fabric that recreates liminal architectural spaces — thresholds, hallways, entrances. It’s beautiful to walk through, with transparent fabric panels sewn in astonishing detail using a technique reminiscent of bojagi (traditional Korean patchwork). This work speaks to Suh’s interest in fabric architecture — spatial forms constructed from memory, emotion, and thread. His fabric structures envelop the viewer like garments, calling to mind the symbolism of the hanbok, Korea’s traditional clothing, merging intimacy and architectural scale.
The art blueberry next to Nest/s (2024)
Staircase in 2D
Another work that stood out for me was a yellow rubbing of fixtures and fittings from the New York apartment where Suh lived for 20 years. What captivated me was the sheer intricacy — every light switch, pipe, and screw carefully transferred to paper with painstaking detail. The craftsmanship is extraordinary, and it’s easy to become absorbed in the quiet, obsessive precision of the piece. It makes visible the overlooked elements of domestic life, turning the mundane into something poetic and visually magnetic.
The artist’s sense of being “haunted” by past spaces is also beautifully captured in Home Within Home, where Suh uses 3D printing techniques to merge two buildings he previously lived in — one in Seoul and another in the U.S. The result is a dreamlike hybrid space, scaled down and folded into itself, blurring the distinction between locations and memories.
There’s also Perfect Home: London, Horsham, New York, Berlin, Providence, Seoul (2024), a new installation mapping Suh’s current London home. Brightly coloured fittings — doorknobs, light switches, electrical sockets — are colour-coded to match the different cities where the artist and his family have lived. It playfully raises questions about how we relate to the objects we live with, and how they mark time and place. It’s interesting how we forget about them until they stop working.
A deeply personal piece features tunics made by Suh’s wife for their children, each with pockets containing their favourite small objects. It’s a tender gesture, one that links memory, care, and the physicality of home.
The exhibition also includes Suh’s lesser-known works on paper — intricate thread drawings where coloured threads are sewn into handmade paper to echo architectural outlines.
Thread drawings part of the exhibition
And two video works — Robin Hood Gardens (2018) and Dong In Apartments (2022) — use photogrammetry to digitally reconstruct buildings Suh has inhabited, exploring architecture as a living memory, and acknowledging that the attempt to preserve home is always incomplete.
The show closes with Bridge Project, a conceptual “perfect home” located at the North Pole — imagined as the midpoint between all the places Suh has lived. This fictional home, surrounded by melting ice, becomes a haunting metaphor for global instability and displacement.
Though not a full retrospective, Walk the House is a generous survey of Suh’s practice. I found his work powerful not only for its beauty and use of traditional Korean fabric techniques, but for its timeliness. In a moment when housing insecurity and migration are global concerns, Suh’s art invites us to ask what it means to carry home within us — wherever we go.
I’m reminded of a quote by Tad Williams that feels especially relevant here: “Never make your home a place. Make a home for yourself inside your own head… That way it will go with you wherever you journey.”
Tickets: £20 / Free for Members. Concessions available.
Explorando el hogar con arquitectura textil en Tate Modern
Do Ho Suh: Walk the House
📅 1 de mayo – 19 de octubre de 2025 📍 Tate Modern, Londres, Reino Unido
Quería contarte sobre Do Ho Suh: Walk the House, que actualmente se puede ver en la Tate Modern. La vi hace unas semanas y creo que es la exposición imprescindible de la temporada en Londres. Visualmente impactante y conceptualmente profunda, es una de esas muestras que permanecen contigo y que invitan a una reflexión profunda.
La primera exposición individual de Do Ho Suh en Londres reúne instalaciones a gran escala, esculturas, vídeos y obras sobre papel que exploran ideas como el hogar, la identidad, la memoria y el sentido de pertenencia. A medida que recorres la muestra —marcada por las experiencias de Suh en Seúl, Nueva York y Londres— surgen preguntas: ¿Qué es el hogar para ti? ¿Cuándo deja un edificio de ser solo una estructura para convertirse en hogar? ¿Qué recuerdos guardan los espacios que habitas?
Suh es un artista surcoreano conocido por recrear espacios domésticos y arquitectónicos utilizando materiales delicados como tela y papel. Tras obtener su BFA y MFA en pintura coreana en la Universidad Nacional de Seúl, se mudó a Estados Unidos, donde estudió en el Rhode Island School of Design (RISD) y posteriormente completó un MFA en escultura en Yale. Trabajó en Nueva York durante más de una década antes de trasladarse a Londres en 2010. Suh representó a Corea del Sur en la 49ª Bienal de Venecia en 2001.
El título de la exposición, Walk the House, hace referencia a una expresión coreana vinculada al hanok — las casas tradicionales que podían desmontarse y reconstruirse en otro lugar. Esta idea de un hogar portátil y cambiante atraviesa la obra de Suh. Sus instalaciones inmersivas examinan cómo se cruzan la arquitectura, la memoria y la experiencia vivida — preguntando no solo dónde vivimos, sino cómo.
Al entrar en la exposición, te encuentras con Rubbing/Loving Project: Seoul Home (2013–22), una pieza muy emotiva creada mediante la práctica tradicional coreana de frotar. Suh cubrió toda la superficie de su casa de infancia en Seúl con hojas de papel y las frotó suavemente para capturar cada detalle arquitectónico — un acto que parece un gesto cariñoso hacia un espacio lleno de historias personales. Las impresiones resultantes, que luego fueron reensambladas sobre un marco de aluminio, forman una réplica fantasmal e íntima — una frágil huella de memoria, pérdida y profundo afecto.
Frente a esta obra encontrarás una de sus piezas más reconocibles: Nest/s (2024), un colorido corredor de tela translúcida cosida que recrea espacios arquitectónicos liminales — umbrales, pasillos, entradas. Es precioso recorrerlo, con paneles de tela transparente cosidos con un detalle asombroso usando una técnica reminiscente de el bojagi (el patchwork tradicional coreano). Esta obra refleja el interés de Suh por la arquitectura textil — formas espaciales construidas a partir de la memoria, la emoción y el hilo. Sus estructuras de tela envuelven al espectador como prendas, evocando el simbolismo del hanbok, la vestimenta tradicional coreana, fusionando intimidad y escala arquitectónica.
The art blueberry junto a Nest/s (2024).
Escalera en 2D
Otra obra que me impresionó fue un frotado amarillo de los accesorios del apartamento en Nueva York donde Suh vivió durante 20 años. Lo que me cautivó fue la gran minuciosidad — cada interruptor, tubería y tornillo cuidadosamente transferido al papel con un detalle meticuloso. La artesanía es extraordinaria, y es fácil quedarse absorto en la precisión silenciosa y obsesiva de la pieza. Hace visibles los elementos domésticos que suelen pasar desapercibidos, transformando lo mundano en algo poético y visualmente magnético.
El sentido del artista de estar “perseguido” por espacios pasados también se refleja bellamente en Home Within Home, donde Suh utiliza técnicas de impresión 3D para fusionar dos edificios en los que vivió — uno en Seúl y otro en EE. UU. El resultado es un espacio híbrido onírico, reducido de escala y plegado sobre sí mismo, que difumina la distinción entre lugares y recuerdos.
También está Perfect Home: London, Horsham, New York, Berlin, Providence, Seoul (2024), una instalación nueva que mapea el hogar actual de Suh en Londres. Elementos domésticos en colores vivos — como pomos, interruptores y enchufes — están codificados cromáticamente para representar las distintas ciudades en las que ha vivido el artista. Plantea de forma lúdica preguntas sobre cómo nos relacionamos con los objetos que nos rodean y cómo estos marcan el tiempo y el lugar. Es curioso como nos olvidamos de ellos hasta que dejan de funcionar.
Una pieza profundamente personal muestra túnicas hechas por la esposa de Suh para sus hijos, cada una con bolsillos que contienen sus pequeños objetos favoritos. Es un gesto tierno que vincula memoria, cuidado y la materialidad del hogar.
La exposición también incluye las obras sobre papel menos conocidas de Suh — intrincados dibujos con hilos donde se cosen hilos de colores en papel hecho a mano para evocar contornos arquitectónicos.
Dibujos realizados con hilo sobre papel parte de la muestra
Y dos vídeos — Robin Hood Gardens (2018) y Dong In Apartments (2022) — usan fotogrametría para reconstruir digitalmente edificios en los que Suh ha vivido, explorando la arquitectura como memoria viva y reconociendo que el intento de preservar el hogar siempre está incompleto.
La muestra termina con Bridge Project, un “hogar perfecto” conceptual ubicado en el Polo Norte — imaginado como el punto medio entre todos los lugares donde Suh ha vivido. Este hogar ficticio, rodeado de hielo que se derrite, se convierte en una metáfora inquietante de la inestabilidad global y el desplazamiento.
Aunque no es una retrospectiva completa, Walk the House es un generoso repaso a la práctica de Suh. Encontré su obra poderosa no solo por su belleza y uso de técnicas tradicionales coreanas en tela, sino también por su actualidad. En un momento en que la inseguridad habitacional y la migración son preocupaciones globales, el arte de Suh nos invita a preguntarnos qué significa llevar el hogar dentro de nosotros — allá donde vayamos.
Me recuerda a una cita de Tad Williams que aquí resulta especialmente pertinente: “Nunca conviertas tu hogar en un lugar. Haz un hogar para ti dentro de tu propia cabeza… Así te acompañará dondequiera que viajes.”
Entradas: £20 / Gratis para miembros. Descuentos disponibles.
Paintings for a Blooming Consciousness
Inka Essenhigh: The Greenhouse
📅 14 March 2025 – 17 April 2025
📍 Victoria Miro gallery, London, UK
Is there a more fitting way to welcome the Spring Equinox than with flowers? Inka Essenhigh’s latest exhibition at Victoria Miro, which opened last Friday, offers an abundance of them—alongside lush botanical, landscape, and figurative motifs. Each piece feels like a unique musical composition.
Stepping into The Greenhouse at Victoria Miro is an immersive experience. The moment you enter, you’re transported to an alternate realm—one where each painting unfolds its own distinct world, meticulously crafted, governed by its own internal logic, and rich with narrative.
Born in 1969, Inka Essenhigh is an American artist based in New York City. Gaining attention in the late 1990s, she was recognized as part of a generation of young New York painters. Her work was included in the influential 1998 Pop Surrealism exhibition at the Aldrich Museum of Contemporary Art, and nearly a decade later, in MoMA’s groundbreaking Comic Abstraction: Image Making, Image Breaking (2007).
Her artistic evolution has seen a shift from the flat, enamel paintings of the 1990s to the more atmospheric, layered oil paintings of the mid-2000s, before returning to enamel—this time infused with the luminosity found in her oil work.
Recurring themes in her practice include mythology, landscapes, and the tension between urban and pastoral environments. Yet Essenhigh does not confine herself to specific subjects, instead blending abstraction and figuration to explore psychological and metaphysical realms. As she noted in a 2018 interview:
“I think about the archetypes and stories that we tell ourselves, and reenact in some way. We change our consciousness through storytelling all the time. If you want to change how people are thinking about something, you can tell a story about it. It does the job really fast. I don’t think I’m necessarily changing consciousness, but I’m painting another place. I would like my paintings to have that feeling—that other worlds are possible.”
For this exhibition, Essenhigh set out to paint “what is unseen, to find the life within things and animate them.” Whether we perceive this unseen force as biological or mystical is as much a reflection of our own temperament as it is of the artist’s. She is interested not only in these forces themselves but also in how form—whether natural or human-made—shapes itself around them.
Her work reaffirms painting’s enduring power as a bridge between past, present, and future, posing fundamental questions about the world we inhabit while simultaneously mirroring it back to us.
Personally, I am attracted to her ability to explore how paintings imprint themselves upon us—how they work their way into our psyche so profoundly that we begin to see the world through them as much as we recognize the world within them. Essenhigh’s works, in many ways, embody a blooming consciousness. They stimulate the senses, heighten awareness, intoxicate, and transport—ultimately igniting in us the urge to look deeper and question more.
If you have the chance, I highly recommend experiencing this exhibition firsthand before it closes next month. If not, I’ve included some images below for you to explore—hopefully, they will serve as both inspiration and a glimpse into this mesmerizing world. You can also download a list of the works on view in this exhibition here.
Free Entry.
Scroll down to the bottom of the images to read the Spanish version of this article.
Ghost PipesFlowering Tree
Pinturas para una conciencia en floración
Inka Essenhigh: The Greenhouse 📅 14 de marzo de 2025 – 17 de abril de 2025 📍 GaleríaVictoria Miro, Londres, Reino Unido
¿Hay una forma más apropiada de dar la bienvenida al equinoccio de primavera que con flores? La última exposición de Inka Essenhigh en la galería Victoria Miro, inaugurada el pasado viernes, nos sumerge en un universo donde abundan las flores, junto con exuberantes motivos botánicos, paisajes y figuras. Cada obra se siente como una composición musical única.
Entrar en The Greenhouse en Victoria Miro es una experiencia envolvente. Desde el primer instante, la sensación es la de haber cruzado a otra realidad, a un mundo donde cada pintura es un universo propio, meticulosamente concebido, con su propia lógica interna y una narrativa singular.
Nacida en 1969, Inka Essenhigh es una artista estadounidense afincada en Nueva York. En los años 90, su trabajo empezó a captar la atención como parte de una generación emergente de jóvenes pintores neoyorquinos. En 1998, participó en la influyente exposición Pop Surrealism en el Aldrich Museum of Contemporary Art, y casi una década después, en 2007, formó parte de la innovadora muestra Comic Abstraction: Image Making, Image Breaking en el MoMA.
A lo largo de su carrera, su estilo ha evolucionado notablemente: desde sus primeras pinturas planas en esmalte en los años 90, pasando por una aplicación más atmosférica del óleo en la década de los 2000, hasta regresar recientemente al esmalte, aunque conservando la luminosidad de sus obras al óleo.
Los temas recurrentes en su trabajo incluyen la mitología, los paisajes y la tensión entre lo urbano y lo pastoral. Sin embargo, Essenhigh no se limita a un único enfoque; su obra fusiona abstracción y figuración en una exploración de lo psicológico y lo metafísico. Como ella misma explicó en una entrevista en 2018:
“Pienso en los arquetipos y las historias que nos contamos y que, de alguna manera, volvemos a representar. Cambiamos nuestra conciencia a través de la narración constantemente. Si quieres cambiar la forma en que la gente piensa sobre algo, puedes contar una historia. Lo consigue muy rápido. No creo que esté cambiando la conciencia, pero estoy pintando otro lugar. Me gustaría que mis pinturas transmitieran esa sensación: que otros mundos son posibles.”
Para esta exposición, Essenhigh ha expresado su deseo de pintar “lo que no se ve, encontrar la vida dentro de las cosas y animarlas.” La forma en que interpretamos esta energía invisible—ya sea como una fuerza biológica o mística—habla tanto de nuestra propia percepción como de la de la artista. Su interés no se centra solo en estas fuerzas, sino en cómo y dónde la forma—ya sea natural o creada por el ser humano—se organiza a su alrededor.
Su obra reivindica el papel duradero de la pintura como puente entre el pasado, el presente y el futuro, además de su capacidad única para plantear preguntas fundamentales sobre el mundo que habitamos mientras nos lo devuelve reflejado a través del arte.
Personalmente, me atrae su capacidad para explorar cómo las pinturas se imprimen en nuestra mente, cómo se instalan en nuestro subconsciente hasta el punto de que vemos el mundo a través de ellas tanto como lo reconocemos en ellas. En cierto sentido, las obras de Essenhigh representan una conciencia en floración: estimulan los sentidos, agudizan la percepción, embriagan y transportan, despertando en nosotros el deseo de mirar más allá y cuestionar más.
Si tienes la oportunidad, te recomiendo encarecidamente que visites esta exposición antes de que termine el próximo mes. Y si no puedes, he añadido algunas imágenes a continuación para que te sumerjas en su universo y encuentres inspiración en él. También puedes bajarte aquí la lista de obras en esta exhibición.
Mire Lee: Open Wound (Hyundai Commission)
9 October 2024 – 16 March 2025
Tate Modern, London, UK
The latest installation at Tate Modern’s Turbine Hall is one of the most striking and moving works I’ve seen in years. Created by South Korean artist Mire Lee, Open Wound reawakens the building’s industrial past while exploring how post-industrial landscapes shape the human body and psyche.
Lee reimagines the Turbine Hall as the interior of a body, transforming it into an unsettling space where machinery and flesh-like materials blend into a surreal, grotesque factory. Drawing on her fascination with rigid mechanical systems and organic, malleable forms, she creates a world that speaks to themes of precarity, decay, and renewal.
Lee populates the Hall with skins—fabric sculptures suspended from the ceiling by metal chains. At the centre of the Hall’s east end, a motorized turbine, suspended from a ceiling crane, slowly spins. It releases a viscous liquid from flesh-like silicone tentacles into a large tray. As the factory operates, new skins are soaked beneath the turbine, then moved by technicians to harden on nearby racks before being lifted into the air. Over time, they accumulate —birthed from the building’s body while seemingly shedding from the ceiling above. This ongoing process of production and decay unfolds, facilitated by both machinery and human hands.
The drying of the fabric skins recalls processes used in textile manufacturing. Their chain suspensions are inspired by pit-head baths—early group washing facilities used by coal miners. In these spaces, a pulley system allowed miners to hang their street or work clothes from the bathhouse ceiling while they laboured in the mines or rested at home.
Lee explores the tension between soft organic forms and rigid mechanical systems through her materials. Her kinetic sculptures resemble organisms and machines turned inside out, exposing their inner workings to unsettling effect. Lee’s turbine appears as ‘an open wound that never closes.’
The result is deeply visceral. The installation provokes a complex mix of emotions —tenderness, empathy, unease, and even disgust. The fragile skins suggest vulnerability, care, and the formation of new identities. I found the work incredibly effective in generating an emotional response, making the viewer acutely aware of their own physical presence within the space.
Born in South Korea in 1988, Lee lives and works between Amsterdam and Seoul. She is interested in the power of sculpture to affect both the viewer and the surrounding space and is unafraid to push artistic boundaries in spectacular ways. Her immersive and thought-provoking installations engage the senses and create spaces to reflect on emotion, precarity, and human desire.
For me, what lingers most is the installation’s ability to capture the vulnerability of our existence in a world full of uncertainty. The slow, relentless movement of the machinery creates an eerie sense of being part of a system beyond our control, making human connection and care feel even more essential.
Open Wound is a deeply affecting work that stays with you long after you leave the Turbine Hall. If you’re in London, I highly recommend experiencing it for yourself before 16 March.
Entrance: Free.
Special thanks to photographer Ottavia Castellina for collaborating on these images.
Esculturas Viscerales en el Turbine Hall
Mire Lee: Open Wound (Hyundai Commission) 9 de octubre de 2024 – 16 de marzo de 2025 Tate Modern, Londres, Reino Unido
La última instalación en el Turbine Hall de Tate Modern es una de las obras más impactantes y conmovedoras que he visto en años. Creada por la artista surcoreana Mire Lee, Open Wound reaviva el pasado industrial del edificio mientras explora cómo los paisajes posindustriales moldean el cuerpo y la psique humana.
Lee reimagina el Turbine Hall como el interior de un cuerpo, transformándolo en un espacio inquietante donde la maquinaria y los materiales de apariencia orgánica se funden en una fábrica surrealista y grotesca. Basándose en su fascinación por los sistemas mecánicos rígidos y las formas orgánicas y maleables, crea un mundo que aborda temas como la precariedad, la decadencia y la renovación.
Lee llena el Hall con pieles, esculturas de tela suspendidas del techo por cadenas metálicas. En el centro del extremo este del Hall, una turbina motorizada, suspendida de una grúa en el techo, gira lentamente. Libera un líquido viscoso desde tentáculos de silicona de apariencia orgánica hacia una gran bandeja. A medida que la fábrica opera, nuevas pieles se empapan bajo la turbina y luego son trasladadas por técnicos para endurecerse en estanterías cercanas antes de ser elevadas en el aire. Con el tiempo, estas pieles se acumulan, naciendo del cuerpo del edificio mientras parecen desprenderse del techo. Este proceso continuo de producción y descomposición se desarrolla con la intervención tanto de la maquinaria como de las manos humanas.
El secado de las pieles de tela recuerda los procesos utilizados en la industria textil. Sus cadenas de suspensión están inspiradas en los pit-head baths, antiguos espacios de lavado colectivo utilizados por los mineros del carbón. En estos espacios, un sistema de poleas permitía a los mineros colgar su ropa de calle o de trabajo del techo de la casa de baños mientras trabajaban en las minas o descansaban en casa.
Lee explora la tensión entre las formas orgánicas suaves y los sistemas mecánicos rígidos a través de sus materiales. Sus esculturas cinéticas parecen organismos y máquinas del revés, con sus mecanismos internos expuestos de forma inquietante. La turbina de Lee aparece como ‘una herida abierta que nunca se cierra.’
El resultado es profundamente visceral. La instalación provoca una mezcla compleja de emociones: ternura, empatía, inquietud e incluso repulsión. Las frágiles pieles sugieren vulnerabilidad, cuidado y la formación de nuevas identidades. Para mí, la obra es increíblemente eficaz en la generación de una respuesta emocional, haciendo que el espectador tome plena conciencia de la presencia física de su propio cuerpo en el espacio.
Nacida en Corea del Sur en 1988, Lee vive y trabaja entre Ámsterdam y Seúl. Le interesa el poder de la escultura para afectar tanto al espectador como al espacio circundante, y no teme romper los límites artísticos de manera espectacular. Sus instalaciones inmersivas y provocadoras estimulan los sentidos y crean espacios para reflexionar sobre la emoción, la precariedad y el deseo humano.
Para mí, lo que más perdura es la capacidad de la instalación para capturar la vulnerabilidad de nuestra existencia en un mundo lleno de incertidumbre. El movimiento lento e implacable de la maquinaria genera una sensación inquietante de formar parte de un sistema fuera de nuestro control, haciendo que la conexión humana y el cuidado mutuo se sientan aún más esenciales.
Open Wound es una obra profundamente conmovedora que permanece contigo mucho después de salir del Turbine Hall. Si estás en Londres, te recomiendo que la experimentes por ti mismo antes del 16 de marzo.
Entrada: gratuita.
Un agradecimiento especial a la fotógrafa Ottavia Castellina por colaborar en estas imágenes.
Anna Weyant
Who’s Afraid of the Big Bad Wolves?
October 8–December 20, 2024
Gagosian Gallery, Davies Street, London
Who’s Afraid of the Big Bad Wolves marks Anna Weyant’s first art exhibition in London. I was eager to see her work in person after hearing about her extensively in the media. However, beyond the headlines surrounding her private life, Weyant’s paintings stand out for their undeniable technical mastery and profound engagement with art history. Notably, she is the youngest artist to be represented globally by Gagosian Gallery.
In her latest works, Weyant blends autobiographical elements with symbolic wit, moody atmospheres, and the refined techniques that defined her earlier exhibitions: Baby, It Ain’t Over Till It’s Over (2022, Gagosian New York) and The Guitar Man (2023, Gagosian Paris).
Born in Calgary, Canada, and now based in New York, Weyant earned a BFA in painting from the Rhode Island School of Design and spent seven months at the China Academy of Art in Hangzhou. She has credited the city’s sepia-toned terrain as a key influence on her signature muted palette.
Drawing inspiration from the elegance of Flemish portraiture and the dramatic chiaroscuro of Caravaggio, Weyant’s paintings are both visually arresting and deeply thought-provoking. They meticulously adhere to Western aesthetic traditions of beauty and “good painting,” executed with remarkable precision, while also introducing uncanny elements that challenge these ideals. Her painterly style bridges the Baroque tradition of the Dutch Masters with modern influences, including 20th-century artists such as Balthus and John Currin, whom she cites as pivotal in her journey towards figurative painting.
Her figures, rendered in sombre tones, inhabit dreamlike spaces, revealing concealed inner struggles beneath their doll-like appearances. This tension aligns with the exhibition’s title, which alludes to fairy tales and the challenges of entering the contemporary art world.
In Girl in Window (2024), a vine’s heart-shaped leaf shields the subject’s breast, recalling fig leaves on classical statues. Such moments of exposure and concealment echo themes from her earlier works, like the eerie dollhouse of House Exterior (2023). Weyant described this show as her hardest yet, noting its more sombre tone compared to past exhibitions.
In It’s Coming from Inside the House, a seated figure hides behind a large, blank newspaper, transforming its reader into an unavailable and enigmatic presence. Meanwhile, Here, My Dear features a framed portrait of a woman glancing over her left shoulder, with light from a window illuminating the wall where the portrait rests. The off-kilter positioning of the portrait adds a sense of tension and ambiguity, hinting at an ongoing re-evaluation of identity and role.
Still lifes, though less popular than her portraits, add another dimension to her work. I particularly enjoyed Encore, where a bouquet of flowers wrapped in brown paper lies discarded. Inspired by Eminem’s Encore/Curtains Down, it symbolises the end of a performance and moving on.
My favourite painting in the exhibition was Geraldine (2024), displayed alone in the final room of the gallery. It depicts a woman’s face obscured by a flower pot. I found the mystery in this piece captivating, and the execution of the white fabric in her dress reminded me of the whites in Zurbarán’s monastic tunics. It struck me as a perfect painting for a “trophy wife,” where the woman’s identity is entirely effaced.
Weyant’s enigmatic subjects keep viewers engaged, balancing sensuality, dark humour, and technical prowess. Her blend of old-world formalism—using chiaroscuro to deepen mood and mystery, muted colour palettes, and the rich, dark backgrounds reminiscent of Dutch Masters’ portraits—with a contemporary sensibility attuned to youth, femininity, and internet culture.
Read Anna Weyant’s interview in the December 2024 issue of Vogue.
Cuentos de hadas en el mundo contemporáneo
Anna Weyant ¿Quién teme al lobo feroz? 8 de octubre–20 de diciembre de 2024 Gagosian Gallery, Davies Street, Londres
¿Quién teme al lobo feroz? marca la primera exposición de Anna Weyant en Londres. Tenía muchas ganas de ver su obra en persona tras haber oído hablar ampliamente de ella en los medios. Sin embargo, más allá de los titulares sobre su vida privada, las pinturas de Weyant destacan por su innegable maestría técnica y su profundo compromiso con la historia del arte. Cabe destacar que es la artista más joven representada a nivel global por Gagosian Gallery.
En sus obras más recientes, Weyant combina elementos autobiográficos con ingenio simbólico, atmósferas melancólicas y las técnicas refinadas que definieron sus primeras exposiciones: Baby, It Ain’t Over Till It’s Over (2022, Gagosian Nueva York) y The Guitar Man (2023, Gagosian París).
Nacida en Calgary, Canadá, y actualmente residente en Nueva York, Weyant obtuvo una licenciatura en pintura en la Rhode Island School of Design y pasó siete meses en la Academia de Arte de China en Hangzhou. Ha mencionado que el paisaje en tonos sepia de la ciudad influyó significativamente en su característico uso de una paleta de colores apagados.
Inspirándose en la elegancia del retrato flamenco y el dramatismo del claroscuro de Caravaggio, las pinturas de Weyant son a la vez visualmente impactantes y profundamente provocadoras. Se adhieren meticulosamente a las tradiciones estéticas occidentales de la belleza y la “buena pintura”, ejecutadas con una precisión asombrosa, mientras introducen elementos inquietantes que desafían estos ideales. Su estilo pictórico conecta la tradición barroca de los maestros holandeses con influencias modernas, incluidos artistas del siglo XX como Balthus y John Currin, a quienes reconoce como fundamentales en su camino hacia la pintura figurativa.
Sus figuras, representadas en tonos oscuros, habitan espacios oníricos que desvelan luchas internas ocultas bajo su apariencia de muñecas. Esta tensión está en sintonía con el título de la exposición, que alude a los cuentos de hadas y a los desafíos de entrar en el mundo contemporáneo del arte.
En Girl in Window (2024), una hoja en forma de corazón de una enredadera cubre el pecho de la figura, evocando las hojas de parra de las estatuas clásicas. Estos momentos de exposición y ocultación reflejan los temas de sus obras anteriores, como la inquietante casa de muñecas de House Exterior (2023). Weyant describió esta muestra como la más difícil de realizar, señalando su tono más melancólico en comparación con sus exposiciones anteriores.
En It’s Coming from Inside the House, una figura sentada se oculta tras un periódico grande y en blanco, transformando a su lector en una presencia inaccesible y enigmática. Por otro lado, Here, My Dear presenta un retrato enmarcado de una mujer que mira por encima de su hombro izquierdo, mientras la luz de una ventana ilumina la pared donde descansa el cuadro. La posición inclinada del retrato añade una sensación de tensión y ambigüedad, insinuando una continua reevaluación de la identidad y el rol.
Aunque menos populares que sus retratos, las naturalezas muertas aportan otra dimensión a su obra. Me gustó particularmente Encore, donde un ramo de flores envueltas en papel marrón yace abandonado. Inspirada por la canción Encore/Curtains Down de Eminem, simboliza el final de una actuación y el paso a lo siguiente.
Mi pintura favorita de la exposición fue Geraldine (2024), expuesta en solitario en la última sala de la galería. Representa el rostro de una mujer oculto tras una maceta. Me cautivó el misterio de esta obra, y la ejecución del tejido blanco de su vestido me recordó a los blancos de las túnicas monacales de Zurbarán. Me pareció una pintura perfecta para una “esposa trofeo”, donde la identidad de la mujer está completamente borrada.
Los sujetos enigmáticos de Weyant mantienen al espectador intrigado, equilibrando sensualidad, humor oscuro y destreza técnica. Su combinación de formalismo clásico—utilizando el claroscuro para profundizar en el ambiente y el misterio, paletas de colores apagados y los fondos oscuros y ricos característicos de los retratos de los maestros holandeses—con una sensibilidad contemporánea orientada hacia la juventud, la feminidad y la cultura digital.
Lee la entrevista de Anna Weyant en el número de diciembre de 2024 de Vogue.
Girl in WindowIt’s Coming from Inside the HouseHere, My DearEncoreGeraldine
Jason Wilsher-Mills
Jason and the Adventure of 254
21 March 2024 – 12 January 2025
Wellcome Collection, London, UK
The art exhibition, Jason and the Adventure of 254 by artist Jason Wilsher-Mills, is now showing at the Wellcome Collection. I was deeply moved when I saw this whimsical exhibition, and I want to share it with you here.
The show is inspired by the artist’s experience of becoming disabled as a child. Wilsher-Mills transports viewers to Pinderfields Hospital in Wakefield on 1 August 1980, at precisely 2:54 pm. This was the pivotal moment when he and his parents learned of the autoimmune condition that left him paralyzed from the neck down from age 11 to 16. Remarkably, this was also the exact moment that Sebastian Coe won the 1500-metre race at the Moscow Olympics, wearing the number 254—a race broadcast on the ward’s TV. Wilsher-Mills sees this serendipitous coincidence as the spark for his artistic career.
The artist intertwines these two life-changing events in a profoundly inspiring way. Rather than focusing on the trauma of his illness, he sees that moment as the beginning of his creative life. His vibrant installation invites you to explore his memories and reflect on how disability and adversity can serve as a catalyst for creativity and self-discovery.
The exhibition delves into what was happening in his body, his imagination, and the world around him. It explores themes of childhood, family, memory, and the nature of creativity—how it works and where it comes from. The artist drew inspiration from 1980s television and anatomical drawings at the Wellcome Collection, which triggered memories of his hospitalization.
The installations, bursting with bright and engaging colours, are based on hundreds of preparatory drawings he created for the show. These works can also be explored in an adjacent room. The centrepiece sculpture, Figure in a Bed, portrays the artist in bed watching TV. A figure that has a TV for a head representing the athlete Sebastian Coe. Surrounding Wilsher-Mills are green toy soldiers symbolizing his white blood cells, which, as doctors explained, were attacking his own body instead of defending it.
Another striking installation is Calliper Boots, which I personally engaged with during my visit. This piece represents the medical boots he was given to support his weight and train his ankles—a painful and unwelcome experience. In a creative twist, Wilsher-Mills reimagined these boots as vibrant, brightly painted Dr. Martens, the type of footwear he would have loved as a child.
As Wilsher-Mills explains in an old interview:
“My work deals primarily with my self-image as a disabled person, and the long-standing effects of illness and disability. I do this through the use of theatrical trickery, humour, and honesty. I can place myself in environments and creative narratives that describe what it is to me to be disabled. I understand that through art I can free myself from the restrictions that my body presents to me.” —Jason Wilsher-Mills, Disability Horizons
The exhibition also features interactive, push-button-operated dioramas reminiscent of the penny arcade machines Wilsher-Mills saw as a child at seaside resorts. These magical dioramas provide windows into his childhood memories, blending myth and reality in a dreamlike manner. They portray key stages of transformation in his life and offer insight into his sources of inspiration.
In addition to the dioramas, drawings by Wilsher-Mills are displayed on the gallery walls, enriching the experience further.
Overall, the exhibition is a deeply uplifting portrayal of how Wilsher-Mills’ disability shaped his identity and ignited his passion for art. I found his approach profoundly hopeful, showing how negative experiences can become opportunities for growth and learning. His work encourages us to reflect on the resilience of the human spirit and how perspective can turn adversity into a source of strength.
Convertir la adversidad en creatividad
Jason Wilsher-Mills Jason and the Adventure of 254 21 de marzo de 2024 – 12 de enero de 2025 Wellcome Collection, Londres, Reino Unido
La exposición Jason and the Adventure of 254 del artista Jason Wilsher-Mills se presenta actualmente en el Wellcome Collection. Me conmovió profundamente ver esta colorida exposición, y quiero compartirla contigo aquí.
La muestra artística está inspirada en la experiencia del artista al volverse discapacitado cuando era niño. Wilsher-Mills transporta a los espectadores al Hospital Pinderfields en Wakefield, el 1 de agosto de 1980, exactamente a las 2:54 de la tarde. Este fue el momento crucial en el que él y sus padres recibieron la noticia de una afección autoinmune que lo dejó paralizado desde el cuello hacia abajo entre los 11 y los 16 años. De manera notable, este fue también el preciso instante en el que Sebastian Coe ganó la carrera de 1500 metros en los Juegos Olímpicos de Moscú, luciendo el número 254, transmitido en la televisión de la sala del hospital. Wilsher-Mills considera esta coincidencia fortuita como el punto de partida de su carrera artística.
El artista entrelaza estos dos eventos de forma inspiradora. En lugar de enfocarse en el trauma de su enfermedad, ve ese momento como el inicio de su vida creativa. Su vibrante instalación invita a explorar sus recuerdos y reflexionar sobre cómo la discapacidad y la adversidad pueden servir como catalizadores para la creatividad y el autodescubrimiento.
La exposición explora lo que ocurría en su cuerpo, en su imaginación y en el mundo que lo rodeaba. Aborda temas como la infancia, la familia, la memoria y la naturaleza de la creatividad: cómo funciona y de dónde proviene. El artista se inspiró en la televisión de los años 80 y en los dibujos anatómicos del Wellcome Collection, que evocaron recuerdos de su hospitalización.
La instalación, llenas de colores vivos y cautivadores, se basa en cientos de dibujos preparatorios que creó para la muestra. Estas obras también pueden explorarse en una sala adyacente. La escultura central, Figure in a Bed, representa al artista en la cama viendo televisión. Una figura que tiene una televisión por cabeza representa al atleta Sebastian Coe. Alrededor de Wilsher-Mills hay pequeños soldados de juguete verdes que simbolizan sus glóbulos blancos, los cuales, según los médicos, atacaban su propio cuerpo en lugar de defenderlo.
Otra escultura parte de la instalación que me gustó es Calliper Boots, con la que interactué personalmente durante mi visita. Esta pieza representa las botas ortopédicas que le dieron para soportar su peso y entrenar sus tobillos, una experiencia dolorosa y desagradable. En un giro creativo, Wilsher-Mills reimaginó estas botas como unas vibrantes Dr. Martens pintadas de colores fuertes, el tipo de calzado que habría querido de niño.
Como explica Wilsher-Mills en una entrevista de años atrás: “Mi trabajo trata principalmente de mi autoimagen como persona con discapacidad y los efectos duraderos de la enfermedad y la discapacidad. Lo hago a través de trucos teatrales, humor y honestidad. Puedo situarme en entornos y narrativas creativas que describen lo que significa para mí ser discapacitado. Entiendo que, a través del arte, puedo liberarme de las limitaciones que mi cuerpo me impone.” —Jason Wilsher-Mills, Disability Horizons
La exposición también incluye dioramas interactivos operados con botones, que recuerdan a las máquinas de los salones recreativos de monedas que Wilsher-Mills veía de niño en sus vacaciones en la costa. Estos dioramas mágicos ofrecen ventanas a los recuerdos de su infancia, fusionando mito y realidad de manera onírica. Representan etapas clave de transformación en su vida y brindan una visión de sus fuentes de inspiración.
Además de los dioramas, los dibujos de Wilsher-Mills se exhiben en las paredes de la galería, enriqueciendo aún más la experiencia.
En conjunto, la exposición es un retrato profundamente edificante de cómo la discapacidad de Wilsher-Mills moldeó su identidad e impulsó su pasión por el arte. Su enfoque, lleno de esperanza, muestra cómo las experiencias negativas pueden convertirse en oportunidades para el crecimiento y el aprendizaje. Su obra nos invita a reflexionar sobre la resiliencia del espíritu humano y cómo nuestra perspectiva puede transformar la adversidad en una fuente de fortaleza.
Ugo Rondinone
a sky . a sea . distant mountains . horses . spring .
12 April – 22 May 2021
Sadie Coles, London, UK
The last art exhibition I saw that resonated with me was Ugo Rondinone’s at Sadie Coles this spring. I know it’s been been more than two months since I saw this show, but I hope you find his artworks as visually and conceptually exciting as I did.
Ugo Rondinone (born 1964) is a Swiss-born mixed-media artist based in New York. He studied at Hochschule für Angewandte Kunst, Vienna (1986-90), and has exhibited widely internationally. He’s particularly known for his temporary, large-scale land art sculptures such as Seven Magic Mountains (2016–2021), with its seven fluorescently-painted totems of large, car-size stones stacked 32 feet (9.8 m) high.
For this art exhibition I’m covering here, he showed a new version of Seven Magic Mountains at Davies Street (one of the venues at Sadie Coles), but in two dimensions. Each shaped canvas representing a painted rock stacked on top of each other and arranged vertically as you can see below.
I liked the reinvention of the totem with these paintings, but the artworks that I mostly enjoyed were the ones displayed at Kingly Street (Sadie Coles HQ venue), where Rondinone presented fifteen horses cast from blue glass. You could appreciate how they had been bisected horizontally to suggest a seascape or landscape into the boundaries of a body in order to imply a microcosmic world, while reversing the traditional formula of a body in a landscape. By multiplying the concept across fifteen foal-sized sculptures, he also created a landscape of repeated forms, to somehow close the circle.
The artist embodies ideas of space, time and nature with the horse sculptures that have recurred throughout his work over the time. Each object suggests a compound of the four elements – water, air, earth (connoted by the body of the horse), and fire, crystallised in the substance of the fired glass.
And finally, at the back of the gallery in a smaller room we could see the conjunction of see and sky in a big canvas, in which the sun is depicted beyond a horizontal line. As an echo of previous works he combined horizontal lines and suns of concentric circles. Rondinone’s framed it as a mental space that I dared to enter for the sake of the pictures below. I do hope that you enjoy the artworks and my interaction with them!
Horizontes contenidos Ugo Rondinone un cielo. un mar . montañas distantes. caballos . primavera . 12 de abril – 22 de mayo de 2021 Sadie Coles, Londres, Reino Unido
La última exposición de arte que vi que conectó conmigo fue la de Ugo Rondinone en Sadie Coles esta primavera. Sé que han pasado más de dos meses desde que la vi, pero espero que encuentres sus obras de arte tan visual y conceptualmente interesantes como yo.
Ugo Rondinone (nacido en 1964) es un artista de técnica mixta nacido en Suiza que vive en Nueva York. Estudió en la Hochschule für Angewandte Kunst de Viena (1986-90), y ha expuesto ampliamente a escala internacional. Es particularmente conocido por sus esculturas de ‘land art’ temporales y a gran escala como ‘Seven Magic Mountains’ (2016-2021), formada con siete tótems de piedras grandes del tamaño de un automóvil pintadas con colores fluor y apiladas a 32 pies (9,8 m) de altura.
Para la exposición de arte que cubro aquí, mostró una nueva versión de ‘Seven Magic Mountains’ en Davies Street (una de las galerías de Sadie Coles), pero en dos dimensiones. Cada lienzo de puntas redondas representa una roca pintada y apilada encima de la otra; todas dispuestas verticalmente como puedes ver a continuación.
Me gustó la reinvención del tótem con estas pinturas, pero las obras de arte que más me gustaron en esta muestra fueron las que se exhibieron en Kingly Street (galería principal de Sadie Coles HQ), donde Rondinone presentó quince caballos moldeados en vidrio azul. Cada escultura era un poco más pequeña que el tamaño real de un caballo y estaba formada por dos tonos distintos de azul transparente. Se podía apreciar cómo se habían dividido horizontalmente para sugerir un paisaje marino en los límites de un cuerpo con el fin de implicar un mundo microcósmico, mientras se invierte la fórmula tradicional de un cuerpo en un paisaje. Al multiplicar el concepto en quince esculturas del tamaño de un potrillo, también crea un paisaje de formas repetidas, para cerrar de alguna manera el círculo.
El artista encarna las ideas del espacio, el tiempo y la naturaleza con las esculturas de caballos que se han repetido a lo largo de su obra durante décadas. Cada objeto sugiere un compuesto de los cuatro elementos: agua, aire, tierra (connotada por el cuerpo del caballo) y fuego, cristalizados en la sustancia del vidrio cocido.
Y finalmente, al fondo de la galería en una sala más pequeña pudimos ver la conjunción de mar y cielo en un gran lienzo, en el que se representa al sol más allá de una línea horizontal. Como eco de trabajos anteriores combinó líneas horizontales y soles de círculos concéntricos. Rondinone lo enmarcó como un espacio mental en el que me atreví a entrar para tomar las imágenes que te muestro a continuación. ¡Espero que disfrutes de las obras de arte y de mi interacción con las mismas!
Photos taken at Davies Street (Sadie Coles) below.
Photos taken at Kingly Street (Sadie Coles) below.
