cultura – The art berries

Narratives of oppression

Elena Njoabuzia Onwochei-Garcia & Sam Llewellyn-Jones
The House of Bernarda Alba
22 Nov 2024 – 25 Jan 2025
Elizabeth Xi Bauer gallery, Deptford, London, UK

As a Spaniard, I felt compelled to explore this exhibition when I saw its title. The House of Bernarda Alba is a well-known play by Spanish dramatist Federico García Lorca, often grouped with Blood Wedding and Yerma as part of his Rural Trilogy. García Lorca completed it in June 1936, two months before his assassination during the Spanish Civil War. He described the play as “a drama of women in the villages of Spain.” In a country where, in the 1930s, more than half of the population lived in towns of fewer than 10,000 inhabitants, the social patterns depicted in the play were highly representative of that era.

To give some context, the play focuses on events in a household in Andalusia during a period of mourning. The domineering matriarch, Bernarda Alba, wields absolute control over her five daughters, aged between 20 and 39, forbidding them from forming relationships. The imposed mourning period isolates the family further, intensifying the tensions within the household.

Moving back to the art exhibition at Elizabeth Xi Bauer gallery, it transforms the gallery space into an immersive indoor-outdoor experience. Onwochei-Garcia’s large, suspended paintings construct a house-like environment that guides the viewer’s movement, while Llewellyn-Jones’s photographs and oil-on-pastel works create a foreboding landscape that amplifies the setting’s unease. Together, the artists evoke a layered space resonating with tension and disquiet.

As you enter the gallery, you encounter Onwochei-Garcia’s large figurative oil paintings, which hang unstretched from the ceiling to form the shape of a house or amphitheatre in the centre of the space. Llewellyn-Jones’s works occupy the walls, allowing visitors to explore the reverse side of the washi paper, revealing ‘negative’ or inverted underpaintings.

Elena Njoabuzia Onwochei-Garcia, born in Bristol, UK, lives and works in Glasgow. In 2023, she was selected as a recipient of the Bloomberg New Contemporaries award. She was also shortlisted for the Robert Walters Group UK New Artist of the Year Award, with her work included in the accompanying exhibition at Saatchi Gallery in London.

Onwochei-Garcia’s works are particularly poignant in the context of this exhibition. Painted in shades of red, black, and brown, her pieces depict barely human figures in an atmosphere of unrest, effectively conveying pain and trauma. She created these works shortly after the Brexit Bill passed through Parliament, borrowing the claustrophobic setting of a nearly 90-year-old play to express contemporary feelings of hopelessness.

One standout painting, Los Espectadores (2023), left a strong impression on me. It depicts figures that are part-human, part-animal, and part-indecipherable, hiding in darkness as they await a performance. The piece draws on the formalized, rigid structures of 16th-century Spanish dramas to explore the tension between those who act and those who govern. Through this work, Onwochei-Garcia reflects her belief that oppression recurs throughout history, often leaving behind feelings of isolation and denial.

Onwochei-Garcia’s artistic process incorporates art historical and literary sources, influences that are particularly evident in her smaller works on paper. These pieces echo the aesthetics of Francisco Goya’s Black Paintings. The multilingual titles and mix of references nod to her layered heritage: Spanish, German, and Nigerian.

Her sense of in-betweenness is mirrored in the presentation of her canvases as sculptural elements. Visitors are invited to pass through her works, exploring their angles and nuances—an experience not always possible with wall-mounted pieces. As the artist explains, “By turning paintings into structures that refuse to display themselves [they] frustrate the looking process. You have to twist, turn, and rotate to see them. I intend to upset the privilege of spectating.”

Sam Llewellyn-Jones, born in London, works across various media, with his pieces held in collections such as the Millennium BCP Foundation (Lisbon) and UCL Special Collections (London). His contributions to this exhibition were inspired by a two-month residency at Joshua Tree National Park in California during the late summer of 2024.

The arid landscape of Joshua Tree inspired Llewellyn-Jones to experiment with techniques such as rubbings of natural elements and post-production photography. These explorations evolved into his current method of layering oil paint onto photographs, which he first began experimenting with during a 2023 residency at SÍM in Reykjavík, Iceland.

When developing prints, Llewellyn-Jones often uses a solarizing technique to enhance the eerie, anthropogenic quality of his landscapes. He then applies oil paint over the photographs, with the cracked texture of the dried paint mimicking the arid terrain depicted in his work.

Llewellyn-Jones’s art captures the evolving relationship between landscapes, time, and architecture. His images invite viewers to reflect on how natural and built environments shape human perception, revealing the silent transformations within these spaces.

I appreciated the dialogue between Onwochei-Garcia’s central works and Llewellyn-Jones’s surrounding pieces. United by themes of place, identity, and memory, Onwochei-Garcia’s work critiques contemporary surveillance, identity politics, and post-colonial narratives, while Llewellyn-Jones explores the themes of landscape and materiality, showing how environments carry layers of history and meaning.

At first, I felt that Llewellyn-Jones’s desert-inspired landscapes didn’t entirely fit the setting I envisioned for The House of Bernarda Alba. However, his works encourage us to reflect on how the spaces we inhabit transform our lives and emotions, which I found to be highly relevant to this exhibition. On the other hand, Onwochei-Garcia’s paintings effectively captured the tension and oppression that define Lorca’s play, highlighting how those in power can leave others in a state of emptiness and isolation.

Narrativas de opresión

Elena Njoabuzia Onwochei-Garcia & Sam Llewellyn-Jones
La casa de Bernarda Alba
22 de noviembre de 2024 – 25 de enero de 2025
Elizabeth Xi Bauer, Deptford, Londres, Reino Unido

Como española, me sentí impulsada a explorar esta exposición al ver su título. La casa de Bernarda Alba es una obra de teatro muy conocida del dramaturgo español Federico García Lorca, que a menudo se agrupa junto a Bodas de sangre y Yerma como parte de su trilogía rural. García Lorca la completó en junio de 1936, dos meses antes de su asesinato durante la Guerra Civil Española. Describió la obra como “un drama de mujeres en los pueblos de España”. En un país donde, en la década de 1930, más de la mitad de la población vivía en localidades con menos de 10.000 habitantes, los patrones sociales descritos en la obra eran altamente representativos de aquella época.

Para dar algo de contexto, la obra se centra en los acontecimientos de una casa en Andalucía durante un periodo de luto. La matriarca dominante, Bernarda Alba, ejerce un control absoluto sobre sus cinco hijas, de entre 20 y 39 años, prohibiéndoles establecer relaciones. El periodo de luto impuesto aísla aún más a la familia, intensificando las tensiones dentro del hogar.

Volviendo a la exposición de arte , ésta transforma el espacio de la galería Elizabeth Xi Bauer en una experiencia inmersiva que fusiona elementos interiores y exteriores. Las imponentes pinturas suspendidas de Onwochei-Garcia configuran un entorno similar a una casa que dirige el movimiento del espectador, mientras que las fotografías y las obras en óleo sobre pastel de Llewellyn-Jones construyen un paisaje inquietante que intensifica la atmósfera. Juntos, los artistas crean un espacio complejo que palpita con tensión e inquietud.

Al entrar en la galería, te encuentras con las grandes pinturas figurativas al óleo de Elena Njoabuzia Onwochei-Garcia, que cuelgan sin bastidor del techo, formando la estructura de una casa o un anfiteatro en el centro del espacio. Las obras de Llewellyn-Jones ocupan las paredes, permitiendo a los visitantes explorar el reverso del papel washi, donde se revelan pinturas “negativas” o invertidas.

Elena Njoabuzia Onwochei-Garcia nació en Bristol, Reino Unido, y vive y trabaja en Glasgow. En 2023, fue seleccionada como receptora del premio Bloomberg New Contemporaries. También fue finalista del premio Robert Walters Group UK New Artist of the Year, y sus obras se incluyeron en la exposición correspondiente en la Saatchi Gallery de Londres.

Las obras de Onwochei-Garcia son especialmente conmovedoras en el contexto de esta exposición. Pintadas en tonos rojos, negros y marrones, sus piezas representan figuras apenas humanas en un ambiente de agitación, transmitiendo eficazmente el dolor y el trauma. Creó estas obras poco después de que el Brexit se aprobara en el Parlamento, utilizando el entorno claustrofóbico de una obra de teatro de casi 90 años para expresar sentimientos contemporáneos de desesperanza.

Una de las pinturas más impactantes para mí fue Los Espectadores (2023). Representa figuras que son parte humanas, parte animales y parte indescifrables, ocultas en la oscuridad mientras esperan un espectáculo. La obra se basa en las estructuras formales y rígidas de los dramas españoles del siglo XVI para explorar la tensión entre quienes actúan y quienes gobiernan. A través de esta obra, Onwochei-Garcia refleja su creencia de que la opresión se repite a lo largo de la historia, dejando a menudo tras de sí sentimientos de aislamiento y negación.

El proceso artístico de Onwochei-Garcia incorpora fuentes históricas y literarias, influencias que son especialmente evidentes en sus pequeñas obras en papel. Estas piezas evocan la estética de las Pinturas Negras de Francisco Goya. Los títulos multilingües y la mezcla de referencias reflejan su herencia diversa: española, alemana y nigeriana.

Su sensación de estar entre dos mundos se refleja en la presentación de sus lienzos como elementos escultóricos. Los visitantes son invitados a atravesar sus obras, explorando sus ángulos y matices, algo que no siempre es posible con piezas montadas en la pared. Según explica la artista: “Al convertir las pinturas en estructuras que se niegan a exhibirse por completo [estas] frustran el proceso de mirar. Tienes que torcerte, girar y rotar para verlas. Mi intención es perturbar el privilegio de la observación.”

Sam Llewellyn-Jones, nacido en Londres, trabaja en diversos medios, y sus obras se encuentran en colecciones como la Millennium BCP Foundation (Lisboa) y UCL Special Collections (Londres). Sus contribuciones a esta exposición se inspiraron en una residencia de dos meses en el Parque Nacional Joshua Tree en California durante el verano de 2024.

El paisaje árido de Joshua Tree inspiró a Llewellyn-Jones a experimentar con técnicas como el frottage de elementos naturales y la postproducción fotográfica. Estas exploraciones evolucionaron hacia su método actual de superponer óleo sobre fotografías, técnica que comenzó a desarrollar durante una residencia en 2023 en el SÍM de Reikiavik, Islandia.

Al revelar las impresiones, Llewellyn-Jones a menudo utiliza una técnica de solarización que resalta la cualidad inquietante y antropogénica de sus paisajes. Luego aplica óleo sobre las fotografías, con la textura agrietada de la pintura seca imitando el terreno árido representado en sus obras.

El arte de Llewellyn-Jones captura la relación evolutiva entre los paisajes, el tiempo y la arquitectura. Sus imágenes invitan a los espectadores a reflexionar sobre cómo los entornos naturales y construidos moldean la percepción humana, revelando las transformaciones silenciosas dentro de estos espacios.

Me pareció interesante el diálogo entre las obras centrales de Onwochei-Garcia y las piezas circundantes de Llewellyn-Jones. Unidos por los temas de lugar, identidad y memoria, las obras de Onwochei-Garcia critican la vigilancia contemporánea, la política de identidad y las narrativas poscoloniales, mientras que Llewellyn-Jones explora el paisaje y la materialidad, mostrando cómo los entornos contienen capas de historia y significado.

Al principio, sentí que los paisajes inspirados en el desierto de Llewellyn-Jones no encajaban del todo con el escenario que imaginaba para La casa de Bernarda Alba. Sin embargo, sus obras nos animan a reflexionar sobre cómo los espacios que habitamos transforman nuestras vidas y emociones, lo que me pareció totalment relevante en esta muestra. Por otro lado, las pinturas de Onwochei-Garcia capturaron eficazmente la tensión y la opresión que definen la obra de Lorca, subrayando cómo quienes detentan el poder pueden dejar a otros en un estado de vacío y aislamiento.

The art berries, Onwochei-Garcia, suspended paintings

Onwochei-Garcia, The art berries photography

Elena Njoabuzia Onwochei-Garcia paintings, The art berries photos

Onwochei-Garcia paintings, The art berries photos

Llewellyn-Jones artwork, The art berries photos

Photography by The art blueberry and Chicho Puig.

Entrance to the exhibition: Free.

Fotografía por The Art Blueberry y Chicho Puig.

Entrada a la exposición: Gratuita.

Fairy tales in the contemporary world

Anna Weyant
Who’s Afraid of the Big Bad Wolves?
October 8–December 20, 2024
Gagosian Gallery, Davies Street, London

Who’s Afraid of the Big Bad Wolves marks Anna Weyant’s first art exhibition in London. I was eager to see her work in person after hearing about her extensively in the media. However, beyond the headlines surrounding her private life, Weyant’s paintings stand out for their undeniable technical mastery and profound engagement with art history. Notably, she is the youngest artist to be represented globally by Gagosian Gallery.

In her latest works, Weyant blends autobiographical elements with symbolic wit, moody atmospheres, and the refined techniques that defined her earlier exhibitions: Baby, It Ain’t Over Till It’s Over (2022, Gagosian New York) and The Guitar Man (2023, Gagosian Paris).

Born in Calgary, Canada, and now based in New York, Weyant earned a BFA in painting from the Rhode Island School of Design and spent seven months at the China Academy of Art in Hangzhou. She has credited the city’s sepia-toned terrain as a key influence on her signature muted palette.

Drawing inspiration from the elegance of Flemish portraiture and the dramatic chiaroscuro of Caravaggio, Weyant’s paintings are both visually arresting and deeply thought-provoking. They meticulously adhere to Western aesthetic traditions of beauty and “good painting,” executed with remarkable precision, while also introducing uncanny elements that challenge these ideals. Her painterly style bridges the Baroque tradition of the Dutch Masters with modern influences, including 20th-century artists such as Balthus and John Currin, whom she cites as pivotal in her journey towards figurative painting.

Her figures, rendered in sombre tones, inhabit dreamlike spaces, revealing concealed inner struggles beneath their doll-like appearances. This tension aligns with the exhibition’s title, which alludes to fairy tales and the challenges of entering the contemporary art world.

In Girl in Window (2024), a vine’s heart-shaped leaf shields the subject’s breast, recalling fig leaves on classical statues. Such moments of exposure and concealment echo themes from her earlier works, like the eerie dollhouse of House Exterior (2023). Weyant described this show as her hardest yet, noting its more sombre tone compared to past exhibitions.

In It’s Coming from Inside the House, a seated figure hides behind a large, blank newspaper, transforming its reader into an unavailable and enigmatic presence. Meanwhile, Here, My Dear features a framed portrait of a woman glancing over her left shoulder, with light from a window illuminating the wall where the portrait rests. The off-kilter positioning of the portrait adds a sense of tension and ambiguity, hinting at an ongoing re-evaluation of identity and role.

Still lifes, though less popular than her portraits, add another dimension to her work. I particularly enjoyed Encore, where a bouquet of flowers wrapped in brown paper lies discarded. Inspired by Eminem’s Encore/Curtains Down, it symbolises the end of a performance and moving on.

My favourite painting in the exhibition was Geraldine (2024), displayed alone in the final room of the gallery. It depicts a woman’s face obscured by a flower pot. I found the mystery in this piece captivating, and the execution of the white fabric in her dress reminded me of the whites in Zurbarán’s monastic tunics. It struck me as a perfect painting for a “trophy wife,” where the woman’s identity is entirely effaced.

Weyant’s enigmatic subjects keep viewers engaged, balancing sensuality, dark humour, and technical prowess. Her blend of old-world formalism—using chiaroscuro to deepen mood and mystery, muted colour palettes, and the rich, dark backgrounds reminiscent of Dutch Masters’ portraits—with a contemporary sensibility attuned to youth, femininity, and internet culture.

Read Anna Weyant’s interview in the December 2024 issue of Vogue.

Cuentos de hadas en el mundo contemporáneo

Anna Weyant
¿Quién teme al lobo feroz?
8 de octubre–20 de diciembre de 2024
Gagosian Gallery, Davies Street, Londres

¿Quién teme al lobo feroz? marca la primera exposición de Anna Weyant en Londres. Tenía muchas ganas de ver su obra en persona tras haber oído hablar ampliamente de ella en los medios. Sin embargo, más allá de los titulares sobre su vida privada, las pinturas de Weyant destacan por su innegable maestría técnica y su profundo compromiso con la historia del arte. Cabe destacar que es la artista más joven representada a nivel global por Gagosian Gallery.

En sus obras más recientes, Weyant combina elementos autobiográficos con ingenio simbólico, atmósferas melancólicas y las técnicas refinadas que definieron sus primeras exposiciones: Baby, It Ain’t Over Till It’s Over (2022, Gagosian Nueva York) y The Guitar Man (2023, Gagosian París).

Nacida en Calgary, Canadá, y actualmente residente en Nueva York, Weyant obtuvo una licenciatura en pintura en la Rhode Island School of Design y pasó siete meses en la Academia de Arte de China en Hangzhou. Ha mencionado que el paisaje en tonos sepia de la ciudad influyó significativamente en su característico uso de una paleta de colores apagados.

Inspirándose en la elegancia del retrato flamenco y el dramatismo del claroscuro de Caravaggio, las pinturas de Weyant son a la vez visualmente impactantes y profundamente provocadoras. Se adhieren meticulosamente a las tradiciones estéticas occidentales de la belleza y la “buena pintura”, ejecutadas con una precisión asombrosa, mientras introducen elementos inquietantes que desafían estos ideales. Su estilo pictórico conecta la tradición barroca de los maestros holandeses con influencias modernas, incluidos artistas del siglo XX como Balthus y John Currin, a quienes reconoce como fundamentales en su camino hacia la pintura figurativa.

Sus figuras, representadas en tonos oscuros, habitan espacios oníricos que desvelan luchas internas ocultas bajo su apariencia de muñecas. Esta tensión está en sintonía con el título de la exposición, que alude a los cuentos de hadas y a los desafíos de entrar en el mundo contemporáneo del arte.

En Girl in Window (2024), una hoja en forma de corazón de una enredadera cubre el pecho de la figura, evocando las hojas de parra de las estatuas clásicas. Estos momentos de exposición y ocultación reflejan los temas de sus obras anteriores, como la inquietante casa de muñecas de House Exterior (2023). Weyant describió esta muestra como la más difícil de realizar, señalando su tono más melancólico en comparación con sus exposiciones anteriores.

En It’s Coming from Inside the House, una figura sentada se oculta tras un periódico grande y en blanco, transformando a su lector en una presencia inaccesible y enigmática. Por otro lado, Here, My Dear presenta un retrato enmarcado de una mujer que mira por encima de su hombro izquierdo, mientras la luz de una ventana ilumina la pared donde descansa el cuadro. La posición inclinada del retrato añade una sensación de tensión y ambigüedad, insinuando una continua reevaluación de la identidad y el rol.

Aunque menos populares que sus retratos, las naturalezas muertas aportan otra dimensión a su obra. Me gustó particularmente Encore, donde un ramo de flores envueltas en papel marrón yace abandonado. Inspirada por la canción Encore/Curtains Down de Eminem, simboliza el final de una actuación y el paso a lo siguiente.

Mi pintura favorita de la exposición fue Geraldine (2024), expuesta en solitario en la última sala de la galería. Representa el rostro de una mujer oculto tras una maceta. Me cautivó el misterio de esta obra, y la ejecución del tejido blanco de su vestido me recordó a los blancos de las túnicas monacales de Zurbarán. Me pareció una pintura perfecta para una “esposa trofeo”, donde la identidad de la mujer está completamente borrada.

Los sujetos enigmáticos de Weyant mantienen al espectador intrigado, equilibrando sensualidad, humor oscuro y destreza técnica. Su combinación de formalismo clásico—utilizando el claroscuro para profundizar en el ambiente y el misterio, paletas de colores apagados y los fondos oscuros y ricos característicos de los retratos de los maestros holandeses—con una sensibilidad contemporánea orientada hacia la juventud, la feminidad y la cultura digital.

Lee la entrevista de Anna Weyant en el número de diciembre de 2024 de Vogue.

Entrance to the exhition: Free.

Entrada a la exposición: Gratis.

Turning adversity into creativity

Jason Wilsher-Mills
Jason and the Adventure of 254
21 March 2024 – 12 January 2025
Wellcome Collection, London, UK

The art exhibition, Jason and the Adventure of 254 by artist Jason Wilsher-Mills, is now showing at the Wellcome Collection. I was deeply moved when I saw this whimsical exhibition, and I want to share it with you here.

The show is inspired by the artist’s experience of becoming disabled as a child. Wilsher-Mills transports viewers to Pinderfields Hospital in Wakefield on 1 August 1980, at precisely 2:54 pm. This was the pivotal moment when he and his parents learned of the autoimmune condition that left him paralyzed from the neck down from age 11 to 16. Remarkably, this was also the exact moment that Sebastian Coe won the 1500-metre race at the Moscow Olympics, wearing the number 254—a race broadcast on the ward’s TV. Wilsher-Mills sees this serendipitous coincidence as the spark for his artistic career.

The artist intertwines these two life-changing events in a profoundly inspiring way. Rather than focusing on the trauma of his illness, he sees that moment as the beginning of his creative life. His vibrant installation invites you to explore his memories and reflect on how disability and adversity can serve as a catalyst for creativity and self-discovery.

The exhibition delves into what was happening in his body, his imagination, and the world around him. It explores themes of childhood, family, memory, and the nature of creativity—how it works and where it comes from. The artist drew inspiration from 1980s television and anatomical drawings at the Wellcome Collection, which triggered memories of his hospitalization.

The installations, bursting with bright and engaging colours, are based on hundreds of preparatory drawings he created for the show. These works can also be explored in an adjacent room. The centrepiece sculpture, Figure in a Bed, portrays the artist in bed watching TV. A figure that has a TV for a head representing the athlete Sebastian Coe. Surrounding Wilsher-Mills are green toy soldiers symbolizing his white blood cells, which, as doctors explained, were attacking his own body instead of defending it.

Another striking installation is Calliper Boots, which I personally engaged with during my visit. This piece represents the medical boots he was given to support his weight and train his ankles—a painful and unwelcome experience. In a creative twist, Wilsher-Mills reimagined these boots as vibrant, brightly painted Dr. Martens, the type of footwear he would have loved as a child.

As Wilsher-Mills explains in an old interview:

“My work deals primarily with my self-image as a disabled person, and the long-standing effects of illness and disability. I do this through the use of theatrical trickery, humour, and honesty. I can place myself in environments and creative narratives that describe what it is to me to be disabled. I understand that through art I can free myself from the restrictions that my body presents to me.”
—Jason Wilsher-Mills, Disability Horizons

The exhibition also features interactive, push-button-operated dioramas reminiscent of the penny arcade machines Wilsher-Mills saw as a child at seaside resorts. These magical dioramas provide windows into his childhood memories, blending myth and reality in a dreamlike manner. They portray key stages of transformation in his life and offer insight into his sources of inspiration.

In addition to the dioramas, drawings by Wilsher-Mills are displayed on the gallery walls, enriching the experience further.

Overall, the exhibition is a deeply uplifting portrayal of how Wilsher-Mills’ disability shaped his identity and ignited his passion for art. I found his approach profoundly hopeful, showing how negative experiences can become opportunities for growth and learning. His work encourages us to reflect on the resilience of the human spirit and how perspective can turn adversity into a source of strength.

Convertir la adversidad en creatividad

Jason Wilsher-Mills
Jason and the Adventure of 254
21 de marzo de 2024 – 12 de enero de 2025
Wellcome Collection, Londres, Reino Unido

La exposición Jason and the Adventure of 254 del artista Jason Wilsher-Mills se presenta actualmente en el Wellcome Collection. Me conmovió profundamente ver esta colorida exposición, y quiero compartirla contigo aquí.

La muestra artística está inspirada en la experiencia del artista al volverse discapacitado cuando era niño. Wilsher-Mills transporta a los espectadores al Hospital Pinderfields en Wakefield, el 1 de agosto de 1980, exactamente a las 2:54 de la tarde. Este fue el momento crucial en el que él y sus padres recibieron la noticia de una afección autoinmune que lo dejó paralizado desde el cuello hacia abajo entre los 11 y los 16 años. De manera notable, este fue también el preciso instante en el que Sebastian Coe ganó la carrera de 1500 metros en los Juegos Olímpicos de Moscú, luciendo el número 254, transmitido en la televisión de la sala del hospital. Wilsher-Mills considera esta coincidencia fortuita como el punto de partida de su carrera artística.

El artista entrelaza estos dos eventos de forma inspiradora. En lugar de enfocarse en el trauma de su enfermedad, ve ese momento como el inicio de su vida creativa. Su vibrante instalación invita a explorar sus recuerdos y reflexionar sobre cómo la discapacidad y la adversidad pueden servir como catalizadores para la creatividad y el autodescubrimiento.

La exposición explora lo que ocurría en su cuerpo, en su imaginación y en el mundo que lo rodeaba. Aborda temas como la infancia, la familia, la memoria y la naturaleza de la creatividad: cómo funciona y de dónde proviene. El artista se inspiró en la televisión de los años 80 y en los dibujos anatómicos del Wellcome Collection, que evocaron recuerdos de su hospitalización.

La instalación, llenas de colores vivos y cautivadores, se basa en cientos de dibujos preparatorios que creó para la muestra. Estas obras también pueden explorarse en una sala adyacente. La escultura central, Figure in a Bed, representa al artista en la cama viendo televisión. Una figura que tiene una televisión por cabeza representa al atleta Sebastian Coe. Alrededor de Wilsher-Mills hay pequeños soldados de juguete verdes que simbolizan sus glóbulos blancos, los cuales, según los médicos, atacaban su propio cuerpo en lugar de defenderlo.

Otra escultura parte de la instalación que me gustó es Calliper Boots, con la que interactué personalmente durante mi visita. Esta pieza representa las botas ortopédicas que le dieron para soportar su peso y entrenar sus tobillos, una experiencia dolorosa y desagradable. En un giro creativo, Wilsher-Mills reimaginó estas botas como unas vibrantes Dr. Martens pintadas de colores fuertes, el tipo de calzado que habría querido de niño.

Como explica Wilsher-Mills en una entrevista de años atrás:
“Mi trabajo trata principalmente de mi autoimagen como persona con discapacidad y los efectos duraderos de la enfermedad y la discapacidad. Lo hago a través de trucos teatrales, humor y honestidad. Puedo situarme en entornos y narrativas creativas que describen lo que significa para mí ser discapacitado. Entiendo que, a través del arte, puedo liberarme de las limitaciones que mi cuerpo me impone.”
—Jason Wilsher-Mills, Disability Horizons

La exposición también incluye dioramas interactivos operados con botones, que recuerdan a las máquinas de los salones recreativos de monedas que Wilsher-Mills veía de niño en sus vacaciones en la costa. Estos dioramas mágicos ofrecen ventanas a los recuerdos de su infancia, fusionando mito y realidad de manera onírica. Representan etapas clave de transformación en su vida y brindan una visión de sus fuentes de inspiración.

Además de los dioramas, los dibujos de Wilsher-Mills se exhiben en las paredes de la galería, enriqueciendo aún más la experiencia.

En conjunto, la exposición es un retrato profundamente edificante de cómo la discapacidad de Wilsher-Mills moldeó su identidad e impulsó su pasión por el arte. Su enfoque, lleno de esperanza, muestra cómo las experiencias negativas pueden convertirse en oportunidades para el crecimiento y el aprendizaje. Su obra nos invita a reflexionar sobre la resiliencia del espíritu humano y cómo nuestra perspectiva puede transformar la adversidad en una fuente de fortaleza.

Abstractions of the Mind in Photography

Graciela Iturbide: Shadowlines
14 Jun 2024 – 22 Sep 2024
The Photographers’ Gallery, London, UK

We saw the art show of Mexican photographer Graciela Iturbide last week at the Photographers’ Gallery, and I was very impressed by her work. While she is well-known in her home country, she is not as widely recognized outside of Mexico as she deserves to be. Her work offers a fantastic and unique perspective on a culture she portrays with an insider’s approach, which I believe is difficult to achieve unless you are closely connected to or part of that culture. You only have until this Sunday to catch the exhibition. The Photographers’ Gallery is located just off Oxford Street in central London.

Graciela Iturbide (b. 1942, Mexico City) was introduced to photography during her film studies in her home city. However, she soon became drawn to the art of still photography after participating in a workshop with the Mexican modernist master Manuel Alvarez Bravo (1902-2002), with whom she developed a distinctive photographic language.

Graciela Iturbide’s photography offers a unique perspective on Mexican culture, identity, and belonging. In an interview available on the gallery’s website, she explains that the camera is an excuse to explore culture because photography is very subjective. Indeed, she combines a documentary and humanist approach with an imaginative quality, capturing her subjects with depth and sensitivity.

She said: “I just take photos of what surprises me and what makes me feel an emotion to photograph.”

Throughout her career, Iturbide has documented the lives of Mexico’s indigenous people, providing a glimpse into their traditions, rituals, and struggles while capturing the resilience and dignity of her subjects. She has created specific and carefully articulated bodies of work, often resulting in the publication of a book.

The exhibition offers an overview and introduction to some of these bodies of work, such as The Women of Juchitán (1979-1989), which focuses on the Zapotec culture. Iturbide captured the strength and vitality of the women by immersing herself in the matriarchal society of Juchitán in Oaxaca. This project, which spanned ten years, required countless trips to this narrow stretch of Mexican territory separating the Pacific Ocean from the Atlantic. Over time, she established a deep connection with the people of the region, where women are economically, politically, and sexually independent, often seen as a source of empowerment.

Another series presented in this exhibition is Those Who Live in the Sand (1979), for which she spent an extended period living with the Seri community in the Sonoran Desert, in north-west Mexico near the Gulf of California. Commissioned by the Mexican government, this project was intended to document this once nomadic indigenous population. However, Iturbide’s pictures go beyond mere documentation, reflecting the community’s forced adaptation to modern life, which began in the 1940s. Her empathetic approach was achieved by living with them for two months.

We also saw the series White Fence (1986-1989), which focuses on Cholo gangs of Mexican origin in Los Angeles and Tijuana. Initially conceived as part of a project to document the USA in a single day (May 2), it evolved into a three-year endeavor as she continued working with this Latino gang (White Fence). She explored the complexities of the Mexican-American community, reflecting on themes such as identity, heritage, and migration.

In more recent works presented in the exhibition, Iturbide’s photography shifts away from human subjects, focusing instead on textures, materials, nature, and light. In Naturata (1996-2004), shot in the botanical gardens of Oaxaca, she presents abstract compositions featuring cacti and other plants, juxtaposed with ropes and jute sacks to create striking visual forms. You can see below some photos of the art blueberry interacting with the artworks.

I strongly recommend attending this show if you have the chance before September 22. It offers a beautiful and in-depth look at Mexican culture through the lens of an insider who knows how to capture her subjects with ease, adding a poetic and unique touch to every scene she composes.

Abstracciones de la mente en la fotografía

Graciela Iturbide: Shadowlines
14 Jun 2024 – 22 Sep 2024
The Photographers’ Gallery, Londres, Reino Unido

El sábado pasado vimos la exposición de la fotógrafa mexicana Graciela Iturbide en The Photographers’ Gallery, y quedé muy impresionada por su trabajo. Aunque es muy conocida en su país, no es tan reconocida fuera de México como debería ser. Su obra ofrece una perspectiva fantástica y única sobre una cultura que retrata con un enfoque de conocedora, algo que creo que es difícil de lograr a menos que estés muy conectado o formes parte de esa cultura. Solo tienes hasta este domingo para ver la exposición. The Photographers’ Gallery se encuentra justo al lado de Oxford Street, en el centro de Londres.

Graciela Iturbide (n. 1942, Ciudad de México) fue introducida a la fotografía durante sus estudios de cine en su ciudad natal. Sin embargo, pronto se sintió atraída por el arte de la fotografía tras participar en un taller con el maestro modernista mexicano Manuel Álvarez Bravo (1902-2002), con quien desarrolló un lenguaje fotográfico distintivo.

La fotografía de Graciela Iturbide ofrece una perspectiva única sobre la cultura, la identidad y el sentido de pertenencia mexicanos. En una entrevista disponible en la página web de la galería, ella explica que la cámara es una excusa para conocer la cultura, porque la fotografía es muy subjetiva. De hecho, combina un enfoque documental y humanista con una calidad imaginativa, capturando a sus sujetos con profundidad y sensibilidad.

Ella dijo: “Solo tomo fotos de lo que me sorprende y de lo que me da emoción fotografiar”.

A lo largo de su carrera, Iturbide ha documentado la vida de los pueblos indígenas de México, ofreciendo una visión de sus tradiciones, rituales y luchas, mientras captura la resiliencia y dignidad de sus sujetos. Ha creado cuerpos de trabajo muy específicos y cuidadosamente articulados, que a menudo culminan en la publicación de un libro.

La exposición ofrece una visión general e introductoria de algunos de estos cuerpos de trabajo, como Las mujeres de Juchitán (1979-1989), centrado en la cultura zapoteca. Iturbide retrató la fortaleza y vitalidad de las mujeres al sumergirse en la sociedad matriarcal de Juchitán, en Oaxaca. Este proyecto, que se extendió por diez años, requirió innumerables viajes a esta estrecha franja de territorio mexicano que separa el Océano Pacífico del Atlántico. Con el tiempo, estableció una conexión profunda con la gente de la región, donde las mujeres son independientes económica, política y sexualmente, y a menudo son vistas como una fuente de empoderamiento.

Otra serie presentada en esta exposición es Los que viven en la arena (1979), para la cual pasó un largo periodo viviendo con la comunidad Seri en el Desierto de Sonora, en el noroeste de México, cerca del Golfo de California. Este proyecto fue encargado por el gobierno mexicano con el fin de documentar a esta población indígena, antiguamente nómada. Sin embargo, las fotos de Iturbide van más allá de la simple documentación, reflejando la adaptación forzada de la comunidad a la vida moderna, que comenzó en la década de 1940. Su enfoque empático se logró al vivir con ellos durante dos meses.

También vimos la serie White Fence (1986-1989), que se centra en las pandillas cholas de origen mexicano en Los Ángeles y Tijuana. Inicialmente concebido como parte de un proyecto para documentar los Estados Unidos en un solo día (2 de mayo), se convirtió en una labor de tres años, ya que continuó trabajando con esta pandilla latina (White Fence). Exploró las complejidades de la comunidad méxico-estadounidense, reflexionando sobre temas como la identidad, la herencia y la migración.

En las obras más recientes presentadas en la exposición, la fotografía de Iturbide se aleja de los sujetos humanos, centrándose en cambio en texturas, materiales, naturaleza y luz. En Naturata (1996-2004), tomada en los jardines botánicos de Oaxaca, presenta composiciones abstractas con cactus y otras plantas, yuxtapuestas con cuerdas y sacos de yute, creando formas visuales impactantes. Debajo puedes ver alguna fotos de the art blueberry interactuando con las obras de arte.

Recomiendo encarecidamente asistir a esta muestra si tienes la oportunidad antes del 22 de septiembre. Ofrece una hermosa y profunda mirada a la cultura mexicana a través de la lente de una conocedora que sabe capturar a sus sujetos con naturalidad, añadiendo un toque poético y único a cada escena que compone.

Graciela Iturbide self-portrait from a book at the exhibition

The creative potential of textiles in art

Unravel: The Power and Politics of Textiles in Art
13 February – 26 May 2024
Barbican Art Gallery, London, UK

An exhibition of this nature was long overdue. Textiles are a significant part of everyday life, yet they remain one of the most underexamined mediums in art history and contemporary practice. Co-curated by the Barbican Gallery in London and the Stedelijk Museum in Amsterdam, this art show features artists from the 1960s to today who have explored the transformative and subversive potential of textiles.

I first became intrigued by hand-weaving and the importance of textiles as an art medium when I saw the Anni Albers exhibition at Tate Modern in 2019, which you can read about in my previous post. My interest in textiles grew when I attended Magdalena Abakanowicz‘s exhibition last year, also at the Tate. The Polish sculptor and fibre artist, whose pieces are included in this exhibition at the Barbican, demonstrated the power of this medium. She pioneered fibre-based sculpture and installation in the 1960s.

However, this is the first major exhibition I’ve seen that brings together over 100 artworks by 50 international practitioners. From intimate handcrafted pieces to large-scale sculptural installations, the show focuses on the tactile processes of stitching, weaving, braiding, beading, and knotting. These artists have embraced fibre and thread to tell stories that challenge power structures, transgress boundaries, and reimagine the world around them.

Organized thematically, with artists placed in intergenerational and transcultural dialogues, the lower galleries of the exhibition feature artists who draw inspiration from their ancestors. Indigenous peoples have used thread for centuries to communicate, share information, tell stories, and express themselves. Textiles reveal histories of creativity but also speak to systems of marginalization and violence that have sought to suppress Indigenous knowledge. Unravelling the history of a textile unveils stories of globalism and trade, such as a single thread of cotton dyed with indigo, which evokes histories of empire, the transatlantic trade, and the labor of enslaved people.

Yee I-Lann (Malaysia, 1971) is interested in how textiles in the form of woven mats resist legacies of colonialism. In pre-colonial Southeast Asia, people met on woven mats called ‘tikar.’ Western settlers introduced tables when Borneo was colonized by the Portuguese, British, and Dutch. In these artworks, tables symbolize the imposition of a patriarchal and colonial worldview, while the mat signifies a more democratic and mutual power, imbued with ancestral knowledge and tradition.

On the ground floor, Cecilia Vicuña’s spatial installation Quipu Austral draws on the history of textiles as ancient systems of communication. In Andean cultures, textiles were used as a system of writing. Vicuña links the oppression of pre-colonial cultures to the devastation of the earth’s natural resources.

The art blueberry next to Cecilia Vicuña’s spatial installation Quipu Austral

Next, Sarah Zapata’s ‘To Teach or to Assume Authority’ (2018-19) embraces her identity as a Peruvian American, two cultures in which textiles are integral. Her work references the architecture of the Nazca ceremonial site Cahuachi, where a huge woven cloth was excavated in 1952. She transforms the ruin into a landscape of vibrant latch-hooked threads, subverting the notion of the rug as floor-based. Indigenous communities in Peru only began using textiles on the floor after the Spanish conquest in the sixteenth century.

In the next room, painted entirely in yellow, Acaye Kerunen creates abstract compositions with woven natural fibres to tell stories of joy, love, and ecstasy, originating in overcoming pain and trauma. This was made collaboratively with women using techniques they learned from fellow women community leaders in Uganda.

Another fascinating work was Solange Pessoa’s ‘Hammock’ (part of 4 hammocks), 1999-2003. Created in response to the land of Minas Gerais in Brazil where the artist grew up, textiles here serve as carriers for living and decaying matter. The fabric bags resemble internal and external organs, representing the intertwining of the body and the landscape. This artwork is part of the ‘Entangled Earth’ section of the exhibition, which rejects the idea that humanity is separated from or opposed to nature.

The art blackberry next to ‘Hammock’ by Solange Pessoa

Two ‘Abakans’ by Magdalena Abakanowicz

As we progressed to the upper galleries, we encountered the ‘Subversive Stitch’ section, one of my favourite parts. This section focuses on how, across many cultures, textile-based art has been marginalized and deemed inferior as a domestic or ‘craft’ practice within a hierarchy of artistic value, framed as feminine through a sexist lens. Many artists have resisted this limiting approach and used stitching as a radical practice. This group includes artists such as Mounira Al Solh, Tracey Emin, Ghada Amer and Judy Chicago amongst others.

The little art gooseberry next to a work by Mounira Al Solh

Judy Chicago’s ‘Birth Project’ (1980-85), for instance, was created to fill an iconographic void of images of birth in Western art. By collaborating with 150 women who volunteered to translate her designs into textiles using embroidery, quilting, macrame, needlepoint, and crochet, she depicted the diverse experience of giving birth: ‘the mythical, the celebratory, and the painful.’ The work on display unifies the visceral aspects of birth with a cosmic dimension.

‘Birth Tear/Tear’ by Judy Chicago and Jane Gaddie Thompson

No Chance (WHAT A YEAR) (1999) by Tracey Emin

In Pink Landscape (2007) by Ghada Amer, you see a naked woman in cream color in the background, partially obscured by horizontal and vertical lines of loose threads that reference Abstract Expressionism painting. Amer presents women as sexually liberated to counter representations of women as submissive. Her motivation to use this medium stems from her rejection as a young student in the 1980s, when she wasn’t allowed to enroll in a painting class at art school because she was a woman.

Dear Fesmeri and Mareni, The Dress Doesn’t Fit, 2022 by Georgina Maxim

In Bandage Grip #9 (2020) by Harmony Hammond, red-stained pieces of cloth hang on the canvas surface, referencing violent actions outside the picture frame. Frayed canvas and burlap hang like reparative bandages. Hammond believes in the power of materials to carry messages, frequently alluding to trauma and recovery.

Igshaan Adams’ installation explores ‘desired lines’ in post-Apartheid South Africa, informal pathways created over time through footfall, often used as shortcuts. He sees these lines as symbolic of a collective act of resistance by a community historically segregated and marginalized through spatial planning. These pathways remain symbols of carving out one’s own path, collectively or individually. Belonging to the ‘Borderlines’ section of the exhibition, artists in this section question borders and attempt to transcend them to find a new way of being.

The little art strawberry next to ‘desired lines’ by Igshaan Adams

Finally, the ‘Bearing Witness’ section gathers artists from different backgrounds who use textiles to commemorate victims of oppression and speak back to power. The act of weaving, as a contemplative and slow medium, creates space for collectivity, memory, and grief.

As a whole, I was very interested to see all these artists together in the same exhibition, giving textiles the role they deserve in art history. We realized the relevance of this medium, from its use by our ancestors as a means of communication to unraveling the history of textiles to reveal stories of globalism and trade. What’s more, after being marginalized and relegated as an ‘inferior’ and domestic art form, framed as feminine through a sexist lens, advocates have used the art of weaving and stitching as a radical practice, which increases the creative potential of this medium. I really enjoyed attending this exhibition and strongly recommend it to anyone who has the opportunity to see it in Amsterdam in September this year.

El potencial creativo de los textiles en el arte

Unravel: The Power and Politics of Textiles in Art
13 de febrero – 26 de mayo de 2024
Barbican Art Gallery, Londres, Reino Unido

Una exposición de esta naturaleza era muy esperada. Los textiles son una parte significativa de la vida cotidiana, pero siguen siendo uno de los medios más poco examinados en la historia del arte y la práctica contemporánea. Co-curada por la Barbican Gallery en Londres y el Stedelijk Museum en Ámsterdam, esta muestra de arte presenta a artistas desde la década de 1960 hasta la actualidad que han explorado el potencial transformador y subversivo de los textiles.

Mi interés por el tejido a mano y la importancia de los textiles como medio artístico comenzó cuando vi la exposición de Anni Albers en Tate Modern en 2019, de la que puedes leer en una publicación anterior. Mi interés en los textiles creció cuando asistí a la exposición de Magdalena Abakanowicz el año pasado, también en Tate. La escultora y artista de fibra polaca, cuyas obras están incluidas en esta exposición en el Barbican, demostró el poder de este medio. Fue pionera en la escultura e instalación a base de fibra en la década de 1960.

Sin embargo, esta es la primera gran exposición que he visto que reúne más de 100 obras de 50 artistas internacionales. Desde piezas hechas a mano hasta instalaciones escultóricas a gran escala, la muestra se centra en los procesos táctiles de coser, tejer, trenzar, abalorar y anudar. Estos artistas han adoptado la fibra y el hilo para contar historias que desafían las estructuras de poder, transgreden fronteras y reimaginan el mundo que nos rodea.

Organizada temáticamente, con artistas situados en diálogos intergeneracionales y transculturales, la exposición nos recibe con textiles que nos transportan a nuestros ancestros. Los pueblos indígenas han utilizado el hilo durante siglos para comunicarse, compartir información, contar historias y expresarse. Los textiles revelan historias de creatividad, pero también testimonian sistemas de marginación y violencia que han intentado suprimir el conocimiento indígena. Desentrañar la historia de un textil revela narrativas de globalismo y comercio; por ejemplo, un solo hilo de algodón teñido con índigo evoca historias de imperio, comercio transatlántico y el trabajo de personas esclavizadas.

Yee I-Lann (Malasia, 1971) está interesada en cómo los textiles en forma de esteras tejidas resisten los legados del colonialismo. En el sudeste asiático precolonial, la gente se reunía en esteras tejidas llamadas ‘tikar’. Los colonos occidentales introdujeron mesas cuando Borneo fue colonizado por los portugueses, británicos y holandeses. En estas obras de arte, las mesas simbolizan la imposición de una cosmovisión patriarcal y colonial, mientras que la estera representa un poder más democrático y mutuo, impregnado de conocimiento y tradición ancestral.

En la planta baja, la instalación espacial Quipu Austral de Cecilia Vicuña se basa en la historia de los textiles como antiguos sistemas de comunicación. En las culturas andinas, los textiles se usaban como un sistema de escritura. Vicuña vincula la opresión de las culturas precoloniales con la devastación de los recursos naturales de la tierra.

The art blueberry junto a Quipu Austral de Cecilia Vicuña

Luego, ‘To Teah or to Assume Authority’ (2018-19) de Sarah Zapata abraza su identidad como peruana estadounidense, dos culturas en las que los textiles son integrales. Su obra hace referencia a la arquitectura del sitio ceremonial Nazca de Cahuachi, donde se excavó una gran tela tejida en 1952. Ella transforma la ruina en un paisaje de vibrantes hilos de anzuelo, subvirtiendo la noción de la alfombra como un objeto de piso. Las comunidades indígenas en Perú solo comenzaron a usar textiles en el suelo después de la conquista española en el siglo XVI.

‘To Teach or to Assume Authority’ de Sarah Zapata

En la siguiente sala, pintada completamente en amarillo, Acaye Kerunen crea composiciones abstractas con fibras naturales tejidas para contar historias de alegría, amor y éxtasis, originadas en la superación del dolor y el trauma. Esto se hizo en colaboración con mujeres que utilizan técnicas que aprendieron de otras mujeres líderes comunitarias en Uganda.

Otra obra fascinante fue ‘Hammock’ de Solange Pessoa (parte de 4 hamacas), 1999-2003. Creada en respuesta a la tierra de Minas Gerais en Brasil, donde la artista creció, los textiles aquí sirven como portadores de materia viva y en descomposición. Las bolsas de tela se asemejan a órganos internos y externos, representando la interconexión del cuerpo y el paisaje. Esta idea se relaciona bien con la analogía microcosmos-macrocosmos entre los seres humanos y el universo, particularmente dentro de la sección ‘Entangled Earth’ de la exposición, que rechaza la idea de que la humanidad está separada o en oposición a la naturaleza.

The art blackberry junto a ‘Hammock’ de Solange Pessoa

Dos Abakans de Magdalena Abakanowicz

A medida que avanzamos hacia las galerías superiores, nos encontramos con la sección ‘Subversive Stitch’, una de mis partes favoritas. Esta sección se centra en cómo, a través de muchas culturas, el arte basado en textiles ha sido marginado y considerado inferior como una práctica doméstica o ‘artesanal’ dentro de una jerarquía de valor artístico, enmarcado como femenino a través de una lente sexista. Muchos artistas han resistido este enfoque limitante y han utilizado la costura como una práctica radical. Este grupo incluye artistas como Mounira Al Solh, Tracey Emin, Ghada Amer y Judy Chicago.

Por ejemplo, ‘Birth Project’ (1980-85) de Judy Chicago, se creó para llenar un vacío iconográfico de imágenes de nacimiento en el arte occidental. Colaborando con 150 mujeres que se ofrecieron como voluntarias para traducir sus diseños en textiles utilizando bordado, acolchado, macramé, punto de cruz y crochet, ella representó la diversa experiencia de dar a luz: ‘lo mítico, lo celebratorio y lo doloroso’. La obra en exhibición unifica los aspectos viscerales del nacimiento con una dimensión cósmica.

‘Birth Tear/Tear’ de Judy Chicago y Jane Gaddie Thompson

En ‘Pink Landscape’ (2007) de Ghada Amer, se ve a una mujer desnuda de color crema en el fondo, parcialmente oculta por líneas horizontales y verticales de hilos sueltos que hacen referencia a la pintura del Expresionismo Abstracto. Amer presenta a las mujeres como sexualmente liberadas para contrarrestar las representaciones de mujeres como sumisas. Su motivación para usar este medio proviene de su rechazo como estudiante joven en los años 80, cuando no se le permitió inscribirse en una clase de pintura en la escuela de arte porque era mujer.

‘Dear Fesmeri and Mareni, The Dress Doesn’t Fit’ de Georgina Maxim

En ‘Bandage Grip #9’ (2020) de Harmony Hammond, piezas de tela teñidas de rojo cuelgan en la superficie del lienzo, haciendo referencia a acciones violentas fuera del marco. El lienzo deshilachado y la arpillera cuelgan como vendas reparadoras. Hammond cree en el poder de los materiales para transmitir mensajes, frecuentemente aludiendo al trauma y la recuperación.

La instalación de Igshaan Adams explora las ‘líneas deseadas’ en la Sudáfrica post-Apartheid, caminos informales creados con el tiempo a través del paso de peatones, a menudo utilizados como atajos. Él ve estas líneas como simbólicas de un acto colectivo de resistencia por parte de una comunidad históricamente segregada y marginada a través de la planificación espacial. Estas vías siguen siendo símbolos de trazar su propio camino, colectivamente o individualmente. Perteneciente a la sección ‘Borderlines’ de la exposición, los artistas de esta sección cuestionan las fronteras y tratan de trascenderlas para encontrar una nueva forma de ser.

The little art strawberry junto a ‘desired lines’ de Igshaan Adams

Finalmente, la sección ‘Bearing Witness’ reúne a artistas de diferentes orígenes que utilizan textiles para conmemorar a las víctimas de la opresión y hablar contra el poder. El acto de tejer, como medio contemplativo y lento, crea espacio para la colectividad, la memoria y el duelo.

En general, me interesó mucho ver a todos estos artistas juntos en la misma exposición, dando a los textiles el papel que merecen en la historia del arte. Nos dimos cuenta de la relevancia de este medio, desde su uso por nuestros ancestros como un medio de comunicación, hasta desentrañar la historia de los textiles para revelar historias de globalismo y comercio. Además, después de haber sido marginado y relegado como una forma de arte ‘inferior’ y doméstica, enmarcada como femenina a través de una lente sexista, los defensores han utilizado el arte del tejido y la costura como una práctica radical, lo que aumenta el potencial creativo de este medio. Disfruté mucho asistir a esta exposición y la recomiendo encarecidamente a cualquiera que tenga la oportunidad de verla en Ámsterdam en septiembre de este año.

Organic sculpture that captures your imagination

When Forms Come Alive
7 February 2024 – 6 May 2024
Hayward Gallery, Southbank Centre, London, UK.

This is the last weekend that this art exhibition will be open, so I strongly recommend that you go. The show includes contemporary sculpture made in the last 60 years, inspired by movement, fluidity, and growth, and it’s one of the best exhibitions I’ve seen at the Hayward Gallery in years. It’s open until Monday, bank holiday in the UK.

In contrast to traditional sculpture, the works on display in this exhibition are organic and appear to be undergoing a process of transformation. It’s as if art has partnered with science to bring you a new perspective of the world on a grander scale.

Exploring the gallery space was a delight, with each room revealing new artworks and surprises. The curating is brilliant, in terms of the works selected, the space allocated to each of them, and in between them. This allows you to navigate the show and see yourself in relation to these artworks.

As you enter the main gallery space downstairs, you can see the work by Dutch duo Studio Drift, where little silk flowers move open and close as they go up and down in an absorbing dance.

Adjacent to this, you’ll find the striking installation by Michel Blazy, crafted from white foam. Like other forms of ephemeral art, the works evolve and move as you stand in front of them, gaining interesting spiralling shapes that you’d like to be able to touch for their softness and fluidity, as if wanting to be part of that flow. See The art blackberry next to it.

The art blackberry next to ‘Bouquet Final’ by Michel Blazy

Then, up the ramp, you see the towers created out of discarded junk by Seoul-based sculptor Choi Jeong-hwa. The stuff of everyday life is combined here in surprising towers of rusty nails, gas rings, shells, etc., called by him “holobionts”, little microcosms of symbiotic organisms.

This takes us into a room with the artworks created by Spanish artist Teresa Solar Abboud, in which a mix of clay, resin, metal, and acrylic develop into hybrids between biology, geology, and engineering. These ‘Three tunnel boring machines’ combine industrial and organic material in such a magical way that they seem to be presenting you with huge craps elevating their arms to the sky in dynamic and mysterious ways. I was mesmerized by these works. See below The art blueberry interacting with them.

The art blueberry next to ‘Tunnel Boring Machine’ by Teresa Solar Abboud

The following artwork is probably one of the most aesthetically exciting in this art show. The work created by the American artist, Tara Donovan, of shiny molecular forms proliferating to fill a whole space. All made of Mylar, a metallic polyester film, which was folded, glued, and massed into spheres of various sizes that resemble huge molecular structures. The little art strawberry posed holding a small part of it fallen from the artwork and offered to her by the gallery attendant. We loved this artwork!

The little art strawberry next to ‘Untitled (Mylar)’ by Tara Donovan

The next amazing installation was by the French artist Marguerite Humeau, and it was made with beeswax, walnut wood, and microcrystalline wax to recreate forms that exist in nature like a tree that spreads flat into clusters of tiered honeycombs and releases a scent, while you can listen to a soft buzz that makes you feel as if you were in the presence of a form that’s still alive. These three pieces of art are mesmerizing and atemporal and are central to the theme of this exhibition.

The little art strawberry next to Marguerite Humeau’s artwork

French art continues to captivate in the following room with another French artist, Jean-Luc Meulene. His works are placed on top of white tables and capture your imagination with vibrant colors and organic shapes with surrealist touches. See the pictures below to get an idea.

While the artworks in the upstairs gallery are equally impressive, they didn’t leave quite the same impact on me as those downstairs. Nevertheless, there are standout pieces worth mentioning, such as Ruth Asawa’s intricate wire sculptures, which draw inspiration from natural forms.

I found captivating the work by American artist Senga Nengudi, who presented a water-filled form that reminds us of the malleable character of human flesh and how our bodies are formed mostly by water. It makes me think of the fragility and endurance of human bodies.

Then, I liked the artwork on Lichen made by London artist Holly Hendry. She brings to life the theme of this exhibition quite perfectly. She works with scale, taking microscopic images of lichen, water, algae, and fungi and transforming them into a sculpture made of stainless steel, glass, canvas, timber, and paint to reveal unexpected connections between natural and architectural forms. She invites us to see the building for this gallery as part of a larger ecosystem.

And finally, I must mention that this exhibition also includes works by other renowned artists such as Phyllida Barlow and Franz West, whom I also found interesting and well-integrated in this exhibition. However, since I have previously covered their works in this blog, I won’t delve into them on this occasion, but you can see two photos below.

The artworks in this exhibition invoke shifting realms of experience and reminded me that everything is in a continuous state of fluxing and change. In these times in which we are somehow disembodied because of the profusion of digital devices around us, these artworks invite us to be present and enjoy our senses. I feel that art is so close to science when you look at this works that could have been inspired by the microscopic images taken from a laboratory and recreated in color and exciting materials. You cannot miss this exhibition if you’re in London and free until Monday.

Esculturas orgánicas que despiertan tu imaginación

When Forms Come Alive
7 de febrero de 2024 – 6 de mayo de 2024
Hayward gallery, Southbank Centre, Londres, Reino Unido.

Este es el último fin de semana en que esta exposición de arte estará abierta, así que te recomiendo encarecidamente que vayas. La muestra incluye escultura contemporánea realizada en los últimos 60 años, inspirada en el movimiento, la fluidez y el crecimiento, y es una de las mejores exposiciones que he visto en la Hayward gallery en años. Está abierta hasta el lunes, día festivo en el Reino Unido.

En contraste con la escultura tradicional, las obras expuestas en esta exposición son orgánicas y parecen estar experimentando un proceso de transformación. Es como si el arte se hubiera aliado con la ciencia para ofrecerte una nueva perspectiva del mundo en una escala más amplia.

Explorar el espacio de la galería fue un placer, con cada sala revelando nuevas obras de arte y sorpresas. El comisariado es brillante, tanto en relación a las obras seleccionadas, el espacio asignado a cada una de ellas y entre ellas. Esto te permite navegar por la muestra y verte en relación con estas obras de arte.

Al entrar en el espacio principal de la galería en la planta baja, puedes ver la obra del dúo holandés Studio Drift, donde pequeñas flores de seda se abren y se cierran mientras suben y bajan en una danza absorbente.

Adyacente a esto, encontrarás la impresionante instalación de Michel Blazy, elaborada con espuma blanca. Al igual que otras formas de arte efímero, la obra evoluciona y se mueve mientras estás parado frente a ella, adquiriendo interesantes formas espirales que te gustaría poder tocar por su suavidad y fluidez, como si quisieras ser parte de ese flujo. Puedes ver a The art blackberry junto a ella.

Luego, subiendo por la rampa, verás las torres creadas con objetos desechados por el escultor con sede en Seúl, Choi Jeong-hwa. Los objetos de la vida cotidiana se combinan aquí en sorprendentes torres de clavos oxidados, anillos de gas, conchas, etc., llamadas por él “holobionts”, pequeños microcosmos de organismos simbióticos.

Esto nos lleva a una sala con las obras creadas por la artista española Teresa Solar Abboud, en las que una mezcla de arcilla, resina, metal y acrílico se convierte en híbridos entre la biología, la geología y la ingeniería. Estas ‘Tres máquinas perforadoras de túneles’ combinan material industrial y orgánico de una manera mágica que parece presentarte enormes formas elevando sus brazos al cielo de manera dinámica y misteriosa. Quedé hipnotizado por estas obras. Ver abajo The art blueberry interactuando con ellas.

La siguiente obra de arte es probablemente una de las más emocionantes estéticamente en esta exposición de arte. El trabajo creado por la artista estadounidense, Tara Donovan, de brillantes formas moleculares que proliferan para llenar todo un espacio. Todas hechas de Mylar, una película de poliéster metálico, que fue doblada, pegada y amasada en esferas de varios tamaños que se asemejan a enormes estructuras moleculares. The little art strawberry posa sosteniendo una pequeña parte parte desprendida de la obra ofrecida por el asistente de la galería. Nos encantó este trabajo.

La siguiente instalación asombrosa fue realizada por la artista francesa Marguerite Humeau, y fue hecha con cera de abejas, madera de nogal y cera microcristalina para recrear formas que existen en la naturaleza, como un árbol que se extiende planamente en racimos de panal escalonados y libera un aroma, mientras puedes escuchar un suave zumbido que te hace sentir como si estuvieras en presencia de una forma que todavía está viva. Estas tres piezas de arte son hipnotizantes y atemporales y son centrales para el tema de esta exposición.

El arte francés parece revitalizado al visitar la sala pasada que es seguida por otro artista francés, Jean-Luc Meulene, cuyo trabajo está colocado sobre mesas blancas y captura tu imaginación con colores vibrantes y formas orgánicas con toques surrealistas. Ver las imágenes a continuación para tener una idea.

Aunque las obras en la galería de arriba son igualmente impresionantes, no me impactaron tanto como las de abajo. Sin embargo, hay piezas destacadas que vale la pena mencionar, como las intrincadas esculturas de alambre de Ruth Asawa, que se inspiran en formas naturales.

La obra de Senga Nengudi below, que evoca la maleabilidad de la carne humana, me resultó cautivadora, lo que me lleva a reflexionar sobre la fragilidad y la resistencia del cuerpo humano.

Luego, me gustó la obra sobre el líquen realizada por la artista londinense Holly Hendry. Ella da vida al tema de esta exposición de manera perfecta. Trabaja con la escala, tomando imágenes microscópicas de líquenes, agua, algas y hongos y transformándolas en una escultura hecha de acero inoxidable, vidrio, lienzo, madera y pintura para revelar conexiones inesperadas entre formas naturales y arquitectónicas. Nos invita a ver el edificio de esta galería como parte de un ecosistema más grande.

Y por último, debo mencionar que esta exposición incluye obras de otros artistas reconocidos como Phyllida Barlow y Franz West, que también me parecieron muy interesantes y bien integradas en el conjunto. Sin embargo, dado que ya he cubierto sus obras anteriormente en este blog, no profundizaré en ellas en esta ocasión pero se puedes ver varias fotos a continuación .

Las obras de arte en esta exposición evocan reinos de experiencia en constante cambio, recordándome que todo está en un estado continuo de flujo y cambio. En estos tiempos en los que a menudo nos sentimos desconectados debido a la proliferación de dispositivos digitales a nuestro alrededor, estas obras de arte nos animan a estar completamente presentes y a disfrutar de nuestros sentidos. Encuentro que el arte y la ciencia están íntimamente entrelazados, especialmente al considerar cómo estas piezas podrían haber sido inspiradas por imágenes microscópicas capturadas en un laboratorio y luego recreadas con colores vibrantes y materiales interesantes. Si te encuentras en Londres y tienes la oportunidad, no te pierdas esta exposición.

Ten timber sculptures

Georg Baselitz: Sculptures 2011-2015
5 October 2023 – 7 January 2024
Serpentine Gallery, London, UK

The Serpentine South gallery currently showcases German artist Georg Baselitz’s work, available for viewing until tomorrow. Hurry to discover some of his latest pieces – created between 2011 and 2015 – reflecting on history, personal life, and childhood memories, modeled on himself and his wife Elke.

The visit felt to me like a visit to the artist’s studio, especially if you know that the ten timber sculptures in this art exhibition were not originally intended for public view. They were made as models, in preparation for bronze works. Each wooden sculpture is made from a single tree trunk, which Baselitz carved down using power saws, axes, and chisels. His solid, impactful figures retain the texture of timber, with distinctive incisions and notches across their surfaces.

Surrounded by the trees of Kensington Gardens, the venue complements the sculptures, evoking their original living forms in the forests of Saxony. The exhibition invites you into a forest of raw, timber sculptures, offering insights into Baselitz’s process and highlighting connections between his drawings and sculptures across different mediums. The accompanying drawings are not preparatory sketches but were created during the sculpting process.

There’s enough space within the gallery for visitors to walk freely around the huge artworks and engage with the performative side of sculpture, as we enjoyed doing, and you can see in the photos below. One of the most memorable works in this exhibition is “Zero Mobil”, a big timber sculpture suspended from the ceiling with a skull motif exploring themes of time, mortality, and the fragility of life.

Georg Baselitz (b. 1938, Saxony, Germany) first came to prominence in post-war Germany as a painter. From 1969 onwards, he has been known for turning upside down human forms and other motifs in an attempt to disrupt pictorial conventions. Turning figures upside down also invites abstraction and offers a fresh perspective on the world.

With a career spanning over six decades, Baselitz is one of the most prolific artists of his generation. He has also been one of the most controversial, with his early background fundamental to understanding his artwork. Born Hans-Georg Kern in Deutschbaselitz in 1938 in what later became East Germany (in 1958, he fashioned his name after his birthplace), the young Baselitz grew up in the immediate aftermath of World War II. According to the curator of the exhibition, Tamsin Hong, Baselitz doesn’t want to forget memories even if they are challenging.

Baselitz focused on form, color, and texture, bringing new perspectives to the tradition of German Expressionism. He turned to sculpture in 1979, continuing to explore tensions between the figurative and the abstract through crude approximations of figures and body parts carved from wood. Baselitz says of his creations: “My carvings are best described by Immanuel Kant: ‘Out of the crooked wood of humanity, nothing entirely straight can be built. It is only the approximation of this idea that nature imposes upon us.’”

Entering the South Serpentine gallery with this exhibition on display was like entering the artist’s studio and discovering the intricacies of his thought and creative process. The somehow primal shape of these huge sculptures, and the smell of the wood and the knowledge of being surrounded by trees outside the gallery contributes to make the experience grounded and authentic.

Diez esculturas de madera

Georg Baselitz: Esculturas 2011-2015
5 de octubre de 2023 – 7 de enero de 2024
Serpentine Gallery, Londres, Reino Unido

La galería Serpentine South exhibe actualmente la obra del artista alemán Georg Baselitz, abierta hasta mañana. Date prisa para descubrir algunas de sus últimas piezas, creadas entre 2011 y 2015, que reflejan la historia, la vida personal y los recuerdos de su infancia; inspiradas en él y su esposa Elke.

La visita me pareció como una visita al estudio del artista, especialmente si sabes que las diez esculturas de madera en esta exposición de arte no estaban originalmente destinadas a ser expuestas al público. Fueron hechas como maquetas o modelos, en preparación para trabajos en bronce. Cada escultura de madera está hecha de un solo tronco de árbol, que Baselitz talló con sierras eléctricas, hachas y cinceles. Sus figuras sólidas e impactantes conservan la textura de la madera, con incisiones y mellas distintivas en sus superficies.

Rodeado por los árboles de los jardines de Kensington, el lugar complementa las esculturas, evocando sus formas de vida originales en los bosques de Sajonia. La exposición te invita a adentrarte en un bosque de esculturas de madera en bruto, ofreciendo información sobre el proceso de Baselitz y destacando las conexiones entre sus dibujos y esculturas en diferentes medios. Los dibujos adjuntos no son bocetos preparatorios, sino que fueron creados durante el proceso de escultura.

Hay suficiente espacio dentro de la galería para que los visitantes caminen libremente entre las enormes obras de arte y se involucren con el lado performativo de la escultura, como hicimos nosotras y puedes ver en las fotos a continuación. Una de las obras más memorables de esta exposición es “Zero Mobil”, una gran escultura de madera suspendida del techo con un motivo de calavera que explora temas como el tiempo, la mortalidad y la fragilidad de la vida.

Georg Baselitz (n. 1938, Sajonia, Alemania) saltó a la fama por primera vez en la Alemania de la posguerra como pintor. A partir de 1969, se destacó por poner boca abajo formas humanas y otros motivos en un intento de alterar las convenciones pictóricas. Poner las figuras boca abajo también invita a la abstracción y ofrece una nueva perspectiva del mundo.

Con una carrera que abarca más de seis décadas, Baselitz es uno de los artistas más prolíficos de su generación. También ha sido uno de los más controvertidos, y sus antecedentes iniciales son fundamentales para comprender su obra de arte. Nacido como Hans-Georg Kern en Deutschbaselitz en 1938, en lo que más tarde se convirtió en Alemania Oriental (en 1958, adoptó su nombre en honor a su lugar de nacimiento), el joven Baselitz creció inmediatamente después de la Segunda Guerra Mundial. Según la comisaria de la exposición, Tamsin Hong, Baselitz no quiere olvidar los recuerdos, aunque sean desafiantes.

Baselitz se centró en la forma, el color y la textura, aportando nuevas perspectivas a la tradición del expresionismo alemán. Se dedicó a la escultura en 1979 y continuó explorando las tensiones entre lo figurativo y lo abstracto a través de crudas aproximaciones de figuras y partes del cuerpo talladas en madera. Baselitz dice de sus creaciones: “Immanuel Kant describe mejor mis tallas: ‘A partir de la madera torcida de la humanidad, no se puede construir nada completamente recto’. Es sólo la aproximación a esta idea lo que la naturaleza nos impone”.

Entrar a la galería South Serpentine con esta exposición fue como entrar al estudio del artista y descubrir las complejidades de su pensamiento y proceso creativo. La forma primitiva de estas enormes esculturas, el olor de la madera y el estar rodeado de árboles fuera de la galería contribuyen a que la experiencia sea sólida y auténtica.