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Aboriginal art rooted in landscape

Emily Kam Kngwarray’s exhibition at Tate Modern explores Aboriginal art through ceremony, landscape and ancestral knowledge, offering a powerful encounter with one of the most influential artists of the 20th century.

Emily Kam Kngwarray
Tate Modern, London, UK
10 July 2025 – 11 January 2026

Today I want to draw your attention to an artist who has the power to open the mind to radically different ways of seeing and inhabiting the world. Emily Kam Kngwarray, one of the most extraordinary figures in international contemporary art, currently has a major exhibition at Tate Modern—well worth visiting if you are in London before 11 January.

Emily Kam Kngwarray (c.1914–1996) was an Aboriginal Australian artist from Alhalker, in the Sandover region of the Northern Territory. A senior Anmatyerr woman, she translated her ceremonial and spiritual engagement with her ancestral territory into vividly patterned batik textiles and monumental acrylic paintings. Remarkably, she took up painting on canvas in her seventies and devoted the final years of her life to an astonishingly prolific artistic output.

Black and white portrait of an elderly Aboriginal woman seated with a serene expression, wearing a headscarf and traditional clothing, against a textured background.
A map showing the region of Anmatyerr and surrounding areas in Central Australia, with labeled locations, a legend, and a scale for reference.
Batik textile artwork by Emily Kam Kngwarray featuring intricate patterns in red and white, depicting various plants and animals.
Hanging batik artworks by Emily Kam Kngwarray in a spacious gallery setting, showcasing bright colors and intricate patterns, with wooden flooring and additional artworks on the walls.
Two large batik artworks by Emily Kam Kngwarray hanging in an exhibition space at Tate Modern, surrounded by additional wall-mounted paintings.
A vibrant batik textile artwork by Emily Kam Kngwarray, featuring intricate patterns in earthy tones of brown, yellow, and green, displayed on a wall.
The Art Gooseberry Interacting with Emily Kam Kngwarray at Tate Modern

Kngwarray grew up working on cattle stations. Land to the east of Alhalker was taken over by white settlers and renamed Utopia, where many Aboriginal people, including Kngwarray, laboured on pastoral properties. Despite these disruptions, cultural knowledge and ceremonial practices endured. As an elder and ancestral custodian, Kngwarray had painted for ceremonial purposes for decades before her work entered the contemporary art sphere.

She began working with batik in 1977 and moved to painting on canvas in 1988, also producing works on paper and, in the early 1990s, a small number of prints including etchings and linocuts. Over the course of her life, she created an expansive and influential body of work and was at the forefront of a profound Aboriginal artistic revolution in Australia.

Kngwarray’s art embodies her intimate knowledge of the land she lived on throughout her life. Her layered compositions map desert ecosystems through motifs representing plants, animals and geological features. Her practice was deeply shaped by women’s ceremonial traditions of awely, which encompass song, dance and the painting of bodies with ground ochres. She often sat on the ground to paint, mirroring everyday and ceremonial acts—preparing food, digging yams, telling stories through drawings in the sand, or painting up for awely ceremonies.

The exhibition opens with one of her earliest batiks on cotton from 1977, shown alongside Emu Woman (1988), her first painting on canvas and the work that brought her national recognition. Kngwarray frequently depicted the emu (ankerr), a significant ancestral being, as well as the pencil yam (anwerlarr) and its edible underground seedpods (kam), from which she takes her name.

For Aboriginal and Torres Strait Islander Peoples, ancestral beings—commonly known as Dreamings—manifest themselves in country and its many life forms. Ntang Dreaming (1989) depicts the edible seeds of woollybutt grass, while Ankerr (Emu) (1989) maps a path of emu footprints travelling between water sources.

Una persona dibujando en la arena de color naranja con un bastón, creando patrones en un entorno natural.
An abstract artwork featuring intricate patterns and vibrant colors, showcasing an Aboriginal Australian artistic style often associated with Emily Kam Kngwarray.
A vibrant artwork titled 'Women's Dreaming' by Emily Kam Kngwarray, featuring intricate patterns of leafy motifs and colorful dots in shades of orange, yellow, and blue on a rich background.
A vibrant Aboriginal artwork by Emily Kam Kngwarray, featuring intricate patterns and a color palette of reds, yellows, and whites, displayed in a gallery setting.
Emu Woman (1988)
A vibrant acrylic painting by Emily Kam Kngwarray featuring a textured composition of yellow, green, and black dots, displayed on a beige wall.
A vibrant abstract painting featuring a dense pattern of red dots and hints of green on a textured background, displayed on a white wall.
A vibrant abstract painting by Emily Kam Kngwarray, showcasing intricate patterns and a rich palette of reds, pinks, and blacks, reflecting her connection to Aboriginal culture and the land.
Ntang Dreaming (1989)

In her final years, Kngwarray underwent a striking stylistic shift, producing works composed of bold, parallel monochrome lines in her familiar palette of reds and yellows, often on white paper or canvas. Tate Modern presents Untitled (Awely) (1994), a six-panel work originally shown as the centrepiece of the Australian Pavilion at the 1997 Venice Biennale. The tactile application of paint evokes the intimacy and gesture of ceremonial body painting.

The Little Art Gooseberry next to Emily Kam Kngwarray's artwork at Tate Modern 2025
Abstract painting by Emily Kam Kngwarray, featuring vibrant colors and dynamic patterns, displayed at Tate Modern.
A vibrant abstract painting by Emily Kam Kngwarray, featuring a blend of warm colors such as oranges, reds, and yellows, set against a dark frame, displayed on a white wall.
The Art Blueberry next to an artwork by Emily Kam Kngwarray at Tate Modern 2025

Later works move away from lines and dots altogether, developing fluid, gestural brushstrokes that pulse with energy. The exhibition closes with Yam Awely (1995), whose twisting whites, yellows and reds intertwine with linear markings of grasses, roots and tracks, expressing the timeless bond between Kngwarray and her ancestral territory.

Three vertical abstract paintings featuring bold, parallel, dark lines over a light background, displayed on a gallery wall.
A vibrant artwork featuring bold, irregular lines in shades of red and brown on a white canvas, displayed in an art gallery setting.
An abstract painting featuring bold, swirling purple lines on a brown background, displayed on a gallery wall.
An artwork featuring bold, parallel brushstrokes in various shades of reds, browns, and whites, displayed on a wall at an art exhibition.

Kngwarray died in 1996 and represented Australia at the Venice Biennale the following year. Her work has had a profound impact both in Australia and internationally, inspiring generations of Aboriginal artists.

The exhibition presents the artist through the lens of her own world, as part of her close community and in connection with the land where she grew up and knew so well. It showcases an artist in deep connection with her ancestral territory and brings together over 70 works, many of which have never been shown outside Australia before. The experience of being immersed in such vibrant colours and natural motifs is truly fascinating.

Entrance: £22 / Free for Members

Arte aborigen arraigado en el paisaje

Emily Kam Kngwarray
Tate Modern, Londres, Reino Unido
10 de julio de 2025 – 11 de enero de 2026

Hoy quiero llamar la atención sobre una artista capaz de abrir la mente a formas radicalmente distintas de ver y habitar el mundo. Emily Kam Kngwarray, una de las figuras más extraordinarias del arte contemporáneo internacional, cuenta actualmente con una gran exposición en la Tate Modern, una visita imprescindible si estás en Londres antes del 11 de enero.

Emily Kam Kngwarray (c.1914–1996) fue una artista aborigen australiana de Alhalker, en la región de Sandover, en el Territorio del Norte. Mujer mayor del pueblo Anmatyerr, tradujo su compromiso ceremonial y espiritual con su territorio ancestral en vibrantes textiles batik y monumentales pinturas acrílicas sobre lienzo. De forma extraordinaria, comenzó a pintar sobre lienzo en la década de los setenta de su vida y dedicó sus últimos años a una producción artística asombrosamente prolífica.

Kngwarray creció trabajando en estaciones ganaderas. Las tierras situadas al este de Alhalker fueron ocupadas por colonos blancos y rebautizadas como Utopia, donde muchas personas aborígenes, incluida Kngwarray, trabajaron en explotaciones pastorales. A pesar de estas rupturas, el conocimiento cultural y las prácticas ceremoniales perduraron. Como anciana y custodio ancestral, Kngwarray había pintado con fines ceremoniales durante décadas antes de que su obra entrara en el ámbito del arte contemporáneo.

Comenzó a trabajar con batik en 1977 y pasó a la pintura sobre lienzo en 1988. También realizó obras sobre papel y, a comienzos de los años noventa, produjo un pequeño número de grabados, entre ellos aguafuertes y linograbados. A lo largo de su vida creó un corpus de obra amplio e influyente y estuvo a la vanguardia de una profunda revolución artística aborigen en Australia.

El arte de Kngwarray encarna su conocimiento íntimo de los lugares en los que vivió a lo largo de su vida. Sus composiciones en capas trazan los ecosistemas del desierto mediante motivos que representan plantas, animales y formaciones geológicas. Su práctica estuvo profundamente marcada por las tradiciones ceremoniales femeninas del awely, que abarcan canto, danza y la pintura del cuerpo con ocres naturales. A menudo se sentaba en el suelo para pintar, del mismo modo que se sentaba para preparar comida, extraer ñames de la tierra, contar historias dibujando sobre la arena o “pintarse” para las ceremonias de awely.

La exposición se abre con uno de sus primeros batiks sobre algodón de 1977, presentado junto a Emu Woman (1988), su primera obra sobre lienzo y la que le otorgó reconocimiento a nivel nacional. Kngwarray representó con frecuencia al emú (ankerr), reflejando la importancia del animal para los pueblos aborígenes, así como el ñame lápiz (anwerlarr) y sus vainas subterráneas comestibles (kam), de las que procede su nombre.

Para los pueblos aborígenes y de las islas del Estrecho de Torres, los seres ancestrales —conocidos popularmente como Dreamings— se manifiestan en el territorio y en sus múltiples formas de vida. Ntang Dreaming (1989) representa las semillas comestibles de la hierba woollybutt, mientras que Ankerr (Emu) (1989) traza el recorrido de huellas de emú entre distintas fuentes de agua.

En sus últimos años, Kngwarray experimentó un cambio estilístico abrupto, creando una serie de obras compuestas por líneas monocromas paralelas y contundentes, en su paleta habitual de rojos y amarillos, pintadas sobre papel o lienzo blanco. La Tate Modern presenta Untitled (Awely) (1994), una obra de seis paneles mostrada originalmente como pieza central del Pabellón de Australia en la Bienal de Venecia de 1997. La cualidad táctil con la que aplica la pintura evoca el gesto y la intimidad de la pintura corporal propia de las ceremonias de awely.

Las obras posteriores se alejan de las líneas y los puntos para dar paso a pinturas gestuales, con pinceladas fluidas cargadas de energía. La exposición se cierra con Yam Awely (1995), cuyas intrincadas torsiones de blanco, amarillo y rojo se entrelazan con marcas lineales de hierbas, ñames, raíces y senderos, señalando la conexión atemporal entre Kngwarray y su territorio ancestral.

Kngwarray falleció en 1996 y al año siguiente representó a Australia de manera póstuma en la Bienal de Venecia. Su obra ha tenido un impacto inmenso tanto en Australia como a nivel internacional, e ha inspirado a nuevas generaciones de artistas aborígenes.

Esta es una exposición que no debería perderse. Ofrece un encuentro poco común con una práctica artística desarrollada al margen de las tradiciones europeas y norteamericanas, arraigada en cambio en el conocimiento vivido, la comunidad y la tierra. La muestra presenta a la artista desde la perspectiva de su propio mundo, en estrecha relación con su comunidad y con el territorio que conocía profundamente. La experiencia de verse envuelto por una intensidad de color y motivos naturales resulta profundamente fascinante.

Entrada: 22 £ / Gratuita para miembros

Fuentes: Página web de Tate y Wikipedia.

Visceral Sculptures in the Turbine Hall

Mire Lee: Open Wound (Hyundai Commission)
9 October 2024 – 16 March 2025
Tate Modern, London, UK

The latest installation at Tate Modern’s Turbine Hall is one of the most striking and moving works I’ve seen in years. Created by South Korean artist Mire Lee, Open Wound reawakens the building’s industrial past while exploring how post-industrial landscapes shape the human body and psyche.

Lee reimagines the Turbine Hall as the interior of a body, transforming it into an unsettling space where machinery and flesh-like materials blend into a surreal, grotesque factory. Drawing on her fascination with rigid mechanical systems and organic, malleable forms, she creates a world that speaks to themes of precarity, decay, and renewal.

Lee populates the Hall with skins—fabric sculptures suspended from the ceiling by metal chains. At the centre of the Hall’s east end, a motorized turbine, suspended from a ceiling crane, slowly spins. It releases a viscous liquid from flesh-like silicone tentacles into a large tray. As the factory operates, new skins are soaked beneath the turbine, then moved by technicians to harden on nearby racks before being lifted into the air. Over time, they accumulate —birthed from the building’s body while seemingly shedding from the ceiling above. This ongoing process of production and decay unfolds, facilitated by both machinery and human hands.

The drying of the fabric skins recalls processes used in textile manufacturing. Their chain suspensions are inspired by pit-head baths—early group washing facilities used by coal miners. In these spaces, a pulley system allowed miners to hang their street or work clothes from the bathhouse ceiling while they laboured in the mines or rested at home.

Lee explores the tension between soft organic forms and rigid mechanical systems through her materials. Her kinetic sculptures resemble organisms and machines turned inside out, exposing their inner workings to unsettling effect. Lee’s turbine appears as ‘an open wound that never closes.’

The result is deeply visceral. The installation provokes a complex mix of emotions —tenderness, empathy, unease, and even disgust. The fragile skins suggest vulnerability, care, and the formation of new identities. I found the work incredibly effective in generating an emotional response, making the viewer acutely aware of their own physical presence within the space.

Born in South Korea in 1988, Lee lives and works between Amsterdam and Seoul. She is interested in the power of sculpture to affect both the viewer and the surrounding space and is unafraid to push artistic boundaries in spectacular ways. Her immersive and thought-provoking installations engage the senses and create spaces to reflect on emotion, precarity, and human desire.

For me, what lingers most is the installation’s ability to capture the vulnerability of our existence in a world full of uncertainty. The slow, relentless movement of the machinery creates an eerie sense of being part of a system beyond our control, making human connection and care feel even more essential.

Open Wound is a deeply affecting work that stays with you long after you leave the Turbine Hall. If you’re in London, I highly recommend experiencing it for yourself before 16 March.

Entrance: Free.

Special thanks to photographer Ottavia Castellina for collaborating on these images.

Esculturas Viscerales en el Turbine Hall

Mire Lee: Open Wound (Hyundai Commission)
9 de octubre de 2024 – 16 de marzo de 2025
Tate Modern, Londres, Reino Unido

La última instalación en el Turbine Hall de Tate Modern es una de las obras más impactantes y conmovedoras que he visto en años. Creada por la artista surcoreana Mire Lee, Open Wound reaviva el pasado industrial del edificio mientras explora cómo los paisajes posindustriales moldean el cuerpo y la psique humana.

Lee reimagina el Turbine Hall como el interior de un cuerpo, transformándolo en un espacio inquietante donde la maquinaria y los materiales de apariencia orgánica se funden en una fábrica surrealista y grotesca. Basándose en su fascinación por los sistemas mecánicos rígidos y las formas orgánicas y maleables, crea un mundo que aborda temas como la precariedad, la decadencia y la renovación.

Lee llena el Hall con pieles, esculturas de tela suspendidas del techo por cadenas metálicas. En el centro del extremo este del Hall, una turbina motorizada, suspendida de una grúa en el techo, gira lentamente. Libera un líquido viscoso desde tentáculos de silicona de apariencia orgánica hacia una gran bandeja. A medida que la fábrica opera, nuevas pieles se empapan bajo la turbina y luego son trasladadas por técnicos para endurecerse en estanterías cercanas antes de ser elevadas en el aire. Con el tiempo, estas pieles se acumulan, naciendo del cuerpo del edificio mientras parecen desprenderse del techo. Este proceso continuo de producción y descomposición se desarrolla con la intervención tanto de la maquinaria como de las manos humanas.

El secado de las pieles de tela recuerda los procesos utilizados en la industria textil. Sus cadenas de suspensión están inspiradas en los pit-head baths, antiguos espacios de lavado colectivo utilizados por los mineros del carbón. En estos espacios, un sistema de poleas permitía a los mineros colgar su ropa de calle o de trabajo del techo de la casa de baños mientras trabajaban en las minas o descansaban en casa.

Lee explora la tensión entre las formas orgánicas suaves y los sistemas mecánicos rígidos a través de sus materiales. Sus esculturas cinéticas parecen organismos y máquinas del revés, con sus mecanismos internos expuestos de forma inquietante. La turbina de Lee aparece como ‘una herida abierta que nunca se cierra.’

El resultado es profundamente visceral. La instalación provoca una mezcla compleja de emociones: ternura, empatía, inquietud e incluso repulsión. Las frágiles pieles sugieren vulnerabilidad, cuidado y la formación de nuevas identidades. Para mí, la obra es increíblemente eficaz en la generación de una respuesta emocional, haciendo que el espectador tome plena conciencia de la presencia física de su propio cuerpo en el espacio.

Nacida en Corea del Sur en 1988, Lee vive y trabaja entre Ámsterdam y Seúl. Le interesa el poder de la escultura para afectar tanto al espectador como al espacio circundante, y no teme romper los límites artísticos de manera espectacular. Sus instalaciones inmersivas y provocadoras estimulan los sentidos y crean espacios para reflexionar sobre la emoción, la precariedad y el deseo humano.

Para mí, lo que más perdura es la capacidad de la instalación para capturar la vulnerabilidad de nuestra existencia en un mundo lleno de incertidumbre. El movimiento lento e implacable de la maquinaria genera una sensación inquietante de formar parte de un sistema fuera de nuestro control, haciendo que la conexión humana y el cuidado mutuo se sientan aún más esenciales.

Open Wound es una obra profundamente conmovedora que permanece contigo mucho después de salir del Turbine Hall. Si estás en Londres, te recomiendo que la experimentes por ti mismo antes del 16 de marzo.

Entrada: gratuita.

Un agradecimiento especial a la fotógrafa Ottavia Castellina por colaborar en estas imágenes.

The art blueberry immersed in Mire Lee's Open Wound installation at the Turbine Hall in Tate Modern.

Abstract art inspired by nature

Hilma af Klint & Piet Mondrian
Forms of Life
20th April – 3rd September 2023
Tate Modern, London, UK

The last art show I saw at Tate Modern was “Hilma af Klint & Piet Mondrian: Forms of Life”. Although they never met in real life, the Swedish and the Dutch artists come together in this exhibition to explore how their nature-inspired abstract art developed.

Despite their mutual interest in spirituality and in abstract form, I believe that the evolution experienced by both artists was very different. Nonetheless, I was pleased to discover af Klint’s work for the first time in this exhibition, and I was delighted to see many of the paintings created by both artists and displayed here.

Hilma af Klint (1862-1944) was a Swedish artist and mystic whose paintings are considered among the first abstract artworks in western art history. She belonged to a group called “The Five” – a circle of women inspired by Theosophy, who tried to contact the “high masters” by way of séances.

At her death, Af Klint left instructions for her works not to be shown in public for another 20 years. she believed audiences of the future might be more receptive to her esoteric paintings. And she was proved right, when the Guggenheim’s 2018 retrospective became more than seven decades later the biggest hit in the museum’s history.

Piet Mondrian (1872-1944) was a Dutch painter and art theoretician who is regarded as one of the greatest artists of the 20th century. He is known for being one of the pioneers of 20th-century abstract art, as he changed his artistic direction from figurative painting to an increasingly abstract style, until he reached a point where his artistic vocabulary was reduced to simple geometric elements. Mondrian’s art was highly utopian and was concerned with a search for universal values and aesthetics. 

He co-founded the De Stijl art movement with Theo van Doesburg and evolved a non-representational form which he termed Neoplasticism. This was the new ‘pure plastic art’ which he believed was necessary in order to create ‘universal beauty’. 

From the beginning of the exhibition, it’s easier to associate both artists since both appear to be thinking about art through nature. The juxtaposition of their work don’t seem to be competitive and their works are displayed on different walls. Af Klint’s botanical studies are grouped alone in all their delicate and prolific detail. Whereas, Mondrian paints the same apple tree many times, with an almost Japanese devotion.

However, the love that Mondrian shared with the De Stijl movement for primary colours and black lines is showcased minimally in this art show. Like the changes he experienced by encountering the various art movements of his time in Paris that led him to develop such a personal and iconic style.

The exhibition surprises you when it comes to getting to know Hilma af Klint’s work though. The artist was hardly known by her contemporaries and is frequently compared with 21st century artists since she was a lesbian, feminist, anti-establishment and a restless radical involved in women’s cooperatives.

In this art show, we seem to be confronting a modernist with a postmodernist artist. Although both lived almost at the same time (Mondrian was born 10 years later) and both died on the same year. Mondrian, like other modernists, focused on simplicity and elegance with colour, shape, and form, while promoting utopian ideals. By contrast, af Klint used her art to express her unique interpretation on spirituality based on experience.

Modern art is more associated with male artists, while Postmodern art features contributions from different genders, ethnicities, and classes. Modernist abstract painting in the 20th century found meaning in colours, logic in the lines and an internal coherence. Modernist artists worked towards an idealized version of artistic beauty. Postmodern art, however, rejects the idea that there is a right way to make art, is considered elaborate and decorative, and is based on chance.

In conclusion, the art show is interesting when it comes to confronting two different ways of understanding and creating art, both very related to the evolution of art in the last century. But their artistic journeys, from being inspired by nature to creating magnificent abstract paintings are very far from each other.

With Hilma af Klint, you see how she explores her beliefs through art. She channelled visions received from a spirit world to create exuberant and decorative works of art that have only started to be discovered and understood recently. With Piet Mondrian, you can perceive the evolution of art in the first half of last century. He went through inner and outer changes stimulated by mixing with the revolutionary art movements of his time, and ended up creating unique and iconic artworks that continue being an inspiration for generations of artists today.

Read the Spanish version below the pictures.

Mondrian
Mondrian
Mondrian
af Klint
af Klint
af Klint
af Klint

The little art gooseberry next to a painting by Piet Mondrian
Mondrian
Mondrian
The art blueberry next to a painting by Piet
Mondrian
Mondrian
af Klint
af Klint

Arte abstracto inspirado en la naturaleza

Hilma Af Klint y Piet Mondrian
Formas de vida
20 de abril – 3 de septiembre de 2023
Tate Modern, Londres, Reino Unido

La última muestra de arte que vi en la Tate Modern fue “Hilma af Klint & Piet Mondrian: Forms of Life”. Aunque nunca se conocieron en la vida real, la pintora sueca y el pintor holandés se reúnen en esta exposición para explorar cómo se desarrolló su arte abstracto inspirado en la naturaleza.

A pesar de su mutuo interés por la espiritualidad y la forma abstracta, la evolución experimentada por ambos artistas fue muy diferente. No obstante, me agradó descubrir el trabajo de af Klint por primera vez en esta exposición, y me encantó ver muchas de las obras expuestas de ambos artistas.

Hilma af Klint (1862-1944) fue una artista y mística sueca cuyas pinturas se consideran entre las primeras obras de arte abstractas en la historia del arte occidental. Pertenecía a un grupo llamado “Las Cinco”, un círculo de mujeres inspiradas en la Teosofía, que intentaban contactar a los llamados “maestros superiores” a través de sesiones de espiritismo.

Tras su muerte, af Klint dejó instrucciones para que sus obras no se mostraran en público durante otros 20 años. Creía que el público del futuro sería más receptivo a sus pinturas esotéricas. Y se demostró que tenía razón cuando la retrospectiva del Guggenheim de 2018 se convirtió más de siete décadas después en el mayor éxito en la historia del museo.

Piet Mondrian (1872-1944) fue un pintor y teórico del arte holandés, considerado uno de los más grandes artistas modernistas del siglo XX. Es conocido por ser uno de los pioneros del arte abstracto del siglo XX, que cambió su dirección artística de la pintura figurativa a un estilo cada vez más abstracto, hasta llegar a un punto en el que su vocabulario artístico se redujo a simples elementos geométricos. El arte de Mondrian era muy utópico y se preocupaba por la búsqueda de valores y estéticas universales.

Cofundó el movimiento artístico De Stijl con Theo van Doesburg y desarrolló una forma no figurativa que denominó Neoplasticismo. Este era el nuevo ‘arte plástico puro’ que creía necesario para crear la ‘belleza universal’.

Desde el comienzo de la exposición, es más fácil asociar a ambos artistas, ya que ambos parecen estar pensando en el arte a través de la naturaleza. La yuxtaposición de su trabajo no parece ser competitiva y sus obras se exhiben en paredes diferentes. Los estudios botánicos de af Klint se agrupan solos en todo su delicado y prolífico detalle. Mientras que Mondrian pinta muchas veces el mismo manzano, con una devoción casi japonesa.

Sin embargo, la predileción por los colores primarios y las líneas negras que Mondrian compartió con el movimiento De Stijl se muestra mínimamente en esta exposición, así como los cambios que experimentó al encontrarse en París con los diversos movimientos artísticos de su tiempo que le llevaron a desarrollar un estilo tan personal e icónico.

Eso sí, la exposición sorprende a la hora de conocer la obra de Hilma af Klint. La artista apenas era conocida por sus contemporáneos y es frecuentemente comparada con artistas del siglo XXI. Era lesbiana, feminista, antisistema, radical e involucrada en las cooperativas de mujeres.

En esta exposición de arte, parece que estamos confrontando a un artista modernista con un artista posmoderno. Aunque ambos vivieron casi al mismo tiempo (Mondrian nació 10 años después) y ambos fallecieron el mismo año. Mondrian, como otros modernistas, se centró en la simplicidad y la elegancia, en el color y la forma, al tiempo que promovía ideales utópicos. Por el contrario, af Klint usa su arte para expresar su interpretación única de la espiritualidad, basada en la experiencia.

El arte moderno está más asociado con artistas masculinos, mientras que el arte posmoderno presenta contribuciones de diferentes géneros, etnias y clases. La pintura abstracta modernista del siglo XX encuentra coherencia interna y lógica en las líneas y colores que emplea. Los artistas modernistas trabajaron hacia una versión idealizada de la belleza artística. El arte posmoderno, sin embargo, rechaza la idea de que existe una forma correcta de hacer arte, se considera elaborado y decorativo, y se basa en el azar.

En conclusión, la muestra de arte resultó interesante a la hora de confrontar dos formas diferentes de entender y hacer arte muy relacionadas con la evolución del arte en el siglo pasado. Pero sus trayectorias artísticas, desde inspirarse en la naturaleza hasta crear magníficas pinturas abstractas, están muy lejos la una de la otra.

Con Hilma af Klint, ves cómo exploraba sus creencias a través del arte. Canalizaba las visiones recibidas de un mundo espiritual para crear obras de arte exuberantes y decorativas que apenas han comenzado a ser descubiertas y comprendidas recientemente. Con Piet Mondrian, se puede percibir la evolución del arte en la primera mitad del siglo pasado. Pasó por cambios internos y externos estimulado por la influencia de los movimientos artísticos revolucionarios de su tiempo, y terminó creando obras de arte únicas e icónicas que siguen siendo una inspiración para generaciones de artistas actualmente.

Sources: Tate website, The Guardian, Wikipedia.

Fibrous structures

Magdalena Abakanowicz
Every tangle of threat and rope
21 May 2023
Tate Modern, London, UK

This is the last weekend of this art exhibition at Tate Modern. If you haven’t seen it and you haven’t got other plans for the weekend, I encourage you to go. So far, it’s been my favourite art show this year, and certainly an interesting experience getting to know the work of this artist.

Magdalena Abakanowicz (1930-2017) was a Polish sculpture and fiber artist, known for her use of textiles as sculptural medium. Today she’s highly regarded as one of Poland’s most internationally acclaimed artists. She was born to an aristocratic family and lived in the countryside during her childhood, until the Second World War and subsequently the communist regime reversed their life.

Luckily the forest of her childhood used as an inspiration for her artworks was quite neutral, so the censorship to her work was milder than for other artists. An early show of her work, however, was shut down by the authorities for not actively engaging with the building of socialism. Individual expression had to be in service of the common good at the time. On the other side, the state encouraged cooperation between designers, craftspeople and artisans, which was used by Abakanowicz in her advatange. She became the pioneer of fiber-based sculpture and installation in the 1960s.

Abakanowicz was a weaver of sculptures. But what she did was so radical that it keeps amazing us today. She took the conventional flat tapestry woven for thousands of years and remade it in three dimensions. Her weavings are huge works suspended from the ceiling of organic quality. The artist takes you in a journey that showcases her ideas about nature’s power and our place in it as human beings.

As you enter the art show, you’re presented to smaller works that give you an overview of her beginnings as an artist, including naturalistic abstraction, geometric compositions filled with organic forms, some in paper, other in canvas. Her early tapestries are big, sombre abstracts of brown, beige and tan wool. Some parts are ragged, others braided. The resemble old carpets worn and tattered by lot of use.

Abakanowicz saw fibre, “as the basic element constructing the organic world… the tissue of plants, leaves and ourselves, our nerves, our genetic codes… We are fibrous structures.” she said.

Soon she outgrew the idea of making rectangular works and let the tapestries take a freer form hanging from the ceiling. She started by making them with curved, perforated and wavy shapes. Her works hanging from the ceiling are fibrous, twisted, knotted, and have ropes dangling nearby or animal horns, so that they seem to take on a life of their own. Its material warmth and earthy organic scent is comforting to the viewer.

The central room showcases a collection of dark works as described above; it was like encountering nature in its most basic, original state with its strength and comforting power. As you move along the show you start coming across the human body deconstructed in pieces. You’ll be arrested by the depictions of the female body, of opened labia, the body’s orifices and protuberances, breasts, pregnant bellies and so on.

One of the difficulties facing critics of Abakanowicz’s work through the 1960s and 70s was how to place the varied and multiform things she made. Were her wall-hangings and suspended woven works art at all? Was it craft or “applied art” or “fibre art”? Was it sculpture?  Critics called her a “painter at the looms”, and described her works as “carpet creatures”. They even received the name of Abakans, coming from her surname.

This art exhibition at the Tate Modern is like a primal experience. As you move through the artworks a forest seem to emerge around you. Some dark works of art seem to be branching out like trees, others tangled like vines, others are like trunks opened to protect you from a storm. An ancient forest, primal and mysterious – all created from wool develops around you. And subsequently, a deconstruction of the human body, only to remember us that we are part of nature. Let’s not forget that!

Estructuras fibrosas

Magdalena Abakanowicz
Every tangle of threat and rope
21 mayo 2023
Tate Modern, Londres, Reino Unido

Este es el último fin de semana de esta exposición de arte en la Tate Modern. Si no la has visto y no tienes otros planes para el fin de semana, te animo a que vayas. Hasta ahora, ha sido mi exhibición de arte favorita este año, y sin duda una experiencia interesante conocer el trabajo de esta artista.

Magdalena Abakanowicz (1930-2017) fue una artista polaca de escultura y fibra, conocida por su uso de textiles como medio escultórico. Hoy en día es considerada como una de las artistas polacas más aclamadas internacionalmente. Nació en una familia aristocrática y vivió en el campo durante su infancia, hasta que la Segunda Guerra Mundial y posteriormente el régimen comunista cambiaron su vida.

Afortunadamente, el bosque de su infancia que usó como inspiración para su arte fue bastante neutral, por lo que la censura a su trabajo fue más leve que para otros artistas. Sin embargo, las autoridades cerraron una muestra temprana de su trabajo por no participar activamente en la construcción del socialismo. La expresión individual tenía que estar al servicio del bien común de la época. Por otro lado, el estado fomentó la cooperación entre diseñadores y artesanos, lo que fue aprovechado por Abakanowicz en su beneficio. Se convirtió en pionera de la escultura e instalaciones a base de fibra en la década de 1960.

Abakanowicz era tejedora de esculturas. Pero lo que hizo fue tan radical que hoy nos sigue sorprendiendo. Tomó el tapiz plano convencional tejido durante miles de años y lo rehízo en tres dimensiones. Sus tejidos son obras gigantescas suspendidas del techo de calidad orgánica. La artista te lleva en un viaje que muestra sus ideas sobre el poder de la naturaleza y nuestro lugar en ella como seres humanos.

Al entrar en la exposición de arte, se presentan obras más pequeñas que te brindan una descripción general de sus inicios como artista, incluida la abstracción naturalista, composiciones geométricas llenas de formas orgánicas, algunas en papel, otras en lienzo. Sus primeros tapices son resúmenes grandes y sombríos de lana marrón, beige y canela. Algunas partes están rotas, otras trenzadas. Se parecen a alfombras viejas gastadas y rotas por mucho uso.

Abakanowicz veía la fibra, “como el elemento básico que construye el mundo orgánico… el tejido de las plantas, las hojas y nosotros mismos, nuestros nervios, nuestros códigos genéticos… Somos estructuras fibrosas” dijo ella.

Pronto superó la idea de hacer obras rectangulares y dejó que los tapices tomaran una forma más libre colgando del techo. Empezó haciéndolas con formas curvas, perforadas y onduladas. Sus obras colgadas del techo son fibrosas, retorcidas, anudadas y tienen cuerdas colgando cerca o cuernos de animales de manera que parecen cobrar vida propia. Su calidez material y olor orgánico terroso es reconfortante para el espectador.

La sala central exhibe una colección de obras oscuras como he descrito arriba; fue como encontrarse con la naturaleza en su estado primigenio con toda su fuerza y poder reconfortante. A medida que avanzas en la muestra, comienzas a encontrarte con el cuerpo humano deconstruido en pedazos. Te cautivarán las representaciones del cuerpo femenino, de los labios abiertos, los orificios y protuberancias del cuerpo, los senos, las barrigas de embarazo, etc.

Una de las dificultades que enfrentaron los críticos del trabajo de Abakanowicz durante las décadas de 1960 y 1970 fue cómo ubicar las cosas variadas y multiformes que hizo. ¿Sus tapices y tejidos suspendidos eran arte en absoluto? ¿O era artesanía o “arte aplicado” o “arte de la fibra”? ¿Era escultura? Los críticos la llamaron “pintora de los telares”, y describieron sus obras como “criaturas de alfombra” e incluso recibieron el nombre de Abakans, proveniente de su apellido.

Esta exposición de arte en la Tate Modern es como una experiencia primaria. A medida que avanzas por la muestra, parece que un bosque emerge a tu alrededor. Algunas obras de arte oscuras parecen ramificarse como árboles, otras se enredan como vides, otras son como troncos abiertos para protegerte de una tormenta. Un bosque antiguo, primitivo y misterioso, todo creado a partir de lana se despliega a tu alrededor. Y luego, una deconstrucción del cuerpo humano a continuación, solo para recordarnos que somos parte de la naturaleza. ¡No olvidemos eso!

Experimenting with art under communism

Maria Bartuszová
20 September 2022 – 16 April 2023
Tate Modern, London, UK

The Slovak sculptor (1936–1996) was born in Prague and worked over three decades in Košice, the second largest city in Slovakia. She made strongly experimental art under communism, with no links to the western art world and even getting state support for some of her distinctive evocative creations.

Bartuszová developed her own techniques that included filling balloons with plaster and modelling objects by submerging them in water or blowing air into them. The stretchy shapes of balloons released new kinds of artistic form – some of these works suggest raindrops, seeds or eggs; others, the human body in interesting erotic ways.  See some pictures we took at the art exhibition below.

The artworks presented at the Tate were made mostly from plaster, so they could be sculpted cheaply and easily when she was a young mother working from home in the 1960s. Resourcefulness was key in gathering props in a time of material scarcity: she cast her models in small rubber balloons, condoms or even car tyres.

These spatial compositions were built to be touched, picked apart and reassembled. She used them in workshops with blind and partially sighted children in eastern Slovakia. This was documented by local curator Gabriel Kladek. See some photos taken at these workshops below.

She admired early 20th-century artists such as Brâncuşi, Miró and Henry Moore who transformed natural shapes into abstract art. But this modern tradition of “biomorphic abstraction” undergoes a disturbed rebirth when it’s passed through her balloons. Her organic shapes are sometimes fleshly, other times sort of disconcerting. They touch on themes such as belonging, growth and infinity.

In the 1970s, Bartuszová as well as other Czechoslovak artists, living under a totalitarian regime, was drawn towards spirituality. Nature gave the artist a setting for therapeutic and meditative contemplation. This inspired her to create works in which the plaster is merged with living and inanimate natural objects, such as stones or tree branches, which for her symbolised the strong bonds and constraints of human relationships.

Maria Bartuszova’s art exhibition comes at a time when the art world seems to be trying to redeem itself by bringing attention to female artists, who were previously ignored in comparison to their male counterparts working in the same period.

Her work was barely recognised for its worth in socialist Czechoslovakia. But, over the past 15 years the appreciation for her art has broadly grown. Currently, her work is included in the Centre Pompidou in Paris, the Slovak National Gallery in Bratislava and the Tate in London. And it is part of a curated selection at the Venice Biennale titled “Milk of Dreams”, Arsenale Area (April-November 2022).

As a mother of two young children working from home, I felt identified with the artist from the perspective of looking for new ways to entertain my kids at home making art. Her work was exploratory and very involving with audiences, something that we, The art berries, really admire.

Price: £16 / Free for Members.

Experimentando con arte bajo el comunismo

María Bartuszová
20 de septiembre de 2022 – 16 de abril de 2023
Tate Modern, Londres, Reino Unido

La escultora eslovaca (1936–1996) nació en Praga y trabajó durante tres décadas en Košice, la segunda ciudad más grande de Eslovaquia. Su arte de tipo experimental fue creado bajo el comunismo, sin vínculos con el mundo del arte occidental, e incluso consiguiendo apoyo estatal para algunas de sus distintivas evocadoras creaciones.

Bartuszová desarrolló sus propias técnicas que incluían llenar globos con escayola y modelar objetos sumergiéndolos en agua o soplando aire dentro. Las formas elásticas de los globos lanzaron nuevos tipos de formas artísticas: algunas de estas obras sugieren gotas de lluvia, semillas o huevos; otras, el cuerpo humano con interesantes formas eróticas. Se pueden ver algunas fotos que tomamos en la exhibición más abajo.

Las obras de arte presentadas en la Tate estaban hechas principalmente en escayola, por lo que pudo esculpirlas de forma económica y sencilla cuando era una madre joven trabajabando desde casa en la década de 1960. El ingenio fue clave en la recopilación de accesorios en una época de escasez de material: moldeó sus prototipos en pequeños globos de goma, condones o incluso neumáticos de automóviles.

Estas composiciones espaciales fueron construidas para ser tocadas, separadas y reensambladas. La artista las usó en talleres con niños ciegos y deficientes visuales en el este de Eslovaquia. Lo que fue documentado por el comisario de arte local Gabriel Kladek. Puedes ver algunas fotos tomadas en estos talleres a continuación.

Bartuszová admiró a artistas de principios del siglo XX como Brâncuşi, Miró y Henry Moore, quienes transformaron las formas naturales en arte abstracto. Pero esta tradición moderna de “abstracción biomórfica” experimenta un renacimiento perturbado cuando pasa a través de sus globos. Sus formas orgánicas son a veces carnales, otras veces algo desconcertantes. Tocan temas como la pertenencia, el crecimiento y el infinito.

Bartuszová, al igual que otros artistas checoslovacos de la década de 1970, que vivían bajo un régimen totalitario, se sintió atraída por la espiritualidad. La naturaleza le dio a la artista un escenario para la contemplación terapéutica y meditativa. Esto la inspiró a crear obras en las que el yeso se fusiona con objetos naturales vivos e inanimados, como piedras o ramas de árboles, que para ella simbolizan los fuertes lazos y las limitaciones de las relaciones humanas.

La exhibición de arte de Maria Bartuszová llega en un momento en que el mundo del arte parece estar tratando de redimirse centrando su atención en artistas femeninas que antes eran ignoradas, en comparación con sus homólogos masculinos que trabajaban en el mismo período.

Su trabajo apenas fue reconocido por su valor en la Checoslovaquia socialista. Pero, en los últimos 15 años, el aprecio por su arte no ha hecho más que crecer. Actualmente, su trabajo se incluye en el Centro Pompidou en París, la Galería Nacional Eslovaca en Bratislava y la Tate en Londres. Y forma parte de una selección de obras actualmente en la Bienal de Venecia titulada “Milk of Dreams”, Arsenale Area (abril-noviembre de 2022).

Como madre de dos niños pequeños que trabaja desde casa, me sentí identificada con la artista desde la perspectiva de buscar nuevas formas de entretener a mis hijos en casa haciendo arte. Su trabajo es exploratorio y muy participativo con el público, algo que nosotras, The art berries, realmente admiramos.

Precio de la entrada: £16 / Gratis para miembros.

Rethinking the world

Lubaina Himid
25 November 2021 – 2 October 2022
Tate Modern, London, UK

The art exhibition I’ve selected in this occasion is one by Lubaina Himid, currently on show at Tate Modern, London. She is a British artist and curator known for being one of the first artists involved in the UK’s Black Art movement in the 1980s, and for becoming the first black woman to win the Tuner Prize in 2017. Born in Zanzibar to a white English mother and a black African father, she was brought to London soon after her dad’s premature death.

Himid was trained in theather design and received her master’s degree in Cultural History from the Royal College of Art in London, both training very relevant to understand her art practice. Over the last decade, she has earned international recognition for her figurative paintings, which explore overlooked and invisible aspects of history and of contemporary everyday life.

As I entered the art show, I was surrounded by bright colours with painted questions across the walls, such as: ‘what does love sound like?’, ‘what are monuments for?’, and most importantly ‘we live in clothes, we live in buildings – do they fit us?’ It may be a bit early on the show to be confronted with those questions. But, it forces you to rethink about the world we live in from the very beginning, which is in my opinion one of the strongest points of this art show.

Along the exhibition, she presents what life would be like if she could build it herself as opposed to accepting what’s already created for us. A wagon painted with fish (see below), a jelly moulds covered in African patterns, paintings representing buildings that twist, etc. Like a proposal for a new world architecture.

What least convinced me about this art show was her attempt to make you feel like an actor within a theatre stage with various sound installations across the show. It wasn’t something I felt related to. I prefer her bright, flat-perspective paintings. They are conceptually and aesthetically interesting . However, I didn’t see that this exhibition represents very well who was once one of the first artists involved in the UK’s Black Art movemen. It was a bit light from that perspective.

Having said that, it was interesting for me to see what one of the most relevant British artist have been working on most recently, and I appreciate her interest to make you rethink about the world in a new way; particularly relevant to design students, but to all of us as well. Let’s not accept everything that’s given to us. Let’s try to apply changes and build a better world; more caring, more imaginative and ultimately more exciting.

Repensar el mundo

Lubaina Himid
25 noviembre 2021 – 2 octubre 2022
Tate Modern, Londres, Reino Unido

La exposición de arte que he seleccionado en esta ocasión es una de Lubaina Himid, actualmente expuesta en la Tate Modern de Londres. Es una artista y comisaria de arte británica conocida por ser una de las primeras artistas involucradas en el movimiento Black Art del Reino Unido en la década de 1980 y por ser la primera mujer negra en ganar el Premio Tuner en 2017. Nacida en Zanzíbar de madre blanca inglesa y de padre negro africano, la trajeron a Londres poco después de la muerte prematura de su padre.

Himid se formó en diseño teatral y recibió su master en Historia Cultural del Royal College of Art de Londres, ambas titulaciones muy relevantes para comprender su práctica artística. Durante la última década, se ha ganado el reconocimiento internacional por sus pinturas figurativas, que exploran aspectos invisibles de la historia y de la vida cotidiana contemporánea.

Cuando entré en la exposición de arte, me ví rodeada de colores brillantes con preguntas pintadas en las paredes, como: “¿cómo suena el amor?”, “¿para qué son los monumentos?” y, lo que es más importante, “vivimos vestidos, vivimos en edificios, ¿se adaptan a nosotros?” Puede ser un poco temprano en la muestra para enfrentar al visitante a esas preguntas. Pero, te fuerza a repensar el mundo en el que vivimos desde el principio, que es en mi opinión uno de los puntos fuertes de esta muestra de arte.

A lo largo de la exposición, presenta cómo sería la vida si pudiera construirla ella misma en lugar de aceptar lo que ya está creado para nosotros. Una carreta pintada con peces (ver más abajo), unos moldes de gelatina cubiertos de motivos africanos, cuadros que representan edificios que se retuercen, etc. Como propuesta de una nueva arquitectura mundial.

Lo que menos me convenció de esta muestra de arte fue su intento de hacerte sentir como un actor dentro del escenario de un teatro con varias instalaciones de sonido a lo largo de la muestra. No fue algo con lo que me sintiera relacionada. Prefiero sus pinturas brillantes y de perspectiva plana. Son conceptual y estéticamente interesantes. Aunque, no me pareció que esta exhibición represente muy bien a quien alguna vez fue una de los primeras artistas involucrados en el movimiento Black Art del Reino Unido. Era un poco suave desde esa perspectiva.

Habiendo dicho eso, fue interesante para mí ver en qué ha estado trabajando recientemente una de las artistas británicas más relevantes, y aprecio su interés por hacerte repensar el mundo de una manera nueva; particularmente relevante para estudiantes de diseño, pero también para cualquiera de nosotros. No aceptemos todo lo que nos viene dado. Tratemos de aplicar cambios y construir un mundo mejor; más solidario, más imaginativo y en definitiva más emocionante.

Breaking with classical sculpture

Auguste Rodin
The making of Rodin
18 May – 21 November 2021
Tate Modern, London, UK

I was excited to see what Tate Modern had prepared for the Rodin exhibition, as he’s one of my favourite sculptors. Having visited the Musée Rodin in Paris more than ten years ago, I was impressed by seeing his works exhibited in such an exquisite venue. The small palace surronded by gardens was apparently his residence for some time, and displays his work all over the place immersing the visitor in a mesmerising experience.

The show at the Tate wasn’t as delightful as the visit to the Parisian museum described above, but nonetheless interesting when trying to understand the artist and his trajectory. This art exhibition at Tate Modern focused on the importance of plaster in his work. Although, he’s best known for his bronze and marble sculptures, he worked as a modeller in pliable and less appreciated materials, such as clay and plaster, capturing movement, light and volume.

Rodin (12 November – 17 November 1917) was a French sculptor generally considered the founder of modern sculpture. He was schooled traditionally and took a craftsman-like approach to his work. Rodin possessed a unique ability to model a complex and turbulent surface in clay.

Part of the exhibition evoked the atmosphere of the artist’s studio with plaster casts in all sizes to show how he experimented with fragmentation, repetition and joining parts in unconventional ways. Indeed, Tate curators seem interested in representing Rodin as an artist that belongs to Tate Modern with his obsession with fragmentation, appropiation and repetition. Just like Duchamp or Warhol did.

The exhibition aimed to explore how these experiments went on to influence some of the artist’s best-known sculptures. However, if anything resonates with me about Rodin, it is the expressiveness of his artworks, more than the experimentation he did with fragments of his sculptures, which was appartently fairly common in that period of history.

The first room at the gallery was actually good to help me understand the evolution of his art. His male nude The Age of Bronze was pretty controversial. He modelled the figure in clay, working by close observation and examining his subject – a young Belgian soldier called Auguste Neyt – from all angles. But then, the result was so real that he was accused of casting it from his model instead of using artistic talent.

Rodin was offended by allegations of cheating and even commissioned photographs of Neyt to demonstrate the subtle anatomical differences between the sitter and the sculpture. And, the accusation had a major impact on him, who soon broke with the conventions of classical sculpture and idealised beauty, defining his following art trajectory from that point.

He would create new images of the human body that reflected the complexities of the new times. His objective seemed more to capture the essence and individuality of the sitter, with emphasis in the physicality of the subject then in following the tradition, and for that reason he can be considered one of the fathers of modern sculpture. See some images below of artworks such as The Burghers of Calais, Monument to Balzac, The Thinker, the Japanese actress Ohta Hisa, and the German aristocrat Helene Von Nostitz.

Rompiendo con la escultura clásica
Auguste Rodin
The making of Rodin
18 de mayo – 21 de noviembre de 2021
Tate Modern, Londres, Reino Unido

Estaba emocionada de ver lo que Tate Modern había preparado para la exposición de Rodin porque es uno de mis escultores favoritos. Habiendo visitado el Museo Rodin en París hace más de diez años, me impresionó ver sus obras expuestas en un lugar tan exquisito. El pequeño palacio rodeado de jardines aparentemente fue su residencia durante algún tiempo, y muestra su trabajo por todas partes sumergiendo al visitante en una experiencia fascinante.

La muestra en la Tate no fue tan cautivadora como la visita al museo parisino descrita anteriormente, pero de cualquier manera interesante a la hora de entender su trayectoria artística. Esta exposición de arte en la Tate Modern se centró en la importancia del yeso en su trabajo. Aunque es más conocido por sus esculturas de bronce y mármol, trabajó como modelador en materiales maleables y menos apreciados, como arcilla y yeso, capturando movimiento, luz y volumen.

Rodin (12 de noviembre – 17 de noviembre de 1917) fue un escultor francés generalmente considerado el fundador de la escultura moderna. Fue educado tradicionalmente y adoptó un enfoque artesano en su trabajo. Rodin poseía una habilidad única para modelar una superficie compleja y turbulenta en arcilla.

Parte de la exposición evocaba la atmósfera del estudio del artista con moldes de yeso de todos los tamaños para mostrar cómo experimentó con la fragmentación, la repetición y la unión de piezas de formas poco convencionales. De hecho, los comisarios de la Tate parecían interesados ​​en representar a Rodin como un artista que pertenece a la Tate Modern con su obsesión por la fragmentación, la apropiación y la repetición. Tal y como hicieron Duchamp o Warhol.

La exposición tenía como objetivo explorar cómo estos experimentos influyeron en algunas de las esculturas más conocidas del artista. Sin embargo, si algo resuena conmigo sobre Rodin es la expresividad de sus obras de arte, más que la experimentación que hizo con fragmentos de sus esculturas, que aparentemente era bastante común en aquella época.

La primera sala de la galería fue una buena introducción para comprender la evolución de su arte. Su desnudo masculino “The Age of Bronze” fue bastante controvertido. Modeló la figura en arcilla, trabajando con una estrecha observación y examinando a su sujeto, un joven soldado belga llamado Auguste Neyt, desde todos los ángulos. Pero entonces, el resultado fue tan real que le acusaron de fundirlo a partir de su modelo en lugar de usar talento artístico modelándolo previamente.

Rodin se sintió ofendido por las acusaciones de trampa e incluso encargó fotografías de Neyt para demostrar las sutiles diferencias anatómicas entre el modelo y la escultura. Pero, la acusación tuvo un gran impacto en él y pronto rompió con las convenciones de la escultura clásica y la belleza idealizada, definiendo su siguiente trayectoria artística desde ese punto.

Crearía nuevas imágenes del cuerpo humano que reflejaran las complejidades de los nuevos tiempos. Su objetivo parecía captar más la esencia y la individualidad del modelo, con énfasis en la fisicalidad del sujeto que en seguir la tradición, y por esa razón puede ser considerado uno de los padres de la escultura moderna. Véanse las fotos de su obra debajo incluyendo Los burgueses de Calais, Monumento a Balzac, el pensador, Balzac, la actriz japonesa Ohta Hisa y la aristócrata alemana Helene Von Nostitz.

Ohta Hisa
Helene Von Nostitz
Monument to Balzac
The Burghers of Calais

An expert in the art of repetition

Andy Warhol
12 March – 15 November (Extended)
Tate Modern, London, UK

This post is long overdue. But, Covid-19 has transformed our lives in unimaginable ways. Galleries have been closed for a few months and finally they can be visited only by appointment here in London. So, I’m back to tell you about the last exhibition I’ve seen in months: Andy Warhol at Tate Modern. The show has been extended until the 15th November, so you’re still in time to see it.

I’m not the biggest fan of pop art, but Warhol is an American icon that cannot be missed. The art show features some of his iconic paintings, the work that made him famous as a pop artist (a term he hated apparently) including Coca-Cola bottles, 50 Marilyn Monroe portraits (1962), 168 pairs of Marilyn’s lips (see a picture of The art berries featuring this artwork below), Elvis I and II 1963/1964, Pink Race Riot 1964, a woman falling from a building 35 times, 10 Brillo boxes in a corner, 100 Campbell soup cans, 112 bottles of Coke and Marlon Brando twice, etc. Warhol was an expert in the art of repetition. “I want to be a machine” he said. Hence, his obsession with repetition, which in my opinion enhances the artwork instead of making it dull.

Warhol’s sexuality seems to be an important theme in this exhibition. Beginning with a selection of his early line drawings of men from the 1950s, counting on the film Sleep 1963, which documents Warhol’s lover, the poet John Giorno – and featuring large-scale paintings like his 1975 Ladies and Gentlemen series, not shown in the UK before. They depict anonymous Black and Latinx drag queens and trans women from New York, including iconic performer and activist, Marsha P. Johnson, a prominent figure in the Stonewall uprising of 1969 – a series of spontaneous, violent demonstrations by members of the LGBT community in response to a police raid. The exhibition looks at how Warhol’s attempt to bring the stars of the underground into the mainstream.

However, one of my favourite works in this exhibition was right at the end of the art show: Leonardo da Vinci’s Last Supper. Silkscreened from a reproduction, it’s repeated 60 times across a panoramic canvas in black and white (see image below). It turns Leonardo’s masterpiece in a static film-strip by the use of repetition. And it’s some kind of homage to Luis Buñuel’s film, Viridiana.

The art show tell us about his experiences as a child of working-class immigrants, a gay man, a devout Catholic and the target of a bizarre shooting by one of his groupies, to help us understand the evolution of his art. His innovative and unique approach to art in an age of immense political, social and technological change has been recognised by the art world ever since.

Experto en el arte de la repetición
Andy Warhol
12 de marzo – 15 de noviembre (ampliada)
Tate Modern, Londres, Reino Unido

Hace tiempo que quería poner un post. Pero, Covid-19 ha transformado nuestras vidas de formas inimaginables. Las galerías han estado cerradas durante unos meses y ya se pueden visitar con cita previa aquí en Londres. Así que, estoy de vuelta para contaros sobre la última exposición que he visto en meses: Andy Warhol en Tate Modern. La exposición ha sido extendida hasta el 15 de noviembre, por lo que aún estás a tiempo de verla.

No soy la mayor fan del pop art, pero Warhol es un ícono estadounidense que no te puedes perder. La muestra de arte presenta algunas de sus pinturas más icónicas, el trabajo que le hizo famoso como artista pop (un término que aparentemente odiaba) incluyendo botellas de Coca-Cola, 50 retratos de Marilyn Monroe (1962), 168 pares de labios de Marilyn (ver una imagen de The art berries con esta obra de arte a continuación), Elvis I y II 1963/1964, Pink Race Riot 1964, una mujer que se cae de un edificio 35 veces, 10 cajas de Brillo en una esquina, 100 latas de sopa Campbell, 112 botellas de Coca-Cola y Marlon Brando dos veces, etc. Warhol era un experto en el arte de la repetición. “Quiero ser una máquina”, dijo. De ahí su obsesión por la repetición, realzando la obra de arte en lugar de volverla aburrida.

La sexualidad de Warhol parece ser un tema importante en esta exposición. Comenzando con una selección de sus primeros dibujos lineales de hombres de la década de 1950, contando con la película Sleep 1963 – que documenta al amante de Warhol, el poeta John Giorno – y presentando pinturas de gran formato como su serie Ladies and Gentlemen de 1975, no mostrada en el Reino Unido antes. Representan drag queens y mujeres trans negras y latinas anónimas de Nueva York, incluida la artista y activista icónica, Marsha P. Johnson, una figura prominente en el levantamiento de Stonewall de 1969 – una serie de manifestaciones espontáneas y violentas de miembros de la LGBT comunidad en respuesta a una redada policial. La exposición analiza el interés de Warhol por llevar a las estrellas del underground a la corriente principal.

Sin embargo, una de mis obras favoritas de esta exposición estaba justo al final de la muestra de arte: La Última Cena de Leonardo da Vinci. Serigrafiada a partir de una reproducción, se repite 60 veces en un lienzo panorámico en blanco y negro. Convierte la obra maestra de Leonardo en una tira de película estática mediante el uso de la repetición. Es una especie de homenaje a la película de Luis Buñuel, Viridiana.

La exposición nos cuenta sus experiencias como hijo de inmigrantes de clase trabajadora, hombre gay, católico devoto y blanco de un extraño tiroteo por parte de una de sus groupies, para ayudarnos a comprender la evolución de su arte. Su enfoque innovador y único del arte en una época de inmenso cambio político, social y tecnológico ha sido reconocido por el mundo del arte desde entonces.

Changing perceptions

Olafur Eliasson
In real life
11 July 2019 – 5 January 2020
Tate Modern, London, UK

This was a very popular art exhibition at the Tate Modern in London last summer and autumn and, although I couldn’t find the time to write about it while it was on, I believe that Olafur Eliasson is one of the best artists working nowadays, so I wouldn’t like to miss it here.

As we went into the exhibition space, the first room we entered was a model room. In dim light, he presented around 450 models, prototypes and geometric studies behind a glass. All of them are a record of his work with a studio team and with Icelandic artist, mathematician and architect Einar Thorsteinn (1942-2015). Some of these shapes can be recognised on Eliasson’s sculptures and pavilions. I was mesmerised by the different shapes, textures and materials employed by the artist here. Among the materias on display were paper, wood, rubber balls, Lego and wire. I would’ve liked to shrink and immerse myself in this magical landscape! See a small view of the models below.

The following room displayed his earliest works. Here, it can be appreciated the interest of the artist in nature and the weather. My favourite piece in this room was “Moss wall” (1994), a huge abstract work made of Scandinavian reindeer lichen that served to bring an unexpected material from nature into the space of the gallery. The texture and colour of this work captivated me and kept me staring at it for some time; there was so much detail to appreciate from it! It was like going back to nature, but within a sheltered space.

Then, we could see the use the artist does of kaleidoscopes, which he’s been making since the mid-1990s. For Eliasson this is not just a playful toy, but also as a way to reconfigure what you see. He merges inside and outside space and dissolves the boundary between the gallery and the outside world. The art blackberry can be seen in a worship position underneath one of them.

As we continued watching the art exhibition, we came across his glacial works. Visiting Iceland in his childhood made the artist very close to the global warming plight after seeing its glaciers melt in first hand. He documented this with a series of photographs he started taking in 1999 and finished in 2019, twenty years later. The changes in the landscape can be clearly appreciated.

In addition, there were other references to the changing environment like in “Glacial currents” (2018), where pieces of glacial ice were placed on top of washes of colour pigment (see image below) or in a bronze cast from 2019 called “The presence of absence pavilion”, which makes visible the empty space left by a glacial ice chunk after melting away. An Australian friend collaborate with us as a Guest berry in these photos and her hand can be seen through this artwork below.

Finally, another one of Eliasson’s projects around this subject was “Ice Watch”, staged in front of Tate Modern in 2018 and consisting of ice blocks brought from Greenland to offer a direct experience of seeing the ice from the Artic melt. The ice was fished out of a fjord in Greenland after becoming detached from the ice sheet. As a result of global warming more icebergs are produced causing the sea levels to rise.

Olafur Eliasson is a Danish-Icelendic artist, whose body of work includes sculptures, large-scale installations, photography and paintings. He uses all sort of materials ranging from moss, glacial melt-water, light, fog and even air temperature to enhance the viewer’s experience. His main interests revolve around nature, geometry and his ongoing investigations into how we perceive, feel and shape the world around us. Hence, the audiences experience at his art shows are so much at the centre of attention of his art.

Ultimately, he believes that art can have a strong impact on the world outside the museum, and I personally agree with this view. In fact, Eliasson runs a studio in Berlin with technicians, architects, archivists, art historians, designers, filmmakers, cooks, and administrators, and he collaborates with all sort of professionals to work in matters such as sustainable energy or climate change. As an artist he’s got a strong will to change perceptions towards the environment and to achieve a more sustainable planet, and if more people had the same concerns, the world would be a better place to live in.

 

Cambiando percepciones

Olafur Eliasson
En la vida real
11 de julio de 2019 – 5 de enero de 2020
Tate Modern, Londres, Reino Unido.

Esta fue una exposición de arte muy popular en la Tate Modern de Londres el verano y otoño pasados y, aunque no encontré tiempo para escribir sobre ella mientras estaba abierta, creo que Olafur Eliasson es uno de los mejores artistas trabajando hoy día, así que no quiero dejar de cubrirla aquí.

Cuando entramos en la exposición, la primera sala con la que nos topamos fue una sala de maquetas. Con poca luz, se presentaban alrededor de 450 maquetas, prototipos y estudios geométricos detrás de un vidrio. Todas ellas son un registro de su trabajo con un equipo de su estudio y con el artista, matemático y arquitecto islandés Einar Thorsteinn (1942-2015). Algunas de estas formas se pueden reconocer en las esculturas e instalaciones de Eliasson. Me quedé fascinada con las diferentes formas, texturas y materiales empleados por el artista. Entre los materiales había papel, madera, bolas de goma, Lego y alambre. Me hubiera gustado encogerme para sumergirme en este paisaje mágico! Puedes ver una pequeña imagen de las maquetas debajo.

La siguiente sala exhibió sus primeros trabajos. Aquí, se reflejaba el interés del artista en la naturaleza y el clima. Mi pieza favorita en esta sala fue “Moss wall” (1994), una gran obra abstracta hecha de liquen de reno escandinavo que sirvió para llevar un material inesperado de la naturaleza al espacio de la galería. La textura y el color de este trabajo me cautivaron y me mantuvieron mirándolo por algún tiempo; ¡había tantos detalles que apreciar! Era como volver a la naturaleza, pero dentro de un espacio protegido.

Más adelante pudimos ver el uso que el artista hace de los caleidoscopios, que ha estado haciendo desde mediados de la década de 1990. Para Eliasson, este no es solo un juguete lúdico, sino también una forma de reconfigurar lo que ves. Fusiona el espacio interior y exterior y disuelve el límite entre la galería y el mundo exterior. The art blackberry se puede ver en una posición de adoración debajo de uno de ellos a continuación.

A medida que avanzamos por la exposición de arte, nos encontramos con sus obras glaciales. Visitar Islandia en su infancia hizo que el artista se acercara mucho a la difícil situación del calentamiento global después de ver cómo se derritieron sus glaciares de primera mano. Lo documentó con una serie de fotografías que comenzó a tomar en 1999 y terminó en 2019, veinte años después. Los cambios en el paisaje se pueden apreciar claramente.

Además, hubo otras referencias al entorno cambiante como en “Corrientes glaciales” (2018), donde se colocaron trozos de hielo glacial sobre lavados de pigmento de color (ver imagen a continuación) o en un molde de bronce de 2019 llamado “The presencia del pabellón de ausencia ”, que hace visible el espacio vacío dejado por un trozo de hielo glacial después de derretirse. Una amiga australiana visitando Londres colabora con nosotras como Guest berry y puede verse su mano  a través de esta obra abajo.

Finalmente, otro de los proyectos de Eliasson en torno a este tema fue “Ice Watch”, organizado frente a Tate Modern en 2018 y consistente en bloques de hielo traídos de Groenlandia para ofrecer una experiencia directa de ver el deshielo del Artico. El hielo fue sacado de un fiordo en Groenlandia después de separarse de la capa de hielo. Como resultado del calentamiento global, se producen más icebergs que provocan el aumento del nivel del mar.

Olafur Eliasson es un artista danés-islandés, cuyo trabajo incluye esculturas, instalaciones a gran escala, fotografía y pinturas. Utiliza todo tipo de materiales, desde musgo, agua de deshielo glacial, luz, niebla e incluso temperatura del aire para mejorar la experiencia del espectador. Sus principales intereses giran en torno a la naturaleza, la geometría y sus continuas investigaciones sobre cómo percibimos, sentimos y damos forma al mundo que nos rodea. Por lo tanto, la experiencia del público en sus exposiciones de arte está en el centro de atención de su arte.

Finalmente, él cree que el arte puede tener un fuerte impacto en el mundo fuera del museo, y personalmente estoy de acuerdo con esta opinión. De hecho, Eliasson dirige un estudio en Berlín con técnicos, arquitectos, archiveros, historiadores del arte, diseñadores, cineastas, cocineros y administradores, y colabora con todo tipo de profesionales para trabajar en asuntos como la energía sostenible o el cambio climático. Como artista, tiene una gran voluntad de cambiar las percepciones sobre el medio ambiente y lograr un planeta más sostenible, y si más personas tuvieran las mismas preocupaciones, el mundo sería un lugar mejor para vivir.

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